viernes, junio 30, 2006

Resumen, Lo Mejor del Primer Semestre 2006

seis meses no es nada...




En esta oportunidad mi idea era presentar solo las doce películas que, a mi criterio, fueron las más destacadas durante este primer semestre del 2006, sin embargo, luego de darle un par de vueltas, no vi mayor inconveniente en rankearlas tal como en el resumen con lo mejor del año 2005, cuando había que elegir a la mejor de todas a través de doce títulos que representaran lo mejor de los doce meses del año. Alguien podría suponer que no es del todo conveniente adelantarse tanto, cuando solo ha transcurrido la primera mitad de este 2006, sin embargo, a esta misma fecha el año pasado la norteamericana “Sideways” de Alexander Payne y la rusa “Vozvraschenie” de Andrey Zvyagintsev ya eran mis claras favoritas, y de hecho, solo fueron superadas al momento de hacer un balance con lo mejor del año por la uruguaya “Whisky”, de Pablo Stoll y Juan Pablo Rebella, una producción que se estrenó en julio del 2005.

Así entonces, sin alargarme tanto en la presentación, dejo ahora a criterio de ustedes esta selección con las 12 Mejores Películas de este primer semestre del 2006, ordenadas desde el puesto Nº1 al Nº12. Posteriormente habrá unos breves apuntes finales, más las respectivas menciones a otros títulos destacados durante este primer semestre del año.


Nº 1
Título: El Castillo Andante (The Howl's Moving Castle)
Director: Hayao Miyazaki
Género: Animación Japonesa
País: Japón


Esta no es ni una choreza ni tampoco una absurda pretensión por dar un golpe a la cátedra. Le otorgo el primer lugar a esta película de animación japonesa simplemente porque la historia de la novelista británica Diana Wynne Jones, llevada al cine por el 'genio' del animé japonés, Hayao Miyazaki, se convirtió merecidamente en el trabajo cinematográfico más sólido de estos seis primeros meses, a través de una historia llena de magia y mensajes de doble lectura, donde valores como el pacifismo y el respeto a los demás, incluyendo a los enemigos, no dejó a nadie indiferente. La sabiduría de la vejez, que en el fondo representó a cualquier transformación humana y espiritual, como nunca antes tuvo un protagonismo tan notable en una sorprendente historia de amor como la de Sophie y Howl, los personajes centrales. “Chihiro”, a manos de su propio creador, encontró al mejor de sus sucesores.

Hayao Miyazaki



Nº 2
Título: Las Tortugas También Vuelan (Turtles Can Fly)
Director: Bahman Ghobadi
Género: Drama
País: Iraq, Irán


Se necesitó de todo el talento de un Hayao Miyazaki para dejar en segundo lugar a este extraordinario trabajo de Medio Oriente, el que desde mediados del año pasado ya se había convertido en uno de mis favoritos. El director kurdo Bahman Ghobadi tuvo la gran virtud, más allá de bordear la frontera con el género del documental, en no transformar a la historia de los niños que recogen minas antipersonales en el Kurdistán, en la frontera entre Irak y Turquía, en otro drama sobrecogedor donde solo el sufrimiento más desgarrador tuviera espacio en medio de situaciones que muchos de nosotros no imaginábamos, o simplemente no nos interesaba conocer. Cuando se logra mezclar genialmente el drama más perturbador con situaciones lúdicas, que incluso derivan en momentos de humor, hay un claro indicio que se está frente a un trabajo superior, como pocas veces visto dentro del cine asiático de denuncia.

Bahman Ghobadi



Nº 3
Título: El Muelle (36, Quai des Orfèvres)
Director: Olivier Marchal
Género: Policial, Drama
País: Francia


Por lejos, la mejor cinta policial con contenido dramático de los últimos años. Su tercer puesto en este resumen no es menor, ya que la mayoría de las cintas de acción que nos llegaron este semestre, todas ellas con un alto grado de violencia, además de congregar una gran cantidad de público obtuvieron también el beneplácito de la crítica especializada. El francés Olivier Marchal, quien tiene aquí una breve aparición como Christo, un ex presidiario y pareja de una prostituta, posee una larga carrera como director de películas de televisión en Francia, experiencia que a la larga debió servirle para anotarse con una dirección impecable en esta producción, la que además de reunir nuevamente a dos colosos como Daniel Auteuil y Gérard Depardieu en los roles protagónicos, nos retrató a dos policías rivales y bastante poco ortodoxos, quienes encuentran en la venganza la mejor arma para arreglar viejas cuentas. Lo mejor en su género, con una memorable actuación del versátil Daniel Auteuil.

Olivier Marchal durante la filmación



Nº 4
Título: Tocando el Vacío (Touching the Void)
Director: Kevin MacDonald
Género: Documental Dramático
País: Reino Unido

Además de contar con una película animada en el primer lugar, probablemente a algunos les sorprenderá encontrar ahora un documental en la cuarta ubicación, pero la explicación para esto es muy simple. Como pocas veces una propuesta cinematográfica de este tipo consigue superar a la mayoría de las películas tradicionales que apuntan a lo mismo, en este caso, a impactar. Así es, tal como lo manifesté en su respectivo comentario, el documentalista británico Kevin MacDonald echó mano a todos los recursos existentes en el cine para recrear, en formato de documental, uno de los hechos más heroicos y polémicos ocurridos en el mundo del montañismo y que generó un exitoso best seller escrito. Inmersa en una atmósfera llena de angustia, a ratos escalofriante, esta intensa cinta filmada en el Siula Grande del Perú, y que ahonda en el extraordinario espíritu de supervivencia del ser humano, logra sobrecoger a través de un gran trabajo de dirección. Otro ejemplo que el cine es el mejor aliado de los documentalistas de primer nivel.

