Comentarios de Cine

INDICE 11

2009-02-22T20:36:00.008-03:00

... llegó el momento...

ESPERANDO AL
"CABALLERO" OSCAR

"Slumdog Millionaire"
Favorita de la noche

Tributo a Heath Ledger
Actores de Reparto 2008

Bien pues, las apuestas ya están hechas.

Slumdog Millionaire - 'La Universidad de la Vida'

2009-02-22T20:25:00.014-03:00

... por más que obtenga los premios más rimbombantes de la Academia en esta versión 2009, esta producción británica no está destinada a convertirse en un clásico...

Slumdog Millionaire

(Quién Quiere Ser Millonario)

LA UNIVERSIDAD DE LA VIDA

Queramos reconocerlo o no, nuestro país es netamente oscarizado, una incuestionable mayoría de consumidores de cine espera año tras año los títulos que se pelean la cotizada estatuilla, acudiendo en masa a las salas para encontrar en esta suerte de ruleta de grandes títulos el tema de conversación con los amigos y los pares. En algunas ocasiones esta pretensión por encontrar cintas trascendentes es exitosa, pero en otras, como lo es este año, nuevamente volvemos a la antigua pregunta de si vale la pena entusiasmarse tanto con una cinta que maraville a la Academia estadounidense, por más que entre los galardones obtenidos se cuenten el BAFTA y los Globos de Oro.

Lo último del británico Danny Boyle, quien dos años atrás volvió a situar al cine futurista en lo más alto a través de “Alerta Solar”, esta vez no decepciona del todo con la radiografía a la sociedad india que buscó retratar con la adaptación al cine de la novela “Q & A” de Vikas Swarup, pero claramente estamos frente a uno de sus trabajos más bajos en comparación a su filmografía, por lo cual cabe preguntarse de dónde nació este favoritismo por la cinta ambientada en el centro de India, la que en dos horas va de más a menos de una manera realmente impresionante.

Sin entrar en comparaciones, la única explicación posible es que su más cercana competencia en los Oscar de esta noche, “El Curioso Caso de Benjamin Button” de David Fincher, es de un nivel aún más bajo. Ambas buenas producciones, pero en ningún caso brillantes. Y es que la primera hora de la cinta de Boyle contiene todos los ingredientes que podrían haber llevado a un excelente epílogo a esta historia repleta de moralejas y aleccionadoras escenas, con el joven actor indio Dev Patel respondiendo cada una de las preguntas del juego televisivo “Quién Quiere ser Millonario” hurgando en su memoria emocional.

Mientras las preguntas hechas por el desagradable conductor del espacio, Prem Kumar (Anil Kappor), gatillan las respuestas de Jamal (Patel), el verdadero interrogatorio que debe soportar este chico de origen humilde, que sirve té en una compañía de telecomunicaciones en Mumbai, es el que se lleva a cabo en una sala policial, donde el inspector (Irrfan Khan) recurre a la violencia física y sicológica para hacerlo reconocer que hizo trampa en el estudio televisivo. Antes de obtener 20 millones de rupias, el programa terminó a instancias de Kumar, para que Jamal fuese interrogado.

La dura infancia en India, donde los musulmanes son perseguidos de manera brutal por los hindúes, el repugnante reclute de niños huérfanos que después son mutilados para mendigar, y el irremediable camino hacia la delincuencia, que incluso separa a Jamal de su hermano Salim (Madhur Mittal), son retratados magníficamente por Boyle a través de este racconto, ante lo cual lo único que queda por suponer es que se está frente a una obra mayor, posiblemente el mejor trabajo del inglés. Pero desgraciadamente ni la espectacularidad de los juegos de cámara, la excelente musicalización, la fotografía, el ritmo vertiginoso de algunos pasajes, ni el brillante montaje entre escena y escena pudieron con la pobreza del desenlace.

Si bien la historia de amor entre Jamal y Latika (Freida Pinto), esta última la cara femenina de la miseria en India, comenzó como una arista potente entre la disociación que separa a ambos hermanos, ya que uno la ama y el otro solo quiere sacar provecho de ella, el resultado fue que la continuidad del guión fue derivando en una historia de amor imposible que poco y nada puede diferenciarse de otros títulos románticos, como los que abundan en la cartelera. Pese a estridentes escenas de persecución y drama, lo que pudo haber sido un retrato soberbio de la realidad y contrastes del tercer mundo, derivó finalmente en un relato cargado al efectismo barato y poco acorde con la idea original.

Aunque el ideario de pasar de la pobreza a la riqueza se mantiene latente desde comienzo a fin, lo claro es que Boyle debió potenciar con más fuerza el motivo de este anhelo universal en la mente de Jamal, el único personaje que quedará en la retina gracias a la gran actuación de Dev Patel, y no circunscribir una meta tan importante como ésta al solo hecho de ser visto por Latika en televisión, para luego escapar juntos de las garras del sufrimiento. Con un final musical propio de las compañías de danza internacionales, Boyle quiso homenajear a la prolífica cinematografía india, siempre adicta a la estética visual y musical que envuelve de ensueño a sus míticos personajes, sin detenerse mucho en las historias y otras pretensiones. Es aquí donde el director debería dar una respuesta, buscó darle un tributo a esta industria del cine, el denominado Bollywood, pese a un formidable comienzo en el guión, o simplemente no supo darle término al retrato de esta sensible India a través de un programa de televisión.

Slumdog Millionaire merece ser vista, y más aún, también discutida en términos sociales y cinematográficos, pero en ningún caso este título puede llegar a lo más alto, no después de una filmografía tan prolífica así como cautivante de su director. Las comparaciones serán inevitables, pero desde ya el resultado no es muy grato para esta producción, ya que por más que obtenga los premios más rimbombantes de la Academia en esta versión 2009, no está destinada a convertirse en un clásico. Por lo visto, los Oscar no dejarán mayor huella en lo que queda del año.

Muy Buena

Ficha Técnica:

Nombre: Slumdog Millionaire (Quién Quiere Ser Millonario)
Género: Drama
Dirección: Danny Boyle
Guión: Simon Beaufoy. Basado en la novela "Q & A" (Vikas Swarup)
Reparto: Dev Patel, Freida Pinto, Madhur Mittal, Anil Kapoor, Irrfan Khan
Producción: Christian Colson
Música: A.R. Rahman
Montaje: Chris Dickens
País: Reino Unido
Idioma: Hindi, Inglés
Duración: 120 minutos
Año: 2008
Link: http://www.foxsearchlight.com/slumdogmillionaire/

Trailer

Tributo a Heath Ledger - Actores de Reparto 2008

2009-02-22T19:34:00.020-03:00

... nunca es tarde...

MEJORES ACTORES DE REPARTO
2008

A pocas horas que el fallecido actor australiano haga historia en los Academy Award 2009, por primera vez he querido hacer un resumen con las mejores actuaciones en roles de reparto durante el año pasado. Actores y actrices, ordenados en grupos de cinco.

Espero que concuerde con sus apreciaciones.

ACTORES

1
HEATH LEDGER
(1979 - 2008)
"Batman, El Caballero Oscuro"
Australia

El más serio candidato a llevarse en este 2009 el Oscar póstumo a mejor actor de reparto, cuenta con todos los méritos actorales para ser considerado el mejor del 2008 como intérprete secundario, y no necesariamente por el morbo o por la extrema emocionalidad del mundo cinéfilo. El australiano Heath Ledger personificó de manera magistral la perversión del Guasón para desencadenar el conflicto interior en Batman, su archienemigo. Con su manía por salirse con la suya a costa de engaños, una espeluznante sagacidad y una completa falta de misericordia, el rol de Ledger se transformó en lo mejor de la cinta de Christopher Nolan gracias a su memorable peformance sicopática. Lo mejor de "Batman, el Caballero Oscuro".

2
DEVID STRIESOW
"Los Falsificadores"
Alemania

Otro alemán desconocido en nuestras tierras brilló por su talento. El actor nacido en la ex RDA, dándole vida al inescrupuloso comandante Friederich Herzog, Devid Striesow dio muestras de una notable interpretación como este nazi de falsa amabilidad que se aprovecha de los conocimientos de Salomon Sorowitsch, un antiguo conocido, para llenar sus arcas con dinero falsificado de los aliados. No importó el origen racial de Sorowitsch, ni que este fuese lo más cercano al estereotipo del judío sabandija retratado por la propaganda antisemita, solo importaba el provecho personal. El premio 2007 del cine alemán como mejor actor de reparto habla por sí solo.

3
JAVIER BARDEM
"Sin Lugar para los Débiles"
España

Otro hispanoparlante con diálogos en inglés se llevó el reconocimiento de los Academy Award el 2008. Esta vez fue el turno del español Javier Bardem, quien con esta notable performance del frío asesino a sueldo que busca recuperar un maletín lleno de dinero y drogas, no duda ni un segundo en asesinar y sacar a la luz sus más bajos instintos con tal de conseguir sus propósitos. Bardem se consolida así como un actor versátil, capaz de caracterizar a cualquier tipo de personaje, incluido éste, Anton Chigurh, un sicópata de gran pericia con las armas de fuego y que no demuestra ningún signo de misericordia a lo largo del film.

4
VLAD IVANOV
"4 Meses, 3 Semanas y 2 Días"
Rumania

Seguir hablando a estas alturas de esta memorable cinta rumana sería simplemente redundar. Entre otros méritos, ya se ha reconocido su ritmo vertiginoso, la rudeza de su guión y el gran nivel de las actuaciones, pues bien, en gran medida este último punto se debe al detestable personaje que interpretó el rumano Vlad Ivanov, el Sr. Bebé, hombre con una oscura realidad familiar que sabe manejar las situaciones comprometedoras, al punto de quebrar las voluntades de Otilia y Gabita, quienes recurren a él para llevar a cabo un aborto clandestino en la Rumania comunista. Sus escenas junto a Anamaria Marinca y Laura Vasiliu son los puntos de mayor carga emocional a lo largo de esta magnífica película.

5
TOMMY LEE JONES
"Sin Lugar para los Débiles"
Estados Unidos

Así como Javier Bardem impresionó con su rol de sicario en esta intensa realización, el estadounidense Tommy Lee Jones hizo lo propio con este sheriff Bell desconcertado con los acontecimientos, sin saber cómo hacerle frente a esta sucesión de hechos violentos donde las pistas son claras, pero los resultados impredecibles. Como se trata de acontecimientos que se desencadenan a raíz de las acciones del personaje de Josh Brolin, Lee Jones encarna impecablemente el desconcierto de la ley. A ratos bucólico y lejano, sin embargo uno de los puntos altos del galardonado film de los hermanos Coen.

ACTRICES

1
LAURA VASILIU
"4 Meses, 3 Semanas y 2 Días"
Rumania

Aunque todo el peso emocional de la historia recayó en la excelente actriz rumana Anamaria Marinca, su compatriota Laura Vasiliu es en buenas cuentas quien desencadena el nudo dramático en el papel de la angustiada Gabita, la amiga embarazada de Otilia (Marinca). Con una personalidad débil, a rato timorata y sin la inteligencia para prever los costos que pagarán tanto ella como el personaje de Marinca, Vasiliu tiene a cargo el personaje más responsable por los acontecimientos, pero a la vez el más vulnerable, pese a no tratarse de una joven reprimida. Impecable actuación de la rumana, potenciándose aún más junto a Marinca e Ivanov en los diálogos en la pieza del hotel.

2
HELENA BONHAM CARTER
"Sweeney Todd"
Reino Unido

Siendo esposa y musa del talentoso director norteamericano Tim Burton, esta pequeña actriz británica de voz sensual ahora tuvo la misión de interpretar a través del canto a la Sra. Lovett, una curiosa pero simpática mujer que prepara pasteles incomibles en el piso de abajo de una barbería, a la cual llegará el personaje central, a cargo de Johnny Deep. Mientras éste comienza a dar forma a su venganza, Lovett será su mejor aliada en esta oscura misión, con este personaje enigmático y lleno de gracia. En un año donde esta cinta y el musical “Mamma Mia” se apoderaron de las salas en ambos semestres, la calidad interpretativa de los actores se puso a prueba, siendo Bonham Carter y Deep los que más aplausos cosecharon en el trabajo de Burton.

3
JULIE WALTERS
"Mamma Mia, La Película"
Reino Unido

Otra actriz británica que incursionó en el género musical el 2008, y nada menos que como soporte de Meryl Streep, la popular actriz estadounidense. Hay que aclarar que Julie Walters es una comediante inglesa que ha brillado con anterioridad en este género, especialmente en “Educando a Rita” de 1983, y es justamente esa la razón que la llevó a interpretar de manera brillante el papel de Rosie, la amiga solterona de Streep que no pierde el deseo por volver a enamorarse, incluso de uno de los antiguos amores de su mejor amiga, ya que el libido permanece intacto dentro de ella, pese a su apariencia descuidada. Genial, cómica y de personalidad vivaz, la mejor compañera de andanzas, y de coros, de Donna (Streep).

4
AMPARO NOGUERA
"Tony Manero"
Chile

Si bien la performance de Alfredo Castro en “Tony Manero” fue lo mejor de la cinta de Pablo Larraín, tampoco se puede obviar el trabajo de quienes estuvieron a cargo de roles más secundarios, y el caso de Amparo Noguera es el más sobresaliente. La chilena le dio forma al personaje de Cony, una de las dos mujeres dentro del grupo de baile que prepara Raúl Peralta para bailar como Tony Manero. Ella es una mujer de fácil trato que solo busca estar cerca de Peralta para seducirlo, ya sea apoyándolo en el baile o como compañera sexual, sin reaccionar incluso si es su propia hija el interés de éste. Dejando de lado las escenas violentas, si Peralta es un perdedor, ella es su complemento. Gran actuación de Noguera.

5
OLYMPIA DUKAKIS
"Lejos de Ella"
Estados Unidos

Aunque con pocas apariciones a lo largo del film de Sarah Polley, esta gran señora de la escena norteamericana volvió a deleitar al público con una actuación muy íntima, sin grandes estridencias, como la mujer mayor que ya es. En esta ocasión, Olympia Dukakis le dio vida al personaje de Marian, la esposa de un residente en el internado para enfermos de Alzheimer, y quien establece lazos emocionales con Grant, rol a cargo del canadiense Gordon Pinsent, el afligido marido de Fiona (Julie Christie). Marian tiene una actitud más práctica en relación a su esposo, quizás un tanto distante, no así la de Grant frente a Fiona, ante lo cual ella termina siendo una especie de refugio emocional para él. Otra gran actuación de una consagrada del cine estadounidense.

Bueno pues, a esperar lo que ocurra esta noche con Ledger.

INDICE 10

2009-01-12T02:18:00.012-03:00

Recuento con lo Mejor del 2008

Los 12 Films del Año

Mejores Actores 2008

Mejores Actrices 2008

Otros Títulos 2008

"Wall-E"
La Película del Año

Ojalá concordemos, o al menos, lleguemos a consenso.

Las 12 Mejores Películas del 2008

2009-01-11T21:56:00.059-03:00

como todos los años...

¡¡¡Ganamoooooos!!!

LAS 12 PELÍCULAS

QUE MARCARON EL 2008

Antes que todo, mil disculpas por no haber actualizado este blog desde hace meses. Espero poder compensar en algo esta ausencia con este resumen con lo mejor del 2008 en materia de cine, obviamente bajo un criterio muy personal, esperando que también concuerde con el de ustedes.

1
WALL-E
Andrew Stanton
Animación, Ficción, Comedia Romántica
Mes de Junio

Guión: Andrew Stanton y Jim Reardon. Basado en un argumento de Andrew Stanton y Pete Docter
Voces Originales: Ben Burtt, Elissa Knight, Jeff Garlin, Fred Willard, John Ratzenberger, Kathy Najimy, Sigourney Weaver
País: Estados Unidos
Idioma: inglés (doblado al español)
Año: 2008

Aunque muchos quisieron adelantarse el 2007, proclamando a “Ratatouille” como la mejor película de aquel año, lo cierto es que el deseo por ver en lo más alto a una cinta realizada en formato de animación, y con el valor agregado de estar entre las más taquilleras, solo pudo hacerse efectivo un año después, cuando la ternura mezclada con un excelente trabajo de digitalización, dio vida a la pareja romántica del año, compuesta por un arcaico robot de limpieza y una sofisticada nave exploradora. Así es, lo que parecería una insensatez, se transformó gracias a la genialidad del estadounidense Andrew Stanton, en el guión más original de los últimos años en el género, presentándonos una historia de ficción que no parece en absoluto descabellada, un planeta Tierra desprovisto hace siglos de vida humana, quedando entre los vestigios de civilización un simpático pero básico robot, Wall-E, una especie de tributo a R2 de "Star Wars", cuya misión es mantener la limpieza de lo que alguna vez fue una metrópolis. Teniendo como única compañía una cucaracha, antiguos videos musicales y otros utensilios, la apacible rutina de Wall-E se ve interrumpida con la llegada desde el espacio de la sonda Eva, que rastrea el entorno en busca de vida vegetal y con un fuerte temperamento. A pesar de todo nace el amor entre ambos, debiendo enfrentar juntos el complot de ciertas máquinas que no desean el regreso de los ahora obesos humanos a suelo terrestre. Magnífica, una joya dentro de la animación digital, que va mucho más allá de la mera entretención y la indiscutible calidad de los dibujos. Tras la mediocridad de los últimos trabajos de Dreamworks, Pixar & Disney se imponen como los líderes.

Wall-E, "El Amor Nunca se Oxida"

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2
PERSÉPOLIS
Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud
Animación, Drama
Mes de Marzo

Guión: Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud. Basado en las novelas gráficas de Marjane Satrapi
Voces Originales: Chiara Mastroianni, Catherine Deneuve, Danielle Darrieux, Simon Abkarian, Gabrielle Lopes, François Jerosme
País: Francia
Idioma: francés
Año: 2007

La mejor cinta de animación del año 2007, solo pudimos apreciarla a partir de marzo del 2008, sin embargo, la adaptación cinematográfica de la exitosa novela gráfica de la iraní Marjane Satrapi, junto al director francés Vincent Paronnaud, validó todos sus pergaminos, entre ellos el premio del jurado en el Festival de Cannes. Satrapi, tal como en el cómic, narra su historia personal a través de la voz de Chiara Mastroianni, presentándose como la inquieta niña que crece en una convulsionada Teherán, en espera de la revolución islámica. Desde pequeña Marjane mostraba interés por los temas políticos y sociales, pero las desilusiones y el peligro van minando sus concepciones, aunque no su espíritu combativo, al punto de enfrentarse cara a cara con “los guardianes sociales” del régimen teocrático, al expresar abiertamente su admiración por Abba, Iron Maiden y la música punk. Para evitar un mal final, habiendo ya una dolorosa muerte en la familia, la ahora adolescente Marjane es enviada a Austria, debiendo luchar esta vez por ganarse un espacio como musulmana en medio de europeos que desconfían de su origen. Su lucha interna será entre asimilarse o conservar sus raíces, no excluyendo el retorno a Irán. Acida por momentos, reflexiva en otros, pero con una buena dosis de humor, la película que volvió a instalar la discusión sobre las mujeres y el Islam vino de la mano del graffiti. Simplemente brillante.

Persépolis, "A Mi Manera"

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3
4 MESES, 3 SEMANAS Y 2 DÍAS
(4 Luni, 3 Saptamini si 2 Zile)
Cristian Mungiu
Drama
Mes de Julio

Guión: Cristian Mungiu
Actuaciones: Anamaria Marinca, Laura Vasiliu, Vlad Ivanov, Alex Potocean, Luminita Gheorghiu, Adi Carauleanu, Madalina Ghitescu, Catalina Harabagiu, Sanziana Tarta, Mihaela Alexandru
País: Rumania
Idioma: rumano
Año: 2007

La galardonada cinta rumana, que conquistó la Palma de Oro en Cannes 2007, tenía la difícil misión de competir a nombre de Europa con los más importantes títulos anglos, en especial los más oscarizados. Y el resultado fue que, si hablamos de cine arte tradicional, la producción dirigida por el rumano Cristian Mungiu no tuvo competencia el 2008. Fue por lejos la película que más impactó por la rudeza del guión y el accionar de sus personajes, sobresaliendo la rubia Anamaria Marinca como Otilia, una universitaria contenida y a ratos decidida, cuya compañera de habitación, Gabita, ha quedado embarazada durante los últimos años del régimen comunista de Nicolás Ceausescu. Gabita desea abortar, lo cual es un grave delito en la Rumania de aquellos años, ante lo cual Otilia consigue una habitación de hotel, más la ayuda de un inescrupuloso sujeto, Sr. Bebe, quien tras su fachada de seriedad esconde un cinismo impresionante. Ambas jóvenes se enfrentan ahora a una situación que nunca imaginaron. Mungiu no realiza ningún juicio de valor, todo queda en manos del espectador a lo largo del film, cuya técnica nos recuerda en varios pasajes la de los hermanos belgas Dardenne. Junto a Marinca, grandes actuaciones de los también rumanos Laura Vasiliu y Vlad Ivanov, pilares fundamentales de esta perturbadora pero necesaria historia, un imperdible que difícilmente se olvidará, en especial su escena final.

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4
LA ESCAFANDRA Y LA MARIPOSA
(Le Scaphandre et le Papillon)
Julian Schnabel
Drama
Mes de Octubre

Guión: Ronald Harwood. Basado en el libro homónimo de Jean-Dominique Bauby
Actuaciones: Mathieu Amalric, Emmanuelle Seigner, Marie-Josée Croze, Anne Consigny, Patrick Chesnais, Niels Arestrup, Olatz Lopez Garmendia, Jean-Pierre Cassel, Marina Hands, Max Von Sydow, Isaach de Bankolé, Emma de Caunes
País: Francia
Idioma: francés
Año: 2007

El estadounidense Julian Schnabel tomó en sus manos el drama del ex redactor de la revista francesa “Elle”, Jean-Dominique Bauby, quien tras una sorpresiva embolia masiva, quedó parapléjico, sin poder comunicarse más que con abrir y cerrar sus párpados. La mano del director en ningún caso presenta la historia de Bauby partiendo por su vida antes del accidente, para luego compadecerse de su difícil situación, su gran mérito fue ceñirse al libro homónimo en el que se inspiró, así entonces comenzó a retratar el duro trance de Bauby desde que despierta en la clínica, hasta lo que más pudo avanzar en su tratamiento de recuperación. La cinta más que ahondar en el espíritu de superación, busca desentrañar quién era realmente Bauby, recurriendo a las imágenes que éste logra evocar en su mente, mientras siente que su cerebro está intacto, y por ende su mordaz personalidad. Atrapado ahora en su cuerpo, síndrome conocido como “locked-in syndrome”, es él mismo quien hace una analogía entre su situación actual y los dos estados de una mariposa, primero como escafandra y luego como tal. Brillante actuación del actor galo Mathieu Amalric como el vivaz y carismático Jean-Dominique Bauby, aún en esas condiciones. Su reconocimiento incluso en los Estados Unidos avala a este excelente trabajo europeo.

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5
LEJOS DE ELLA
(Away From Her)
Sarah Polley
Drama
Mes de Junio

Guión: Sarah Polley. Basado en el relato "The Bear Came Over the Mountain" de Alice Munro
Actuaciones: Julie Christie, Gordon Pinsent, Olympia Dukakis, Michael Murphy, Kristen Thomson, Wendy Crewson
País: Canadá
Idioma: inglés
Año: 2007

La versátil actriz y directora Sarah Polley, la recordada protagonista de “Mi Vida sin Mí”, esta vez se encuentra detrás de las cámaras, y desde la dirección pone nuevamente el acento en la relación de pareja, donde los protagonistas deben enfrentar una dolorosa distancia. El mal de Alzheimer es retratado mediante la paulatina pérdida de memoria de Fiona, interpretada de manera espectacular por la legendaria actriz británica Julie Christie, quien ante lo que presume inminente, insiste en internarse en una residencia para ancianos con este mal, ante la oposición del esposo. Ella prefiere alejarse a tiempo de él, antes de saber que estará convertida en una carga difícil de mantener. Sin embargo, ante las estrictas reglas que se manejan en el lugar, el olvido se acelera en ella, al punto de hacer cuestionar a Grant, su marido, todo lo bueno y malo que vivieron juntos en 44 años. Aunque éste intentará seguir con su vida, jamás olvidará a la que fue su mujer. El frío del invierno, mediante bellos paisajes nevados, acentúa aún más la tristeza y lo desconcertante del olvido y la separación. Julie Christie mereció el Oscar por esta actuación, ya que su magnífica interpretación sobresale por lejos en esta inolvidable historia de amor, cuyos dolores son tratados sin ninguna exageración por Polley. La cinta canadiense reivindica además el trabajo de actores ya mayores en roles protagónicos, frente a una obscena preferencia por actores juveniles o no mayores de cuarenta años.

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6
LOS FALSIFICADORES
(Die Fälscher)
Stefan Ruzowitzky
Drama
Mes de Agosto

Guión: Jonathan Stefan Ruzowitzky. Basado en el libro "The devil's workshop" de Adolf Burger
Actuaciones: Karl Markovics, August Diehl, Devid Striesow, Martin Brambach, August Zirner, Marie Bäumer, Dolores Chaplin, Veit Stübner, Sebastian Urzendowsky, Andreas Schmidt, Tilo Prückner
País: Austria, Alemania
Idioma: alemán
Año: 2007

Aunque sea un solitario título dentro del año, siempre el cine germano se las arregla para dejarnos un clásico, y esta vez el turno fue de esta sorprendente co-producción austro-germana, que se llevó un Oscar en la última entrega como mejor película de habla no inglesa. En efecto, el austríaco Stefan Ruzowitzky tenía muy claro que por más que los alemanes estuvieran exorcizando su pasado, a través de cintas sobre el régimen de Hitler o la era comunista, si quería evitar quedar como uno más, o peor aún, pasar desapercibido, debía recurrir a una arista diferente a todo lo visto, y lo logró. Ruzowitzky adaptó una novela de Adolf Burger sobre la Operación Bernhard, un hecho real ocurrido en 1944, en el que un judío, Salomon Sorowitsch, colaboró junto a otros prisioneros con los nazis dentro del campo de concentración de Sachsenhausen, para falsificar dinero de las potencias enemigas, ante la inminente derrota del Tercer Reich. Sin volver a desgarrar en imágenes el martirio de los prisioneros, la película se centró en el deseo de supervivencia, incluso colaborando con los mismos verdugos. Excelente actuación del austríaco Karl Markovics como el práctico y rudo Salomon, así como el germano Devid Striesow en el rol de Herzog, el inescrupuloso comandante alemán. Todos puntos altos en este memorable film sobre el pasado nazi.

