Gracias por Fumar - 'El Mercado es mi Dios'

... Las situaciones son jocosas, en eso no hay ninguna duda, pero aún así queda la sensación que se trata de otra comedia norteamericana más que apunta hacia el doble discurso y las batallas soterradas en el establishment norteamericano. Esta vez son las tabacaleras, pero al fin y al cabo podrían haber sido las empresas de combustibles, las farmacéuticas, en fin...

Gracias por Fumar

EL MERCADO ES MI DIOS

Aunque aún no es el estreno oficial en Chile de esta sarcástica comedia estadounidense, no deja de ser curioso que, habiendo sido la cinta que dio inicio al pasado Festival Internacional de Cine de Santiago, Gracias por Fumar, del canadiense Jason Reitman, ha estado generando polémica no por su paso durante el último SANFIC en nuestra capital, ni tampoco por su descarnada visión de la sociedad norteamericana, sino más bien como consecuencia de la particular contingencia chilena. Su solo título, y sus correspondientes afiches, se han venido a estrellar con la recientemente operativa Ley Antitabaco.

Sin siquiera imaginárselo, Reitman podría en estos precisos instantes estar generando andanadas de espectadores en las salas locales, ya que tratándose además de una jocosa comedia, género que siempre concita el interés de un gran número de espectadores, lo más probable es que la drástica normativa contra quienes no pueden vivir sin un cigarrillo encendido podría inducir al público a presenciar una historia que, en apariencias, vaya en dirección opuesta a lo que la ley indica. Sin embargo, más vale que esas ansias vayan decreciendo, porque en realidad lo que Reitman está presentando en “Gracias por Fumar” es algo muy alejado a una alegoría a las tabacaleras y el consumo de nicotina.



En efecto, lo que el director describe mediante el guión que él mismo adaptó de la novela homónima del norteamericano Christopher Burcley, no es una reflexión en sí sobre las polémicas campañas publicitarias de las grandes tabacaleras a su favor, temática que precisamente aborda el largometraje, sino más bien, se trata de una aguda ironía sobre el modo de vivir de los mayores lobbistas de la sociedad estadounidense, ejemplificada en el personaje principal, Nick Taylor (Aaron Eckhar), una especie de ejecutivo comercial de Big Tobacco, cuya misión es defender los derechos de quienes son fumadores, y de paso, asegurar que su empleador no sea afectado por las cada vez más efectistas campañas en su contra, incluidos testimonios reales en televisión.

Ahí es donde hace su aparición el poderoso Senador Finistirre (William H. Macy), el cual está obstinado en hacer todo lo contrario a Nick Taylor, es decir, utilizar populistamente el tema de las tabacaleras, pretendiendo colocar etiquetas alusivas a veneno en las cajetillas de cigarrillos. A este previsible enfrentamiento se suma una atractiva e inescrupulosa reportera, Heather Holloway (Katie Holmes), quien se involucra con el siempre pretencioso Nick, y un extravagante representante en Hollywood, Jeff Magall (Rob Lowe), quien por encargo de Big Tobacco, deberá promover las bondades de fumar mediante películas hollywoodenses, por más disparatadas que sean las escenas. Sin embargo, los puntos altos en el film son las periódicas reuniones de Nick con sus más cercanos colegas, Polly Bailey (Maria Bello) y Bobby Jay Bliss (David Koechner), sus equivalentes en las empresas de armas y de alcohol, con quienes discute y mejora las realidades de sus industrias, no olvidando por cierto el aspecto personal.



Se trata de una historia inteligente y aguda, con un elenco de figuras de primer nivel, destacándose la interpretación del estadounidense Aaron Eckhart en el rol principal, un actor que nunca ha estado en la primera línea de la popularidad en una industria como la norteamericana, pero que a la luz de los resultados visto aquí, méritos tiene de sobra. Sin embargo es el acento netamente crítico y sarcástico del mundo de los negocios lo que hace tan interesante a “Gracias por Fumar”, que más allá de lo hilarante, que tiene de sobra, no oculta su intención por dejar reflexionando al público sobre los grados de manipulación de las empresas.

Ahora bien, las situaciones son jocosas, en eso no hay ninguna duda, pero aún así queda la sensación que se trata de otra comedia norteamericana más que apunta hacia el doble discurso y las batallas soterradas dentro del 'establishment' norteamericano. Esta vez son las tabacaleras, pero al fin y al cabo podrían haber sido las empresas de combustibles, las farmacéuticas, en fin. Puede que esta no sea la gran comedia que todos hubiésemos estado esperado, pero al menos como sátira cumple, echando mano a un ritmo vertiginoso, pero que sin embargo consigue atrapar.