Kevin MacDonald



Nº 5
Título: Hierro 3 (Bin-Jip / 3-Iron)
Director: Kim Ki-Duk
Género: Drama
País: Corea del Sur


Precedida por importantes premios, entre ellos el Gran Premio Fipresci 2005, y por el nuevo rótulo de director 'de culto' en que se ha transformado el coreano Kim Ki-Duk, lo cierto es que fueron muchas las expectativas que se generaron alrededor de este sorprendente trabajo asiático, y en honor a la verdad, las expectativas se vieron más que satisfechas. Bajo el sello de su controvertido director, esta historia de amor que une a dos jóvenes cuyos deseos de liberación lo unirá para siempre, nuevamente sorprendió a un público que cada vez se vuelca con mayor fuerza hacia las producciones orientales, ya no solo para seguir consumiendo el género Wuxia o el de los guerreros samurais, sino para ir en busca de nuevas propuestas y alternativas, cual de todas más personal, lúdica e intimista, características que fácilmente pueden encontrarse en el cine de fábula que ha hecho famoso a Ki-Duk. Personalmente creo que esta película terminó por consolidar al cine de Oriente en nuestro país, famoso a estas alturas por su gran calidad, sin necesidad de recurrir a costosos recursos técnicos para entregar mensajes de gran profundidad.

Kim Ki-Duk



Nº 6
Título: Match Point
Director: Woody Allen
Género: Drama
País: Reino Unido


Al igual que “Hierro 3”, esta nueva ‘joyita’ del director norteamericano Woody Allen logró cumplir con las expectativas que la precedieron, en especial entre quienes nunca nos hemos sentido del todo atraídos por el cine que acostumbra hacer este connotado realizador. En suelo británico, y transformando a la sensual Scarlett Johansson en su nueva musa, Allen nuevamente retrató de manera magistral el alma humana y sus vaivenes más oscuros, miserias que difícilmente pueden justificarse pero sí comprenderse, al punto que logró transformar a su mejor película en muchos años, después de la inolvidable “Crímenes y Pecados”, en el más comentado y mediático de todos los estrenos de este primer semestre y que destacaron por su calidad. Otro grotesco ejemplo de la miopía de la Academia norteamericana.

Woody Allen (derecha) junto a su equipo



Nº 7
Título: Old Boy
Director: Park Chan-Wook
Género: Drama
País: Corea del Sur


Una segunda película proveniente del cine de Corea del Sur se convirtió rápidamente en uno de los títulos favoritos en lo que va del año, y justo al comenzar este 2006. Se le criticó por su extrema violencia y el abuso de la fatalidad en su idea central, la macabra relación incestuosa en medio de una obstinada venganza, sin embargo el coreano Park Chan-Wook, quien ha hecho de características como estas su sello distintivo, supo introducir al espectador en una historia tan intoxicante como maciza, algo que muchos solo suponían en producciones como las de Tarantino, pero Chan-Wook puso las cosas en orden y demostró nuevamente que el producto original siempre es mejor que cualquier copia o intento de emulación. Con una notable interpretación del actor coreano Hwang Jo-Yung, esta cinta nos indica que el cine de Oriente también cuando habla de violencia observa desde arriba.

Park Chan-Wook



Nº 8
Título: El Hombre del Bosque (The Woodsman)
Directora: Nicole Kassell
Género: Drama
País: Estados Unidos


Me atrevería a decir que esta fue la película que más dividió a los espectadores, incluyendo a los críticos, ya que por un lado se la consideró una excelente visión del entorno de un pedófilo en rehabilitación, mientras que otros la catalogaron como un experimento menor, una secuencia lineal de hechos que en nada aportaron para comprender la mentalidad de un enfermo como el protagonista. Pues bien, me uno al primer grupo, quienes percibimos en este trabajo independiente de la joven directora estadounidense Nicole Kassell, una mirada reflexiva y femenina sobre la condición humana más reprobable, que sin embargo busca una salida en medio de un ambiente extremadamente hostil. Lo mejor que nos llegó desde la tierra del Tío Sam, con un Kevin Bacon de antología en el rol protagónico.

Nicole Kassell dando instrucciones



Nº 9
Título: Una Historia Violenta (A History of Violence)
Director: David Cronenberg
Género: Drama
País: Estados Unidos


En una dura competencia con su colega Nicole Kassell, el director canadiense David Cronenberg también nos brindó una de las mejores producciones estadounidenses durante esta primera mitad del año. Cronenberg, famoso por títulos como “La Mosca” y “Spider”, donde la violencia sicológica también jugó un papel preponderante, sorprendió a tal punto con esta historia sobre un hombre cuyo oscuro pasado regresa para atormentarlo, que a partir de su estreno opacó a todas las películas que en febrero y marzo hacían ruido por sus nominaciones a mejor película en los Oscar 2006. Un excelente trabajo de dirección es el logro que más rescato de este impactante film, basado en la novela gráfica de John Wagner y Vince Locke, además de contar con actuaciones secundarias de primer nivel, como las de Ed Harris y William Hurt, dos grandes del cine norteamericano.

David Cronenberg (al centro) dando instrucciones



Nº 10
Título: Paraíso Ahora (Paradise Now)
Director: Hany Abu-Assad
Género: Drama
País: Palestina


Es difícil hacer un balance completo respecto a este trabajo del director palestino Hany Abu-Assad, teniendo en cuenta que poco y nada sabemos del cine palestino, no así del israelí, sin embargo, producto de una curiosidad que innegablemente fue el principal gancho que atrajo al público, nos encontramos con una sorprendente mirada sobre uno de los hechos que más ha impactado a Occidente desde que comenzó la segunda Intifada: las inmolaciones de milicianos palestinos. Lo increíble fue que el director, cuya etnia y nacionalidad pertenece a uno de los bandos, no buscó jamás hacer propaganda proselitista con la 'causa palestina' y los ataques suicidas, sino presentar todas las aristas posibles, el orgullo, el miedo y hasta la oposición interna, a través de una historia simple, pero a la vez directa. Una de las grandes sorpresas del semestre.