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7
BATMAN, EL CABALLERO OSCURO
(Batman, The Dark Knight)
Christopher Nolan
Ficción, Acción, Thriller
Mes de Julio

Guión: Jonathan Nolan y Christopher Nolan. Basado en un argumento de Christopher Nolan y David S. Goyer, sobre los personajes del cómic de Bob Kane
Actuaciones: Christian Bale, Heath Ledger, Michael Caine, Gary Oldman, Aaron Eckhart, Maggie Gyllenhaal, Morgan Freeman, Monique Gabriela, Ron Dean, Cillian Murphy, Eric Roberts, Chin Han
País: Estados Unidos
Idioma: inglés
Año: 2008

Por primera vez en muchos años una cinta de ficción, basada en un popular cómic norteamericano, alcanza el reconocimiento como uno de los mejores títulos del año, y esto último no es menor, tomando en cuenta que en años anteriores varias producciones del género fueron consideradas como lo peor del año. Mérito entonces de su director, el británico Christopher Nolan, quien superó su propia marca del 2006, con “Batman Begins”, llevando a los admiradores del hombre murciélago a sorprendentes recovecos oscuros, sobre todo en la sicología de los personajes, incluyendo al propio Batman, a través de una trama más cercana al drama y al thriller de suspenso. Fue un gran acierto describir al superhéroe luchando en su interior por continuar siendo un héroe o transformarse en un vil justiciero, y todo por las fechorías del Guazón. Memorable actuación del fallecido actor australiano Heath Ledger como el villano bufón, superior incluso a la de Christian Bale en el rol protagónico. Como en toda obra de este género es infaltable la acción, pero con una obra tan bien adaptada, dirigida y protagonizada como ésta, resulta una aberración centrarse solo en las escenas de carrera, vértigo y efectos especiales, incluso para un fan. No será la mejor película del año, pero por lejos, la más comentada por su enorme mérito.

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8
NO ES PAÍS PARA VIEJOS
(No Country for Old Men/ Sin Lugar para los Débiles)
Ethan Coen y Joel Coen
Drama, Thriller
Mes de Febrero

Guión: Joel Coen y Ethan Coen. Basado en la novela homónima de Cormac McCarthy
Actuaciones: Tommy Lee Jones, Javier Bardem, Josh Brolin, Woody Harrelson, Garrett Dillahunt, Kelly Macdonald, Tess Harper
País: Estados Unidos
Idioma: inglés
Año: 2007

Pese a todos mis pronósticos, me llevé una grata sorpresa cuando en la versión 2008 de los premios de la Academia, esta cinta se alzó con el triunfo, pese a que se aleja bastante del estereotipo del thriller de suspenso y balaceras que tanto gusta explotar la industria norteamericana. Los hermanos Ethan y Joel Coen, una suerte de nueva horneada de directores que busca refrescar el cine estadounidense, no se dejaron tentar ni por un minuto por la excentricidad y mantuvieron un ritmo pausado para presentar esta historia, una de las más perturbadoras de los últimos tiempos, donde la persecución es el leitmotiv que surge tras las acciones de un tejano común y corriente, quien tras encontrar a varios sujetos ajusticiados en el desierto, huye con un maletín lleno de drogas y dinero. No imaginó eso sí las consecuencias, teniendo tras sus pasos a un frío y violento sicario, sin que la policía pueda hacer nada para evitar el baño de sangre. Notables actuaciones de Tommy Lee Jones como el bucólico sheriff y el español Javier Bardem como el peligroso asesino a sueldo. El thriller más exitoso del año, y con justa razón.

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9
PETRÓLEO SANGRIENTO
(There Will Be Blood / Pozos de Ambición)
Paul Thomas Anderson
Drama
Mes de Febrero

Guión: Paul Thomas Anderson. Adaptación de la novela "Petróleo" de Upton Sinclair
Actuaciones: Daniel Day-Lewis, Paul Dano, Kevin J. O'Connor, Ciarán Hinds, Dillon Freasier, Randall Carver, Coco Leigh, Sydney McCallister, David Willis
País: Estados Unidos
Idioma: inglés
Año: 2007

No cabe duda que el británico Daniel Day-Lewis es uno de los mejores actores contemporáneos, aún así, no deja de sorprender que el éxito de este film, de dos horas de duración, se deba mayoritariamente al impecable rol que interpretó el ganador del Golden Globe y Oscar 2008. Así es, porque dándole vida al déspota y calculador Daniel Plainview, el inglés, junto al guionista y director estadounidense Paul Thomas Anderson, llevaron a lo más alto a esta adaptación al cine de un exitoso best seller. El boom de los yacimientos de petróleo en California, durante la primera mitad del siglo pasado, fue recreado con gran maestría mediante la irrupción de Plainview, sus hombres y su hijo, quien debería heredar la dinastía luego del enriquecimiento obtenido tras años de agudo olfato, pero el destino le depararía tanto amarguras como éxitos, poniendo a prueba el duro carácter y la fortaleza del protagonista. Las mentiras y el cinismo, la corrupción, el aprovechamiento de terceros y hasta el conflicto entre padre e hijo, transformaron a esta cinta, que pensé sería la ganadora del Oscar 2008, en un deleite para los amantes del género. Daniel Day-Lewis de antología.

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10
PROMESAS DEL ESTE
(Eastern Promises)
David Cronenberg
Drama, Thriller
Mes de Abril

Guión: Steve Knight
Actuaciones: Viggo Mortensen, Naomi Watts, Vincent Cassel, Armin Mueller-Stahl, Sinéad Cusack, Jerzy Skolimowski
País: Reino Unido, Estados Unidos
Idioma: inglés
Año: 2007

Aunque nunca he sido admirador del cine de David Cronenberg, especialmente por algunas escenas tremendamente predecibles, propias del cine hollywoodense, esta vez reconozco que el popular director canadiense, en algo más de una hora y media, condensó una historia sólida a través de esta co-producción anglo-estadounidense, sin nada de rellenos ni escenas estereotipadas, lo que la convierte en su mejor trabajo a la fecha. La historia que retrata el retorcido accionar de la mafia rusa en suelo británico, a través de la hermandad Vory V Zakone, logra sus mejores momentos mediante la gran actuación de Viggo Mortensen como el enigmático Nikolai, quien debe decidir si traiciona a su siniestro jefe, y a su sicótico hijo, u opta por ayudar a otra descendiente de rusos que descubre la terrible naturaleza de estos hombres, tras la muerte de una joven que dio a luz una niña. Otra vez violencia, tensión, venganza y sorpresas hacia el final, pero nuevamente sin caer en la exageración, manteniendo un ritmo normal y apuntando nuevamente al perfil sicológico de los personajes. De lo mejor en el género thriller.

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11
CARAMEL
(Sukkar Banat)
Nadine Labaki
Comedia Dramática
Mes de Junio

Guión: Nadine Labaki, Jihad Hojeily, Rodney Al Haddad
Actuaciones: Nadine Labaki, Yasmine Al Masri, Joanna Moukarzel, Gisèle Aouad, Adel Karam, Siham Haddad, Aziza Semaan, Fatme Safa
País: Líbano, Francia
Idioma: árabe, francés
Año: 2007

Para muchos otra comedia dramática que cae en lugares comunes, sin embargo ésta, una de las cintas que más ha sido premiada en los distintos festivales internacionales por el propio público, sobresale por la chispa y el colorido de su performance, tanto en la ambientación, centrada en un exultante salón de belleza en Beirut, como en la diversidad de los personajes femeninos dentro de una sociedad como la libanesa, que intenta armonizar las costumbres musulmanas con el avance de Occidente. Una sutil pero a la vez clara mirada de su directora, Nadine Labaki, quien además protagoniza el film, a temas como el adulterio, la virginidad, el lesbianismo, la frustración y el inexorable paso de los años. Sorprendente es el hecho que los actores no son profesionales, sino que fueron reclutados tras un aviso en un periódico, el caso más notable, la veterana Aziza Seeman como la simpática Lili. Es una temática similar a la animada “Persépolis”, aunque menos polémica y por su puesto más liviana, sin embargo, este título terminó convirtiéndose en lo mejor del cine de Oriente, pese a ser de co-producción gala.

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12
LA BUENA VIDA
Andrés Wood
Drama
Mes de Agosto

Guión: Mamoun Hassam, Andrés Wood
Actuaciones: Aline Kuppenheim, Manuela Martelli, Eduardo Paxeco, Bélgica Castro, Roberto Farías, Manuela Oyarzún, Paula Sotelo, Alfredo Castro, Néstor Corona, Marcial Edwards, Francisca Rojo, Aldo Parodi, Carolina Correa
País: Chile
Idioma: español
Año: 2008

Sin pena ni gloria pasó por nuestra cartelera una de las mejores cintas del chileno Andrés Wood, que a pesar de no contar con una historia para público masivo, ni con la estridencia y el apoyo de los medios como en “Machuca”, al menos logró recrear en esta historia coral muchos de los rostros que identifican a los ciudadanos chilenos en una urbe como Santiago, incluyendo el caso más conmovedor, un infante muerto por inanición, que originalmente se produjo en regiones. Así es, el guión de esta cinta se basa en muchos hechos conocidos ya por la opinión pública, y que magistralmente fueron entrelazados a través de personajes que pueden identificar claramente a individuos como el solterón que aún vive con su madre, la adolescente embarazada y sin comunicación con la madre, el padre ausente y vividor, el aspirante a músico que opta por la policía uniformada y el triste final de una mujer sin recursos y su pequeño hijo. Aunque no hay actuaciones sobresalientes, como tampoco protagónicas, esta fue la indiscutible mejor cinta chilena del año 2008.

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Bueno, brevemente.

Nunca imaginé que serían dos películas de animación las que se pelearían el primer lugar del año. Cabe destacar además que se enfrentaron dos escuelas que siempre generan comparaciones entre los cinéfilos, la europea (Francia) mediante el graffiti, y la poderosa industria norteamericana, mediante la animación digital. Aún así, viendo los meses en que se estrenaron en Chile, cada una fue la mejor en ambos semestres. Pese a títulos realmente brillantes, como la rumana "4 Meses, 3 Semanas y 2 Días" y la gala "Escafandra y Mariposa", habrá que ver la tendencia este año 2009. Salvo por los grandes trabajos que nos ha regalado el japonés Hayao Miyazaki, ya nadie debería extrañarse si otra vez una cinta animada vuelve a imponerse.

Sorpresivamente el cine de Oriente, en especial el chino, coreano y japonés, quedó en deuda el 2008. El cine chileno como nunca entregó una buena cantidad de títulos sobresalientes, uno de ellos entre los 12 films del año. Respecto a España y Latinoamerica, hubo algunas producciones realmente buenas, pero aún es difícil que se impongan a títulos como los estadounidenses y europeos.

Finalmente, me sorprende la cantidad de títulos que apuntaron a la temática de la violencia y el suspenso, entre ellos la última ganadora de los Academy Award. Algo similar ocurrió el 2006, pero la tendencia parece irreversible. Los amantes de la sangre, los disparos y los golpes seguirán de fiesta.

Bueno pues, podía comentar mucho más, pero prefiero dejarlo hasta aquí. Sean ustedes entonces quienes tengan la última palabra.

Saludos a todos, y los mejores deseos para este año 2009 que está comenzando.

Mejores Actores del 2008

2009-01-11T21:38:00.008-03:00

Los cinco mejores en orden decreciente...

1
ALFREDO CASTRO
“Tony Manero”
Chile

Para que un actor pudiera superar en el 2008 a un Daniel Day Lewis, simplemente tenía que hacer el papel de su vida, y eso fue precisamente lo que hizo el chileno Alfredo Castro, quien en la cinta de Pablo Larraín le dio vida con maestría a este sicópata reprimido llamado Raúl Peralta, más conocido como Tony Manero, el personaje de John Travolta en “Saturday Night Fever”. Tanta es su obsesión por convertirse en su ídolo, que no trepida en llegar al asesinato con tal de ganar un concurso televisivo de la época, año 1978, plena dictadura militar. Frustraciones internas, personalidad sicopática y una sagacidad impresionante compensan la falta de talento de este oscuro personaje, lo más notable que dejó el cine chileno el año recién pasado.

2
DANIEL DAY-LEWIS
“Petróleo Sangriento”
Reino Unido

El reconocimiento obtenido por el británico Daniel Day-Lewis a lo largo de su trayectoria ha sido más que merecido, y en el caso de Daniel Plainview, el arrogante pero sagaz magnate del oro negro en la California del siglo XX, simplemente la confirmación de lo evidente, Day-Lewis es probablemente el mayor talento de su generación en el cine comercial norteamericano. Con una versatilidad impresionante, el recordado protagonista de “Mi Pie Izquierdo” esta vez puso todo su talento interpretativo en este hombre que cree controlar el mundo, pese a que el destino le depara amargos momentos. Era imposible que no obtuviera los mediáticos Oscar y Globo de Oro el año pasado.

3
MATHIEU AMALRIC
“La Escafandra y La Mariposa”
Francia

La caracterización del francés Mathieu Amalric como Jean-Dominique Bauby, el carismático redactor de la revista “Elle”, sorprende desde el primer minuto en este film basado en el ocaso de su vida, tras quedar inmovilizado por una embolia masiva, puesto que el francés comienza a relatar su recuperación desde la inmovilidad de su condición, para luego ir reviviendo sus recuerdos, y recreando fantasías, en una de las mejores actuaciones masculinas del último tiempo. Sin necesidad de grandes gesticulaciones, por la obviedad del guión, Amalric logra traspasar la necesidad de seguir siendo él mismo pese a la adversidad.

4
KARL MARKOVICS
“Los Falsificadores”
Austria

Su nombre, como el de muchos otros actores europeos, no era conocido en Chile, pero difícilmente podrá olvidarse la impecable actuación de este austríaco de origen judío, en la cinta que dejó de lado los tormentos de un campo de concentración nazi para centrar la historia en las fechorías de los últimos años del régimen. Esa misma personalidad bohemia, a ratos agresiva y que renuncia a los escrúpulos para mantenerse con vida, convirtieron a Salomon en un personaje de antología, magistralmente interpretado por este sorprendente Karl Markovics.

5
TONY LEUNG
“Deseo, Peligro”
China

Para muchos el actor chino Tony Leung es el mejor actor del momento. Personalmente comparto gran parte de la admiración por este talentoso intérprete asiático, sin embargo su gran interpretación de Mr. Yee en “Deseo, Peligro”, un poderoso magnate chino que colabora con Japón, no es lo mejor que le he visto hacer. Aún así, su versatilidad alcanza puntos altos cuando va cayendo en las garras de un falso amor que busca desenmascararlo, pese al carácter duro e impenetrable de un comienzo, no dudando incluso en delatar a sus propios compatriotas. Lo mejor de esta co-producción chino-estadounidense dirigida por Ang Lee.

Mejores Actrices del 2008

2009-01-11T21:07:00.006-03:00

Las cinco mejores a continuación...

1
INÉS EFRÓN
“XXY”
Argentina

Felicity Hoffman dio el primer paso hace unos años, dándole vida a un transexual en busca de su hijo. Esta soberbia actuación tuvo su respuesta en el cine argentino mediante la magnífica caracterización de Alex, a cargo de la joven actriz Inés Efrón, uno de los talentos emergentes del cine trasandino, y que interpretando a este niño-niña de 15 años, en pleno descubrimiento sexual, sobresale no solo por encarnar a un hermafrodita, sino por toda la rabia interior que le significa no entenderse ni ella misma, sentimiento agudizado aún más luego de una vejación. La Efrón, pese a su juventud, fue la nota más alta de este film argentino gracias a este memorable pero sufrido personaje. Revelación absoluta.

2
JULIE CHRISTIE
“Lejos de Ella”
Reino Unido

Felizmente los actores de antaño de vez en cuando suelen darnos lecciones de actuación, y este fue el caso de la británica Julie Christie en el papel de Fiona, una mujer en el ocaso de su vida, y a quien el Alzhaimer le está acelerando la dolorosa separación con su esposo. Con diálogos breves y a ratos con simples gestos, Christie logra emocionar sin caer para nada en la cursilería, simplemente expresando sentimientos de alegría y tristeza a través de un estado mental con el que no puede luchar. Uno de los personajes inolvidables que dejó el 2008.

3
CATE BLANCHETT
“Elizabeth, La Edad Dorada”
Australia

La caracterización de la temperamental monarca británica del siglo XVI, parece haberse quedado para siempre en los genes de Cate Blanchett, ya que dos son las veces que esta australiana de voz profunda ha interpretado a la polémica soberana, y en ambas ocasiones ha cosechado elogios y nominaciones a premios. Pero lo realmente importante en esta segunda parte fue que las difíciles decisiones que tuvo que tomar Elizabeth I, siempre expuesta a intrigas y conspiraciones, fueron retratadas de manera magistral por el pragmatismo y la vehemencia de la interpretación de Blanchett, a estas alturas la mejor Elizabeth en el cine moderno.

4
MERYL STREEP
“Mamma Mia, La Película”
Estados Unidos

Felizmente desde el 2006, tras darle vida a la soberbia Miranda Priestly, la cotizada actriz norteamericana viene demostrando que su talento es mucho más que lacrimógenos personajes. Esta vez incursionó en el género musical con un sorprendente desempeño en el rol de Donna, la esforzada madre que se complica con la llegada de los tres posibles padres de su hija, justo antes de su boda, demostrando que también podía encantar a través del canto y la danza. Ahora sí la Streep se consolida por su versatilidad.

5
ANAMARIA MARINCA
“4 Meses, 3 Semanas y 2 Días”
Rumania

Aunque no era el personaje de Anamaria Marinca el que debía hacerle frente a la opción del aborto, sino su amiga y compañera, su interpretación de Otilia llevó en gran parte todo el peso dramático de esta cruda historia, mediante sus constantes vaivenes emocionales, pasando desde la calma forzada hasta la mujer que todo lo puede, aunque siempre teniendo al temor como su principal adversario. La rumana se convirtió así en una de las revelaciones femeninas del año pasado, al menos en Chile.

Otros Títulos del 2008

2009-01-11T20:32:00.011-03:00

En imágenes, algunas de los títulos que también marcaron el 2008...

(orden totalmente aleatorio)

Desapareció una noche, Ben Affleck (Estados Unidos), Tropa de élite, José Padhila (Brasil), Antes que el diablo sepa que has muerto, Sidney Lumet (Estados Unidos), Tony Manero, Pablo Larraín (Chile), El Orfanato, Juan Antonio Bayona (España), Alicia en el país, Esteban Larraín (Chile), Cashback, Sean Ellis (Reino Unido), XXY, Lucía Puenzo (Argentina), Shine a light, Martin Scorsese (Estados Unidos), El cielo, la tierra y la lluvia, José Luis Torres Leiva (Chile), El diario de Agustín, Ignacio Agüero y Fernando Villagrán (Chile), Juno, Jason Reitman (Estados Unidos)

Muñeca, Sebastián Arrau (Chile), Mamma Mia, la película, Phyllida Lloyd (Estados Unidos), Sweeney Todd, Tim Burton (Estados Unidos), Bolt, Chris Williams y Byron Howard (Estados Unidos), Una mujer partida en dos, Claude Chabrol (Francia), RocknRolla, Guy Ritchie (Reino Unido), Deseo, Peligro, Ang Lee (China, Estados Unidos), El Regalo, Cristian Galaz y Andrea Ugalde (Chile)

Los mejores según el género cinematográfico:

Wall-E (Animación), Shine a light (Documental), Batman, el caballero oscuro (Ficción), Mamma Mia, la película (Musical)

Mención especial para las cintas chilenas Desierto Sur de Shawn Garry, por su fotografía, 199 Recetas para ser feliz de Andrés Waissbluth, por su temática y Lo bueno de llorar de Matías Bize por su reconocimiento en diversos festivales de habla hispana.

Wall-E - 'El Amor Nunca Se Oxida'

2009-01-11T20:15:00.007-03:00

... Una historia de amor y ficción que no fue pensada solo para la familia, sino para todo tipo de público, el que una vez más premió en las boleterías a una producción del género animación, pero esta vez, la mejor de todas...

Wall-E

EL AMOR NUNCA SE OXIDA

Mejor Película 2008

En ocasiones es bueno prestar oído a los presagios, como aquellos que señalaban desde hacía años que el asombroso poder que estaban teniendo las cintas de animación en la industria cinematográfica, terminarían por pasarle la cuenta al cine tradicional, entendiendo a este último como el dirigido, producido y actuado por humanos. Pues bien, pese al deseo de muchos por adelantar este proceso, finalmente el 2008 quedará marcado por ser la primera vez que una producción digitalizada, éxito rotundo de taquilla, se convierte en la película del año.

Wall-E, dirigida por uno de los cerebros tras los éxitos de la alianza Pixar y Disney, el estadounidense Andrew Stanton, trajo de vuelta a la magia del cine una historia de amor imposible de recrear sino es en base a animación. Un robot casi desvencijado, pero lleno de ternura y curiosidad, queda prendidamente enamorado de una sonda que busca vida vegetal en el planeta. Salvo que se usará computación avanzada, solo los dibujos poseen la fórmula para dar un resultado tan brillante como éste.

Luego de la partida de los seres humanos hacia el espacio exterior, hace ya 700 años, solo esta simpática máquina, que tiene por misión mantener la limpieza en lo que alguna vez fue una importante metrópolis, puede considerarse como el único legado viviente que dejó el ser humano, ya que su programación incluye no solo sus labores cotidianas, sino además, la posibilidad de interactuar con una cucaracha, maravillarse con antiguos videos abandonados por los humanos y jugar con diferentes utensilios.

Salvo por ocasionales tormentas de polvo, la rutina en las ruinas de la civilización pareciera carecer de cualquier atractivo, algo que al simpático Wall-E no parece importarle, pero un día esta cotidianidad se rompe drásticamente. Una enorme nave llega desde los cielos portando una sorpresa, la sonda exploradora Eva. Nada será lo mismo desde ahora para el sorprendido Wall-E, quien junto a esta extraña máquina voladora, se transforman en la pareja cinematográfica del año.

A pesar de su carácter temperamental, dispuesta a dispararle a cuanto objeto le parezca peligroso, Eva no parece ser una villana, al punto de apiadarse del asustadizo Wall-E, quien pasa desde el miedo intrínseco a la atracción más fuerte que haya experimentado alguna vez. Pero Eva tiene una misión imposible de postergar, encontrar vida vegetal para transportarla a los seres humanos en el cosmos. Es la única condición para un virtual repoblamiento de personas en el planeta.

Pese a los sentimientos de Wall-E, y a que Eva también ha comenzado a empatizar con él, la programación de esta última es inalterable, y al momento de encontrar una pequeña planta la misión se da por concluida, el regreso con los humanos es inminente. Nuestro simpático protagonista se resiste a la separación, y pese a todas sus limitaciones aerodinámicas, logra viajar junto a su amada por el espacio, en la nave que la lleva de regreso. Ahora junto a los humanos, convertidos en deformes obesos tras siglos de comodidades por el uso de robots, Wall-E, Eva, un contingente de máquinas y el rechoncho capitán de la nave interestelar lucharán por desbaratar un complot, pudiendo sufrir dolorosas consecuencias.

Stanton tuvo la ingeniosa ocurrencia de, salvo los personajes humanos, no colocarle voces triviales a las máquinas, y así éstas dialogaran como personas, en vez de eso, prefirió mantener el espíritu de ingenuidad en Wall-E y los otros robots, acentuando aún más la inocencia de un personaje entrañable. Incluso Eva, pese a su carácter práctico y firme determinación, también se limita a realizar sus deberes como cualquier otro miembro del equipo de máquinas. De esta manera, y salvo por breves palabras y sonidos emitidos por programación interna, solo los sentimientos pueden articular el accionar de estos seres inanimados, convirtiéndolos en maravillosos personajes.

Una vez más la producción digital nos regala animaciones de primer nivel, con efectos visuales que impresionan, en especial la recreación de la ciudad envuelta en polvo mientras se nos presenta a Wall-E, aciertos que a estas alturas son un plus cuando se habla de la alianza Pixar y Walt Disney. En definitiva, una historia de amor y ficción que no fue pensada solo para la familia, sino para todo tipo de público, el que una vez más premió en las boleterías a una producción de este género, esta vez eso sí, a la mejor de todas. El presagio se hizo realidad, el cine tradicional tendrá que esforzarse cada día más, nosotros seremos los grandes beneficiados.

Excelente

Ficha Técnica:

Nombre: Wall-E
Género: Animación, Ficción, Comedia Romántica
Dirección: Andrew Stanton
Guión: Andrew Stanton y Jim Reardon. Basado en un argumento de Andrew Stanton y Pete Docter
Producción: Jim Morris
Música: Thomas Newman
Montaje: Stephen Schaffer
País: Estados Unidos
Idioma: Inglés (Doblada en Español)
Duración: 98 minutos
Año: 2008
Link: http://www.disneylatino.com/FilmesDisney/Wall-E/index-flash.html

Trailer

INDICE 8

2008-05-11T13:28:00.022-04:00

Comentarios en 'www.cinearte.cl/wordpress/'...

Especial "Día de la Madre"

"Cartas desde París"
Julia Bertuccelli

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Lo Mejor del Verano 2008

"Persépolis"
Vincent Paronnaud

Trailer

No dejen de visitar y leer este nuevo proyecto en la red de Humberto Olea y quien les escribe.

Oscar 2008, Aprontes

2008-02-24T15:33:00.006-03:00

Por más mediático que sea don Oscar...

Este año como nunca he estado desconectado de los cotizados Oscar, aún así, quiero aventurarme con algunos de los favoritos, que por lo demás, son los favoritos míos también.

Mejor Película: Petróleo Sangriento (There Will Be Blood)
Sin ser en absoluto una joya, al menos no veo a ninguna de las otras cuatro con la misma fortaleza argumental que planteó el film de Paul Thomas Anderson, en especial "Michael Clayton", increíblemente nominada en esta categoría.

Mejor Director: Paul Thomas Anderson (Petróleo Sangriento)
Demasiado difícil que se produzca una tercera oportunidad que Mejor Película no coincida con Mejor Director. Salvo claro, que quien abra el sobre con la mejor producción no diga "and the Oscar go to There Will Be Blood..."

Mejor Guión Adaptado: Petróleo Sangriento (There Will Be Blood)
El guión, uno de los pilares que convertirían en triunfadora a la cinta de Anderson.

Mejor Actor Protagónico: Daniel Day Lewis (Petróleo Sangriento)
Idolo, uno de los mejores actores del mundo, y en mi opinión, el mejor de su generación (que alguien se lo aclare a Tom Hanks). Difícil imaginar a otro actor en el papel del ambicioso Daniel Plainview, al menos no después de verlo en esta cinta.

Mejor Actriz Protagónica: Cate Blanchett (Elizabeth, The Golden Age)
Personalmente la encontré mejor ahora que en la primera entrega de 1998. Mucho más sólida y con un caracter más similar al de la antigua soberana. Su talón de Aquiles, que premien por segundo año a una actriz no norteamericana interpretando a soberanas británicas. La francesa Marion Costillard (que estará presente en la segunda parte del resumen 2007) tendría la otra opción.

¿Alguien duda que esta será la Mejor Película Animada?
Aunque probablemente no obtenga el de Mejor Guión Original, "Ratatouille" de Brad Bird se consolidó como lo mejor del cine animado en el 2007.

A esperar esta noche entonces.

INDICE 7

2008-02-22T02:57:00.001-03:00

Repasando el 2007...

Los 12 Films del 2007

Actores y Actrices del 2007

"Calle Santa Fe"
Carmen Castillo

Resumen 2007, Los 12 Títulos del Año

2008-02-22T02:06:00.020-03:00

como ya es de costumbre...

LOS DOCE TÍTULOS
QUE MARCARON EL 2007

¡AL FIN KIM!

Antes que todo, vayan mis disculpas por este retraso de casi dos meses para entregarles un resumen muy personal respecto a lo mejor del cine nacional e internacional del año 2007, aunque teniendo en cuenta el nivel de algunos recuentos que he leído por ahí... en fin, más vale tarde que nunca.