Muy Buena






Ficha Técnica:

Nombre: Gracias por Fumar (Thank You For Smoking)
Género: Comedia
Dirección: Jason Reitman
Guión: Jason Reitman. Basado en la novela de Christopher Buckely
Reparto: Aaron Eckhart, Maria Bello, Cameron Bright, Adam Brody, Sam Elliott, Katie Holmes, David Koechner, Rob Lowe, William H. Macy, J.K. Simmons, Robert Duvall
Producción: David O. Sacks
Música: Rolfe Kent
Fotografía: James Whitaker
Montaje: Dana E. Glauberman
País: Estados Unidos
Idioma: Inglés
Duración: 92 minutos
Año: 2006
Link: http://www2.foxsearchlight.com/thankyouforsmoking/

El Hijo - 'El Difícil Perdón'

... justamente la pobreza casi franciscana en "El Hijo", que ni siquiera la hace contar con música de fondo, es lo que hace tan interesante la mirada de los hermanos Dardenne al tema del perdón, especialmente haciéndole frente al muchas veces irrefrenable deseo de la venganza...

El Hijo

El DIFÍCIL PERDÓN

Parto señalando que no es posible que este extraordinario título galo solo haya sido posible apreciarlo en nuestro país durante el pasado SANFIC, en solo tres funciones durante una semana colmada de títulos que, como este, difícilmente volverán a verse nuevamente en nuestras salas. El Hijo, cinta precursora de “El Infante”, que ganó la Palma de Oro en Cannes el 2005, y bajo cuya dirección nuevamente están los hermanos belgas Jean-Pierre y Luc Dardenne, también cuenta entre sus pergaminos con premios no menores, como el de mejor actor en la versión de Cannes 2002, cuando el actor belga Olivier Goumert se impuso nada menos que a Jack Nicholson. Cuesta explicarse entonces porqué esta cinta también está sin fecha de estreno en Chile.

Siguiendo un patrón que ya es un sello en los hermanos Dardenne, “El Hijo” tiene esa particular mirada que algunos cineastas han adoptado como propia para darle un enfoque lo más realista posible a sus historias, en este caso, presentar las escenas mediante una única cámara, la que ejerce una especie de sombra detrás de cada uno de los personajes involucrados en los diálogos, y que de hecho, permite al espectador casi ponerse en las ropas y zapatos de quienes dan forma a una trama tan intensa como esta.



“El Hijo” es una de esas cintas que increíblemente hacen cotidianas historias que en manos de otros realizadores serían presentadas mediante dramáticas puestas en escena. Pues bien, en la mejor cinta de exhibición que conocimos durante el último Festival de Cine de Santiago, Olivier (Olivier Gourmet) se desempeña como monitor de muchachos que están en planes de reinserción social luego de haber delinquido. Su misión es enseñarles trabajos de carpintería y soldaduras. Pero entre los nuevos muchachos que llegan hasta el taller, uno sobresale respecto a los demás, al menos para Olivier.

Francis (Morgan Marinne) no parece ser un chico conflictivo, quizás inexpresivo y no apto para el trabajo, pero esas no parecieran ser razones suficientes para explicar el motivo que tiene Olivier para rechazarlo de buenas a primera, bajo el pretexto que ya tiene muchos chicos a su cargo. Si no tiene aptitudes, su deber es enseñarle el oficio para darle después un tiempo para evaluarlo. Pero este parco monitor, más bien motivado por una extraña curiosidad, decide darle una oportunidad a Francis, lo que poco a poco comienza a generar una extraña relación laboral entre ambos, dominada por la desconfianza del instructor, mientras el aprendiz solo busca cumplir con lo que se le pide.



Sin embargo, Olivier carga con un dolor muy intenso en su vida, y que ha afectado también a Magali (Isabella Soupart), su ex esposa, ya que cinco años atrás su pequeño hijo fue muerto por un delincuente juvenil. Este traumático acontecimiento vuelve a salir a flote mientras la tirante relación entre maestro y alumno culmina en un momento cargado de emociones, cuando la verdad sale a la luz y Francis al fin comprende la conducta del mismo hombre a quien le había pedido ser su tutor.

Esta es una historia difícil, que dependiendo de su tratamiento se podrían juzgar sus niveles de dramatismo, pero justamente esa pobreza casi franciscana en la producción, que ni siquiera la hace contar con música de fondo, es lo que hace tan interesante la mirada de los hermanos Dardenne al tema del perdón, especialmente haciéndole frente al muchas veces irrefrenable deseo de la venganza. Los directores belgas no pretendieron impresionar al público, tampoco dictarles normas de conducta, sino simplemente hacerlos partícipes de un proceso interno en la conducta del personaje principal, en este caso Olivier, aún a costa de sacrificar el ritmo de la historia, la que no todo el público estará dispuesto a soportar.

Aún así, “El Hijo” es una producción muy bien diseñada en cuanto a su objetivo, a pesar de lo rústica que podría parecer a simple vista, con lo cual mi llamado es a que más temprano que tarde pueda exhibirse masivamente en las salas, independiente de su éxito en la taquilla, puesto que es un trabajo de primer nivel que indudablemente se convierte en la mejor antesala para lo que viene después, es decir, “El Infante”.