Hany Abu-Assad



Nº 11
Título: Buenas Noches y Buena Suerte (Good Nigth and Good Luck)
Director: George Clooney
Género: Drama
País: Estados Unidos


Sin ninguna duda la película más despreciada en la última premiación de los Oscar, siendo que tenía méritos de sobra para haber ganado en todas las categorías donde competía, y quizás lo más injusto, es que tampoco el público supo apreciar el trabajo que hizo el cotizado actor norteamericano George Clooney, quien además de participar en un rol secundario escogió una historia fascinante para oficiar como director. La aplaudida batalla que lideró el célebre periodista Edgard R. Murrow durante la era McCarthy tuvo una adaptación de primer nivel bajo la mano de Clooney en la dirección y con la brillante actuación de David Strathairn en el rol protagónico, obteniendo como resultado una recreación impecable de aquella oscura época. Insisto, un documento audiovisual imperdible para estudiantes de periodismo.

George Clooney instruyendo a su equipo



Nº 12
Título: Secreto en la Montaña (Brokeback Mountain)
Director: Ang Lee
Género: Drama
País: Estados Unidos


Otra película que dividió al público fue esta cinta del taiwanés Ang Lee, a pesar de haber llegado como clara favorita para el Oscar de este año tras vencer en festivales como el de Venecia, y haber obtenido el BAFTA en Gran Bretaña. Aunque la homosexualidad masculina no era novedad para la industria cinematográfica occidental, sí lo era para la estadounidense, ya que nunca antes una producción norteamericana de este nivel había presentado una historia de amor entre dos hombres, menos aún si son rudos cowboys, y en honor a la verdad, Lee, quien cargaba con el estigma de ser un director lacrimógeno, creo que supo equilibrar el drama y el romance de una relación prohibida sin dejar de lado la descripción de un entorno tan hostil como el de Wyoming, insufrible para quienes quieran vivir abiertamente su sexualidad. Estamos claros que esta no será una película que marque pauta en lo cinematográfico, pero sí consiguió dar un paso adelante en una industria tan cerrada y puritana como la estadounidense.

Ang Lee (derecha) durante la filmación




Hay algunos puntos a considerar dentro de esta selección. El primero de ellos es la nula presencia de títulos latinos, hispanoamericanos, y por su puesto chilenos, entre los doce mejores trabajos del semestre, lo cual en el caso de nuestro país es preocupante, ya que no se avisoran estrenos que puedan entrar derechamente en la pelea por la mejor producción del año. Una cosa es arrastrar masas o ser productos mediáticos, pero otra muy distinta es aportar realmente a la cinematografía nacional e internacional.

El segundo punto a considerar es el verdadero desplome de las producciones etiquetadas como 'películas del Oscar', varias de las cuales se vislumbraban como grandes estrenos del año cuando se las conoció en las principales salas del país, pero que con el correr de los meses cedieron fácilmente terreno a títulos asiáticos, europeos, e incluso norteamericanos, volviendo a poner la discusión sobre la real valoración de este cotizado premio, el que dicho sea de paso, tampoco premió a “El Castillo Andante” en marzo pasado, optando por “Wallace & Gromit, La Maldición de las Verduras”, una muy buena cinta de animación, pero muy por debajo de la obra de Hayao Miyazaki.

Finalmente, otro hecho que ya había conversado con amigos que regularmente visitan este blog, es que como pocas veces se destacaron excelentes producciones que ahondaron en violencia y tramas retorcidas, “Old Boy”, “Una Historia Violenta”, “El Muelle”, “V de Venganza”, todas ellas historias de peso y muy bien dirigidas. Una incluso logró ubicarse en el tercer lugar de este resumen. Esto puede que no indique nada en especial, pero es notable que títulos que pudiendo despertar el rechazo de una buena parte del público, logren desplazar a trabajos más tradicionales y pensados para abarcar el mayor número de espectadores posibles. Veremos si la tendencia se mantiene durante estos seis meses que quedan por delante.



Otros títulos importantes del semestre


Un título imposible de olvidar es la película británica El Jardinero Fiel, de Fernando Meirelles, un notable thriller dramático que, al menos, debió estar en la quina a mejor película en los sobrevalorados premios Oscar. El norteamericano Steven Spielberg también dio una grata sorpresa con Munich, la impresionante recreación del plan de represalia israelí contra los cerebros palestinos de aquel fatídico atentado contra atletas judíos, en los juegos olímpicos de Munich '72. La magistral interpretación del actor Philip Seymour Hoffman como Truman Capote fue mérito suficiente para colocar en esta selección precisamente a Capote, de Bennett Miller. Otro film donde destacó el elemento violencia, aunque inmersa en una trama futurista, fue V de Venganza, del director James McTeigue y con la hermosa Natalie Portman como protagonista, cuyo guión además estuvo a cargo de los responsables de “Matrix”, los hermanos Wachowski. Otra historia donde intervino el popular George Clooney fue Syriana, del director Stephen Gaghan, un sorprendente thriller político y social. No olvidemos tampoco a la ganadora del Oscar 2006, Crash, del canadiense Paul Haggis, que aunque es una muy buena película, está muy lejos de ser considerada como la mejor.


Dentro del género comedia no puedo dejar de mencionar a mi favorita hasta el momento, En Buena Compañía de Paul Weitz, una sorprendente mezcla de comedia, humor negro y crítica social. Un título que pasó casi sin pena ni gloria por la cartelera de Santiago fue la cinta griega La Sal de la Vida, del director Tassos Bouluetis, muy en el estilo de lo que fue la mexicana “Como Agua para Chocolate”. Dentro de las producciones de época sin duda que El Mercader de Venecia del director indio de origen británico Michael Radford, y Orgullo y Prejuicio del inglés Joe Wrigth, fueron los títulos que más sobresalieron, uno como la nueva versión del clásico de William Shakespeare y el otro ambientado en la Inglaterra del siglo XVIII. Finalmente dentro de las películas del género de terror, solo hay un nombre que puedo destacar, la cinta de Hong Kong El Ojo, de los hermanos Pang, una cinta que aunque ya estaba disponible en DVD desde el 2005 no defraudó a quienes la vimos por primera vez en el cine, a comienzos de año.