Como siempre, los films seleccionados en este recuento final son 12, representando la cardinalidad de los meses del año, y ahora además hay un segundo ítem dentro de este resumen, esta vez con las 10 actuaciones femeninas y masculinas más destacadas del año 2007.

Así que bueno, espero que sea de su total agrado, o al menos, gran parte de él.

1
EL TIEMPO
(Shi Gan)

Kim Ki Duk
Corea del Sur
Drama
Octubre

Al parecer, bastó solo una pequeña inflexión en los trabajos que ya conocíamos del director surcoreano Kim Ki Duk, ahora con diálogos intensos entre los personajes centrales, para convertir a este film en lo mejor del cine internacional que llegó a nuestras salas el 2007. Entre otros grandes méritos, el cotizado director de “Hierro 3” no se apartó un ápice de su introspectiva en los vaivenes del alma humana, ahora para volver a deleitar al público con esta historia de dos atormentados amantes, víctimas de los celos, la inseguridad y el deseo enfermizo por perpetuar en el tiempo el amor que alguna vez los unió. El cine de Oriente definitivamente llegó para quedarse. Gran actuación de la hermosa Seong Hyeon-a como la heroína trágica y desquiciada.

Lucha Contra lo Ineludible

2
LA VIDA DE LOS OTROS
(Das Leben Der Anderen)

Florian Henckel von Donnersmarc
Alemania
Thriller Dramático
Agosto

La cinta germana, que mucho antes de su estreno ya acaparaba la atención de las audiencias, no defraudó a la hora de llegar a nuestra cartelera. Envuelta en un manto de sofisticado thriller político-social, y de tragedia griega en su más pura expresión, esta película del debutante Florian Henckel von Donnersmarc nuevamente consiguió posicionar al cine alemán como uno de los mejores a la hora de plantear una retrospectiva a los traumas del pasado. Antes fueron las caídas del nazismo y el Muro de Berlín, ahora fue la férrea opresión bajo la Alemania Oriental. Con grandes actuaciones en general, sobresale la del alemán Ulrich Mühe, impecable como el policía de la Stasi que se redime así mismo mientras espía a sus víctimas.

Caretas a Proteger

3
CARTAS DESDE IWO JIMA
(Letters From Iwo Jima)

Clint Eastwood
Estados Unidos
Drama Bélico
Febrero

La mirada estadounidense a la victoria sobre Japón en la II Guerra Mundial, no pudo ser mejor descrita que bajo el prisma de quienes fueron justamente los vencidos, es decir, el ejército nipón. Clint Eastwood, a estas alturas una institución del cine norteamericano, logró recrear a través del repliegue de las tropas japonesas en la isla de Iwo Jima, códigos como el honor y el deshonor, propios del país del sol naciente, con las tradicionales tácticas de defensa frente a un enemigo superior, explotadas al máximo en la cinematografía bélica. Con una fotografía en sepia que acentuó aún más su carácter histórico, la cinta hablaba completamente en japonés se alzó como la mejor del binomio que Eastwood realizó sobre la batalla de Iwo Jima. Frente a la obsesión por premiar alguna vez a Martin Scorsese, la película fue injustamente ignorada en los Oscar del 2007.

Heroísmo sin diferencia

4
ALERTA SOLAR
(Sunshine)

Danny Boyle
Reino Unido
Thriller Futurista, Ciencia Ficción
Abril

En la corta pero prolífica cinematografía del británico Danny Boyle, este no es un film aislado dentro del género de ficción, sin embargo, lo más llamativo de esta cinta, la mejor en su género el año 2007, y que despertó críticas encontradas tanto entre los cinéfilos como en el público menos erudito, fue el tratamiento de las relaciones humanas sometidas a condiciones extremas, sumadas a la brutalidad de quienes no logran sobrellevar la presión mental por sobrevivir, sin destruir al que está al lado. Recordando en muchos pasajes a la inolvidable “2001, Odisea del Espacio” de Stanley Kubric, este sobrio thriller futurista, con extraordinarios efectos visuales, volvió a demostrar que el cine de ficción con una excelente dirección, un guión inteligente y sin emborracharse con efectos digitales, puede dar producciones al más alto nivel.

Ícaro contra su tragedia griega

5
EL LABERINTO DEL FAUNO
(Pan's Labyrinth)

Guillermo Del Toro
España, México
Drama, Fantasía
Febrero

Si de ficción se trata, la producción a cargo del mexicano Guillermo del Toro rompió todos los record, de hecho, no pocos la consideraron como la mejor película del año pasado, y es que mezclar el mundo de ensueños de una dulce niña con la dureza de los inicios del franquismo en España fue bastante arriesgado, pero ante el resultado obtenido no cabe duda que el director a cargo de “Hellboy” se transforma en uno de los mejores cerebros a cargo de producciones fantásticas, con mensajes más allá de la pura entretención. Con una espectacular puesta en escena, en especial en vestuario, fotografía y efectos especiales, por lejos, esta fue la mejor cinta en español.

El manto de los sueños

6
LA CONQUISTA DEL HONOR
(Flags of our fathers )

Clint Eastwood
Estados Unidos
Drama
Enero

Clint Eastwood repite lo hecho por los hermanos belgas Jean Pierre y Luc Dardenne el año 2006, es decir, anotarse con dos excelentes títulos en un mismo resumen anual. La primera parte del binomio sobre Iwo Jima destacó por su notable mirada sobre la elaboración y destrucción de héroes en una sociedad como la estadounidense, acostumbrada a mirarse al ombligo, y que muy poco ha cambiado desde mediados del siglo XX hasta hoy. Es precisamente esa mirada crítica hacia su sociedad natal la que este legendario actor y director, una vez más, supo recrear con ese tinte melancólico del que tanta gala ha hecho con anterioridad. Aunque más centrada en el drama personal que en el bélico, solo “Cartas…” pudo superarla en su género.

7
EL VIENTO QUE ACARICIA
EL PRADO
(The Wind That Shakes the Barley)

Ken Loach
Irlanda, Reino Unido
Drama
Agosto

El nacimiento del grupo armado IRA en 1920, una de las milicias más sangrientas del siglo XX en Europa, era un gancho demasiado difícil de pasar por alto al momento de llegar al cine, menos aún si traía bajo el brazo la Palma de Oro de Cannes 2006, pero realmente lo mejor que nos brindó este trabajo del inglés Ken Loach fue su recreación histórica, complementada además con la gran interpretación del actor irlandés Cilliam Murphy, que se debatió hasta último momento entre su fortaleza espiritual por la causa de Irlanda y los sentimientos humanos más profundos que lo atormentaron en su periplo. La epopeya de un movimiento que para algunos fue heroica, y para otros la de simples asesinos, Loach la presentó desde el punto de vista más complejo posible, con todas las aristas que dieron origen a su formación.

8
LO MEJOR DE NUESTRAS VIDAS
(Fauteuils d'orchestre)

Danièle Thompson
Francia
Comedia
Octubre

No hay caso con el cine galo, cuando todos suponíamos que no lograría dejarnos un título de excelencia el 2007, como sí lo hizo con muchos otros un año atrás, apareció esta simpática comedia de la directora Danièle Thompson, que aunque pareciera indicar lo contrario, fue mucho más que una buena ilustración de la eterna París, sus cafés turísticos y la cotidianeidad de sus excéntricos artistas, tanto del mundo del teatro como de la música. Thompson lo que buscó fue dejar plasmado el espíritu mismo de la capital gala, simbolizado en cada uno de los personajes interpretados por un potente elenco, encabezados por el experimentado Albert Dupontel y la joven Cécile de France, ésta última prácticamente el gancho más fuerte de la cinta gracias a su personaje, inolvidable por su frescura y dinamismo. Un imperdible para los amantes del espectáculo.

9
CALLE SANTA FE

Carmen Castillo
Chile
Documental
Noviembre

Hasta el año 2007 parecía que cualquier producción chilena, largometraje o documental, que volviera a recavar en las heridas dejadas por la dictadura de Augusto Pinochet, caería nuevamente en el proselitismo y la búsqueda del aplauso fácil. Pero bastó que apareciera la mirada retrospectiva de la ex mirista Carmen Castillo, última pareja del ya mítico Miguel Enríquez, para que nuevamente Chile y Latinoamérica volvieran a reflexionar limpiamente sobre los difíciles años de la represión, en este caso, relatando en formato documental los traumas de un grupo de compatriotas que creyeron en una ideología que más que éxitos, les reportó dolorosos fracasos, con un alto costo en vidas humanas y relaciones filiales, especialmente con los hijos. Carmen Castillo pareciera querer borrar sus propios fantasmas, yendo también en busca de testimonios de otros miembros del M.I.R. que sobrevivieron. Pese a todos los pronósticos, el mejor documental del año resultó ser chileno, y de paso, lo mejor que dejó Sudamérica.

Penas y Alegrías de un Fracaso

10
LA CIUDAD DE LOS FOTÓGRAFOS

Sebastián Moreno
Chile
Documental
Noviembre

El año 2007 comenzó tan débil como lo fue todo el 2006 en materia de producciones nacionales, sin embargo fueron dos documentales, más la sorprendente “La Vida Me Mata” de Sebastián Silva, los títulos que le devolvieron la fe al cine nacional. En esta ocasión, la documentación gráfica y los archivos audiovisuales presentados por el debutante Sebastián Moreno, consiguieron que este impactante documental nos devolviera a la retina imágenes históricas que difícilmente olvidaremos en Chile, y que son a estas alturas el mejor testimonio de los años de lucha entre el régimen de Pinochet y la oposición ciudadana, incluyendo desgarradores relatos de las víctimas de la represión. Imágenes como las de los campesinos de Lonquén, las madres y viudas de los detenidos desaparecidos, un joven Rodrigo Rojas antes de morir, más el relato de sus padres, y por su puesto, el recuerdo de las protestas en las calles son el mejor legado que la extinta A.F.I. (Asociación de Fotógrafos Independientes) le pudo dejar al país, incluyendo el sufrimiento de algunos de sus propios miembros. Un brillante paseo visual por históricos momentos del Chile de los setenta y los ochenta, a pesar del dolor en muchos de sus pasajes.

11
SECRETOS INTIMOS
(Little Children)

Todd Field
Estados Unidos
Drama
Julio

Aunque con visos del estilo narrativo de ciertas comedias estadounidenses, derechamente “Desperate Housewives”, finalmente el resultado obtenido por el norteamericano Todd Field en esta adaptación de la novela homónima de Tom Perrotta, cumplió con creces las expectativas, describiendo las múltiples personalidades que cohabitan en un barrio suburbano, partiendo por amas de casa con una estrechez de mente impresionante, sicóticos policías en retiro, frustrados padres de familia al estilo Kramer, hasta llegar a un potencial pedófilo que sale en libertad. Si bien por momentos la caricatura se devora a algunos de los personajes, la mano del director parece ir llevando los hilos inteligentemente para ir deteniendo todos aquellos descensos interpretativos, dando paso a una reflexión mucho más inteligente. Aunque la británica Kate Winslet no nos entregó su mejor actuación a la fecha, su solidez interpretativa fue suficiente para consagrarla como una de las mejores actrices del momento.

12
IMPERIO
(Inland Empire)

David Lynch
Estados Unidos
Thriller
Noviembre

David Lynch tiene ya un nombre asegurado entre los grandes del cine contemporáneo, con títulos como “Hombre Elefante“ y “Terciopelo Azul“, y probablemente sea esa la explicación que convirtió a su último trabajo en el favorito de muchos entendidos en cine, aunque francamente no estuvo ni cerca de disputarle el liderazgo del 2007 a un Kim Ki Duk o un Clint Eastwood. Aún así, es notable como su sátira al mundo hollywoodense fue capaz de presentarla a través de este thriller de suspenso, donde justamente la realización de una cinta de horror transforma en pesadilla la oportunidad laboral que tiene el personaje protagónico, interpretado por una intensa Laura Dern, aunque sin brillar. Antológica escena de los actores-conejos, ridiculizando el establishment de las comedias livianas a través de diálogos incoherentes. Como exponente del cine alternativo y de experimentación, por más difícil que haya resultado para el público masivo, este fue por lejos el mejor título en su género.

Tratando de ser breve, y solo para cerrar (y no dar la lata).

A diferencia del 2005 y el 2006, antes de finalizar el año ya tenía claro que "El Tiempo" de Kim Ki Duk era claramente La Película del 2007, manteniendo en alto el nivel del cine oriental, y por cierto, dándole el primer triunfo a este director que cada vez consigue más adeptos en Occidente, no siendo Chile la excepción.

Por otra parte, quienes han seguido mis comentarios saben que lo último que se me ocurriría hacer sería exponer un nacionalismo trasnochado, por lo mismo, me siento realmente feliz que dos documentales chilenos, ambos de excepción, hayan entrado dentro de los doce mejores títulos del año. Junto con otra cinta nacional, "La Vida Me Mata" de Sebastián Silva, y la argentina "El Custodio" de Rodrigo Moreno, fueron lo mejor que el cine de Sudamérica fue capaz de entregarle al público chileno. Ahora debiera venir el proceso de internacionalización.

Dos mujeres entre los doce mejores directores, y una de ellas chilena. Interesante.

También señalar que, si bien el 2007 no fue el mejor año en cuanto a producciones de nivel que inundaron nuestras salas, tampoco me parece justo desmerecerlo y catalogarlo simplemente como malo. Lamentablemente hubo pocos títulos de excelencia en comparación a años atrás, pero los que hubieron fueron realmente brillantes, y sobre todo, con mucha heterogeneidad dentro de los géneros. Solo decepcionaron las películas animadas, a excepción de la estadounidense "Ratatouille" de Brad Bird, aunque tampoco para ocupar lugares de honor.

Finalmente habrá una segunda patita en algunas semanas más, esta vez con algunos títulos que merecen ser destacados, y por su puesto, los infaltables bodrios.

Nos vemos.

Resumen 2007, Mejores Actuaciones

2008-02-21T22:26:00.013-03:00

Los rostros que marcaron el 2007...

Helen, la imbatible

ACTORES Y ACTRICES
DEL 2007

A continuación, un breve ranking con las mejores actuaciones protagónicas que pudimos disfrutar el año 2007, actrices y actores que marcaron el año con interpretaciones que permanecerán para siempre en nuestras memorias.

GERARD DEPARDIEU

(El Cantante)

HELEN MIRREN

(La Reina)

Gerard Depardieu demostró el 2007 mediante Alain Moreau, un decadente y vividor cantante de orquesta, que el paso de los años es el mejor filtro para determinar cuánto pesa realmente un actor con reconocimiento internacional. En esta oportunidad el fornido galo dio una clase magistral dándole vida a este patético artista de bajo presupuesto, que esconde sus miedos y frustraciones cantando en restaurantes y salones de baile, mientras lleva una vida casi adolescente, evadiendo los compromisos. Por su parte, la gran Helen Mirren batió todos los récord en galardones tras haber interpretado a un personaje vigente en el orden internacional, la reina Isabel II, sin embargo, más allá del Oscar, el Bafta y los Golden Globes, entre otros, lo más sorprendente de esta multifacética actriz inglesa fue su humanización de esta mujer distante y fría, sometida a una dura encrucijada tras la muerte de Diana de Gales, y que le ha valido permanecer imbatible como mejor actriz protagónica desde mediados del 2006 hasta la fecha.

JULIO CHAVEZ

(El Custodio)

JUDI DENCH

(Escándalo)

El argentino Julio Chávez, de larga trayectoria al otro lado de la cordillera, llevó todo el peso interpretativo en la galardonada cinta de Rodrigo Moreno, donde interpretó a uno de los roles inolvidables del 2007, el lacónico y reprimido Rubén, quien se gana la vida como guardaespaldas de un ministro, que ve en este subordinado prácticamente a otro de sus bienes. Su notable interpretación de este sujeto triste, que para colmo carga con una familia para el olvido, se convirtió por lejos en lo mejor del film trasandino. Y muy cerca de la Mirren se ubicó una segunda actriz británica, Judi Dench, también de larga trayectoria, demostrando que los años ganados en la actuación valen más que cualquier campaña de marketing para levantar caras bonitas. Su papel, en el que encarnó magistralmente a Barbara Covett, una ruin maestra de escuela, lesbiana y obsesionada con una maestra más joven y bella, le valió grandes elogios, principalmente por su carácter manipulador y lleno de revanchismo, que a ratos despierta compasión por lo bajo que puede caer en su duelo con Cate Blanchett a raíz de sus frustraciones. De hecho, las actuaciones de Dench y Blanchett fueron lo único sobresaliente del film de Richard Eyre.

ULRICH MÜCHE

(La Vida de los Otros)

CÉCILE DE FRANCE

(Lo Mejor de Nuestras Vidas / El Cantante)

La segunda mejor película del 2007 dejó entre sus mayores legados la impecable actuación del alemán Ulrich Mühe como el capitán Wiesler, este severo interrogador de la Stasi, la tristemente recordada policía secreta del régimen de Erich Honeker, que a poco andar no solo se va desilusionando de su oscura labor, sino que además, comienza a empatizar con una aproblemada pareja de artistas a los cuales tiene órdenes estrictas de espiar, ya que son sospechosos de generar contra propaganda. Aunque su rostro parco se mantiene casi inmutable a lo largo de la película, Mühe a través de sus miradas, acciones y actitudes va sobrellevando el intenso proceso que lo redime, pese al triste desenlace. Y de la parquedad de Wiesler, pasamos a un personaje femenino lleno de vida, cuya personalidad se transformó en lo más atractivo de la cinta de la directora francesa Daniéle Thompson. La atractiva Cécile de France llenó la pantalla grande en la piel de Jessica, una jovial camarera que emula la hazaña de su abuela, que al no poder ser parte del mundo de los artistas, al menos trabaja dentro de él. Aunque también sedujo como Marion, la sensual co-protagonista de Gerard Depardieu en “El Cantante”, fue como Jessica donde la joven actriz gala brilló con más fuerza.

FOREST WHITAKER

(El Ultimo Rey de Escocia)

SUNG HYUN-AH

(El Tiempo)

A diferencia de Helen Mirren, el actor afroamericano Forest Whitaker no validó su mediático Oscar 2007 a la hora del balance anual respecto a actuaciones masculinas, aún así es imposible desconocer que el norteamericano realizó una de las mejores caracterizaciones de personajes históricos a la fecha, en este caso, la del infantil y a la vez sanguinario dictador ugandés Idi Amin. Con un bagaje de años en el cine independiente, para Whitaker no debió significar una tarea difícil darle vida a este excéntrico personaje, capaz de pasar de la amabilidad a la brutalidad en cuestión de segundos, rasgos increíblemente bien reproducidos por este fornido actor de raza negra. Por otra parte, la mejor película del 2007 dejó al menos una de sus actuaciones protagónicas como lo mejor del año, y ese honor le correspondió a la atractiva actriz coreana Sung Hyun-ah, quien como So-Hee supo darle toda la intensidad dramática que el personaje requería, simbolizando en ella esa obsesión enfermiza por no perder al amor de su vida, a pesar del paso del tiempo, al que veía como su mayor enemigo. La actriz oriental pudo perfectamente caer en la caricatura, especialmente en las escenas donde esconde su cambio de rostro tras una máscara, pero finalmente su personaje resultó tan humano como atractivo de seguir.

CILLIAM MURPHY

(Alerta Solar / El Viento que Acaricia el Prado)

KATE WINSLET

(Secretos Intimos)

El irlandés Cilliam Murphy, pese a no alzarse como el mejor de los mejores, podría fácilmente ser catalogado como el actor del 2007, ya que en dos producciones diametralmente opuestas, ambas entre los mejores films del año, su presencia destacó por sobre el resto del elenco. En la cinta de Ken Loach, como Damien, terminó pagando un alto precio por mantenerse firme en sus convicciones nacionalistas, sin ceder ante el proceso de paz con los ingleses, y que a la larga le significó también expiar sus propias culpas, las mismas que lo atormentaron mientras cegaba vidas como cabecilla del IRA. Junto a Danny Boyle en cambio, debió sortear como el teniente Capa la agresividad física de su principal rival y las maquinaciones del resto de la tripulación del ICARO, la nave que se desvió peligrosamente en su ruta hacia el sol, mostrándose siempre centrado y dispuesto a cumplir su misión a como diera lugar. Kate Winslet por su parte, no deslumbró en el rol de Sarah, la desencantada ama de casa que opta por vivir una aventura extramarital, al punto de querer dejarlo todo por amor, sin embargo su reconocida versatilidad quedó nuevamente en evidencia a través de este personaje que comienza un tanto plano, simplemente al margen del statu quo de los demás, para transformarse rápidamente en un ser rejuvenecido y con nuevos bríos para enfrentar la vida, a pesar de los costos y la posible decepción.

Calle Santa Fe - 'Penas y Alegrías de un Fracaso'

2008-02-21T22:08:00.006-03:00

... “Calle Santa Fe” transita por un relato tan conmovedor como limpio en su realización, donde pese a las distintas visiones previas sobre lo que fue este polémico movimiento chileno, al final la conclusión es una sola: los dolores de un fracaso...

Calle Santa Fe

PENAS Y ALEGRIAS DE UN FRACASO

A dos años de completar la primera década del nuevo siglo, hablar en Chile de lo que fue el Movimiento de Izquierda Revolucionario (M.I.R.), y de lo poco y nada que aún queda de ellos, es simplemente referirse a un pasado traumático con distintas miradas. Para unos, un grupo de extremistas que se escudó en ideales sui generis para ejercer la violencia, mientras que para otros, fue el grupo político-social que mejor reflejó el ideario de la Unidad Popular. Este punto es gravitante, ya que debe quedar muy en claro que se trata de la visión de alguien que no solo figura en este segundo grupo, sino que además, perteneció al mencionado movimiento izquierdista, y que a través de esta producción busca incluso redimirse a sí misma.

Quien expone en el emotivo documental Calle Santa Fe tanto sus propios argumentos y vivencias, así como los de muchos otros que siguieron el mismo camino revolucionario, es Carmen Castillo, viuda del ex secretario general del M.I.R., Miguel Enríquez e hija del ex alcalde Fernando Castillo Velasco. Precisamente Castillo es la directora de este documental que definitivamente se transformará en un documento histórico, al punto de transformarse en lo mejor del cine chileno el 2007, y de hecho, por muy nacionalista que pudiese parecer, en lo mejor que entregó el cine sudamericano en ese mismo período.

“Calle Santa Fe” tiene toda la carga emotiva de una sobreviviente de la dictadura, cuyo exilio fue precedido por el acribillamiento a tiros de su pareja, el padre del hijo que venía en camino, muy cerca de aquella casa que compartían en 1974 y que estaba ubicada en la misma calle que da título a esta producción. Con este solo antecedente, el espectador ya sabe a lo que se enfrentará, sin embargo, nadie podría suponer, por más anticuerpos que el M.I.R. le haya generado en el pasado, que se está en frente de un trabajo panfletario que intenta reivindicar desde el prisma del revanchismo la utopía que tan caro les costó a sus miembros. Todo lo contrario.

Debido al largo tiempo en que este movimiento vio cómo era sistemáticamente derrotado por Augusto Pinochet, quienes estuvieron inmersos debieron aceptar una realidad tan dura como difícil de aceptar, que el fracaso del proyecto M.I.R. se volvía inevitable. Carmen Castillo no estuvo ajena a este golpe, quizás mayor que el de 1973, y esa es precisamente la razón que lleva a su directora a centrar su relato en el dolor de quienes se jugaron por una causa que no dio mayores resultados, pese al elevado costo en vidas y sacrificio personal de sus sobrevivientes. Impactantes son los relatos de los padres de tres jóvenes miristas asesinados por la represión, la reunión nocturna de mujeres torturadas en Villa Grimadi, el modesto hombre que socorrió a Carmen y la toma de la mano, las anécdotas de las pobladoras de La Victoria, y las confesiones de una hija que hasta el día de hoy no logra saldar cuentas con su madre, amiga de Castillo, por el abandono a causa de la clandestinidad.

Pese a las casi tres horas de duración, el excelente documental no baja su ritmo e intensidad en ningún momento y mantiene atento al espectador en cada uno de sus pasajes, los que incluyen acertados cambios de tiempo entre los relatos del Chile de hoy con las imágenes de antaño, incluyendo las más traumáticas y algunas que no pocos desconocíamos, especialmente recogidas desde el exterior. Así entonces “Calle Santa Fe” transita por un relato tan conmovedor como limpio en su realización, donde pese a las distintas visiones previas sobre lo que fue este polémico movimiento chileno, al final la conclusión es una sola: los dolores de un fracaso. “Fuimos cómplices de nuestro propio destino”, frase reveladora que un ex mirista le dice a la propia Castillo.

Aunque algunos que pertenecieron a las filas del M.I.R., y que puede verse en el documental, aún reivindiquen sus ideales y sigan creyendo que están tan vigentes como antaño, lo cierto es que Carmen Castillo no buscó izar nuevamente la bandera rojo y negra para traer de vuelta un ideario colectivo sin peso en la sociedad de los malls de hoy en día, sino describir el duro trance de quienes conservaron la vida y dieron la pelea a como diera lugar contra un fascismo que no derrotaron ellos, sino la mayoría de una sociedad que simpatizó con la violencia. Revelador es el relato de la propia directora, quien observa las calles de Santiago al regreso del exilio y se lamenta por los asesinos que aún transitan por las calles.

Aún así, en conjunto con otro gran documental chileno, “La Ciudad de los Fotógrafos” de Sebastián Moreno, “Calle Santa Fe” el 2007 rompió con todas reglas establecidas por algunos cineastas nacionales, que lamentablemente no logran retratar el difícil pasado chileno sin la óptica del resentimiento. Carmen Castillo se anota probablemente su único triunfo con las banderas del M.I.R.

Excelente

Ficha Técnica:

Nombre: Calle Santa Fe
Género: Documental
Dirección: Carmen Castillo
Producción: Sergio Gándara, Serge Lalou, Christine Pireaux
Fotografía: Ned Burgess, Raphaël O’Byrne, Sebastián Moreno, Arnaldo Rodríguez
Montaje: Eva Feigeles-Aimé
País: Chile, Francia
Idioma: Español
Duración: 163 minutos
Año: 2007
Link: http://www.parox.cl/catalogo/callesantafe/catalogo.htm

INDICE 7

2007-11-26T14:49:00.001-03:00

Repasando el 2007...

Los 12 Films del 2007

Actores y Actrices del 2007

"Calle Santa Fe"
Carmen Castillo

El Tiempo - 'Lucha Contra lo Ineludible'

2007-11-26T14:39:00.000-03:00

... El sello del director surcoreano Kim Ki-duk, la gran actuación de Sung Hyun-ah, y un guión que no pierde la esencia del cine oriental que ahonda en las actitudes humanas, son las mejores cartas de presentación de "El Tiempo"...

El Tiempo

(Shi Gan - Time)

LUCHA CONTRA
LO INELUDIBLE

Acostumbrados como estábamos al cine del director Kim Ki-Duk, ese donde rara vez oíamos las voces de los protagonistas, lo cierto es que más que tratarse de su más reciente trabajo, lo que a muchos nos atrajo de El Tiempo fue que esta vez el surcoreano se acercó más al cine tradicional que al de poesía y metáforas que lo precedían, como fue el caso de “Hierro 3”, “Primavera, Verano…” y “El Arco”, esta última estrenada en Chile hace solo un par de meses. Ahora conocíamos las voces de los personajes centrales. Sin embargo, el valor de “El Tiempo” radica mucho más allá de la sonoridad en los diálogos de la pareja protagónica.