En deuda queda por ahora el cine hispanoamericano y chileno, pese a que siendo justos, hubo muy buenos títulos. Dentro de nuestro cine nacional creo que Fuga de Pablo Larraín fue por lejos lo más sólido que un director de este rincón de Sudamérica fue capaz de entregar, en especial gracias a actuaciones como las de Benjamín Vicuña y Alfredo Castro, sin embargo Larraín debió sortear críticas absurdas por su condición de director e hijo de un político de derecha, así como también por la historia misma, para algunos demasiado rebuscada y pretenciosa. Más atrás se quedó La Sagrada Familia de Sebastián Campos, con buenas actuaciones aunque abusando demasiado de la provocación, casi como único recurso disponible. Desde México podemos destacar la original Temporada de Patos de Fernando Eimbcke, y una historia basada en un éxito del escritor peruano Jaime Bayley, La Mujer de mi Hermano del director coterráneo de Bayley, Ricardo de Montreuil, siempre abordando el tema de la homosexualidad encubierta. Por último Inconscientes, la comedia freudiana del hispano Joaquín Oristrell fue la cinta que sacó la cara por la madre patria.


Hago un público 'mea culpa' por no haber comentado más producciones del género ficción durante estos primeros meses, salvo la largamente esperada Crónicas de Narnia, del neozelandés Andrew Adamson, la que pese a no convencerme del todo como adaptación del clásico literario de C.S. Lewis, sí me pareció una excelente producción audiovisual. Sin embargo, la producción que se lleva todos los créditos en este ítem es la tercera parte de los mutantes que adquieren superpoderes de forma natural, me refiero a X Men III, del norteamericano Brett Ratner. Más atrás se queda la segunda parte de Inframundo, La Evolución, con la espectacular Kate Beckinsale y dirigida nuevamente por el estadounidense Len Wiseman.


Así como “El Castillo Andante” se convirtió en lo mejor del semestre, lamentablemente las otras cintas animadas que llegaron a nuestra cartelera estuvieron muy lejos de serlo, sin embargo, quisiera rescatar el tremendo desafío que significó para Brian Pimental, el arriesgarse en volver a tocar un clásico de Disney y que por generaciones se transformó en una historia entrañable, me refiero a Bambi 2, que si bien era imposible que igualara en impacto a la versión original de 1942, al menos salió airosa en su intento por mostrar qué fue lo que ocurrió con el pequeño cervatillo inmediatamente después de haber muerto su madre. La otra producción que también destaco es la segunda parte de la historia de la tenaz ardilla que se desvive por una bellota, La Era del Hielo 2, del brasileño Carlos Saldanha, la única película que logró destacarse entre las cada vez más frecuentes comedias americanas contadas en animación CGI.


En el caso de los documentales, además del excelente “Tocando el Vacío”, La Marcha de los Pingüinos del director galo Luc Jacquet, fue el único título importante dentro de este género que pasó por nuestra cartelera, favoreciéndole además la obtención de Oscar 2006 en su categoría. Nos quedamos entonces a la espera de más de estas producciones que nos permitan discernir si el 2006 sigue en la huella de su predecesor, el 2005, donde varios documentales quedaron en la retina del público como lo mejor del año.

domingo, junio 25, 2006

Cars - 'La Gasolina se Agotó'

... es difícil que este trabajo logre dejar huellas, por más exitosa que sea su taquilla tanto en Chile como en el resto del mundo, dejando un enorme signo de interrogación para las nuevas ideas que seguramente irán naciendo en la industria norteamericana ...


Cars

LA GASOLINA SE AGOTÓ





Podría decirse que este era uno de los estrenos más predecibles en lo que va del año, una película animada, de corte familiar, entretenida, ideal para las vacaciones de invierno y con el sello de los estudios Disney en co-producción con Pixar, quienes luego del fenómeno que resultó ser “Los Increíbles”, a fines del año 2004, quisieron mantener la fórmula que los llevó a disputarle palmo a palmo el liderazgo en este tipo de producciones al coloso Dreamworks, los máximos responsables de otro fenómeno mediático dentro del cine en CGI: “Shrek”.

Todo indicaba que, manteniéndose intacta la comedia americana a través de personajes fácilmente identificables con la cultura del país del norte, solo sería cuestión de asistir junto a los hijos, sobrinos o amigos a pasar un rato agradable junto a otra comedia que hiciera olvidar la rutina. Pero no, aunque nunca llegó con otras pretensiones más que empatizar con el público más infantil, lo cierto es que Cars, el nuevo producto estrella de la animación en CGI y que actualmente lidera la taquilla en su país de origen, cumple a duras penas con su cometido, el de entretener. La fórmula tarde o temprano terminó por agotarse.



La creatividad estadounidense esta vez nos presenta a otra de sus historias alusivas al amor, la amistad a toda prueba y la exaltación de los valores más elementales a través de personajes que están llamados, o al menos eso pretenden sus realizadores, a convertirse en protagonistas inolvidables para el público. Sin embargo, lo llamativo de “Cars”, cuyo director es el norteamericano John Lasseter, es que esta vez los anfitriones que dan vida a la trama no son seres humanos, como tampoco animales o monstruos, aunque en el caso de estos últimos solo su fisiología los distingue de las caricaturas del homo sapiens. Acá los llamados a entretener mediante sus aventuras son automóviles, principalmente autos de carrera, aunque también participan camiones, tractores y todo tipo de vehículos mayores.

Rayo McQueen, un rojo y promisorio automóvil de carrera, está decidido a coronarse triunfador en el óvalo del campeonato de la Copa Pistón, en California, sin embargo, mientras es trasladado de noche se pierde debido a un descuido tanto propio como de quienes lo acompañan, terminando de manera accidental en un olvidado pueblo, Radiador Springs, luego de correr a toda velocidad por un camino que ya ni figura en los mapas, la ruta 66, en su intento por retornar a la carretera principal. Aunque su extravío supone un duro golpe para sus ambiciones, más aún cuando es detenido por exceso de velocidad por el sheriff del pueblo, un viejo automóvil policial, su desgracia no será del todo negativa, ya que entabla amistad con Mater, una chatarra oxidada, conocerá a Doc Hudson, un ex campeón de carreras, y terminará inevitablemente enamorado de Sally, un atractivo y femenino Porsche azul.



Los detalles que complementan esta historia son imaginables por todos a estas alturas, como hallar el real valor de las cosas, entre ellas la amistad fraternal, y ese archiconocido descubrimiento de los valores intrínsecos que afloran justo en momentos difíciles, convirtiendo en heroicos a los protagonistas, en este caso a Rayo McQueen al finalizar la última vuelta tras su regreso al campeonato, dejando atrás sus aventuras en Radiador Springs. Como historia entonces, la de este coche con ojos azules y voz de niño bueno resulta bastante pobre, tanto así que apenas consigue risas entre el público, incluidos los niños, situación que indica claramente que por más que los estudios norteamericanos quieran disfrazar comedias disparatadas con personajes animados, ya poco y nada logran sorprender tras producciones como “Madagascar”, “Los Increíbles”, “Monster Inc.” o “Shrek”. Por otro lado, alargar la historia cerca de dos horas tampoco ayuda mucho a mantener concentrados a los niños, el público objetivo de este tipo de cintas.

Rescato en todo caso de “Cars” la excelente representación virtual de los hermosos paisajes de Arizona, así como traer nuevamente a colación la triste realidad de los caminos y pueblos que terminan desapareciendo de los mapas, producto de la nueva economía y los avances que minimizan las distancias. Aún así es difícil que este trabajo logre dejar huellas, por más exitosa que sea su taquilla tanto en Chile como en el resto del mundo, dejando un enorme signo de interrogación para las nuevas ideas que seguramente irán naciendo en la industria norteamericana. Ojala que resultados como este no desmotiven al público que espera periódicamente películas de animación como este trabajo de John Lasseter, las que por ahora, luego de la exitosa segunda parte de “La Era del Hielo”, quedan en deuda. A veces aburrir es mucho peor que no gustar del todo.


Regular






Ficha Técnica:

Título: Cars
Género: Animación
Director: John Lasseter
Guión: John Lasseter y Dan Fogelman
Voces: Owen Wilson/Guillermo Romero, Bonnie Hunt/Yolanda Mateos, Paul Newman/Víctor Valverde, Larry The Cable Guy/Carlos Kaniowsky, Michael Wallis/Francisco Hernández, George Carlin/Luis Marín, Paul Dooley/José A. Ceínos, Cheech Marin/José A. Escobosa, Jennifer Lewis/Isabel Donate, Tony Shalhoub/Antonio Villar, Richard Petty/Miguel Zúñiga, Michael Keaton/Salvador Aldeguer
Producción: Darla K. Anderson
Música: Randy Newman
Montaje: Ken Schretzmann
Idioma: Inglés (Doblada al Español)
País: Estados Unidos
Año: 2006
Link: http://disney.go.com/disneypictures/cars/

sábado, junio 24, 2006

Tocando el Vacío - 'Recreando lo Increíble'

... Kevin MacDonald consiguió recrear esta sorprendente hazaña echando mano a todos los recursos que en el cine permiten atrapar los sentidos, como una excelente edición, musicalización y una fotografía de primer nivel, todo lo anterior presentado a través de un guión que en nada puede envidiar a las mejores cintas de suspenso ...


Tocando el Vacío

RECREANDO LO INCREÍBLE





Nunca he sido un deportista de elite ni mucho menos, pero siempre me ha interesado la práctica de los llamados deportes extremos, en especial aquellos que se llevan a cabo en medio de la naturaleza. Así entonces, me parecía imperdonable no asistir a alguna de las salas que actualmente exhibe uno de los mejores documentales que ha llegado a nuestro país, más aún, si su temática tiene relación con la impresionante y riesgosa actividad del montañismo.

Tocando el Vacío, basado en un hecho real y que fue documentado por uno de sus protagonistas, el montañista británico Joe Simpson, llegó con casi tres años de retraso a Chile, sin embargo, contra todo lo imaginable, esta realización dirigida por el también inglés Kevin MacDonald no solo deja una excelente impresión entre quienes disfrutan de las mejores imágenes y fotografías que los documentalistas nos suelen ofrecer, sino que además, consigue un impresionante registro de los acontecimientos sucedidos en 1985 en las montañas del Perú, al punto de convertir a este trabajo en una de las mejores cintas de acción y suspenso del último tiempo. Repito, algo que ni siquiera se imaginó el más entusiasta fanático de este tipo de propuestas llevadas al cine.



Kevin MacDonald consigue momentos extraordinariamente logrados al orientar la historia casi trágica de dos escaladores ingleses, Joe Simpson y Simon Yates, quienes el año 1985 vivieron una experiencia aterradora luego de ascender exitosamente por la cara occidental del majestuoso Siula Grande, en los Andes peruanos. El objetivo de todo montañista es conquistar la cima de cualquier gigante natural que exista en el planeta, sin embargo, hasta quienes no somos doctos en la materia sabemos que el riesgo que significa asaltar una cumbre es el mismo cuando la situación se invierte, es decir, al comenzar el descenso. En el caso de Simpson y Yates, lo último significó una odisea que hasta el día de hoy genera debate en el mundo de los profesionales de montaña.