Kim Ki-Duk ya no necesita mayor presentación para los chilenos, a excepción de los cinéfilos adictos al cine de Oriente, desde el año 2005 que nadie en nuestro país que guste del buen cine podría desconocer su nombre, sus trabajos cinematográficos, o al menos, su fama y popularidad. Así entonces, resulta obvio que encontrarse con otro tipo de propuestas del surcoreano resulta más que interesante, aunque siempre teniendo en cuenta que se trata de otra indagación en el alma humana, siempre centrada en los conflictos del amor. Cambia la forma, pero no el fondo.

Nuevamente Kim Ki-Duk lleva a la pantalla grande una obra ideada íntegramente por él, donde esta vez la inseguridad de la protagonista, So-Hee (Sung Hyun-ah), echa a correr una bola de nieve que amenaza más con destruirla a ella misma que aliviar sus celos enfermizos. So-Hee, interpretada al comienzo por otra actriz, no resiste el paso del tiempo mientras está en compañía de Ji-Woo (Jung-woo Ha), lo que sumado a sus propias inseguridades desemboca en la idea de operarse el rostro, para probar a través de esta ‘novedad’ la posibilidad de perpetuar su amor con Ji-Woo, una relación que parece estar muriendo luego de dos años.

Así entonces, la protagonista desaparece seis meses de la vida de su pareja, y con un nuevo rostro (Sung Hyun-ah), retorna a la vida de Ji-Woo, no sin antes haber sido advertida por el cirujano que no habrá vuelta atrás en su cara tras la operación. Si bien el reencuentro con Ji-Woo se transforma en un simpático juego mientras ella cubre su rostro y no se identifica, de a poco sus inseguridades la vuelven a traicionar, con severas consecuencias para su pareja, quien tras fallidas relaciones tras la partida de la So-hee que conoció, no logra comprender a esta ‘nueva’ mujer que llega a su vida. Obviamente habrá consecuencias cuando éste descubra la verdad.

El propio Kim Ki Duk se ha referido a “El Tiempo” como una obra en la que intenta dejar en claro que el paso del tiempo es ineludible, y que entre los amantes no es el amor el que decae, sino que la mutua química y por ende, la pasión. Una explicación más que razonable luego de ver el film, donde nuevamente es el espectador quien resuelve sobre las actitudes de cada personaje, en especial sus transformaciones. Ya no hay poesía en este nuevo trabajo, pero una vez más, una profunda reflexión sobre la vulnerabilidad del sentimiento.

Difícilmente una producción de este cotizado director surcoreano podría empinarse en lo más alto de un resumen anual, por más que sus admiradores crezcan cada vez más en número, y de hecho, así ha ocurrido en estos últimos dos años, a pesar de títulos que nadie ha podido olvidar, pero faltando poco más de un mes para cerrar este año 2007, esta es hasta ahora la mejor película extranjera estrenada en Chile. El sello de Kim Ki-duk, la gran actuación de Sung Hyun-ah, y un guión que no pierde la esencia del cine oriental que ahonda en las emociones humanas, son sus mejores cartas de presentación.

Excelente

Ficha Técnica:

Nombre: El Tiempo (Shi Gan / Time)
Género: Drama
Dirección: Kim Ki-Duk
Guión: Kim Ki-Duk
Reparto: Sung Hyun-ah, Jung-woo Ha, Ji-yeon Park, Hyeon-a Seong, Yeong-hwa Seo
Producción: Kim Ki-Duk
Fotografía: Sung Jong-moo
Música: Noh Hyung-woo
Montaje: Kim Ki-Duk
País: Corea del Sur, Japón
Idioma: Coreano
Duración: 97 minutos
Año: 2006
Link: http://www.lifesizeentertainment.com/TIME/POSTER.html

Trailer

Iván, El Terrible I - 'Causales de un Tirano'

2007-11-26T13:54:00.000-03:00

... la cinta es recordada como el gran dolor de cabeza de Eisenstein frente a José Stalin, pero la animosidad del dictador soviético respondió más a la segunda parte de “Iván El Terrible”, por eso es tan importante captar la transformación del personaje protagónico en esta primera entrega...

Iván El Terrible I

(Ivan Grosny / Ivan The Terrible)

CAUSALES DE UN TIRANO

Aunque han pasado muchas décadas desde la época dorada del gran director ruso Sergei Eisenstein, aún se le sigue recordando principalmente como el cerebro de “El Acorazado de Potemkin”, siendo así, es comprensible entonces que Ivan El Terrible, que se ha considerado como el último gran legado del padre del cine ruso, tampoco haya tenido la trascendencia de la mítica cinta de 1925. Pero lo que nadie podría desconocer es que esta tremenda producción, dividida en dos partes, mostró a través del cine sonoro lo mejor que Eisenstein venía ofreciendo hasta ese momento.

Si bien el cine mudo le permitió en primera instancia al padre de la cinematografía soviética dar a conocer su mensaje, y así ayudar a la propaganda del nuevo orden imperante en Rusia, esta vez, de la mano de uno de sus más estrechos colaboradores, el actor Nikolai Cherkassov, quien encarnó al legendario Iván, Eisenstein nuevamente inmortaliza sus dones en el montaje marcando cada encuadre, cada toma, con ese acento de teatralidad que tan famoso lo hizo dos décadas antes.

“Iván El Terrible” comienza con la fastuosa coronación del primer zar de Rusia, en el año 1530, quien hasta ese momento era solo el Gran Duque de Moscovia. Las ambientaciones, el vestuario de cada uno de los actores, actrices y extras sobresalen inmediatamente, indicando de antemano que durante las casi dos horas del film se estará frente a una tremenda producción cinematográfica, una verdadera obra de arte. Unido a una magistral interpretación de Nikolai Cherkassov, la primera parte de esta visión de Eisenstein sobre Ivan Grosni, ya que la segunda parte se rodaría dos años después, poco a poco va enfocándose en las turbulentas relaciones que hacen de Iván un hombre victimizado.

Al parecer lo anterior dista mucho de la verdadera personalidad del Iván histórico, más aún si tomamos en cuenta que esta cinta es recordada como el gran dolor de cabeza de Eisenstein frente al tristemente recordado José Stalin, pero la animosidad del dictador soviético respondió más a la segunda parte de “Iván El Terrible”, por eso es tan importante captar la transformación del personaje protagónico en esta primera entrega, quien tras anexar las regiones de Ucrania y Crimen, y derrotar sin contemplación a Kazán, también debió lidiar con un fuerte complot interno.

Cherkassov, quien pudiera parecer bajo los cánones actuales un tanto sobreactuado en algunos pasajes, en el fondo utiliza cada gestualidad y teatralidad en su interpretación para acentuar las causales que llevaron a convertir a este líder moderno para su época, en lo que se transformaría después. Su esposa, Anastasia Romanov (Ludmila Tselikovskaya) termina siendo víctima de uno de sus supuestos aliados, mientras que la Iglesia Ortodoxa, a la cual el mismo Iván pertenece, y la poderosa aristocracia representada en los boyardos, atemorizados por el absolutismo que se asentaba en el trono, generan una espuria alianza que comienza a dar sus frutos con el envenenamiento de Anastasia.

Así entonces, este magnánimo líder va de un lado a otro en su mente, preguntándose si el poder que ostenta es generado divinamente, o bien por su voluntad de unificar a su pueblo, ya que dicha respuesta sería crucial para explicarse el porqué de tanta traición y conspiración en su contra, que lo ha llevado incluso a pensar en la abdicación. Toda esta trama propia de Hamlet, unida a los recursos de montaje e iluminación tan característicos del cine de Sergei Eisenstein, y ahora con sonido, convirtieron a “Iván el Terrible I” no solo es un clásico, sino en un material de lujo para cineastas y admiradores del cine ruso de antaño, más aún, si recordamos que fue rodada en las postrimerías de la Segunda Guerra Mundial, otro gran logro de Eisenstein.

Excelente

Ficha Técnica:

Nombre: Iván El Terrible (Ivan Grosny / Ivan The Terrible)
Género: Drama
Formato: DVD
Dirección: Sergei Eisenstein
Guión: Sergei Eisenstein
Reparto: Nikolai Cherkassov, Ludmila Tselikovskaya, Serafima Birman, Mikhail Nazvanov, Pavel Kadochnikov, Mikahil Zharov, Mikhail Kuznetsov
Producción: Boris Mikhin
Fotografía: Edgard Tissé
Montaje: Sergei Eisenstein
País: Rusia (ex U.R.S.S.)
Idioma: Ruso
Duración: 100 minutos
Año: 1944 - 1945
Link: http://cinema16.mty.itesm.mx/historia_del_cine/comentarios/ivan_gronzy.htm

Escena

Próximo comentario: "Iván el Terrible II"

Be With Me - 'Gracias por la Esperanza'

2007-11-26T13:46:00.000-03:00

... Se trata de la descripción de distintas soledades, tristezas y amarguras, sentimientos humanos que solo pueden ser superados por la superación de cada individuo. Ese es el mensaje de Eric Khoo, a través de Theresa Chan y las demás historias...

Be With Me

(Quédate Conmigo)

GRACIAS POR LA ESPERANZA

Desde hace un par de años que el director surcoreano Kim Ki-Duk viene siendo reconocido como uno de los mejores exponentes del cotizado cine asiático, y lo anterior no responde a una premisa esnobista de quienes disfrutan del cine de selección, puesto que en cada una de sus propuestas la descripción del alma humana, de manera metafórica, ha hecho reflexionar a los espectadores sobre los vaivenes del ser humano cuando se ve expuesto a dificultades y cambios profundos. Pues bien, es bastante reconfortante descubrir que el popular director coreano no es el único capaz de regalarnos este tipo de propuestas.

Una de las cintas que pasó sin pena ni gloria durante el último Festival de Cine de Santiago (SANFIC) fue Be With Me, del director Eric Khoo. Esta sorprendente producción de Singapur está basada en el libro autobiográfico de Theresa Chan, una increíble mujer cuya vida le ha puesto innumerables barreras, algunas de ellas extremadamente crueles, pero que aún así, gracias a su fortaleza interior, logró convertirse en el ejemplo que es hoy.

Theresa Chan es una menuda mujer de 61 años. A los doce años perdió la audición, lo cual le impide hasta el día de hoy gesticular del todo bien al momento de hablar, sin embargo su infortunio no terminó ahí, ya que dos años después, a los catorce, perdió la visión. A pesar de estas dos desgracias, que a cualquier ser humano derrumbarían, Chan logró reponerse y salir adelante, llegando a convertirse, contra todos los pronósticos, en profesora de inglés para niños. Esta fuerza interior, potenciada durante años, le permitió además sobreponerse a una última prueba que le deparaba el destino, la muerte de su novio algunos años después.

Eric Khoo conoció a Chan en un banquete de bodas, y se interesó tanto en su historia que decidió entrelazar su lucha personal con otras historias ficticias, las que apuntan a uno deseo común, el ser amados. Si bien es la valerosa Chan el personaje protagónico dentro de este mosaico de historias, las que hablan de dolor, soledad y esperanza, la maestría de Khoo en este, su tercer largometraje, es que sabe entrelazar la presentación de cada una de ellas con una sutileza impresionante. En verdad, cuesta entender porqué el público santiaguino no respondió debidamente a este film en agosto pasado.

“Be With Me” nos introduce con un ritmo pausado, cercano a lo cotidiano, a historias que van desde el temprano amor lésbico de dos adolescentes, quienes gustan de enviarse mensajes de texto cuando están separadas, la monótona existencia de un guardia de seguridad treintón, sin trabajo estable y enamorado de un imposible, que suple sus carencias con la comida, y la más emocional de todas, la de un viudo anciano que se resiste a la partida de su esposa, lo que lleva a su hijo a presentarle a Theresa, única capaz de volverlo a la realidad. Chan solo interactúa en la historia de este triste y lacónico anciano, no así en la del robusto solitario ni en la de ambas muchachas, donde una de ellas no logra resistir el alejamiento de la otra.

Aquí no hay encadenamientos, por momentos las cuatro historias, incluido el testimonio de vida de Theresa Chan, avanzan por carriles distintos, con lo cual su director no pretende aunar ideas afines en un guión que busque dejar moralejas. Se trata de la descripción de distintas soledades, tristezas y amarguras, sentimientos humanos que solo pueden ser superados por la superación de cada individuo. Ese es el mensaje de Khoo, a través de Chan y las demás historias.

Una pieza única y sorprendente, alejada de todo sentimentalismo, por más que el relato de Chan y las historias que presenta su director sean tratados con extrema delicadeza. Con toda la admiración que han despertado los directores del lejano Oriente, con formatos tan parecidos a este de Eric Khoo, estoy seguro que la llegada a la cartelera local de “Be With Me” no debería pasar inadvertida, como lamentablemente sí ocurrió en el último SANFIC. Queda ahora en manos de los distribuidores interesarse por esta producción de Singapur, que a modo muy personal, es una de las mejores que he podido ver hasta ahora durante el año que ya se nos va, sino la mejor.

Excelente

Ficha Técnica:

Nombre: Be With Me (Quédate Conmigo)
Género: Drama
Dirección: Eric Khoo
Guión: Wong Kim Hoh
Reparto: Theresa Chan, Ezan Lee, Samantha Tan, Seet Keng Yew, Chiew Sung Ching
Producción: Brian Hong
Fotografía: Adrian Tan
Música: Kevin Mathews, Christine Sham
Montaje: Low Hwee Ling
País: Singapur
Idioma: Chino mandarín
Duración: 93 minutos
Año: 2005
Link: http://www.zhaowei.com/bewithme.html

Trailer

La Vida de los Otros - 'Caretas a Proteger'

2007-11-26T13:43:00.001-03:00

... Se trata de un guión sutilmente conmovedor, donde cada acción de Wiesler, Sieland y Dreyman hacen emerger el factor sorpresa, recreando una época oscura a punto de terminar...

La Vida de los Otros
(Das leben der anderen /
The Live of Others)

CARETAS A PROTEGER

Aunque con bastante más retraso del esperado, finalmente meses atrás pudimos conocer a la publicitada ganadora de los Oscar 2007 en la categoría de mejor film de habla no inglesa. La Vida de los Otros, del debutante director Florian Henckel von Donnersmarc, se convirtió en una de las producciones que más dio que hablar en Chile por su trama, ya que fue imposible obviar los nexos entre políticos y exiliados chilenos con el régimen de facto de Eric Honecker.

La Stasi, ex policía de secreta de la Alemania Oriental, originó un sinnúmero de dramas, como toda entidad de este tipo en cualquier país, pero Henckel von Donnersmarc no quiso hacer de su primera película una denuncia más sobre los métodos represivos y de espionaje que se vivieron en los años que antecedieron a la caída del Muro de Berlín. Tal como en otras producciones, el cine germano quiso nuevamente ahondar en el sentimiento y la grandeza del ser humano, en medio de un entorno hostil y a ratos sofocante.

Esta es una historia que, si bien es extensa en su duración, tiene un ritmo que sorprendentemente no la hace decaer a lo largo de los minutos, sin estridencias y sin diálogos grandilocuentes. El Capitán de la Stasi Hauptmann Gerd Wiesler (Ulrich Mühe), hombre lealmente comprometido con la causa comunista, recibe como orden espiar a un sospechoso dramaturgo, Georg Dreyman (Sebastian Koch), quien según el aparato estatal podría efectuar actividades de contra propaganda al régimen, lo mismo que su pareja, la actriz Christina-Maria Sieland (Martina Gedeck).

Wiesler toma su misión como una más, y bajo las órdenes del desconcertante teniente coronel Anton Grubitz (Ulrich Tukur) comienza el seguimiento de Dreyman. A poco andar, este frío Capitán descubre que es muy difícil sorprender a Dreyman en un ilícito, salvo que éste supiera de antemano de su condición de seguimiento, hasta que ocurre un hecho que podría cambiar las cosas. Es entonces que Wiesler se da cuenta que en sus manos no solo está la vida de Dreyman y su círculo, sino también el de sus superiores.

Henckel von Donnersmarc a través del personaje de Wiesler no solo intenta reivindicar a los alemanes orientales que abrieron los ojos bajo la dictadura comunista, sino que da un paso más allá, buscando indagar en los sentimientos de alguien que en sus manos tiene la posibilidad de desenmascarar a individuos que viven de caretas, para poder sobrevivir. Se trata de un guión sutilmente conmovedor, donde cada acción de Wiesler, Sieland y Dreyman hacen emerger el factor sorpresa, recreando una época oscura a punto de terminar.

Una soberbia actuación de Ulrich Mühe se convierte en un elemento extra que hace imposible perderse “La Vida de los Otros”, la mejor cinta europea del 2007. Los múltiples galardones no erraron, y aunque ya está disponible en DVD, las escasas salas donde aún permanece en cartelera merecen darle una buena despedida a otra introspección más que los alemanes han hecho de su propia historia, esta vez bajo un prisma que atrapa a todos por igual, unido además a una excelente musicalización. Simplemente de lujo.

Excelente

Ficha Técnica:

Nombre: La Vida de los Otros (Das leben der anderen / The Live of Others)
Género: Drama, Thriller
Dirección: Florian Henckel von Donnersmarc
Guión: Florian Henckel von Donnersmarc
Reparto: Martina Gedeck, Ulrich Mühe, Sebastian Koch, Ulrich Tukur, Thomas Thieme, Hans-Uwe Bauer, Volkmar Kleinert, Matthias Brenner, Herbert Knaup
Producción: Quirin Berg y Max Wiedemann
Fotografía: Hagen Bogdanski
Música: Gabriel Yared y Stéphane Moucha
Vestuario: Gabriele Binder
Montaje: Patricia Rommel
País: Alemania
Idioma: Alemán
Duración: 144 minutos
Año: 2006
Link: http://www.sonyclassics.com/thelivesofothers/

Trailer

ÍNDICE 5

2007-07-09T02:14:00.000-04:00

... dedicado simplemente a ustedes...

La Huelga

SIGUE SERGEI EISENSTEIN

Lo Mejor del 1º Semestre 2007

BALANCE DE NUESTRA CARTELERA

Ratatouille

LA MEJOR CINTA ANIMADA

"La Huelga"
Epopeya del Proletariado

Lo Mejor 1º Semestre 2007
Resumen

"Ratatouille"
Un Increíble Gourmet

La Huelga - 'Epopeya del Proletariado'

2007-07-09T02:12:00.000-04:00

... “La Huelga” tiene la particularidad y el mérito de retratar todos los procesos que se desarrollan en un movimiento colectivo como este, incluyendo la negligencia interna, la debilidad frente al poder y la pérdida de tiempo de muchos de quienes participan de él...

La Huelga
(The Strike)

EPOPEYA DEL PROLETARIADO

continúa el ciclo de Sergei Eisenstein...

Nuevamente subdividida en distintos actos, seis para ser más precisos, la primera película dirigida por el mítico Sergei Eisenstein, otra vez tiene la particularidad de volver a retratar la concepción misma de la revolución político-social que dio origen a la ex Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas (U.R.S.S.). De hecho, La Huelga, del año 1924, a ochenta y tres años de su realización sigue cosechando elogios por su juego de montaje, aunque la aclamada “Acorazado de Potemkin”, y posteriormente “Octubre”, la relegaron a un segundo plano en la filmografía de Eisenstein.

Tal como su título lo indica, “La Huelga” es una viva descripción, bajo los argumentos de la era de Lenin, de lo que significaron las luchas intestinas dentro de las fábricas rusas, donde la explotación y la desidia del empresariado emergente, simbolizadas en el dueño, fecundaron las intentonas rebeldes de sus trabajadores, lo que finalmente derivaría en sangrientos enfrentamientos, y posteriormente en el nacimiento de la lucha obrera. Si la propaganda antimercantil, proclive además a la restitución del ser humano como eje social, era la idea fuerza del discurso de Lenin, Eisenstein era quien lo llevaba explícitamente a la pantalla grande.

La trama nos presenta en primer término el miedo y el temor que representa para la Rusia zarista el inicio y fortalecimiento de las huelgas. En este caso, se trata de una sola fábrica, pero en ella se simboliza toda una estructura social que estaría a punto de cambiar radicalmente en cuestión de tiempo. El descontento de los trabajadores se justifica por el bajo salario y las malas condiciones de trabajo, lo que irremediablemente repercute en sus familias, y un suceso trágico agudiza aún más la tensión, ya que uno de los empleados es acusado injustamente de robo, ante lo cual se quita la vida. Concientes que el estallido ya está en marcha, el director de la empresa, ayudado por altos funcionarios públicos, inicia el proceso de espionaje para desbaratar el movimiento y castigar a los cabecillas.

“La Huelga” tiene la particularidad y el mérito de retratar todos los procesos que se desarrollan en un movimiento colectivo como este, incluyendo la negligencia interna, la debilidad frente al poder y la pérdida de tiempo de muchos de quienes participan de él. Y pese a que nuevamente su director recurre a la caricatura y la teatralidad frente a quienes ve como sus enemigos políticos, entiéndase empresarios y funcionarios del Zar, y por cierto, persiste en la descripción de la violencia sin cuartel en las escenas finales, con asesinatos a mansalva de mujeres e infantes, lo cierto es que este film de antaño posee un mensaje difícil de olvidar, ayudado por cierto, con un montaje de excepción, a la mima altura de la cinta que le sucedería al año siguiente, “El Acorazado de Potemkin”.

La década del veinte en el siglo pasado no solo serviría para que Eisenstein colaborara con la propaganda leninista, sino que además, le permitió formar escuela con otros maestros de la época, de la talla de un Griogori Alexandrov o un Edgard Tissé. Esto no solo habla de una forma de hacer cine y exponerla libremente entre quienes quieran observarla, sino que derechamente nos expone un concepto que, más allá de la crítica, dejaría profundas huellas en el mundo del cine, sin importar el paso de los años y la distancia geográfica que nos separe del gigante euroasiático.

En definitiva, rastrear en el legado de Eisenstein es encontrar una y otra vez algo más que un mero director en busca de impactar al público, su público. Se trata de entender la filosofía de la Rusia pre stalinista, y que en trabajos como “La Huelga” nos enseña a comprender la mentalidad y el deseo de superación de una ideología que pese a haber muerto ya en forma masiva, aún consigue aplausos a través de uno de sus mejores propagandistas. “La Huelga”, pese a recibir críticas por su exagerada teatralidad, las que comparto, y ser excelentemente musicalizada varias décadas después, es otro legado que nos ayuda a comprender el agitado siglo XX que ya es historia.

Muy Buena

Ficha Técnica:

Nombre: La Huelga (The Strike / A Greve)
Género: Drama (Cine Mudo)
Formato: DVD
Dirección: Sergei Eisenstein
Guión: Grigori Aleksandrov, Sergei M. Eisenstein, Ilya Kravchunovsky y Valeryan Pletnyov
Reparto: Grigori Aleksandrov, Aleksandr Antonov, Yudif Glizer, Mikhail Gomorov, I. Ivanov, Ivan Klyukvin, Maksim Shtraukh
Producción: Boris Mikhin
Fotografía: Edgard Tissé
Montaje: Sergei Eisenstein
País: Rusia (ex U.R.S.S.)
Idioma: Ruso (subtítulos originales)
Duración: 82 minutos
Año: 1924
Link: http://cine.linkara.com/pelicula/

Escena

Próximo comentario:

- "Iván el Terrible I" (1943-1945)

La biografía de Sergei M. Eisenstein vendrá dentro de una sorpresa muy especial

Resumen, Lo Mejor 1º Semestre 2007

2007-07-09T02:02:00.000-04:00

... ¿God Save "America"?...

1. Cartas desde Iwo Jima (Letters from Iwo Jima)

Director: Clint Eastwood
Género: Drama Bélico
País: Estados Unidos
Mes: Febrero

Alabada y criticada por igual. Para algunos, me incluyo, una de las mejores producciones bélicas, para otros en cambio, una mirada forzada y pretenciosa, por lo inaudito de ponerse en la piel de los japoneses, el bando perdedor, siendo una producción estadounidense. Lo último, un argumento extremadamente pobre, ante lo cual la descripción del honor nipón, y el duro trance para aceptar la derrota, la convirtieron en mi favorita para los Oscar 2007, pese a irse con las manos vacías. Clint Eastwood de lujo, y una vez más el japonés Ken Watanabe mostrando su gran nivel interpretativo. Lo mejor de estos seis primeros meses.

Heroísmo sin diferencia

2. Alerta Solar (Sunshine)

Director: Danny Boyle
Género: Ciencia Ficción, Thriller Futurista
País: Reino Unido
Mes: Abril

Si con Eastwood hubo críticas contrapuestas, con el británico Danny Boyle la situación fue aún peor, ya que tratándose de una cinta futurista, claramente los más ortodoxos encontrarían fallas ligadas a la fantasía y lo poco creíble del argumento, especialmente hacia el final, pero lo cierto es que "Sunshine" fue mucho más que otra producción sobre naves espaciales, buenos efectos y salvadores del mundo, y retrató de manera magistral los vaivenes del alma humana en situaciones extremas. La actuación del irlandés Cillian Murphy entre los puntos más altos. A las injustas críticas negativas, se sumó el escaso interés por parte del público. Lamentable.

Ícaro contra su tragedia griega

3. El Laberinto del Fauno (Pan's Labyrinth)

Director: Guillermo Del Toro
Género: Drama, Fantasía
País: España, México
Mes: Febrero

El mexicano Guillermo Del Toro completa la terna de estos tres primeros puestos, pero también supo de mordeduras de polvo con esta mezcla de fantasía, representada en la inocencia de una introvertida menor, con la rudeza del fascismo más extremo, simbolizada en un oficial franquista. Pese a perder la estatuilla de Hollywood en la quina a mejor film extranjero, Del Toro logró su objetivo, y ese consistió en darnos una mirada distinta de una época traumática en España a través del cine fantástico que lo ha hecho famoso. Impresionó, emocionó y dio que hablar. Lo mejor del cine de habla hispana.

El manto de los sueños

4. La Conquista del Honor (Flags of Our Fathers)

Director: Clint Eastwood
Género: Drama
País: Estados Unidos
Mes: Enero

Nuevamente 'Harry El Sucio' disparando. Aunque algunos críticos consideraron a esta como la mejor película del binomio que Eastwood realizó sobre la batalla de Iwo Jima, en las postrimerías de la Segunda Guerra Mundial, efectivamente este es un título de jerarquía, pero muy en el estilo que ya le conocemos a su director, el de la amarga melancolía de sus personajes. Aún así fue imposible abstraerse de la fuerte crítica social que exhibió el film hacia la sociedad y la cultura estadounidense, siempre proclive a levantar y hundir personajes, incluyendo supuestos héroes. El mejor preámbulo para "Letters..."

5. Babel

Director: Alejandro González Iñárritu
Género: Drama
País: Estados Unidos
Mes: Enero

Curiosamente, el otro director latino que fue protagonista en los Oscar 2007 también sacó aplausos en Chile, y logra ubicarse entre los mejores. "Babel" es en mi opinión la mejor cinta coral a la fecha, pero probablemente las críticas que ha despertado este género con algunas precursoras, como la cuestionada "Crash", le pasaron la cuenta al también mexicano Alejandro González Iñárritu. Centrada en la fuerte incomunicación que ha caracterizado a la llamada 'aldea global', incluyendo aspectos racistas, la cinta no es en absoluto una joya, pero también resultó mucho mejor a lo esperado.