Los hechos reales indican que luego de conquistar lo más alto del Siula Grande, con toda la carga emocional que significa un logro como ese, el descenso se complicó más de la cuenta para los dos montañistas, quienes luego de conseguir su objetivo debían retornar en pocos días al campamento, donde los esperaba un tercer profesional, Richard Hawking. Lo acontecido a partir de ese momento no solo quedaría impreso en un exitoso best seller, sino además, inspiraría este excelente documental.



El destino tenía deparado una desagradable y terrorífica experiencia para estos osados hombres, cuando luego de un involuntario error Joe Simpson cae por un despeñadero, estando aún muy cerca de la cima. Simpson se fractura una pierna y obliga a su compañero, Simon Yates, a ir en su búsqueda y retrasar el regreso al campamento. Sin embargo, lo peor aún estaba por suceder, ya que durante esa noche y en medio de una tormenta de nieve, Simpson vuelve a caer, pero esta vez directo a un fatal precipicio. Pese a haber quedado colgado fue su propio compañero quien cortó la cuerda al suponer que ya nada podría hacer por él.

Lo que para cualquier deportista de este nivel, y en realidad para cualquier ser humano, lo anterior hubiera significado una muerte segura para alguien como Joe Simpson, su impresionante espíritu de lucha y ese deseo irrenunciable por torcer su destino generó uno de los momentos más heroicos dentro del montañismo internacional, sirviendo además como fuente de inspiración para otros deportistas que se han visto enfrentados a rigores como estos en las cumbres. Ese es claramente el mensaje que deja un hecho como este, el no bajar los brazos pese a la evidente adversidad, y la labor de un cineasta o documentalista sería retratarlo de la manera más real posible, pero siempre teniendo en cuenta que el cine tiene el poder para concentrar las emociones e introducir a los espectadores en los cuerpos de sus protagonistas.



La anterior premisa se vio perfectamente cumplida en las manos del director Kevin MacDonald, quien a través de tres actores, Brendan Mackey como Joe Simpson, Nicholas Aaron como Simon Yates y Ollie Ryal como Richard Hawking, le dio vida nuevamente a esta historia repleta de sentimientos encontrados y hechos de extraordinaria significación en medio de una gélida pero hermosa escenografía natural. MacDonald consiguió recrear esta sorprendente hazaña echando mano a todos los recursos que en el cine permiten atrapar los sentidos, como una excelente edición, musicalización y una fotografía de primer nivel, todo lo anterior presentado a través de un guión que en nada puede envidiar a las mejores cintas de suspenso.

Si a lo anterior agregamos que algunos pasajes se complementan con los testimonios de los protagonistas originales, Simpson, Yates y Hawking, quienes después de dieciocho años regresaron al Siula Grande, obtenemos un producto de primer nivel, y que una vez más demuestra que el cine, principalmente por medio de sus recursos, es el mejor aliado de los documentalistas y cineastas que quieren llevar a la pantalla grande historias tan intensas como estas, sin otra intención que buscar la recreación más exacta posible de los hechos en que se inspiran. Un documento que no solo sorprende, sino que además se agradece.


Excelente




Ficha Técnica:

Título: Tocando el Vacío (Touching the Void)
Género: Documental Dramático
Director: Kevin MacDonald
Elenco: Brendan Mackey, Nicholas Aaron, Ollie Ryal. Testimonios de Joe Simpson, Simon Yates y Richard Hawking.
Guión: Kevin MacDonald. Basado en el libro de Joe Simpson
Producción: John Smithson
Música: Alex Heffex
Fotografía: Mike Eley
Vestuario: Patrick Bill
Idioma: Inglés
País: Reino Unido
Año: 2003
Link: http://www.touchingthevoid.co.uk/

domingo, junio 18, 2006

Hierro 3 - 'Homenaje a las Sutilezas'

... Kim Ki-duk en honor a la verdad no sorprende del todo a quienes ya le conocimos a través de “Primavera, Verano, Otoño, Invierno... y Otra vez Primavera”. Sin embargo, y tratándose de una historia completamente distinta, lo cierto es que “Hierro3” es otra magnífica metáfora que nos presenta este director a través de una historia llena de sutilezas y cuadros elegantemente presentados ...


Hierro 3

HOMENAJE A LAS SUTILEZAS




Los detractores del director coreano Kim Ki-duk han dicho de todo sobre él, desde que es solo un director que quiere pasar por poético, para impresionar a Occidente, hasta que se trata de un simple y vulgar plagiador de otros de sus colegas orientales. Y si bien en Chile solo hemos conocido de su currículum cinematográfico, a modo comercial, el sorprendente “Primavera, Verano, Otoño, Invierno... y otra vez Primavera”, el kilométrico título que el año pasado lo tuvo entre los mejores directores de la cartelera nacional, lo cierto es que Kim Ki-duk tiene muchos otros títulos a su haber, la mayoría de ellos con un notorio tinte violento, debido a lo cual resulta curioso que el segundo de sus trabajos que acaba de llegar a nuestro país siga en la misma línea de su antecesor, es decir, una onírica metáfora de la vida misma.

Hierro 3, ganadora del Gran Premio Fipresci 2005 y cuyo título tiene relación con un palo de golf que rara vez es utilizado, narra la historia de un joven, Tae-Suk (Jae Hee), aparentemente sin un hogar y que deambula en su moto buscando casas vacías en donde pasar la noche, poder alimentarse, bañarse y lavar su ropa, esto último de manera muy artesanal. Lo que a simple vista podría parecer una actitud tremendamente irritante y temeraria, aunque bastante simpática, tiene en el fondo una significación muy especial, que solo puede entenderse una vez que ya han pasado varios minutos, en especial tras la aparición de Sun-Hwa (Lee Seung-Yeon), una hermosa ex modelo que sufre de violencia intrafamiliar.



Ambos protagonistas, Tae-Suk y Sun-Hwa, luego de conocerse no cruzan una sola palabra entre ellos a lo largo de la película, siendo las únicas excepciones un grito y una frase hacia el final donde puede escucharse la voz de ella. Por increíble que parezca, Sun-Hwa no se siente intimidada cuando descubre al muchacho instalándose en su casa, luego de una de las tantas golpizas que le propinó su esposo, Min-kyu (Kwon Hyuk-Ho). Pareciera que su condición de mujer maltratada es a fin de cuentas la causa de una aparente falta de miedo, sin embargo, lo cierto es que la curiosidad que le despierta la extraña actitud de Tae-Suk es el motivo que la empuja a revelarle su presencia, ante la sorpresa de su insólito huésped, sin llamar a la policía.

A partir de ese momento, y luego que el chico le da a probar de su propia medicina al cónyuge de ella, mediante tiros de golf, los protagonistas inician un sensacional escape juntos, continuando con la rutina de habitar casas abandonadas luego de chequearlas pegando carteles que nadie retira. Es decir, el modo de vida de Tae-Suk se convierte en la vía de escape para Sun-Hwa, quien intenta romper las cadenas que la atan a su infierno. Habrá además una bella canción en árabe que constantemente servirá de unión entre ambos protagonistas, “Gafsa”, de la extraordinaria cantante anglo-egipcia Natacha Atlas.



Aunque algunos momentos y lugares los hace unirse cada vez más, al punto de despertar el amor entre ellos, todo principio tiene su final y toda acción tiene su resultado. Pasando por los verdaderos dueños de casa que los descubren in fraganti, hasta los policías que dan con ellos tras la denuncia de Min-kyu y un error que cometen tras hallar un cadáver, la aventura juntos llega a su término de manera violenta, debiendo ambos enfrentar las consecuencias de sus actos. Ella debe regresar al lado de su esposo y él responderle a la justicia.

Lo que indicaría un final de la relación demasiado abrupto, e irremediablemente triste, no termina siendo tan así, ya que al menos sus vidas experimentaron un cambio radical tras haberse conocido. La existencia despreocupada de él ahora tiene un motivo claro, volver a encontrarse con ella, mientras que Sun-Hwa ya nunca más tendrá un motivo para dejarse basurear. Si bien la separación los vuelve a enfrentar al dolor, ambos tendrán la ocasión para volver a reencontrarse, pero esta vez de la manera mas lúdica e hilarante, sin siquiera despertar las sospechas de un estúpido e iluso Min-kyu.



Kim Ki-duk en honor a la verdad no sorprende del todo a quienes ya le conocimos a través de “Primavera, Verano...”. Sin embargo, y tratándose de una historia completamente distinta, lo cierto es que “Hierro3” es otra magnífica metáfora que nos presenta este director a través de una historia llena de sutilezas y cuadros elegantemente presentados. Esta vez lo que desea expresar es el deseo de liberación y de sentirse feliz consigo mismo, sentimientos que afloran claramente tras sentirse cómplices de las andanzas de Tae-Suk y Sun-Hwa, los que ahora permanecerán unidos para siempre a través de su particular vínculo de amor. Por lo mimo resulta innecesario el mensaje final, un antiguo proverbio oriental que habla sobre la realidad y la fantasía.

Curiosamente no podemos hablar aquí de actuaciones sobresalientes, ya que los actores de “Hierro 3”, al igual como en la historia del monje arrepentido, se desenvuelven más como animaciones de folletín que como profesionales ahondando en la complejidad de sus personajes. Aún así la trama está muy bien presentada y logra momentos de antología, como el retorno que hacen ambos a las casas donde pernoctaron juntos, los intentos de él por golpear la pelota de golf y ella se interpone delante, y el inolvidable beso luego que Tae-Suk regresa casi como un fantasma donde Sun-Hwa, sin que jamás el marido de esta logre verlo, ni siquiera a menos de un metro de distancia.

Habrá que esperar ahora uno de los títulos más violentos de Kim Ki-duk, para escoger entonces cuál de los dos estilos es el que más nos gusta de este controvertido director, pero lo cierto es que, hasta el momento, su nombre es sinónimo de éxito y respeto, y “Hierro 3”, con toda la carga emotiva de su historia, por segundo año consecutivo lo eleva a la categoría de imperdible para el público chileno y occidental.


Excelente





Ficha Técnica:

Nombre: Hierro 3 (Bin-Jip / 3-Iron)
Género: Drama
Dirección: Kim Ki-duk
Guión: Kim Ki-duk
Reparto: Lee Seung-Yeon, Jae Hee, Kwon Hyuk-ho, Joo Jin-mo, Choi Jeong-ho, Lee Dah-hae, Park Dong-jin, Moon Sung-hyuk, Park Jee-ah
Producción: Kim Ki-duk
Música: Slvian. Incluye la canción en árabe “Gafsa”, de Natacha Atlas
Fotografía: Jang Seung-baek
Montaje: Kim Ki-duk
Vestuario: Koo Hea-heon
País: Corea del Sur
Idioma: Coreano
Duración: 95 minutos
Año: 2004
Link: http://www.sonyclassics.com/3iron/

El Gran Pez - 'Y Nació un Nuevo Clásico'

... En definitiva, una película imperdible, totalmente recomendable. Y una sugerencia, ojalá puedan verla junto a sus padres, y si últimamente han tenido roces mucho mejor. Ya se imaginarán por qué...


El Gran Pez
(Big Fish)

Y NACIÓ UN NUEVO CLÁSICO




Un recuerdo imperdible en este Día del Padre


Quienes disfrutan del buen cine, ese que es capaz de presentarnos historias difíciles de olvidar, no pueden dejar pasar el tiempo para no ver esta, sin duda la mejor película hasta ahora del director estadounidense Tim Burton, me refiero a El Gran Pez (Big Fish). Luego de dos años tras su estreno resultaría una injusticia, especialmente en fechas tan simbólicas como este 'día del padre', dejar pasar un trabajo tan bien logrado, donde Burton logra dejar más de una reflexión tras los 127 minutos en que el espectador disfruta del film, concentrado, a oscuras y frente a la gran pantalla. Un gran trabajo que le devuelve al llamado séptimo arte la inocencia y la candidez con las que también se pueden realizar excelentes películas.