El drama del mundo

6. La Reina (The Queen)

Director: Stephen Frears
Género: Drama
País: Reino Unido
Mes: Abril

Aunque el trabajo del británico Stephen Frears ha sido siempre bueno, y tiene por lo tanto un buen número de seguidores, a través de esta producción logró una masividad que le había sido un tanto esquiva. Sin embargo, este trabajo tuvo otro sello indiscutible, por más que algunos quieran minimizarlo y adjudicar los buenos resultados solo a la mano del director. Ese sello fue la gran Helen Mirren. Probablemente en manos de otra actriz, el zigzagueo de la monarca tras la muerte de Diana, y el 'gallito' con Tony Blair, también hubieran rendido sus frutos, pero con Mirren la cinta consiguió un nivel que varios nos explicamos solo por su presencia. Valió la pena esperar meses por su estreno oficial.

Larga vida a Mirren

7. El Custodio

Director: Rodrigo Moreno
Género: Drama
País: Argentina
Mes: Marzo

El argentino Rodrigo Moreno aún no tiene una gran filmografía, en términos de cantidad al menos, pero con esta penosa historia de Rubén, el guardaespaldas (o custodio) de un ministro que no se preocupa mayormente por él, salvo para utilizarlo como caricaturista en ciertos momentos, Moreno sacó la cara con creces por el cine sudamericano durante la primera parte del año. Esta es la historia de un hombre reprimido, martirizado interiormente, cuya personalidad es potenciada aún más con el ritmo pausado que le imprimió su director. Gran actuación del trasandino Julio Chávez. Pese a los meses, su estreno revalidó al SANFIC 2006 como la gran vitrina de pre estrenos en Santiago.

8. Borat, El Segundo Mejor Reportero del Glorioso País Kazajistán Viaja a América (Cultural learnings of America for make benefit glorious nation of Kazakhstan)

Director: Larry Charles
Género: Comedia Negra
País: Estados Unidos
Mes: Marzo

¿Ridícula?, en muchos pasajes sí, ¿Vulgar?, prácticamente toda la película, ¿Mala película? Para nada, en absoluto. Cómo explicar entonces que una producción que a simple vista es solo 'chacota' sea considerada como buena, pues bien, la respuesta a esta interrogante es una sola: la total y completa innovación del escritor, productor y director Larry Charles en materia de comedias. En conjunto con el irreverente actor Sacha Baron Cohen dieron vida a este periodista kazajo, judeófobo y machista, quien tras ir en busca de Pamela Anderson luego de pisar suelo estadounidense, termina conociendo el verdadero amor, siempre acompañado de su fiel amigo. Pese al evidente humor negro, esta fue la única comedia capaz de arrancarle carcajadas al espectador más serio y amargado. Genial.

9. Camino a Guantánamo (Road to Guantanamo)

Director: Michael Winterbottom. Co-dirección de Mat Whitecross
Género: Docudrama
País: Reino Unido
Mes: Abril

Este fue un gran exponente del género conocido como 'docudrama', que no es más que recrear en formato documental, con testimonios de los protagonistas casi en primer plano a lo largo del film, los duros momentos que marcaron sus vidas. El año pasado el mejor exponente fue "Touching the Void", y esta vez, siguiendo una línea idéntica, el británico Michael Winterbottom detalló la captura de cuatro pakistaníes en Afganistán tras el 11S, por tropas norteamericanas, quienes vivieron una amarga odisea, primero con la detención, luego la incomunicación y posteriormente el traslado a la temible base de Guantánamo. Lo mejor del cine de denuncia en lo que va del año, sus múltiples galardones, entre ellos Berlín 2006, no mentían.

10. Tú, Yo y Todos los Demás (Me and You and Everyone We Know)

Directora: Miranda July
Género: Comedia Dramática
País: Estados Unidos
Mes: Marzo

Faltaba la presencia femenina en materia de dirección, pero mucho más que eso, la mano de la joven directora norteamericana Miranda July también aportó con frescura a la cinematografía de su país, esta vez con una comedia mucho más en el estilo del cine independiente del gran país del norte. Miranda July fue capaz de presentar la difícil relación social de varios individuos a través de esta envolvente comedia dramática, personajes que a pesar de ser personas sin ningún atractivo aparente, finalmente logran ser potenciadas a través de este sorprendente guión, que a más de alguien puede hacerle sentir retratado. Otra cinta que demostró claramente que sus pergaminos no fueron un simple regalo.

11. Ratatouille

Director: Brad Bird
Género: Animación, Comedia
País: Estados Unidos
Mes: Junio

La cinta animada en CGI más importante del momento, y claramente la mejor en lo que va corrido de estos seis primeros meses del 2007. Ayudado en gran parte por el bajo nivel de las demás producciones de este género, el norteamericano Brad Bird, el mismo director a cargo de la exitosa y galardonada "Los Increíbles", también de Pixar y Walt Disney, nos ofreció una mirada bastante especial sobre la vieja idea de hacer realidad los sueños, por más difíciles que parezcan, personificando este adagio en la colaboración entre una rata y un torpe aprendiz de chef. Aunque con algunos pasajes algo rebuscados, la cinta finalmente, además de entretener, logra cautivar y encantar. Excelentes efectos de animación, especialmente con las texturas.

Un increíble gourmet

12. Diamante de Sangre (Blood Diamond)

Director: Edward Zwick
Género: Drama
País: Estados Unidos
Mes: Febrero

Pese a la llegada del cine sudafricano a nuestra cartelera, lo cierto es que a la hora de retratar las miserias del continente negro, el cine estadounidense sigue siendo imbatible. Eso lo tenía muy claro el norteamericano Edward Zwick, quien reclatutando a dos rostros potentes del cine de Hollywwod, Leonardo Di Caprio y Jennifer Connolly, junto al no menos conocido actor de color Djimon Hounsou, indagó en el caos de la guerra civil en Sierra Leona en los '90, específicamente en el rapto de menores para convertirlos en guerrilleros, mientras otros seres humanos son esclavizados en las minas de diamantes. Quizás sin tanta acción al estilo del cine comercial norteamericano, la denuncia que buscaba presentar Zwick no hubiera sucumbido ante la espectacularidad de muchos pasajes. Grandes actuaciones de Di Caprio y Hounsou.

Algunos comentarios...

Obviamente a causa de nuestras distribuidoras locales, los Estados Unidos recuperan el terreno perdido el 2006, específicamente frente al cine de Oriente y el francés, los que pese a algunas excepciones, brillaron por su ausencia estos primeros seis meses del 2007. Clint Eastwood como director con dos títulos, y ambos entre los mejores, tal como los hermanos belgas Dardenne en la última parte del año pasado.

La gran, gran ausente... La cinta alemana La Vida de los Otros, de Florian Henckel-Donnersmarck, ganadora este año del Oscar a mejor film extranjero, y pre estrenada hace un par de meses en el Cine UC, dentro de un ciclo de cine europeo. Habrá que seguir esperando, pero pudo ser claramente LA película de este primer recuento.

El cine chileno sigue sin levantar cabeza, y aunque Argentina se anotó con un título de primer nivel, el cine latinoamericano mantiene el discreto nivel del año pasado. Gracias a "El Laberinto del Fauno", co-producción hispano-mexicana, nuestro idioma se ubica entre lo más alto, pese a algunos detractores. Las grandes revelaciones fueron dos producciones africanas: "Yesterday" y "Tsotsi", ambas de Sudáfrica. Por otro lado, los títulos del Oscar y los Globos de Oro esta vez sí fueron un gran aporte, muy distinto a lo sucedido hace justo un año atrás.

Mayo del 2007, claramente el mes más débil en materia de grandes estrenos. El año pasado fue el mes de "El Castillo Andante", de Hayao Miyazaki.

En estos doce títulos, a diferencia de años anteriores, logran quedar representados tres géneros que algunos siguen considerando menores: Ciencia Ficción ("Sunshine"), Documental ("Road to Guantanamo") y Animación ("Ratatouille"). Nuevamente me costó decidir, ¿"Iwo Jima" de Eastwood o "Sunshine" de Boyle?... Dos géneros completamente distintos. Pero bueh, había que elegir.

Finalmente, como conclusión general, pese a varios títulos de gran nivel, este no ha sido un semestre excepcional, ya que estos 12 títulos del 1º semestre 2007, comparados con los mejores del año 2006, no se imponen mayormente. "Letters from Iwo Jima" y "Sunshine", a lo más, desbancan a "The Departed" de Martin Scorsese, pero nada más.

En fin, ojalá haya coincidencia con el criterio de ustedes.

Solo en imágenes

Casi, casi entre los doce mejores...

Bien, cumplieron...

Esperábamos más...

Cerca del precipicio...

No hay caso, nada que hacer...

La Nota freak

Chris Evans, el nuevo sex-symbol de Hollywood, estuvo en las dos caras de la medalla. Como el agresivo Mace en "Sunshine", la segunda mejor película del semestre, y como Johnny Storm en "Los Cuatro Fantásticos 2", nuevamente uno de los bodrios del año.

Si olvidé algún estreno importante de este semestre, por favor con respeto, háganmelo saber.

Saludos a todos.

Ratatouille - 'Un Increíble Gourmet'

2007-07-08T23:26:00.000-04:00

... son muchos más los aciertos en “Ratatouille”, en especial la candidez y la frescura de la rata Remy, el mejor personaje de la historia, la transformación del estirado crítico culinario Antón Ego, y por cierto, los colores, las sombras y texturas que los cerebros de Pixar fueron capaces de regalarnos...

Ratatouille

UN INCREÍBLE GOURMET

Por más increíble que parezca, el motivo más fuerte que explica el favoritismo indiscutido de la crítica especializada hacia esta nueva entrega de Pixar en co-producción con Walt Disney, Ratatouille, del director norteamericano Brad Bird, ha sido este primer semestre tan mediocre en materia de cintas de animación. Sumado a la casi decepcionante tercera parte de “Shrek”, de Dreamworks, todo indicaba que este año 2007 tendría un talón de Aquiles precisamente en el género del píxel, donde la uniformidad nivelada hacia abajo parecía ser la característica común, hasta hace unas semanas por lo menos.

Y aunque comparto la premisa que esta es sin duda la cinta animada más importante y mejor lograda en lo que va del año, tampoco hay que perder la perspectiva, debiendo reconocer que tampoco estamos frente a una obra de arte, y que principalmente esta es una producción que se potencia, más allá del mensaje, en fortalezas claramente técnicas. Más allá del bien logrado guión, lo mejor que nos ofrece Brad Bird es el espectacular trabajo computacional a cargo de los dibujantes y editores de Píxar.

“Ratatouille” centra su mensaje en el espíritu de superación, y especialmente en el viejo adagio que indica que nada es imposible en esta vida, y que vale la pena soñar y luchar por hacer realidad esos sueños. Así entonces, con una idea central nada de novedosa, lo más probable era que otra vez estuviéramos frente a una cinta donde la letanía del mensaje, altruista al más puro estilo ‘americano’, no sirviera más que para encantar a niños pequeños y a sus abuelos. Pero la historia de “Remy”, la joven rata que prefiere disfrutar de la comida bien elaborada, en vez de hurgar en la basura, tenía algo más que presentar.

Con un ritmo tan veloz como la recordada “Los Increíbles” del año 2004, también de Pixar y Walt Disney, la primera parte de “Ratatouille” nos presenta al protagonista en sus rasgos más característicos, es decir, el de un inadaptado al sistema, que sin embargo no tiende a revelarse, sino a adecuar el mundo que lo rodea a sus propios gustos y creencias. Sin embargo un buen día, a raíz de una electrizante persecución que originó junto a su numerosa familia y amigos, en la cocina de una temeraria anciana, termina llegando a la ciudad luz, París, nada menos que en el prestigioso restaurant de su fallecido ídolo, Auguste Gusteau.

Será la posibilidad de su vida, ya que estará justamente en medio de una cocina internacional de primer nivel, la más importante de la capital francesa, y en ella podrá poner en práctica todo lo aprendido. Pero la torpeza de un curioso auxiliar y aprendiz de cocina, el pelirrojo Linguini, cambiará en cierta medida sus planes, ya que al intentar ayudarlo, para no caer en desgracia frente al pérfido chef y actual administrador del restaurant, tendrá que recurrir a la mentira y el engaño para salvar la situación. Linguini cocinará las mejores delicatessen, pero portando a la rata, el verdadero gourmet, sobre su cabeza, oculto en el largo sombrero blanco.

Hay situaciones muy cómicas, aunque nunca hilarantes, y algunos pasajes podrán resultar algo rebuscados en los diálogos y las situaciones, como la relación entre Linguini y la temperamental Colette, y las artimañas del chef (Skinner) para deshacerse del torpe y larguirucho muchacho, a quien ahora ve como un peligroso rival, pero son muchos más los aciertos en “Ratatouille”, en especial la candidez y la frescura que transmite la rata Remy, el mejor personaje de la historia, la transformación del estirado crítico culinario Antón Ego, y por cierto, los colores, las sombras y texturas que los cerebros de Pixar fueron capaces de regalarnos.

Así como el nombre del plato que da nombre a esta producción resulta una tremenda contradicción, ya que nada relacionado a ratas puede ser ad-hoc con la cocina internacional, también resulta poco explicable que la mejor cinta de animación del semestre que se nos fue no haya tenido la respuesta que se esperaba por parte del público, tanto en Chile como en su propio país. Pero bueno, mientras siga en cartelera, tal vez podamos remediar esta situación. Más vale tarde que nunca.

Muy Buena

Ficha Técnica:

Nombre: Ratatouille
Género: Animación, Comedia
Dirección: Brad Bird
Guión: Brad Bird. Basado en un argumento de Jan Pinkava, Jim Capobianco y Brad Bird.
Voces Originales: Patton Oswalt, Ian Holm, Lou Romano, Brian Dennehy, Peter O'Toole, Brad Garrett, Janeane Garofalo, Will Arnett, Julius Callahan, James Remar
Producción: Brad Lewis
Montaje: Darren Holmes
Música: Michael Giacchino
País: Estados Unidos
Idioma: Inglés (doblada en español)
Duración: 110 minutos
Año: 2007
Link: http://disneylatino.com/FilmesDisney/Ratatouille/index-flash.html

Trailer (en español)

ÍNDICE 4

2007-06-10T06:43:00.000-04:00

... en la diversidad está el gusto...

Shrek Tercero

EL SUCESO LLEGA A CHILE

El Acorazado de Potemkin

CICLO DE SERGEI EISENSTEIN

LO MEJOR DE DANNY BOYLE

Alerta Solar

ESPECIAL DÍA DEL PADRE

Mi Querido Frankie

"Shrek Tercero"
Un Paréntesis Innecesario

"El Acorazado de Potemkin"
Proselitismo de Lujo

"Alerta Solar"
Ícaro contra su Tragedia Griega

"Mi Querido Frankie"
Al Corazón También se le Respeta

Un gran saludo a todos los lectores.

Shrek Tercero - 'Un Paréntesis Innecesario'

2007-06-10T06:25:00.000-04:00

... En Dreamworks, el verdadero reino de Muy, Muy Lejano podrán sentirse tranquilos con el dinero ganado, pero es de esperar que también se prenda la luz de alerta luego de esta inflexión...

Shrek Tercero

(Shrek the Third)

UN PARÉNTESIS INNECESARIO

Lo más probable es que el cariño que se han ganado los personajes de esta exitosa saga de los estudios Dreamworks se convierta en el mejor escudo ante cualquier crítica negativa en su contra, y más seguro aún es que los niños ni siquiera se molestarán en poner atención a los aspectos deficientes que los mayores podamos encontrarle a Shrek Tercero. Lo anterior es una gran fortaleza para una marca registrada dentro del cine de animación, nadie podría desconocerlo, pero no me parece justo dejarse llevar solamente por el aprecio que existe hacia el ogro verde y sus amigos para comentar lo que resultó ser finalmente esta versión 2007, en manos de Chris Miller y Raman Hui.

Así es, porque por más que hayamos aplaudido de pie la segunda parte de esta historia de Andrew Adamson en 2004, dando cátedra de cómo una continuación puede superar con creces a una primera entrega, lo cierto es que muchos esperábamos que, tres años después, nuevamente la superación fuese el distintivo de este esperado título, el mayor éxito norteamericano del cine de animación en lo que va de esta década. Lamentablemente, manteniendo toda la ironía y el sarcasmo de sus dos antecesoras, esta entrega es por lejos la más débil, y el motivo es más que evidente. La idea es alargar una trama exitosa en términos comerciales, a como de lugar, sin importar que la marca vaya degradándose de a poco.

“Shrek Tercero” no es en absoluto una mala película, pero cuando las anteriores entregas de 2001 y 2004 lograron no solo disputarle el liderazgo en términos de taquilla a varias superproducciones, sino además, convertirse en títulos obligados a la hora de resumir lo mejor de cada año, resulta preocupante comprobar cómo colgándose de aspectos circunstanciales dentro de la historia se busque estirar el elástico innecesariamente, dejando un tremendo signo de interrogación para lo que veremos en tres años más, y seis para ser más precisos. No podría hablar de decepción con esta nueva “etapa”, cuando Shrek debe decidir si asume como rey ante la agonía de su suegro convertido en sapo, que dicho sea de paso es una de las pocas escenas hilarantes de esta entrega 2007, pero sí está claro que lo que muchos esperábamos ver en esta oportunidad era la paternidad del ogro como eje central de la historia, y no como un mero aviso de lo que será el 2010.

Apenas finalizó la segunda versión, con el Príncipe Encantador obteniendo su merecido castigo, besado por la versión transexual de una de las hermanas feas de Cenicienta, lo que todos supusimos fue que era hora que llegaran los retoños de Shrek y Fiona, más aún habiendo obtenido el primero la bendición del rey Harold, padre de la segunda. Pues bien, la dirección a cargo de Miller y Hui también previó que era este el momento preciso para ver al ogro convertido en padre, tal como mucha de la publicidad también lo anunciaba, pero claramente la idea perdió fuerza cuando Dreamworks decidió que el eje debía ser otro, que Shrek no quisiera asumir como rey del Reino de Muy Muy Lejano, y se fuera en busca del legítimo heredero, nada menos que la versión nerd de El Rey Arturo, Artie, con el Mago Merlín y Lancelot incluidos.

Fiona hasta le anuncia que está embarazada, y el divertido ogro termina teniendo pesadillas con los revoltosos ogritos, pero vistas solo como escenas de relleno en una historia que perdió la chispa y el encanto de su antecesora, lo primero que mucho público se preguntará es si esta tercera parte era en realidad necesaria. Por más que la ausencia de Shrek en el reino le sirva a Encantador para una organizar una nueva embestida, apoyado esta vez por el capitán Garfio y la madrastra de Blanca Nieves, y a su vez transforme a Fiona y sus compañeras en las versiones animadas de “Los Ángeles de Charlie” y “Kill Bill”, lo cierto es que “Shrek Tercero” no pasa de ser más allá de una entretenida cinta en CGI, tal como en su momento lo fueron “Madagascar”, "Happy Feet” o “Espantatiburones”. “Shrek” se suponía que estaba muy por sobre ese nivel.

En fin, una vez más El Burro, El Gato con Botas, Pinocho, la galleta Jengibre, los tres cerditos, los ratones y el Lobo vestido de Abuelita harán sonreír, a no preocuparse por eso, ya que la diversión está garantizada para los más pequeños y el público menos exigente. Lo penoso será si en tres años más nuevamente ir a verlos a ellos será la única excusa para volver a comprar un ticket y disfrutar de las aventuras de “Shrek”, un personaje sin nada de evolución. En Dreamworks, el verdadero reino de Muy, Muy Lejano podrán sentirse tranquilos con el dinero ganado, pero es de esperar que también se prenda la luz de alerta luego de esta inflexión.

Entretenida
(... por no decir Regular)

Ficha Técnica:

Nombre: Shrek Tercero (Shrek the Third)
Género: Animación, Comedia
Dirección: Chris Miller, Raman Hui
Guión: Chris Miller, Jeffrey Price, Peter S. Seaman y Aron Warner. Basado en el argumento de Andrew Adamson sobre el libro de William Steig
Voces Originales: Mike Myers, Eddie Murphy, Cameron Diaz, Antonio Banderas, Rupert Everett, Justin Timberlake, Julie Andrews, John Cleese, Eric Idle, Cheri Oteri, Ami Poehler, Maya Rudolph, Amy Sedaris, John Krasinski, Ian McShane
Producción: Alejandro González Iñárritu y Jon Kilik y Steve Golin
Montaje: Michael Andrews
País: Estados Unidos
Idioma: Inglés (doblada al español)
Duración: 85 minutos
Año: 2007
Link: http://www.shrekinternational.com/intl/es/

Trailer (en español)

El Acorazado de Potemkin - 'Proselitismo de Lujo'

2007-06-10T06:01:00.000-04:00

... Eisenstein denominó como atracción y momento agresivo el impactar al público al máximo con la edición y el juego de cámaras, técnicas que le valieron difundir su mensaje con una fuerza pocas veces vista...

El Acorazado de Potemkin

(Bronenosets Potemkin)

PROSELITISMO DE LUJO

Con esta joya del año 1925 damos inicio a un breve ciclo con el maestro del cine soviético: Sergei Eisenstein

Vayan mis agradecimientos a mi amigo Marcelo Zamora, quien me facilitó todo este material de lujo, así como la idea de realizar este mini ciclo

Si la premisa es comentar una película de principios del siglo XX, específicamente del año 1925, lógicamente lo primero que hará la mayoría de los lectores será rememorar lo que alguna vez conocieron como ‘cine mudo’. Pues bien, la premisa es correcta, pero si además complementamos esas imágenes que se vienen a la mente, con las secuencias y movimientos tan característicos del celuloide de aquellos años, con un dato para nada menor, estoy seguro que el interés comenzará a hacerse presente.

Esta producción es considerada como una de las mejores películas de todos los tiempos, tanto que en 1958 la Cinemateca Real de Bélgica le dio el titulo del mejor largometraje en la historia del cine, mérito que revalidó en 1990 nada menos que en los Estados Unidos, por la National Society of Films Critics. Me refiero ni más ni menos que a la más célebre obra del director soviético Sergei Eisenstein, El Acorazado de Potemkin, una película que más allá de la polémica por su discurso abiertamente revolucionario, logró dejar huella en todas las sociedades del mundo, algo que le debemos específicamente a la 'atracción' que tanto explotaba su director.

A casi veinte años de la caída del Muro de Berlín, con la consecuente destitución del totalitarismo comunista como segunda fuerza hegemónica en el planeta, resulta increíble que esta película aún siga cautivando a tantas generaciones de personas, quienes no necesariamente comparten o compartieron el discurso que la ex URSS trataba de implantar, y que tuvo en Eisenstein a uno de sus mejores propagandistas. Si a eso le sumamos que el cine mudo hoy en día se conserva como un arte de reliquia y que muy pocos estarían dispuestos a disfrutarlo nuevamente, la sorpresa que provoca el objeto de culto en que se ha convertido esta cinta pasa a transformarse en materia de análisis.

Pues bien, Eisenstein, tal como hace algún tiempo se analizó con Orson Wells y su “Ciudadano Kane”, tuvo un mérito difícil de obviar para sus detractores, y es que apelando al impacto más fuerte entre los espectadores rescató un suceso verídico ocurrido en 1905, frente a las costas de Odessa, cuando los oficiales al mando del acorazado de Potemkin se negaron a mejorar las condiciones de vida de los marineros a bordo, quienes luego de reclamar por la carne descompuesta que les era ofrecida como alimento intentaron amotinarse. Como resultado, el alto mando decide fusilar a los agitadores, con lo cual la sublevación era solo cuestión de minutos, sino segundos.

Toda la Rusia de aquel entonces comenzaba a simpatizar con estos marinos que le hicieron frente a la tiranía militar, la que sin embargo obedecía a una cabeza muy identificable, el Zar. Así fue como en las calles de Odessa los civiles también se alzaron en protestas por los sucesos ocurridos en el Potemkin, provocando que miles de hombres, mujeres, ancianos y niños transformaran las calles y escaleras del puerto en un mar de enfurecidos ciudadanos que reclamaban por las vidas perdidas en el buque de guerra, y además, contra la tiranía que a ellos también los subyugaba. El ejército zarista entonces entra finalmente en escena, comenzando así la carnicería, aunque la revolución tendría su cruzada final nuevamente en el mar, cuando el acorazado enfrente a los demás navíos del monarca ruso.

De estas secuencias ya son célebres algunas escenas que tiempo después fueron clonadas en largometrajes norteamericanos, siendo la más célebre la caída de un bebé dentro de su coche, el que tras perder a su madre producto del fuego, rueda por las escalinatas ante la mirada horrorizada de los demás civiles. Brian de Palma no ocultó su admiración por esta angustiante escena y la reprodujo casi de manera idéntica en “Los Intocables de Elliot Ness”, cinta de 1987. Hasta ese punto llegó el legado de este director soviético que hasta se enemistó con el temible José Stalin por otro de sus clásicos, “Iván el Terrible”.

“El Acorazado de Potemkin” fue una escuela montaje en aquellos años, y no solo en Rusia, convertida en 1925 en la tristemente célebre Unión Soviética, sino en la más diversa gama de directores, quienes se inspiraron en lo que el propio Eisenstein denominó como atracción y momento agresivo, es decir, impactar al público al máximo con la edición y el juego de cámaras, técnicas que le valieron difundir su mensaje con una fuerza pocas veces vista, y que algunos podrán considerar como extremas y chocantes, especialmente en la representación de madres con hijos muertos en sus brazos, pero que en 1925 marcaron un antes y un después al momento de estructurar una película y la intensidad de su mensaje.

Este además es un film que tiene la particularidad de reabrir viejas heridas en el mundo occidental, como la caricatura grotesca hacia el cristianismo simbolizada en un siniestro sacerdote ortodoxo que apoya a los oficiales del Potemkin, pero que recrimina a los marinos, o el linchamiento de un comerciante judío momentos previos al levantamiento civil en Odessa, pero aún así, se trata de una academia sobre cómo fue madurando el cine en sus inicios, una obra de arte mayor que merece la pena ser nuevamente vista y difundida entre las nuevas generaciones. Otro testimonio más de porqué el cine es un arte, y que vale la pena discutirse como medio de propaganda y de concientización. Simplemente imperdible.