Super producciones como la trilogía de "El Señor de los Anillos" o "La Guerra de las Galaxias", o sagas como las de "Harry Porter" y "X-Men" nos hacen soñar con lo épico, la fantasía y los grandes efectos, pero películas como "El Gran Pez" también nos colocan un cable a tierra para recordarnos que con la sencillez también se puede tocar la fibra del espectador y envolver su mente con una bella historia.



Sin mucha rimbombancia en abril del 2004, y pasando casi desapercibida en un primer momento, esta cinta que mezcla ficción con realidad sigue la ruta de clásicos como "Tomates Verdes Fritos" y "Forrest Gump", donde lo pintoresco de los personajes principales es el gran hilo conductor, pero esta vez con una historia distinta, única, que la hará indudablemente quedarse en la retina del público, sin importar que jamás obtuviera un merecido reconocimiento a través de los grandes galardones del cine, como el Oscar, el que a comienzos de ese año 2004 la subvaloró nominándola solo por Mejor Música Incidental, premio que además no recibió.

La historia parte cuando Will Bloom y su esposa embarazada visitan al padre de este tras recibir el aviso de Sandra, la madre de Bloom, quien informa a Will que su padre está muy enfermo, en realidad en sus últimos días. Desde hace mucho tiempo que este hijo no logra entenderse con su padre y ahora lo visita solo por las circunstancias, sin olvidar que tras su último desencuentro pasaron tres años en que no hubo ninguna comunicación entre ambos. A simple vista otro dramón familiar más, como tantos otros que hemos visto en cine y en televisión, pero a poco andar Tim Burton retrotrae la historia a la infancia y a la juventud del padre, Edward Bloom, quien es interpretado en su juventud por el actor británico Ewan McGregor y en su ocaso por el también británico Albert Finney.



De los recuerdos de su propio hijo Will (Billy Crudump), van apareciendo las historias de este Edward Bloom, las que a su vez son las fantasías más simpáticas y adorables que un mentiroso sea capaz de contar. Mezcladas con hechos reales estas vivencias fantaseadas por el personaje principal van generando una empatía tal con el espectador que por minutos llegan a poner en mal pie al personaje del hijo, quien precisamente por estas interminables historias surrealistas que salen de la boca de su padre ha llegado al extremo de rechazarlo, porque no lo cree un hombre sincero y mucho menos un padre cercano, solo un simpático bufón.

Sin embargo, la vida les da una nueva y última oportunidad a ambos, tanto a Will como a Edward, ya que el primero intentará separar las molestias que siempre le han causado las burdas proezas que el segundo le ha contado a él y a los demás, para lograr así ponerse en el lugar de este padre tan fuera de lo común, recorriendo lo que fue su vida desde pequeño hasta ahora, con el final ya tan cerca. Solo así este hijo logrará comprender que "si los peces grandes se guardan en una pecera pequeña se quedarán pequeños, pero con más espacio, el pez puede doblar, triplicar o cuadriplicar su tamaño". Una metáfora de la vida misma, o mejor dicho, de la vida de quienes son soñadores.



Notable la actuación del ya legendario Albert Finney, superior incluso a la de Ewan McGregor, pese a que es este último quien ocupa más tiempo en la película personificando a Edward Bloom en su juventud, y por ende, siendo "el héroe" de todas esas simpáticas tergiversaciones de la realidad. Mención especial para la norteamericana Jessica Lange como la esposa y madre de los Bloom cuando estos se reencuentran, una gran actriz que siempre es grato volver a ver. Buena actuación también la de Billy Crudump como el hijo aproblemado, el que en todo caso se llevará más de alguna sorpresa al final de esta bella historia.

En definitiva, una película imperdible, totalmente recomendable. Y una sugerencia, ojalá puedan verla junto a sus padres, y si últimamente han tenido roces mucho mejor. Ya se imaginarán por qué.


Excelente




Ficha Técnica:

Título: El Gran Pez (Big Fish)
Género: Drama
Formato: DVD
Director: Tim Burton
Elenco: Ewan McGregor, Albert Finney, Billy Crudump, Jessica Lange, Danny DeVitto, Helena Bonham Carter, Alison Lohman, Marion Costillard, Matthew McGrory, Steve Buscemi, Robert Guillaume
Guión: John August. Basado en la novela de Daniel Wallace
Música: Danny Elfman. Incluye el tema "Man of the Hour" de Pearl Jam
Fotografía: Philippe Rousselot
Producción: Richard D. Zanuck, Bruce Cohen y Dan Jinks
Idioma: Inglés
País: Estados Unidos
Año: 2003
Link: http://www.sonypictures.com/homevideo/bigfish/index.html



Recordemos a dos grandes de su banda sonora:


Este es el músico norteamericano Danny Elfman, el director musical fetiche de Tim Burton, quien ha estado detrás de todos los soundtracks de sus películas. Para esta hermosa producción la dupla Burton-Elfman nos entregó este tema principal:



Título: Big Fish (titles)
Intérprete: Danny Elfman

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Este es uno de mis grupos de rock favoritos, Pearl Jam, quienes desde su aparición a comienzos de los '90 se convirtieron en los mejores exponentes del 'Grunge', junto a Nirvana. Con la potente voz de Eddie Vedder este es el tema comercial de "Big Fish".

Título: Man of the Hour
Intérprete: Pearl Jam


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Aunque es un día comercial, espero que les haya gustado este regalo en una fecha importante como hoy. De hecho, para celebrar este 'Día del Padre' le debo mucho a esta película. Que lo disfruten...



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