Excelente

Ficha Técnica:

Nombre: El Acorazado de Potemkin (Bronenosets Potemkin)
Género: Drama Bélico (Cine Mudo)
Formato: DVD
Dirección: Sergei Eisenstein
Guión: Nina Agadzhanova y Sergei Eisenstein
Reparto: A. Glauberman, Aleksandr Antonov, Aleksandr Levshin, Beatrice Vitoldi, Grigori Aleksandrov, Ivan Bobrov, Konstantin Feldman, Mikhail Gomorov, N. Poltavseva, Prokopenko, Vladimir Barsky, Julia Eisenstein
Producción: Jacob Bliokh
Fotografía: Eduard Tisse, Vladimir Popov
Montaje: Sergei Einsenstein
País: Rusia (ex U.R.S.S.)
Idioma: Ruso (subtítulos originales)
Duración: 80 minutos
Año: 1925
Link: http://www.tecnun.es/cineclub/pelis_1s_2001/pelis_acorazado.htm

Masacre en Odessa (Escena)

Próximos comentarios dentro de este ciclo:

- Biografía de Sergei Eisenstein
- "La Huelga" (1924)

Sergei Eisenstein también estará presente la muestra:
Rusia: Los Años Soviéticos (Cine UC)

Alerta Solar - 'Icaro Contra su Tragedia Griega'

2007-06-10T05:31:00.001-04:00

... Aún a millones de kilómetros del suelo terrestre, el espíritu de sobrevivencia afecta tanto a la salud mental como al sentido de lo éticamente correcto...

Alerta Solar

(Sunshine)

ICARO CONTRA SU

TRAGEDIA GRIEGA

Es el año 2057, y la humanidad se enfrenta a la mayor amenaza que haya habido jamás, ya que nuestra sobrevivencia depende totalmente de la luz solar, sin embargo, el sol ha comenzado paulatinamente a disminuir su tamaño, arrastrando con su agonía a nuestro planeta y toda la vida que existe en él. Para hacerle frente a esta inminente aniquilación, un grupo de físicos, astrónomos y astronautas son enviados en una misión hacia la moribunda estrella, con el objetivo de lanzarle una bomba atómica del tamaño de Chicago, permitiendo que el astro rey vuelva a revivir. Sin embargo, la misión no es la primera de su tipo, puesto que siete años antes ya hubo un primer intento, pero de aquella nave y su tripulación nunca más hubo noticias.

Hasta ahí podríamos decir que se trata de otra aventura futurista más dentro de las muchas que ya hemos visto, sin embargo, lo que distingue al nuevo trabajo del británico Danny Boyle, Alerta Solar, es precisamente la mano de su director, que la hace bastante más que otro tributo a “2001, Odisea del Espacio” de Kubrick, convirtiendo a este en el mejor trabajo de Boyle hasta la fecha, mezclando con maestría efectos audiovisuales de primer nivel con las anotaciones científicas que hacen sustentable una trama llena de intensidad a través de sus personajes, quienes con el correr de los minutos se alejarán por completo de los estereotipados roles de salvadores del mundo.

A cargo de “Alerta Solar” está el mismo equipo de “28 Days Later” del año 2002, con Boyle y el guionista Alex Garland a la cabeza. También el actor Cillian Murphy vuelve a tener a su cargo el rol protagónico, esta vez como el astronauta Capa, quien tras enfrentar el duro temperamento de su compañero Mace (Chris Evans) terminará siendo el héroe de turno al quedar en sus manos la difícil tarea de cumplir con la misión que se les encomendó, y que a cualquier mortal le costaría la vida, por más entrenado que esté en términos de viajes y equipamientos espaciales. De hecho, la actuación de Murphy es uno de los puntos más altos dentro de esta sorprendente producción británica.

La nave ICARO II, mismo nombre del ancestral hijo de Dédalo que muere al quemar sus alas acercándose al sol, no solo tiene como propósito transportar la bomba que salvará a la Tierra, sino también proveer a su multicultural tripulación de óptimas condiciones para llevar a cabo la misión de forma exitosa. Por esta razón dentro de su gran extensión existe un acondicionado invernadero, que provee de vida vegetal y oxígeno a los cinco hombres y dos mujeres a bordo, con lo cual la sola idea de perderlo provocaría una crisis de proporciones. Lamentablemente un error humano desvía la trayectoria de la nave, y dentro de las consecuencias se produce la destrucción de esta fuente de subsistencia, ante los sollozos de una devastada Corazón (Michelle Yeoh).

Pero las dificultades no terminan ahí, ya que además se suma el hecho que reciben una señal del ICARO I, la nave que años antes también intentó bombardear al sol, ante lo cual se toma la difícil decisión de ir en su búsqueda. Aún en esos momentos Boyle no pierde la filosofía nihilista de su postura frente al dilema de estos hombres y mujeres, quienes a pesar de las agobiantes dificultades aún son capaces de maravillarse con la estrella solar, observándola ya sea a través de lentes especiales, o bien durante peligrosas maniobras, como la del capitán Kaneda (Hiroyuki Sanada) cuando se enfrenta directo a la luz del sol tras salvar a su tripulación. El excelente actor nipón, en todo caso, mereció una mayor participación en la trama. Así entonces, esta misma filosofía que desarrolla Boyle es la que enfrentará a los sobrevivientes del ICARO II con el nuevo pasajero que tendrán a bordo tras hacer contacto con la primera nave, el único sobreviviente de la misión de hace siete años atrás.

La música a cargo de Underworld es otro punto destacable, pero lo mejor de “Alerta Solar” está especialmente en la combinación de una elaborada ficción con los conflictos humanos más perturbadores, no en vano la discusión sobre eliminar compañeros a bordo para aprovechar mejor el poco oxígeno se vuelve crucial a partir del infortunado accidente. Aún a millones de kilómetros del suelo terrestre, el espíritu de sobrevivencia afecta tanto a la salud mental como al sentido de lo éticamente correcto. En definitiva, el popular director de “Trainspotting” silenciosamente nos trajo hace algunas semanas uno de los mejores estrenos del año, aunque para algunos este título pareciera haber pasado inadvertido en la cartelera. Un grueso error en honor a la verdad.

Excelente

Ficha Técnica:

Nombre: Alerta Solar (Sunshine)
Género: Ciencia Ficción, Thriller Futurista
Dirección: Danny Boyle
Guión: Alex Garland
Reparto: Cillian Murphy, Chris Evans, Michelle Yeoh, Rose Byrne, Cliff Curtis, Troy Garity, Hiroyuki Sanada
Producción: Andrew Macdonald
Montaje: Chris Gill
Fotografía: Alwin H. Küchler
Vestuario: Suttirat Anne Larlarb.
Música: Karl Hyde, John Murphy, Rick Smith (Underworld)
País: Reino Unido
Idioma: Inglés
Duración: 107 minutos
Año: 2007
Link: http://www.sunshine-alertasolar.com/

Trailer

Mi Querido Frankie - 'Al Corazón También se le Respeta'

2007-06-10T04:29:00.000-04:00

... Shona Auerbach y Andrea Gibb se anotan un gran logro con este trabajo, ya que ambas mujeres logran demostrar de manera coherente, sobria y elegante, que el corazón ya no acepta cualquier cosa para hacerlo emocionar, porque hace bastante tiempo que pide respeto a la hora de crear historias que apunten hacia el sentimiento...

Mi Querido Frankie

(Dear Frankie)

AL CORAZÓN TAMBIÉN

SE LE RESPETA

Especial Día del Padre

(17 de Junio)

Esta pudo haber sido la película más lacrimógena del año 2005, una más entre tanto largometraje que apela al sentimentalismo barato para conseguir butacas llenas de personas fácilmente impresionables. Pero la realidad resultó ser bastante distinta. Con una primera media hora donde la directora Shona Auerbach se da el tiempo preciso para presentarnos a dos de los personajes más importantes dentro de la historia, una madre un tanto inmadura y sobreprotectora, y un hijo de nueve años que adolece de sordera y que vive bajo un engaño, la cinta británica Mi Querido Frankie (Dear Frankie) echa por tierra cualquier prejuicio contra un trabajo que nuevamente pone el acento en las relaciones filiales entre seres humanos, donde además un menor de edad está de por medio.

Así es, el hecho que Auerbach diera un nuevo enfoque a una historia tan atractiva como esta, donde nuevamente las mentiras piadosas mueven los hilos de la trama ("Good Bye Lenin", "Cartas desde París", "Padre e Hijo") hace suponer que el cine de los pañuelos desechables tiene los días contados, ya que será difícil que sigan apareciendo historias que pretendan llegar al corazón, sin tener una historia de peso, con buenas actuaciones, el uso correcto de los tiempos y una bellísima fotografía. Este último punto es notable en “Mi Querido Frankie”, ya que la finura con que se exhiben las tomas en el puerto escocés cercano a Glasgow, con una melancolía sutilmente elegante, no dejará indiferente a nadie que ame las costas y los paisajes que alguna vez sirvieron de refugio a la cultura celta británica.

Una joven madre, Lizzi (Emily Mortiner), mantiene engañado a su hijo Frankie (Jack McElhone), un niño que sufre de sordera y que alucina con las cartas que su padre le envía desde el barco por el que navega alrededor del mundo. Ahora bien, dicho engaño ha desatado precisamente esa idolatría que siente el niño por este padre ausente, secundada en la mentira por la abuela del menor, la huraña Nell (Mary Riggans). Lizzie y su familia viven mudándose de ciudad en ciudad, huyendo del verdadero padre de Frankie, quien debido a los malos tratos obligó a Lizzi a abandonarlo, siendo Frankie aún muy pequeño. El niño no tiene recuerdos de su padre, así que Lizzi es quien le escribe las famosas cartas haciéndose pasar por ese imaginario padre que deambula por los océanos, y que le cuenta todo lo que va conociendo en cada puerto que llega. Frankie a su vez, le responde contándole de su vida y sus gustos. El chico de tanto recibir cartas desde “diferentes” destinos, se hizo casi un sabelotodo en cuanto a Geografía.

Sin embargo, un buen día el niño se entera que el preciso barco donde supuestamente su padre viaja a bordo, el HMS Accra, arribará al puerto escocés en el que ahora vive junto a su madre y abuela. Lizzie, quien vive engañándose a sí misma prometiéndose que ya no le mentirá más a Frankie, se ve acorralada ante este nuevo hecho y le pide ayuda a Marie (Sharon Small), su nueva amiga y empleadora. La idea consiste en encontrar a un sujeto que se haga pasar por el padre de Frankie, obviamente pagándole y enseñándole las cartas. Marie consigue un hombre ideal para la breve farsa, un sujeto parco, sin pasado ni futuro, quien solo por el dinero y por cumplir con Marie acepta el “trabajo” ofrecido por Lizzi.

Ahora bien, este desconocido, interpretado por el actor escocés Gerard Butler, poco a poco va empatizando con este inteligente niño, a pesar de su sordera, quien al tener en frente suyo al padre que tanto ha admirado e imaginado, vive el día más feliz de su vida junto a él, obligando a su madre a prolongar la dicha por un día más, pese a que el trato entre Lizzi y el sujeto había sido solo por 24 Horas. Frankie incluso le gana algunas apuestas a un arrogante chico llamado Ricky teniendo a su padre cerca, consiguiendo además la admiración de Catriona, su amiga y compañera de colegio. Pero lo más increíble es que a través de él, Lizzi y este desconocido también comienzan a empatizar, más aún cuando este se entera, por boca de su madre, de la verdadera razón que llevó a Frankie a perder la audición.

Vale la pena adentrarse en esta mirada femenina sobre los lazos humanos que surgen a raíz de una mentira blanca, y Shona Auerbach a cargo de la dirección y Andrea Gibb en el guión, se anotan un gran logro con este trabajo, ya que ambas mujeres logran demostrar de manera coherente, sobria y elegante, que el corazón ya no acepta cualquier cosa para hacerlo emocionar, porque hace bastante tiempo que pide respeto a la hora de crear historias que apunten hacia el sentimiento. Otro elemento a destacar es el tremendo ángel de la actriz Emily Mortiner, y por cierto, la revelación que resultó ser el pequeño Jack McElhone. Sin duda ambas actuaciones, junto a la impecable dirección de Auerbach, fueron lo mejor de esta hermosa cinta. También es destacable la musicalización a cargo de Alex Heffes, puesto que junto a algunos temas con base pop/rock, a ratos el sonido del piano resulta tremendamente parecido a los acordes del francés Yann Tiersen.

Recomendable de todas maneras. Sin ser una película excelente, no se puede desconocer que el resultado fue mucho más de lo esperado.

Muy Buena

Ficha Técnica:

Título: Mi Querido Frankie (Dear Frankie)
Género: Comedia Dramática
Formato: DVD
Dirección: Shona Auerbach
Guión: Andrea Gibb
Reparto: Emily Mortimer, Jack McElhone, Gerard Butler, Sharon Small, Mary Riggans (Nell), Jayd Johnson, Sean Brown, John Kazek, Katy Murphy, Anna Hepburn
Producción: Caroline Wood
Fotografía: Shona Auerbach
Música: Alex Heffes
Montaje: Oral Norrie Ottey.
Vestuario: Carole K. Millar.
País: Reino Unido (Escocia)
Idioma: Inglés
Duración: 105 minutos
Año: 2004
Link: http://www.miramax.com/dearfrankie/

Trailer

Otra película ideal para esta fecha, y recordada aquí mismo hace un año atrás, es Big Fish (El Gran Pez) de Tim Burton, la que además ya ha estado siendo constantemente rotada en los canales de televisión por cable. Junto a "Ed Wood" y "La Novia Cadáver", lo mejor de este popular director estadounidense.

"El Gran Pez",
Y nació un nuevo clásico

ÍNDICE 3

2007-05-10T02:19:00.000-04:00

... dos en uno...

ESPECIAL DÍA DE LA MADRE
Good Bye Lenin!

Spiderman 3
LA PELÍCULA DEL MOMENTO

"Good Bye Lenin!"
Especial, Día de la Madre

"Spiderman 3"
La Película del Momento

Bonus Track...

Al cumplirse un año de la triste partida de la cantautora Soraya, les dejo un link con un pequeño tributo que elaboré en el blog de sus admiradores chilenos:

SORAYA

(11/03/1969 – 10/05/2006)

Una Estrella,
Ahora Leyenda

Saludos a todos.

El Hombre Araña 3 - 'Memorable Dualidad'

2007-05-10T01:52:00.000-04:00

... salvo que la historia nuevamente conjugue elementos tan atractivos como la dualidad, la venganza y la redención como en esta tercera parte de Spiderman, no se justifica otra nueva entrega, aunque claro, los intereses económicos siempre serán un factor relevante en una producción de este tipo, claramente la mejor en su género...

El Hombre Araña 3
(Spiderman 3)

MEMORABLE DUALIDAD

A estas alturas resulta una majadería señalar que la trilogía de El Hombre Araña se ha convertido claramente en lo mejor del cine de ciencia-ficción de esta última década, más allá de lo oscuro de muchos de sus pasajes y las ansias que cada tres años provoca en una enorme cantidad de público, y aunque la tercera parte de esta saga está dando que hablar más que nada por su exitosa recaudación en la taquilla, lo mejor es no perder la perspectiva. La nueva visión del director norteamericano Sam Raimi no descuidó ningún detalle para hacer de éste su mejor trabajo a la fecha sobre el legendario cómic de Stan Lee y Steve Ditko, tanto así que resulta extraño escuchar cómo nuevamente salen a flote las rencillas entre Raimi y el resto del equipo de producción, las cuales, de ser ciertas, no dejaron ninguna huella en esta tercera y, posiblemente, última parte de la saga llevada al cine desde el año 2001.

Siendo bien honestos, es claro que un actor como Tobey Maguire dista mucho de representar al clásico galán que, ayudado por un colorido disfraz, sale a luchar por la justicia frente a rivales cada vez más bizarros. La misma lógica podríamos decir de la frágil Kirsten Dunst, muy lejos de la belleza clásica que originalmente era Mary Jane. Sin embargo, cuando un guión sabe mezclar efectos especiales de primer nivel con una historia de peso, donde los personajes tienen bastante que mostrar de su lado más humano, independiente si ese lado nos gusta o no, la balanza comienza a nivelarse sin ningún problema.

Lo bueno eso sí, tanto en este como de los otros dos films que le precedieron, es que precisamente este casting bastante alejado de los prototipos clásicos del cine de superhérores, ha convertido en toda una excepción a la regla a la versión cinematográfica del periodista que se convierte en el protector de New York, tras ser mordido por una araña. Raimi tuvo el mérito desde un comienzo de no enloquecerse solo con pirotecnia multimedial, y esta vez no solo lleva a la pantalla grande a dos de los más célebres antagonistas del atlético Peter Parker (Maguire) cuando se coloca el traje rojo-azul, sino que además aprovechó la mejor arista sicológica de uno de ellos, incluido el propio Parker.

Es así como la performance de otro actor carente del biotipo de Hollywood, Topher Grace, quien por accidente termina siendo el célebre doble opuesto de Spiderman en el cómic, Venom, comienza a tomar forma una vez que el propio Parker sufre los efectos de la atractiva pero peligrosa dualidad que ya conocíamos a través de la historieta. Una extraña sustancia negra invade el traje de Spiderman y casi lo convierte en un criminal, y a su vez, saca lo peor de la personalidad de Parker. Cuando éste logra liberarse de esta negativa entidad, Eddie Brock (Grace) es quien la recoge sin proponérselo y se convierte así en el peor rival de este Hombre Araña caído en desgracia.

La saga además se complementa con la aparición del atormentado Hombre de Arena (Thomas Haden Church), quien es acusado de haber asesinado al tío del protagonista, aunque su mayor dolor no es esta acusación y la posterior persecución de que es objeto, sino el hecho de no poder ver a su pequeña hija. La complicidad que consigue con Venom desatará la apoteósica batalla final, donde Spiderman recobrará la amistad de Harry Osborne (James Franco) luego de un duro enfrentamiento previo, quien en su afán de vengar la muerte de su padre, castigando al arácnido superhéroe, seduce a Mary Jane, vulnerable luego de sufrir con mayor fuerza la apatía de Parker frente a su fracaso como cantante, y posteriormente cuando su personalidad lo trastorna.

Esta es una historia maciza, con una extraordinaria musicalización de Christopher Young, que convierten a “Spiderman 3” en una cinta muy superior a las otras grandes producciones de cine fantástico, las que solo han sacado provecho del excelente nivel digital de la poderosa industria estadounidense para salir airosas frente al público masivo. Raimi ha quedado en un inmejorable pie para darle punto final a esta gran secuela, y salvo que la historia nuevamente conjugue elementos tan atractivos como la dualidad, la venganza y la redención como en esta tercera parte de Spiderman, no se justifica otra nueva entrega, aunque claro, los intereses económicos siempre serán un factor relevante en una producción de este tipo, claramente la mejor en su género, y porqué no decirlo, una de las mejores del año.

Muy Buena

Ficha Técnica:

Nombre: El Hombre Araña 3 (Spiderman 3)
Género: Ciencia Ficción, Acción
Dirección: Sam Raimi
Guión: Sam Raimi, Ivan Raimi y Alvin Sargent. Basado en el cómic de Marvel de Stan Lee y Steve Ditko
Reparto: Tobey Maguire, Kirsten Dunst, James Franco, Thomas Haden Church, Topher Grace, Bryce Dallas Howard, James Cromwell, Rosemary Harris, J.K. Simmons
Producción: Laura Ziskin, Avi Arad y Grant Curtis
Fotografía: Bill Pope
Música: Christopher Young
Montaje: Bob Murawski
Vestuario: James Acheson
País: Estados Unidos
Idioma: Inglés
Duración: 156 minutos
Año: 2007
Link: http://spiderman3.sonypictures.com/

Trailer

Good Bye Lenin! - 'Todo Por Mi Madre'

2007-05-10T01:28:00.000-04:00

... la trama no gira alrededor de la caída del régimen comunista en la ex Alemania Oriental, sino en el gran amor que un hijo es capaz de sentir por su madre, lo que lo hace actuar de la forma en que lo hace. Grandes actuaciones de Katrin Saas y Daniel Brühl, ella como la rígida madre que es burdamente engañada, y él como el hijo comprometido con su recuperación...

Good Bye Lenin!

TODO POR MI MADRE

Especial Día de la Madre
(10 de Mayo)

Si hay algo que debe destacarse de este sorprendente film alemán, dirigido por Wolfgang Becker, es que consigue mantener la atención del público desde el comienzo hasta el final, no dejando una sola escena como relleno a lo largo de los 120 minutos en que dura el film, ganador el año 2003, entre varios otros galardones, de los cotizados premios Palmarés en Europa, nada menos que por Mejor Película y Mejor Actor Protagónico, a los que se sumaron los premios del público por Mejor Director y Mejor Actriz Protagónica. Con toda esta presentación queda claro porqué ésta será por mucho tiempo una de las películas más recordadas del cine germano, y a larga también se transformará en un clásico del séptimo arte. Inteligentemente, Becker utiliza la musicalización del cotizado francés Yann Tiersen a lo largo de este film para contar una historia aparentemente incoherente, pero que es llevada a la pantalla grande con un talento pocas veces visto. Claramente se distingue del cine de Hollywood por su ritmo y su forma de secuenciar las escenas, pero tampoco tiene ese sello distintivo del cine europeo, es decir, la lentitud. Así entonces, dudo que alguien pueda rotular de aburrida, o lenta, a esta magnífica cinta alemana. Su ritmo es precisamente lo que la hace tan atractiva, junto con la historia, lo que inevitablemente la convierte en un imperdible a la hora de sentarse a verla, para pasar un muy buen rato y quedarse con algo más que una entretenida comedia.

La trama transcurre en octubre del año 1989, en la ex Alemania Oriental (RDA), cuando precisamente cae el Muro de Berlín, y con él comienza el ocaso de la ex Unión Soviética y todos los estados socialistas de la Europa del Este. El proceso es traumático para todos los simpatizantes de estos regímenes totalitarios, y precisamente ésta es la problemática que da vida a Good Bye Lenin!, es decir, cómo hacer que una madre fuertemente comprometida con la causa comunista no termine muriéndose al ver que se desmorona el régimen que tanto admira, y por el que tantos sacrificios personales, incluso familiares, ha debido realizar. La mujer (Katrin Saas) pierde el conocimiento y cae en coma luego de ver arrestado a su hijo Alex (Daniel Brühl), quien formaba parte de los miles de alemanes orientales que protestaban días antes de la caída del muro, porque con eso acelerarían los cambios por venir.

Alex al ser liberado se entera de esta fatal noticia y decide hacerse cargo a como de lugar de su madre, en contraste con su hermana Ariane (Maria Simon), quien con una frialdad increíble demuestra un completo desinterés por su progenitora. Pero lo que ninguno de los hermanos podía suponer es que en cosa de meses, y de manera inesperada, su madre recobraría la conciencia y lentamente comenzaría a mejorar. Es ahí donde a Alex se le ocurre una ‘brillante’ idea, la de fingir que el colapso socialista en la ex RDA nunca ocurrió, permitiendo con esto que la recuperación de su madre sea más rápida y menos dolorosa. Enterarse de la verdad podría resultar fatal para su postrada madre, al menos eso es lo que él supone. A regañadientes entonces consigue que su hermana y su occidentalizado novio lo ayuden a preparar su cuarto, quitándole todo mueble y decoración que revele el nuevo estado capitalista de la nación, para volver a convertirlo en el mismo viejo y anquilosado cuarto donde la madre ha pasado todos esos años bajo el régimen de Eric Honecker.

A tal punto llega la obsesión de Alex por impedir que su madre descubra la nueva realidad de Alemania, donde la caída del muro de bien poco les sirvió a los del lado este, que junto a uno de sus compañeros de trabajo, con el cual reparten suscripción a la televisión satelital, elabora videos caseros para hacerle creer a la madre de Alex que aún están en el antiguo régimen cuando ella enciende la televisión. Hasta los vecinos deben ayudar a Alex, los que al ingresar a ese cuarto deben vestirse tal como lo hacían meses atrás, y llevando conversaciones que no revelen en nada la nueva situación política y social del país. Su hermana insiste en que es una locura, al novio de esta le da exactamente lo mismo, pero es la nueva novia de Alex, Lara (Chulpan Khamatova), quien decide poner término a toda esta locura, cuando ya se hace insostenible esta kafkiana situación.

Es una historia sumamente original y reflexiva, que contada con un ritmo intenso y una musicalización de primer nivel a cargo de Tiersen, se hace imposible dejar de verla. Wolfgang Becker consigue llegar al alma del espectador, y no solo al ver las peripecias del protagonista, en este caso Alex (Brühl), ya que uno de los clímax más potentes se da cuando Alex descubre que su padre no los abandonó ni a él y a su hermana cuando eran pequeños, debido a su viaje a Occidente donde encontró un nuevo amor, sino porque su propia madre no fue capaz de romper con el régimen, prefiriendo sacrificar su matrimonio para no abandonar la causa socialista. Alex y Ariane descubren brutalmente la verdad, luego de varios minutos en que las sonrisas del público brotan con cada una de las escenas jocosas relacionadas al engaño en la habitación. Ese quiebre es notable y merece ser destacado. Notable además la escena del reencuentro entre Alex y su padre, este último rol a cargo del actor Burghart Klaussner. Lo mismo ocurre cuando todos los personajes son testigos de cómo la caída del Muro, y la consecuente occidentalización del lado oriental, de muy poco sirvió a sus habitantes, casi todos descolocados frente a esta nueva y colorida realidad. Al parecer Lenin, después de todo, no se revolcó en su tumba.

En definitiva, una excelente película, lo mejor del segundo semestre del año 2004, donde solo "Machuca” de Andrés Wood le hizo sombra en nuestro país, y vaya un dato curioso, la cinta de Wood, al igual que la de Becker, supo dejar la contingencia política y social del país como marco de una historia mucho más humana, ya que en el caso de esta producción germana, la trama no gira alrededor de la caída del régimen comunista en la ex Alemania Oriental, sino en el gran amor que un hijo es capaz de sentir por su madre, lo que lo hace actuar de la forma en que lo hace. "Good Bye Lenin" definitivamente hay que verla, ya sea a través del cable o en DVD, en especial, por las grandes actuaciones de Katrin Saas y Daniel Brühl, ella como la rígida madre que es burdamente engañada, y él como el hijo comprometido con su recuperación. Una brillante producción del cine europeo, a estas altura ya un clásico.

Excelente

Ficha Técnica:

Título: Good Bye Lenin!
Género: Comedia Dramática
Formato: DVD
Dirección: Wolfgang Becker
Guión: Bern Ligthtenberg
Reparto: Daniel Brühl, Katrin Saas, Maria Simon, Chulpan Khamatova, Florian Lucas, Alexander Beyer, Burghart Klaussner
Producción: Stefan Arndt
Música: Yann Tiersen
Fotografía: Martín Kukula
País: Alemania
Año: 2003
Idioma: Alemán
Duración: 120 min
Link: http://www.good-bye-lenin.de/intro.php

Trailer

Menú de Clásicos

2007-04-23T01:50:00.000-04:00

... el poder de la vigencia...

CLÁSICOS DE CUATRO DÉCADAS

Un cordial saludo a todos los lectores.

Luego de más de un mes de ausencia he querido volver a las pistas jugando a ganador, por más oportunista que pudiese parecer, ya que las cuatro cintas seleccionadas están consideradas dentro de las mejores en su género.

A continuación, y atendiendo a un viejo pedido de algunos lectores, les dejo mis impresiones sobre cuatro cintas que ya son todo un clásico para nosotros, tres de ellas estadounidenses y una chilena, esta última realizada hace solo tres años.

De distintos géneros, y habiendo cronológicamente dos décadas entre una y otra, espero poder darle en el gusto a quienes se interesen por estos comentarios:

CIUDADANO KANE
Orson Welles
Estados Unidos
Año 1941

¿QUÉ FUE DE BABY JANE?
Robert Aldrich
Estados Unidos
Año 1962

EL ENTE
Sydney J. Furie
Estados Unidos
Año 1982

MACHUCA
Andrés Wood
Chile y España
Año 2004

Como siempre, quedan cordialmente invitados a opinar...

PD: Ojalá ningún tontito(a) quiera imitar a alguno de estos personajes, tal como el surcoreano que se fascinó con "Oldboy" y... bueno, ya saben lo que pasó.

Ciudadano Kane - Todo Por Rosebud'

2007-04-23T01:47:00.000-04:00

... Esta es una obra mayor, mucho más que un mero clásico, aquí estamos hablando derechamente de un nuevo concepto de cine, que tanto en su época como a través del tiempo ha marcado a generaciones...

Ciudadano Kane
(Citizen Kane)

TODO POR ROSEBUD

Escribir sobre un clásico del cine no es una tarea fácil, más aún cuando sobre esta cinta se ha escrito y se ha dicho de todo, pero bien vale la pena detenerse y darle una mirada un poco distinta a uno de las obras más importantes de la cinematografía mundial, ya que desde su estreno en las salas estadounidenses, en aquel lejano año 1941, provocó un vuelco en la manera de hacer cine, lo que en buenas cuentas significó un antes y un después desde Ciudadano Kane, la primera y más impresionante de las películas escritas y dirigidas por el mítico Orson Welles, el mismo cerebro detrás de otro clásico llevado al cine, “La Guerra de los Mundos” de 1939, aunque en esta última solo ofició como actor.

Basada en la historia de un magnate de las comunicaciones de aquella época en el gran país del norte, Welles se inspiró en el controvertido William Randolph Hearst para presentar una historia cuyo comienzo transita por enigmáticos pasadizos, algunos de ellos cercanos al género policial, pero que de pronto pasa a ser casi como un documental sobre la vida del protagonista, el ciudadano Charles Foster Kane (Orson Welles), para derivar posteriormente en una intrigante búsqueda por descubrir la historia personal de este polémico hombre, cuya muerte inspira esta investigación, así como la última palabra que se le oyó segundos antes de su deceso: “Rosebud”.

Orson Welles puede ser efectivamente uno de los mayores genios de la primera parte del siglo XX en Estados Unidos, y si nos concentramos exclusivamente en su carrera cinematográfica, descubriremos que este actor, director, guionista y productor, que en 1941 solo contaba con veinticinco años de edad, le hace honor a estos pergaminos no solo por lo exitoso de su trabajo, sino porque en buenas cuentas tuvo la maestría de aportar con una nueva escuela en el arte de la dirección, mediante técnicas y narrativas que no se habían explotado con anterioridad, siendo este “Ciudadano Kane”, su ópera prima como director, la guía para nuevos directores que no escondieron su admiración por el legado de Welles.

Esta película, que aunque muchos no lo crean solo ganó el Oscar de ese año por mejor guión original, tiene además el gran mérito de ser una historia que no ha perdido vigencia con los años, ya que indagar en telarañas como las del poder, la arrogancia e incluso la corrupción, ligadas a una historia humana llena de intensidad, le han permitido a esta obra maestra del séptimo arte ser un patrón para cualquier historia contemporánea que quiera contarse, siempre teniendo como protagonista a algún poderoso, sea del ámbito que sea. Orson Welles pudo haberse cobrado viejas cuentas con William Randolph Hearst al momento de realizar “Citizen Kane”, pero por increíble que parezca, más que apuntar sus dardos contra el hombre que hasta intentó frenar la exhibición del film, Welles desnudó la historia de todos los Kane que pudiésemos imaginar.

Aunque la historia comienza con los últimos segundos de un hombre que muere cargando una esfera en una de sus manos, la que en su interior tiene una casa donde nunca cesa de nevar, el hecho de haber pronunciado “rosebud” tras expirar su último aliento, alentó a un grupo de periodistas a indagar y contar la historia de este Charles Kane. Primero se piensa en presentar su vida mediante imágenes del magnate en vida, así como de su fastuosa mansión llamada Xanadú y sus influyentes cadenas de diarios, radios y fábricas de las que era dueño. Sin embargo, luego de la escena de esta enigmática muerte, así como la de este breve documental en el cual se quiso presentar a Kane, Welles vuelve a dar un vuelco, para centrarse esta vez en la investigación sobre el protagonista y el significado de “rosebud”, esta vez mediante los más cercanos a Kane, incluyendo ex amigos, colaboradores y ex esposas.

Con técnicas que a comienzos de la década del cuarenta significaron toda una antiacademia a la hora de hacer cine, Welles mediante escenas con alto contraste a través de la iluminación, planos y profundidades de campo que acentuaron aún más ese estilo de cine negro, y por sobre todo, el inicio del concepto de “flash-back” para presentar al personaje central, convirtieron a la trama en todo un ejercicio visual e intelectual para el espectador, el que en definitiva tendrá que concluir qué tipo de ser humano es el que se le está presentando, tarea nada de fácil en realidad, ya que la complejidad de Charles Kane difícilmente lo convierte en víctima o villano de buenas a primera. Así opera la maestría de Welles, caracterizando soberbiamente a este hombre en diversas etapas de su vida, incluyendo su muerte al envejecer, como la de los demás actores que le dieron vida a su círculo más estrecho, destacando a la magnífica Agnes Moorehead como su madre en la infancia, Joseph Cotten como Jedediah Leland, ex amigo y crítico de espectáculos en su diario, y Dorothy Comingore, quien le dio vida a la rubia Susan Alexander Kane, su segunda esposa luego de haber sido su amante, y la causante además de su primer divorcio y el fin de su incursión en la política.

Aunque la definición de “rosebud” ha dado pie a innumerables interpretaciones, entre ellas que Kane podría ser un personaje ligado a los rosacruces, o que el término, tal como con Randolph Hearst tendría relación a la forma de los genitales de su amante, lo cierto es que para Kane el recuerdo de su infancia lo marcó para siempre, ya que esta fue la única etapa de su existencia en que realmente fue feliz, y estuvo libre de las tensiones y el dolor que la vida le deparó desde que fue forzado a abandonar a su madre para convertirse en un magnate. Sin pretender revelar qué significaba realmente esta misteriosa palabra, lo cierto es que la respuesta efectivamente está en esa casa donde la nieve lo cubre casi todo, incluido su apreciado trineo. Cuando Kane necesitó más que nunca de ese recuerdo, incluido el momento de su muerte, “rosebud” volvía a su mente para consolarlo.

“El Extraño”, “La Dama de Shangai” y “Sed de Mal” fueron solo algunos de los títulos que le siguieron a este “Ciudadano Kane”, pero lo cierto es que el constante Nº1 donde siempre es ubicada a la hora de escoger a la mejor película de todos los tiempos, no es pura o simple casualidad. Esta es una obra mayor, mucho más que un mero clásico, aquí estamos hablando derechamente de un nuevo concepto de cine, que tanto en su época como a través del tiempo ha marcado a generaciones. Podrá aburrir a cierto tipo de público, y podrá incluso despertar suspicacias entre los detractores del cine norteamericano, pero nadie pondrá en tela de juicio una obra que merece ser vista por todos aquellos que ven al cine como un arte, no solo como un pasatiempo. Orson Welles hizo su parte, y desde hace sesenta y seis años la visión del público y la crítica ha dado su veredicto, con el resultado ya conocido por todos.

Excelente

Ficha Técnica:

Nombre: Ciudadano Kane (Citizen Kane / The Citizen)
Género: Drama
Formato: DVD
Director: Orson Welles
Guión: Herman J. Mankiewicz y Orson Welles
Elenco: Orson Welles, Joseph Cotten, Dorothy Comingore, Agnes Moorehead, Ruth Warrick, Ray Collins, Everett Sloane, George Coulouris
Producción: Orson Welles, Richard Baer
Montaje: Robert Wise y Mark Robson
Música: Bernard Herrmann
Fotografía: Gregg Toland y Harry Wild
Vestuario: Edward Stevenson
Idioma: Inglés.
País: Estados Unidos.
Año: 1941
Duración: 117 minutos
Link: http://www.cineclasico.com/drama/kane/kane.htm

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¿Qué Fue de Baby Jane? - 'Un Ocaso Demencial'

2007-04-23T01:42:00.000-04:00

... Los evidentes toques del cine oscuro de Hitchcock, los primeros planos y la musicalización de esta cinta no dejan espacio para dudas, respecto a que este título es uno de los mejores exponentes del cine gótico, en blanco y negro, que hizo famoso al Hollywood de aquellos años...

¿Qué Fue de Baby Jane?
(¿Whatever Happened to
Baby Jane?)

UN OCASO DEMENCIAL

Dos divas en duelo. Vaya manera de describir a una de las mejores producciones de la década sesenta, cuyo director fue el recordado Robert Aldrich, sin embargo esa es precisamente la mejor descripción que puede hacerse de este inquietante film, que no solo recreó el dolor y la agonía de dos ex estrellas infantiles, ahora retratadas en una dolorosa vejez, sino que además, complementó esta especie de paradoja del mundo del show bussiness norteamericano de principios del siglo XX, con un singular tinte de horror gótico que cosechó la admiración de millones de espectadores a partir del año 1962, fecha de estreno de ¿Qué fue de Baby Jane?, la película que devolvió al circuito comercial a dos legendarias actrices venidas a menos, Bette Davis y Joan Crawford.

De reconocida rivalidad mutua, aunque Bette siempre reconoció sentir envidia profesional por otra leyenda del cine, Katharine Hepburn, la verdad es que el difícil temperamento de ambas protagonistas, Crawford y Davis, fue el mejor caldo de cultivo para que ambos roles protagónicos fuesen representados de manera magistral por las dos divas, prácticamente la mejor explicación posible a la hora de evaluar las caracterizaciones de ambas, y que a la legendaria protagonista de “Jezabel” le significó su décima nominación como mejor actriz principal en los Oscar de ese mismo año .

Se dice que Joan nunca perdonó a la Academia por no ser considerada en dicha quina, como sí lo fue Bette, y siendo honestos, nadie podría culpar a esta esbelta actriz que dos décadas antes obtuvo dicho premio por “Mildred Pierce”, ya que en una faceta muy distinta al rol que encarnó la Davis en la cinta de Aldrich, precisamente como su víctima, lo cierto es que las dos actuaciones son un clase magistral de interpretación, y no solo para jóvenes actrices femeninas, sino para todo aquel que abrace la profesión de actor. Hubo encono entre ambas detrás de las cámaras, eso es indiscutible, pero sumado a la versatilidad y el talento que poseían el resultado fue más que predecible.

“¿Qué fue de Baby Jane?” es una tormentosa historia donde dos hermanas perdieron hace décadas la belleza y la gracia que las hizo ser estrellas a temprana edad. Sin embargo, ninguna de las dos pudo imaginar que un trágico suceso marcaría sus vidas para siempre, atándolas de por vida en una compañía mutua que está muy lejana de ser amable y fraternal, frustrándolas a las dos, Blanche Hudson (Joan Crawford) y Baby Jane Hudson (Bette Davis), al punto que esta última pierde la cordura con el correr de los años. Se dice que ella, estando borracha, arroyó con el coche a su hermana dejándola paralítica. Aunque ya muy tarde, la verdad de todos modos saldrá a flote.

Luego de algunas décadas, Jane oficia ahora casi como empleada de Blanche, preocupada de cocinarle, servirle y ayudarle ante su incapacidad física, pero con el correr de los años encubó un odio y un resentimiento que se fueron mezclando poco a poco con la no aceptación del paso del tiempo. Su aspecto es horrendo, ya que el maquillaje y el cabello teñido de rubio en vez de perpetuar la imagen de la niña estrella que alguna vez fue, ahora solo provoca repulsión en aquel rostro ajado por la vejez. Sumado a su afición por la bebida, solo consigue que su hermana Blanche intente deshacerse de ella, tratando de enviarla a un sanatorio, idea que también comparte Elvira (Maidie Norman), una empleada de raza negra que también comienza a intuir la insanidad mental de Jane.

Pese a la postración en que se encuentra Blanche, ella está conciente del deterioro mental de su hermana, pero los hechos se precipitan demasiado rápido para ella, puesto que Jane ya no solo dejó de sentir remordimientos por el daño que le provocó hace años, dejándola inválida, sino que ahora además, le hace saber que está enterada de sus planes para encerrarla en un manicomio. Desde ese momento comienza una demencial venganza en contra de Blance, provocada por su retorcida mente infantil y la frustración que cargó por años, yendo desde ponerle animales muertos en la comida, hasta llegar a la violencia física más extrema, sin misericordia. Llega incluso a cometer homicidio, para que nadie la descubra y la acuse por los atroces actos que comete en contra de la frágil Blanche.

Soberbia la Davis como la enajenada Baby Jane, con esos enormes ojos claros adornados con el oscuro maquillaje que los rodea, transformando así al personaje en su mejor interpretación dentro de su larga y exitosa carrera cinematográfica, pero Joan Crawford también supo sacarle partido a esa mujer postrada y aterrorizada por su sicótica hermana. Dos roles que se potenciaron mutuamente, uno como el de la víctima más atormentada y el otro como la mejor de la ‘malas’. Pero si de actuaciones se trata, lo curioso es que no solo Davis y Crawford se llevaron los aplausos, ya que un tercer personaje, aunque secundario, también logró sobresalir. El corpulento actor Victor Buono le dio vida a Edwin Flagg, un curioso maestro de música que vive con su madre, y que es contactado por Jane para relanzar su carrera. Pese a que muestra cierta simpatía por esta tosca y graciosa mujer, lo cierto es que se lleva una terrible sorpresa cuando descubre lo que esta oculta en el segundo piso de su casa.

Robert Aldrich tuvo también una larga carrera como director, pero con la ayuda de estos tremendos actores que reunió en 1962, “¿Qué fue de Baby Jane?” lo transformó en un director de culto. Los evidentes toques del cine oscuro de Hitchcock, los primeros planos y la musicalización de esta cinta no dejan espacio para dudas, respecto a que este título es uno de los mejores exponentes del cine gótico, en blanco y negro, que hizo famoso al Hollywood de aquellos años. Con actuaciones memorables y una brillante dirección, esta no debería ser una película que alguien que ame el buen cine pueda dejar pasar, más aún, cuando siempre ha sido interesante exponer el ocaso de las estrellas infantiles de Hollywood, pese a la retorcida trama de las hermanas Hudson en esta gran producción.

Excelente

Ficha Técnica:

Nombre: ¿Qué Fue de Baby Jane? (¿Whatever Happened to Baby Jane?)
Género: Thriller Dramático, Terror Gótico
Formato: DVD
Director: Robert Aldrich
Guión: Henry Farrell, Lukas Heller
Elenco: Bette Davis, Joan Crawford, Victor Buono, Maidie Norman, Marjorie Bennett, Anna Lee, Robert Cornthwaite
Producción: Robert Aldrich
Montaje: Michael Luciano
Música: Frank De Vol
Fotografía: Ernest Haller
Idioma: Inglés.
País: Estados Unidos.
Año: 1962
Duración: 134 min.
Link: http://www.filmsite.org/what.html

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El Ente - 'Dudas Que Torturan'

2007-04-23T01:35:00.000-04:00

... Impecable actuación de Barbara Hershey, muy lejos de la caricatura de una víctima de fenómenos poltergeist, siempre evidenciando la atormentada existencia de una mujer con un doloroso pasado que creyó haber superado, y que ahora regresa para torturarla de una manera extremadamente siniestra...

El Ente
(The Entity)

DUDAS QUE TORTURAN

Siendo a estas alturas un clásico del cine de horror, aunque en realidad la cinta también esconde un profundo drama humano, lo cierto es que El Ente, bajo cuya dirección estuvo uno de los directores más subvalorados del medio norteamericano, Sydney J. Furie, se ha transformado a más de veinte años de su realización en un imperdible para la totalidad de los seguidores del cine de suspenso, alejándola de ese desagradable contingente de cintas de terror de finales de los setenta, y comienzos de los ochenta, las cuales pese a angustiar a muchos niños y jóvenes asustadizos, solo fueron un festín de sangre, laceraciones y persecuciones, muy por debajo del nivel que nos dejó la historia de Carla Morán (Barbara Hershey).

Presentada en su epílogo como una historia real, uno de los casos más extraños de la parasicología, Furie se basó en los acontecimientos que debió soportar la verdadera heroína de este extraño fenómeno asociado a las proyecciones mentales, una mujer estadounidense que en 1974 se la identificó simplemente como Doris D., y cuyo caso inspiró al escritor Frank De Felitta a escribir “El Ente”, que después pasó a la pantalla grande. Efectivamente hubo investigación científica y académica de este extraño fenómeno, aunque la cinta parece haber reforzado algunos pasajes con grandilocuencia para causar un mayor efecto visual, y por cierto sicológico, entre el público.

Barbara Hershey es una actriz norteamericana que se ha destacado por papeles complejos, incluyendo algunos roles bajo la dirección de Woody Allen y la inquietante María Magdalena de “La Última Tentación de Cristo” de Scorsese, por esta razón no debiera sorprender su presencia en una cinta de terror como esta, puesto que tal como ya señalé, “El Ente” dista mucho de ser comparada con títulos como “Pesadilla”, “Halloween” o “Poltergeist”, ya que entre sus mayores logros está precisamente la actuación de Hershey, quien logró darle vida a una Carla Morán difícil de comprender, ayudada en gran parte por la visión que el propio Furie le dio a la historia.

Carla Morán es una joven viuda que tiene tres hijos, dos niñas y un joven adolescente. Ella es bastante atractiva y pareciera vivir una vida difícil en lo económico, pero bastante estable en el plano familiar, aunque añora que su actual pareja, Jerry (Alex Rocco), deje de viajar por trabajo para que puedan vivir como una verdadera familia, y así ella pueda encontrar el equilibrio que siempre ha deseado. Es esta última arista con la que el director parece jugar una y otra vez, ya que no es fácil dilucidar si la entidad realmente existe o es solo producto de su mente.

A estas alturas no es novedad comentar los hechos que le han dado fama a esta historia, y que convirtieron a “The Entity” en una película de culto, puesto que los ataques sexuales a los que debe hacerle frente Carla Morán se han vuelto de antología, tanto por lo chocante de sus escenas, como por lo bien logrado de dichas secuencias. Muchos de los encuadres en diagonal, el contraste en la iluminación y los acordes estridentes en la musicalización no le dieron tregua a los espectadores más sensibles. Se ha catalogado incluso a este film como de ‘terror erótico’, ya que los primeros planos de las agresiones físicas y sexuales perpetradas por este ente diabólico y pervertido son bastante más explícitos de lo que cualquiera pudiera suponer.

Carla comienza a vivir estas atroces experiencias de un momento a otro, siempre de noche y a solas, sin ninguna razón aparente, pero también hay ataques fuera de la casa, a la cual culpó en primera instancia, ya que también casi pierde la vida al perder el control de su automóvil a manos de este extraño ser. Es tras estos sucesos que decide pedir ayuda médica, aunque nos es difícil suponer que los primeros diagnósticos del equipo médico, incluyendo al doctor que más se interesa por su caso, Phil Sneiderman (Ron Silver), apuntan derechamente a un desorden mental en la mujer, aunque las heridas y las evidencias de violencia están muy visibles en su cuerpo. Tampoco bastaron los relatos de sus hijos, su mejor amiga y su actual pareja, quienes horrorizados fueron testigos presenciales de los ataques.

Es ahí donde la cinta centra sus dardos, tal como en la historia real en que se basó De Felitta, puesto que por más explícitos y violentos que sean presentados las violaciones y abusos en contra de Morán, las dudas sobre su extraño caso se acentúan cada vez más, porque a poco indagar en la memoria de la protagonista el doctor Sneiderman logra dar con un antecedente crucial. Carla Morán fue constantemente violada en su infancia. Impecable actuación de Barbara Hershey, muy lejos de la caricatura de una víctima de fenómenos poltergeist, siempre evidenciando la atormentada existencia de una mujer con un doloroso pasado que creyó haber superado, y que ahora regresa para torturarla de una manera extremadamente siniestra.

La trama irremediablemente deriva en la desesperación de Carla, quien ante la incredulidad de los médicos decide investigar y acercarse a parasicólogos ayudados por estudiantes universitarios, a cuya cabeza está la doctora Cooly (Jacqueline Brookes). Juntos, pese a la oposición de Sneiderman, deciden poner en práctica métodos no convencionales para estudiar y atrapar a la entidad. La cinta recrea incluso los verdaderos momentos en que Doris D., en la trama como Carla Morán, logra que el equipo de parasicólogos grabe las extrañas luces que se presentan por las noches en su cuarto. Sin embargo, debido a la deficiencia en los recursos tecnológicos de la época, la peligrosa escena donde atrapan al ente con nitrogeno, quedó reducida a una deficiente toma donde hielo superpuesto pretende moverse como una montaña con vida propia. Aún así, el final con Morán enfrentando al ente, al abandonar para siempre aquella casa, vuelve a erizar la piel, y con las palabras finales se da término a la que, en mi opinión, fue la mejor producción del género terror en la década ochenta. Drama y horror, recreado como pocas veces.

Excelente

Ficha Técnica:

Nombre: El Ente (The Entity)
Género: Terror, Drama
Formato: DVD
Director: Sydney J. Furie
Guión: Frank De Felitta
Elenco: Barbara Hershey, Ron Silver, Alex Rocco, Jacqueline Brookes, David Labiosa, George Coe, Margaret Blye, Richard Brestoff, Natasha Ryan
Producción: Harold Schneider
Montaje: Frank J. Urioste
Música: Charles Bernstein
Fotografía: Stephen H. Burum
Idioma: Inglés
País: Estados Unidos
Año: 1982
Duración: 120 min.
Link: http://www.fox.es/dvd/elente/10583/

Trailer

Machuca - 'La Más Humana Utopía'

2007-04-22T23:18:00.000-04:00

... la dirección de Andrés Wood jugó un rol clave en el resultado final, al saber contar una historia tan humana y cercana a la realidad de algunos colegios santiaguinos de esos años, sin caer en el eterno reclamo político y social que significó la dictadura militar en nuestras vidas...

Machuca

LA MÁS HUMANA UTOPÍA

Aunque solo han pasado dos años y medio desde que la co-producción chileno-española Machuca se presentó en nuestro país, muchos temimos en un primer momento que el cine nacional nuevamente se centrara en la memoria reciente de Chile, con el único propósito de continuar con la larga lista de producciones que retrataron el horror de la dictadura de Augusto Pinochet, muchas veces con recursos técnicos y humanos menos que deficientes, lo cual terminaba más por asfixiar al público que ayudarlo a crear conciencia. Pues bien, la cinta de Andrés Wood tiene muchos pasajes que podrían resultar cuestionables por aquellos chilenos ubicados en la otra trinchera política, pero estuvo muy lejos de ser solo una cinta panfletaria.

“Machuca” es una historia sólida en todos los aspectos que involucraron su realización, como los técnicos, de producción, y sobre todo, argumentales, puesto que como pocos imaginábamos, la trama no se centró solo en el agitado escenario político-social que desembocó en el golpe militar de septiembre de 1973. El mayor mérito de Wood, Hassan y Brodsky fue escribir la historia de dos niños de mundos muy distintos en el Santiago de aquellos años, quienes unieron sus destinos a través de fuertes lazos que derribaron los prejuicios sociales. El caos del Chile de comienzos de los setenta fue solo el marco de esta historia.

Aunque films protagonizados por niños no eran novedad a mediados de la presente década, más aún con el vívido recuerdo de la francesa “Adiós a los Niños” de Louis Malle de 1987, Wood sencillamente se lució indagando en la soledad de un niño de clase acomodada, Gonzalo Infante (Matías Quer), quien junto a sus compañeros en el Saint Patrick School, reciben a los nuevos alumnos que se incorporan a la escuela, según la política del Padre McEnroe (Ernesto Malbrán). Estos nuevos niños pertenecen a las zonas más pobres y marginales de la capital, y uno de ellos, Pedro Machuca (Ariel Mateluna), simpatiza rápidamente con el tímido Gonzalo.

El severo pero bien intencionado religioso, quien además dirige el colegio, tiene como objetivo acoger a los menores que enfrentan la pobreza para otorgarles una educación del mismo nivel de quienes poseen más recursos, y por otra parte, el contacto directo con la otra realidad existente en Chile ayudará a reformar el espíritu de caridad y de trabajo social que siempre ha inculcado a sus alumnos más antiguos, aunque claro, en la práctica siempre habrán desconfianzas, menosprecio e incluso violencia entre ambos grupos de niños.

Así entonces, gracias a la personalidad de Infante, Machuca entabla una amistad con este niño rico, pero aparentemente sobreprotegido, sin imaginar que esa misma política impulsada por el colegio sería otro germen más en la resistencia de una sociedad que no estaba dispuesta a ceder, con tanta normalidad al menos, a esos niveles de tolerancia y aceptación. Es así como ambos muchachos comienzan a compartir sus mundos, ya sea llevando a Machuca a alojar en la habitación de Infante, participando además en la alocada fiesta de cumpleaños de la hermana mayor de Gonzalo, como también disfrutando de jocosas escenas mientras Infante vende banderas políticas en medio de manifestaciones callejeras, ayudando a su nuevo amigo y a los vecinos de este, quienes se ganan la vida de esa manera.

Dentro del mundo de Gonzalo Infante claramente destaca su madre, María Luisa (Aline Kuppenheim), una atractiva dueña de casa que aparenta ser de una mentalidad más moderna, aunque en realidad es tan arribista como el círculo donde se desenvuelve, y en el caso de Pedro Machuca, su amiga Silvana (Manuela Martelli) es el personaje más importante, tanto así que gracias a su desinhibida personalidad, sumado a un fuerte resentimiento social, se convertirá en el tercer personaje clave de esta historia, al punto de opacar en varios pasajes a los dos niños protagonistas. Tal como lo vivió la sociedad chilena, estos dos mundos, unidos a través de Machuca e Infante, entrarán en un fuerte conflicto, con trágicas consecuencias por todos conocidas.

Ese mismo año 2004 la cinta alemana “Good Bye Lenin” de Wolfgang Becker fue elogiada por retratar el inmenso amor de un hijo hacia su madre, dejando a la situación de la Alemania reunificada solo como el marco de presentación, pues bien, “Machuca” hizo lo propio con el traumático año 1973 en Chile, el que sirvió como escenario para esta sorprendente historia de amistad, fraternidad y dolor entre sus protagonistas. Aunque en términos actorales solo Manuela Martelli y Aline Kuppenheim lograron sobresalir, lo cierto es que la dirección de Wood jugó un rol clave en el resultado final, al saber contar una historia humana y a la vez muy cercana a la realidad de algunos colegios santiaguinos de esos años, sin caer en el eterno reclamo político y social que significó la dictadura militar en nuestras vidas. Aplausos además para la musicalización de la película, impecable en medio de las escenas que recrearon el Santiago de aquella época.

Independiente de sus innumerables premios, se ha considerado a la obra de Andrés Wood como la mejor película chilena de la historia, un honor que aún no está del todo claro, más aún cuando no pocos siguen prefiriendo a grandes clásicos como “El Chacal de Nahueltoro” de Miguel Littin (1969) o “Julio Comienza en Julio” de Silvio Caiozzi (1979), pero contando ya con varios años de modernización en nuestra cinematografía, no se puede desconocer el tremendo avance que “Machuca” aportó a nuestro cine, especialmente en términos de producción y desarrollo argumental, algo que por más diferencias políticas y sociales que aún subsistan en la sociedad chilena, resulta un absurdo seguir desconociendo a estas alturas.

Excelente

Ficha Técnica:

Nombre: Machuca
Género: Drama
Formato: DVD
Director: Andrés Wood
Guión: Roberto Brodsky, Mamoun Hassan y Andrés Wood
Elenco: Matías Quer, Ariel Mateluna, Manuela Martelli, Aline Küppenheim, Ernesto Malbrán, Federico Luppi, Tamara Acosta, Francisco Reyes, Alejandro Trejo, María Olga Matte, Gabriela Medina, Aldo Parodi, Thiago Correa, Luis Dubó, Pablo Krogh
Producción: Gerardo Herrero, Mamoun Hassan y Andrés Wood
Montaje: Fernando Pardo
Música: José Miguel Miranda y José Miguel Tobar
Fotografía: Miguel J. Littín
Vestuario: Maya Mora
Idioma: Español
País: Chile, España
Año: 2004
Duración: 120 minutos
Link: http://www.woodproducciones.com/es/cine/machuca/index.html

Trailer

Entrevista a Mariano Silva, destacado crítico chileno de cine

2007-03-07T19:12:00.000-03:00

... una voz que sabe lo que dice...

Mariano Silva

Uno de los críticos de cine más respetados del medio chileno, e integrante además de la SIGNIS, me concedió esta entrevista que tuvo un doble propósito, por un lado saber más sobre la asociación internacional SIGNIS-OCIC, a la cual pertenece, y por otra parte, comentar lo que fue la 79 edición de los premios de la Academia, el Oscar 2007.

Los dejo ahora con la entrevista a este gran académico y crítico de cine, una de las opiniones que más pesa a la hora de efectuar balances en materia cinematográfica:

SIGNIS y Cine Bíblico

¿Cuál es exactamente la función de SIGNIS (Asociación Católica de Comunicación), que antes se conoció como OCIC (Organización Católica Internacional de Cine)?, ¿Prima el concepto de ‘católico’, o bien el fomento de valores universales al momento de evaluar una propuesta cinematográfica?

Cuando la Iglesia Católica se dio cuenta de la importancia del cine como un instrumento maravilloso para formar, o deformar, las conductas y costumbres de la gente en todos los confines de la tierra, comprendió que tenía que preocuparse que este instrumento debía utilizarse para crear obras para el bien de la Humanidad. El primer texto que se publicó fue una reflexión sobre el particular, que publicó S.S. Pío XII el 21 de julio de 1955, llamado “Del Film Ideal”. De allí surgió la idea de que comunicadores católicos crearan la Organización Católica Internacional del Cine (OCIC). En el documento de mi creación se explica lo mismo con más detalles. Ahora bien, hace tres años se citó a una gran asamblea de comunicadores cristianos en todas las especialidades (Cine, Radiodifusión, Televisión y Prensa Escrita), de más de cien países afiliados, para que se integren mundialmente en una entidad que los incluya a todos. Así nació SIGNIS. Entre otras ideas humanistas, sobresalen con fuerza los conceptos de una cultura del Diálogo y el Amor en las relaciones entre los hombres, y de ellos con el poder, la única manera de lograr para toda la Tierra y el Universo el mundo de la Paz.

¿Cómo complementas tus actividades de académico, y crítico de cine, formando parte de SIGNIS?

Mis actividades de académico, crítico, periodista, humanista, jurado, se potencian con gran energía, y los principios de SIGNIS ayudan a comprender que es la manera de hacer las cosas, además de la fortaleza del compromiso y el respeto con los demás.

¿Percibes a la "época dorada" de Hollywood como la que más promovió los valores del cristianismo, gracias a clásicos como "Ben Hur" de William Wyler (1959), "Quo Vadis" de Mervin Leroy (1951), o "La Historia Más Grande Jamás Contada" de George Stevens (1965)?

Eso hay que remarcarlo, porque los valores del cristianismo y otras religiones han destacado la necesidad de respetar los principios sanos de las civilizaciones, y que el alma y la casa del hombre esté sin mácula. Las películas del llamado 'Cine Bíblico', es otro género más que también ha mostrado la importancia de las virtudes del hombre, de la vida de Jesús, los patriarcas y sus revelaciones históricas. Lectura obligatoria, mi artículo “Cristo en el Cine”, publicado en la revista Media Development, en Londres, a fines de 2005.

OSCAR

¿Crees que el público chileno le está dando cada vez más la espalda a los Oscar, o piensas que éste sigue siendo nuestro mayor referente al momento de asistir a las salas o arrendar una copia?, ¿Menospreciar a la estatuilla dorada frente a Cannes, Berlín o el Sundance responde solo al esnobismo y la pose alternativa de algunos?

Para contestar esta pregunta hay que establecer que el “Oscar” es un galardón gremial con el que la gente de la industria de Hollywood se da a sí misma. Es un reconocimiento a obras y personas que destacan tanto la calidad artística y la potencia que permite que el cine sea una expresión, además de ser un testimonio artístico es un espectáculo para millones. Por eso el premio es una llamada a no perderse el ejemplar destacado con la estatuilla más deseada de la cinematografía. Quien menosprecie el “Oscar” puede cometer la falta de rechazar películas magníficas, debido que a pesar de tratarse de un premio gremial, ha tenido la tendencia que las películas y personas premiadas son verdaderas obras señeras de la cultura y testimonios regocijantes del arte de las imágenes en movimiento.

Por otra parte, menospreciar el “Oscar” al compararlo por otros galardones fílmicos (Cannes, Venecia, Berlín, Sundance) es absurdo, porque dichos eventos tienen fundamentos particulares de acuerdo con los conceptos y propósitos con que observen para considerar una obra fílmica, como ejemplo, Sundance es un festival para destacar “el otro cine”, distinto en medios, miradas y cánones a los de Hollywood.

Este año “Babel” figuraba como gran favorita, sin embargo el ‘factor Scorsese’ pesó demasiado a la hora final. ¿Son válidos argumentos como recaudación en la taquilla, o años de frustraciones del director, para entregar el trofeo máximo a una producción? El mexicano González Iñárritu habló derechamente de una ‘necesidad furiosa’ para que ganará el director de “Toro Salvaje” y "Taxi Driver".

Comparar a “Babel” con Scorsese y “Los Infiltrados” es una característica ineludible del Oscar, porque hay que premiar una película de cinco y los votantes deben seleccionar la que tiene más votos. No quiere decir que las otras sean malas.

El 2006 el triunfo de "Crash", de Paul Haggis, despertó innumerables críticas, tanto que varios de sus defensores prefirieron callar frente al repudio mayoritario. El 2005, por otra parte, la mayoría aplaudió de pie el triunfo de "Million Dollar Baby" de Clint Eastwood, pero finalmente "Sideways" de Alexander Payne la superó en casi todos los recuentos de ese año. ¿Crees que es demasiado riesgoso abanderizarse por la cinta ganadora de la Academia, desoyendo la opinión del respetable?

Esto de la más es un síndrome que tú lo describes muy bien en esta segunda parte de tu pregunta. A mí me gustaba “Crash” (notable) en 2006, en cambio en 2005 mi candidata era “Million Dollar Baby”, de Clint Eastwood. Eso sucede simplemente con quienes son los votantes.

Juguemos a ser generales después de la batalla. Obviando el historial de fiascos que ostentaba Scorsese, porqué crees además que “Babel” y “Letters from Iwo Jima” fueron vapuleadas por “The Departed”, siendo que eran sus más sólidas competidoras.

Me estás haciendo jugar a votante. Te diré que mis candidatas eran “Los Infiltrados” y “La Conquista del Honor” (que no fue nominada a Mejor Película), por su estructura narrativa, la visión de los personajes y la mirada documental, que daba a cada una de esas películas fisonomía de absoluta verdad con una energía visual y dramática maravillosa.

¿”The Queen” y “Little Miss Sunshine” tenían méritos suficientes para estar en la quina a Mejor Película?

En efecto, “The Queen” y “Little Miss Sunshine” tenían méritos suficientes para estar en cualquier nómina de la competencia, pero volvemos al argumento hay que elaborar una quina, y las películas mencionadas estaban en la quina, pero la mayoría de los votantes dieron más votos a “Los Infiltrados”.

Cuál es tu opinión sobre los actores y actrices que resultaron ganadores este año, es decir, Forest Whitaker, Helen Mirren, Alan Arkin y Jennifer Hudson. ¿Realmente fueron mejores que Di Caprio, Cruz, Murphy y Barraza, los otros favoritos?

Nada tengo que criticar en la elección de los ganadores, porque en esta etapa del Oscar, habían buenos actores y actrices, todos con excelentes carreras, especialmente Forest Whitaker y Helen Mirren.

Este año 2007 el prestigioso Festival de Berlín abrió sus fuegos con la película francesa "La Vie en Rose", con Marion Costillard dándole vida a la mítica Edith Piaf, y por otro lado, en los Oscar de este año otras dos caracterizaciones se alzaron como ganadoras, Whitaker como el ex dictador Idi Amin y Mirren como la Reina Isabel II, respectivamente. ¿Darle vida a figuras mundialmente conocidas se volvió la tónica para obtener el reconocimiento, y de paso, los trofeos más mediáticos?

Es una situación que se reconoce en los tics del Oscar, los personajes históricos, sea por elogio o sátira, son carne de estatuilla, especialmente los criticados por testimonio y comportamiento. El hecho que Helen Mirren fuera la hierática Isabel II, y Forest Whitaker el sanguinario dictador africano Idin Amin, era un axioma de que efectivamente se llevarían el trofeo para sus respectivos hogares.

Siendo bien honestos, ¿Tenemos alguna chance como chilenos de colocar una de nuestras producciones en la quina a mejor film extranjero, o el Oscar es simplemente una monumental inversión de marketing, con lo cual quedamos automáticamente fuera?

Siendo honestos, es muy improbable. Pero con las nueva fuerza, recursos y miradas, varios realizadores chilenos que han aplicado una muy buena fórmula para lograr producciones respetables... ¿por qué no?

Finalmente, un breve Ping Pong, lo primero que se te venga a la mente:

OSCAR =Oscar.

BERLÍN =Turno de la decisión germana.

CANNES =Cerebro francés doblegando al práctico yanqui.

CINE CHILENO = A lo mejor una estatuilla.

CINE BÍBLICO = Hasta ahora ha bastado La Biblia.

CINE ARTE = Es una forma de reunirse para ver buen cine. El cine es un arte.

CINE LATINOAMERICANO = Del subdesarrollo a pasarse rollos.

SUPERPRODUCCIONES = La muerte de los dinosaurios.

CRÍTICOS DE CINE =Una raza culpable de muchos excesos, pero...

Mariano Silva

Muchas gracias Mariano por esta valiosa entrevista.

A continuación, para reforzar lo que ya hemos conocido sobre la SIGNIS-OCIC, les dejo un artículo elaborado por el propio Mariano Silva, en relación a explicar qué es exactamente esta asociación, así como su objetivo.

QUÉ PREMIA Y POR QUÉ PREMIA LA OCIC

La presencia de la filial chilena de la Organización Católica Internacional del Cine (OCIC), representada por miembros especializados, ha sido muy importante en diversos eventos fílmicos nacionales y, en los cinco Festivales de Video Aficionado, con convocatoria a todo el país, organizados por el Departamento Cultural de la I. Municipalidad de El Bosque. Aparte de ser una opinión autorizada, las distinciones a obras audiovisuales otorgadas por OCIC, tienen el destacado privilegio de permitir a una obra chilena instalarse con el carácter de un reconocimiento internacional, gracias a la difusión que provee OCIC a través en sus catálogos, congresos, muestras y otras comunicaciones, al incluir título, autor, país y otros datos de las obras distinguidas con su galardón. Un ejemplo de ello, en el nivel profesional fueron los premios otorgados en 1998 al documental “Fernando ha vuelto”, de Silvio Caiozzi, y al largometraje “No tan lejos de Andromeda”, de Juan Vicente Araya, ambos cineastas chilenos, en los festivales de cine de Valdivia y de Viña del Mar, respectivamente.

BREVE HISTORIA DE LA OCIC

Desde que el cine irrumpió en la cultura del mundo en 1885, la Iglesia puso atención a la presencia del invento y a las consecuencias que tendría para la sociedad de este siglo. Comenzó a vigilar sus productos para determinar en qué forma afectarían la vida y la espiritualidad del hombre. Al principio, tal observación sólo constituía una posición de alerta ante una actividad que tenía algo de pagano y que se hacía cada vez más penetrante y masiva, es decir, más peligrosa. Pero luego la preocupación de los pastores de almas se interesó en una característica fundamental del cine, que fue muy bien precisada por S.S Pío XII, el 21 de Junio de 1955 en su vital y celebérrimo texto dirigido a la industria cinematográfica italiana, muy justamente llamado “Del Film Ideal”. El Papa manifestaba en una frase clave del inicio de su documentada alocución a los profesionales del cine su “preocupación por la suerte de tantas almas sobre las que el cine ejerce una influencia tan profunda”.

Acorde con este principio, y mucho antes del discurso del Papa, en 1928, el canónigo holandés Brohée - con ocasión del Congreso de la Unión Internacional de Asociaciones Femeninas Católicas, celebrado en La Haya - fundaba una Oficina Católica Internacional del Cine (OCIC). Posteriormente el término “Oficina” se reemplazó por “Organización”. Desde ese momento la OCIC es una fundación internacional que agrupa instituciones cinematográficas católicas oficialmente reconocidas por la jerarquía eclesiástica de cada país, con el propósito de ayudarlas en su labor y emprender, en conjunto con ellas, las tareas que se refieren a orientar sobre los valores del cine en el ambiente nacional.

Desde entonces, y a través de diversas actividades coordinadas con los estamentos del Vaticano y de los respectivos países miembros, la OCIC funciona bajo la tutela de su Consejo General con sede en Bruselas, ampliando sus preocupaciones a nivel nacional y mundial. Esto va desde la entrega del Premio OCIC con acreditación en los más importantes festivales de cine (el primer premio se entregó en 1947), como los de Cannes, Venecia, Berlín, San Sebastián y Mar de Plata, hasta la presencia constante en el apostolado del cine, tendiendo principalmente a fomentar la inclusión destacada en las películas de valores artísticos, culturales, sociales y los de solidaridad con los postergados del bienestar y los privilegios. Como ejemplo de los valores que existen y se potencian en las películas pueden mencionarse verdad, solidaridad, justicia, paz, compromiso con los humildes, buenas causas, dignidad de la familia y los afectos. En definitiva, toda esta visión y estrategia vivifica el diálogo entre la Iglesia y el cine profesional de todo el mundo.

Mediante la creación de textos especializados, seminarios, congresos, encuentros con los profesionales de la creación audiovisual, distinciones y otras actividades relacionadas con sus objetivos, OCIC ha demostrado con creces durante más de cincuenta años su incansable labor para destacar la importancia del cine de valores humanos, sinónimo de valores cristianos, con su acción en todas las naciones. No es una organización prohibitiva y/o punitiva, sino que orientadora, por lo que su quehacer está muy distante de cualquier estrategia o intención de censura.

Existe un texto muy útil, además de otros documentos permanentes del Vaticano sobre cine y comunicaciones, para conocer las actividades y justificación de la OCIC de cara a la creación cinematográfica mundial. Dicha publicación es “La Iglesia y el Cine”,de Salvador Muñoz Iglesias, editado por el Centro de Estudios Cinematográficos en 1958.

La presencia de OCIC en Chile data de 1962, con posterioridad al concilio Vaticano Segundo, donde con un gran sentido de apertura ante los nuevos tiempos que vivía el mundo (“Abramos las ventanas de la Iglesia para que entre aire puro”, según la intención del Papa Juan XXIII), la jerarquía eclesiástica nacional se sensibilizó acerca de da las positivas labores que podría ejecutar una filial de la OCIC en nuestro país. Se llamó para su creación al recordado Pbro. Ismael Errázuriz, quien al constatar que la anterior presencia de la Iglesia Católica chilena ante el cine era de carácter negativo, prohibitivo y sancionador, decidió establecer una “Oficina” apoyándose en los postulados difundidos por el concilio. Determinó que tal iniciativa debía privilegiar la formación de sus miembros, adiestrándolos para que estuviera en condiciones de destacar con conocimiento y responsabilidad el “cine de valores”. Estos grupos, a su vez, formarían el núcleo directivo-operativo de la Oficina Nacional de Cine, dependiente de la jerarquía en cuanto a doctrina y apoyo, pero consagrando la independencia laica en lo concerniente a la administración, funciones y criterios de apreciación del cine en relación con los valores de la moral cristiana. Como ejemplo podría mencionarse que se aconsejaba preferir el arte sobre la chabacanería, la verdad sobre la mentira, la denuncia de las contradicciones de la sociedad humana sobre la celebración de sus debilidades morales. En suma, había que destacar y recomendar aquellos filmes que se basaban en una tetralogía: arte, verdad, dignidad y solidaridad. No es difícil notar que en estos valores está la luz del verdero cristianismo y no en el concepto de censura.

Desde 1962, OCIC CHILE ha estado presente en diversas actividades nacionales y mundiales. Sus miembros han sido jurados en festivales de diferentes objetivos y categorías. Se han editado múltiples publicaciones acerca del cine da valores cristianos y artísticos y de formación del espectador. Ahora, ampliado hacia la totalidad de la creación audiovisual, se cuenta con una larga tradición de cine-foros y cursos en poblaciones marginales (muchas por inspiración del Plan de Niños de la OCIC), recuérdese sobre el particular el documento “Cien niños esperando un tren”, de Ignacio Agüero, sobre clases de Alicia Vega. También se han efectuado congresos, encuentros con los profesionales del cine, asesorías a la jerarquía, charlas en establecimientos educacionales, etc. Por su parte, la autoridad eclesiástica ha estado en permanente contacto (ahora con la coordinación de CENCOSEP) con las actividades de la OCIC en Chile, pero ha estado dirigida por laicos desde 1963, todos expertos en cine, comunicaciones y educación: Filma Canales (1963-1965), Mariano Silva (1965-1980), Alicia Vega (1980-1989), Patricio Young (1991-1993), Roberto Tapia (1993-1999), Mariano Silva (1999-2002), Roberto Tapia (2002-2004) y Mariano Silva, dn calidad de interino (2004...).

Un dato que ilustra la importancia de la labor de OCIC en Chile se refiere al hecho de que organizó en 1964 y 1965, en conjunto con el Instituto Fílmico de la Universidad Católica de Chile, un completo curso de Formación Cinematográfica de cuatro semestres. De allí egresó gran parte de quienes renovaron la crítica y la docencia de cine en el ámbito nacional, renovación cultural paralelo a la instauración del nuevo cine chileno a partir de los años sesenta.

MARIANO SILVA

INDICE 2

2007-02-25T05:38:00.000-03:00

Con cuatro nuevos comentarios este día domingo 25 de Febrero (día de los Oscar 2007), les dejo a continuación un nuevo índice en la página central, para acceder más rápido a los temas de mayor interés en este mes:

Oscar 2007, pronósticos

"El Último Rey de Escocia",
Solo por Whitaker

Ciclo de Cine UC,
La belleza de Oriente

"Entre Copas",
La cepa que no logra madurar

Entrevista a Gabriela Sandoval, productora general de SANFIC

"Cartas desde Iwo Jima", Heroísmo sin diferencias

"El Laberinto del Fauno",
El manto de los sueños

Espero sea de su agrado.

Saludos a todos.

Oscar 2007, pronósticos...

2007-02-25T03:16:00.000-03:00

... Entre ser pitoniso, realista y soñador...

Mi orden de preferencia:

1.- "Cartas desde Iwo Jima", de Clint Eastwood

Heroísmo sin diferencias

2.- "Los Infiltrados", de Martin Scorsese

Ratas aquí y allá

3.- "Babel", de Alejandro González Iñárritu

El drama del mundo

4.- "La Reina", de Stephen Frears

Larga vida a Mirren

5.- "Pequeña Miss Sunshine",
de Jonathan Dayton y Valerie Faris

Cambiando sobre ruedas

La frase es sabida por todos y compartida por la gran mayoría: 'ganar un Oscar no es sinónimo de calidad'. Perfecto, pero lo cierto es que, querámoslo o no, la entrega de los premios de la Academia sigue siendo la fiesta más importante del establishment artístico de los Estados Unidos, y la dorada estatuilla el galardón más mediático del mundo del cine en todo el orbe.

Así que, evitando caer en el esnobismo intelectual que muchas veces caracteriza a sus detractores, como tampoco en el babeo de quienes creen que el Oscar es lo máximo del mundo, lo cierto es que nunca está de más hacer un ejercicio de especulación frente a este premio, repito, el más mediático de todos.

MEJOR PELÍCULA

gana: "Los Infiltrados"
mi favorita: "Cartas de Iwo Jima"

MEJOR DIRECTOR

gana: Martin Scorsese
mi favorito: Clint Eastwood

MEJOR GUIÓN ORIGINAL

gana: "Cartas de Iwo Jima"
mi favorita: "El Laberinto del Fauno"

MEJOR GUIÓN ADAPTADO

gana: "Los Infiltrados"
mi favorita: "Los Infiltrados"

Hasta hace un mes atrás mi clara favorita era "The Departed" de Martin Scorsese, pero tras ver por primera vez "Letters from Iwo Jima" de Clint Eastwood, la duodécima mejor película del 2006, según este modesto blog de cine, le cedió su lugar a la visión japonesa de la batalla por el monte Suribachi en 1945. Con dos Oscar a su haber, Eastwood no debería sentirse menoscabado si su eterno rival, Scorsese, obtiene por primera vez la ansiada estatuilla, aunque no estaría mal hacer un enrroque con el premio al mejor director, tal como el año pasado, es decir, "Cartas de Iwo Jima" gana como 'Mejor Película', pero es Martin Scorsese el que obtiene el dorado galardón como 'Mejor Director'. Quizás sería lo más justo, ya que una nueva derrota de Scorsese también terminaría con su famosa 'mala suerte' o 'maldición', pero ahora para comenzar a hablarse lisa y llanamente de animosidad de la Academia en su contra.

¿Los otros nominados?

Creo que "Babel" del mexicano Alejandro González Iñárritu es la mejor película coral hasta la fecha, superior incluso a "Syriana", y claramente muy por sobre "Crash", la cuestionada e inmerecida ganadora del año pasado, convirtiendo justamente ese 'pequeño' detalle en el peor favor que la cinta de Paul Haggis le terminó haciendo a la de González Iñarritu. "La Reina" de Stephen Frears por otra parte, tiene un acento demasiado británico para Hollywood, lo que también perjudica al film de Eastwood con su performance tan nipona, por lo cual no veo que obtenga otro premio más que el esperado galardón a su protagonista, Helen Mirren. Finalmente "Pequeña Miss Sunshine" no es más que una película simpática que jugó a ser alternativa dentro del circuito norteamericano, lo cual se nota en varios de sus forzados diálogos y pasajes, por lo tanto, sin ser en absoluto detractor del cine independiente de los Estados Unidos ("Sideways" fue injustamente derrotada por el propio Clint Eastwood hace solo dos años) creo que con su sola nominación ya tiene suficiente.

Aunque el británico Paul Greengrass ha sonado con insistencia entre los admiradores de "Vuelo 93", una de las mejores películas del 2006, lo cierto es que no contando con la nominación a mejor película, apostar por él resulta a estas alturas un simple y penoso saludo a la bandera, por más méritos que éste pueda tener para adjudicarse la estatuilla. Y por último, creo que la hispano-mexicana "El Laberinto del Fauno" de Guillermo del Toro, ayudada también por las ganancias en la taquilla, es la segura vencedora como 'Mejor Película de Habla No Inglesa', aunque también le daría el premio a 'Mejor Guión Original', pero si la Academia se reivindica este año con Martin Scorsese, este premio se lo estarían dando a los guionistas de "Cartas de Iwo Jima", para compensar en algo una posible doble derrota de Clint Eastwood en los premios a mejor película y dirección.

Aclarando de antemano que aún no he visto todas las producciones donde están presentes los nominados, mis apuestas en actuaciones son las siguientes:

MEJOR ACTOR PROTAGÓNICO

gana: Forest Whitaker
mi favorito: Forest Whitaker

El macizo actor de color tiene el gran mérito de salvar a una película bastante deficiente como propuesta, ya que solo por su excelente interpretación del exéntrico y sanguinario Idi Amin vale la pena asistir a ver "El Último Rey de Escocia". Leonardo Di Caprio, pese a sus notables roles en "Diamente de Sangre", por el cual está nominado, y "Los Infiltrados", aún deberá esperar, pero le queda la tranquilidad que talento le sobra, y sobre todo, juventud para aguardar por un mejor momento. Por otro lado, tengo la sensación que nos hemos perdido dos grandes actuaciones masculinas antes de esta 79 ceremonia, me refiero al caso de Ryan Gosling y el veterano Peter O´Toole, este último el otro favorito de los entendidos y único capaz de agüarle la fiesta a Forest Whitaker. Algo me dice que el favoritismo por Whitaker no estaría tan claro como ahora, al menos para los chilenos, si hubiésemos visto sus trabajos antes de este domingo 25 de febrero. Finalmente, sobre Will Smith no puedo hablar mucho por ahora, ya que aún no he visto "En Busca de la Felicidad", pero en honor a la verdad, sigo sosteniendo que su presencia en esta quina, tal como lo fue cuando estuvo nominado por "Alí", responde más que nada a marketing, ya que pese a tener avances como actor sigo encontrándolo uno más del montón.

MEJOR ACTRIZ PROTAGÓNICA

gana: Helen Mirren
mi favorita: Helen Mirren

Soy un tenaz adversario de aquellos que solo apuestan por figuras mediáticas para este galardón, más aún, cuando en estos dos últimos años las ganadoras en esta categoría han triunfado más que nada por ser precisamente eso, figuras jóvenes y con bastante marketing. El 2005 la supuesta lucha estuvo entre Kate Winslet y la ganadora, Hilary Swank, pero por lejos quien merecía ese premio era una señora británica llamada Imelda Staunton, protagonista de "Vera Drake", y por otra parte, de más está decir que el 2006 la popular Reese Witherspoon no estaba ni siquiera a la altura de una Felicity Huffman o una Judi Dench. Pues bien, pese a que este año nuevamente algunos ya hablan de la injusticia que significaría la derrota de Penélope Cruz o de Kate Winslet, ambas excelentes actrices dicho sea de paso, lo cierto es que más que nunca una actriz de trayectoria e indiscutible talento está ad-portas de reivindicar la principal categoría femenina del Oscar, Helen Mirren. Si bien en un primer momento pensé que el nacionalismo yanki la haría perder frente a Meryl Streep, quien felizmente salió de esos estereotipados roles de Magdalena, lo cierto es que sería demasiada sorpresa que Mirren viera a alguna de sus competidoras subir al escenario a recibir el galardón que merecidamente ya tiene ganado, por darle vida magistralmente a la reina Isabel II.

En las demás categorías no quiero pronosticar, ya que he visto muy poco de las quinas con que están formadas, pero sí les adelanto que capaz que aplauda de pie el Oscar honorífico al italiano Ennio Morricone, uno de los máximos ídolos de la música en el cine.

Sitio Oficial Oscar 2007

Solo queda esperar hasta esta noche.