Excelente





Ficha Técnica:

Nombre: El Hijo (Le Fils / The Son)
Género: Drama
Dirección: Jean-Pierre y Luc Dardenne
Guión: Jean-Pierre y Luc Dardenne
Reparto: Olivier Gourmet, Morgan Marinne, Isabella Soupart, Rémy Renaud, Nassim Hassaïni, Kevin Leroy, Félicien Pitsaer, Fabian Marnette, Jimmy Deloof, Anne Gérard
Producción: Jean-Pierre y Luc Dardenne, Denis Freyd
Fotografía: Alain Marcoen
Montaje: Marie-Hélène Dozo
País: Francia, Bélgica
Idioma: Francés
Duración: 103 minutos
Año: 2002
Link: http://www.diaphana.fr/lefils/


Bonus Track:

Más información sobre L'Enfant, de los hermanos Dardenne, en el blog de cine de Novotny

Caché - 'Una Búsqueda Infructuosa'

... se trata de una propuesta que no debiera quedar reducida solo a un minúsculo grupo de seguidores, por lo cual la oportunidad recae ahora en el público, quien en última instancia decidirá si vale la pena o no arriesgarse con un thriller tan intelectual como este ...

Caché

UNA BÚSQUEDA INFRUCTUOSA

Basta con señalar que es el austriaco Michael Haneke, el mismo cerebro tras “La Profesora de Piano” del 2001, quien oficia como director de Caché, o “Caché Escondido”, para que inmediatamente sepamos a lo que vamos con este film galo-germano, claramente el título que más fervor despertó entre los cinéfilos entendidos en este tipo de propuestas oscuras, y que engalanó la actual versión del Festival Internacional de Cine de Santiago.

Sin embargo, la máxima ganadora de los Premios Europa del año 2005, entre ellos mejor película, mejor director, mejor actor principal y mejor montaje, no podemos decir que cosechó aplausos y elogios a raudales luego de finalizar su única exhibición en Santiago, durante este SANFIC. Y es que este sello tan distintivo de Haneke, con notorios guiños al cine de Bresson, e incluso de Bergman y Cassavetes, no es un cine fácil de digerir, y en algunos casos de entender, prueba de ello es el tremendo signo de interrogación con que la totalidad de la audiencia recogió su final, completamente abierto, pese a que la historia dibujó a lo largo de los minutos una verdad a todas luces evidente.



Georges (Daniel Auteuil), es un periodista con un relativo éxito televisivo, que sin embargo comienza a recibir inquietantes anónimos en su hogar, los que también van acompañados de cintas de videos donde se aprecian las personas y los lugares más importantes de su vida, incluyendo su infancia. La situación de torna en extremo tensa, debido a lo cual Georges hace partícipe de esta situación a su esposa Anne (Juliette Binoche), quien sin embargo no escatima en reparos al percatarse que su marido no es del todo sincero con ella, especialmente al momento de indagar en las razones que tendría este potencial enemigo en las sombras para actuar de esa manera. La relación en todo caso entre Georges y Ann ya está deteriorada hace tiempo, un secreto a voces entre su círculo más cercano, entre ellos su hijo, Pierrot (Lester Makedonsky).

Aún así, son los mismos videos los que comienzan a dar pistas sobre quién está detrás de estos perturbadores anónimos, todos dibujos en rojo que no pueden interpretarse fácilmente. Las pistas apuntan hacia un viejo compañero de infancia, un argelino llamado Majid (Maurice Bénichou), quien tendría razones más que suficientes para vengarse de Georges, ya sea por su propia mano o la de su hijo, un joven argelino bastante aproblemado.



Haneke utiliza un mínimo de recursos, especialmente el sonoro, acentuando cada vez más el aura de misterio e incertidumbre a través del sonido casi monofónico. Por momentos pareciera que se está en presencia de una película de los años ’80, incluso ’70, con lo cual el cuadro de thriller sicológico queda expuesto en su máximo potencial, aunque sin garantizar con ello que pueda considerarse a esta como una película de máxima jerarquía, pese a los sólidos pergaminos con que llegó a nuestro país. Para los más entendidos en cine este será un placer irresistible, para el resto en cambio, habrá que madurar un poco más el concepto, no así la trama o el guión, pese a escenas de sangre realmente muy bien logradas, seguramente otro gancho para atraer masas.

Solidísima performance del multifacético Daniel Auteuil, más que merecido su galardón como mejor actor europeo el año pasado, pudiendo afirmar sin ninguna duda que su actuación es definitivamente lo mejor de “Caché”. Juliette Binoche está un peldaño más abajo, pese a ser una de las mejores actrices contemporáneas del cine occidental, pero aún así la protagonista de “El Paciente Inglés” realiza una muy buena interpretación como la compañera distante de Georges.

En definitiva, este es otro trabajo muy bien logrado de Michael Haneke, aunque en ningún caso para ungirlo como el mejor largometraje del año. Aún así, se trata de una propuesta que no debiera quedar reducida solo a un minúsculo grupo de seguidores, por lo cual la oportunidad recae ahora en el público, quien en última instancia decidirá si vale la pena o no arriesgarse con un thriller tan intelectual como este, o bien, darle la espalda.


Muy Buena





Ficha Técnica:

Nombre: Caché
Género: Thriller
Dirección: Michael Haneke
Guión: Michael Haneke
Reparto: Daniel Auteuil, Juliette Binoche, Maurice Bénichou, Annie Girardot, Lester Makedonsky, Bernard Le Coq, Walid Afkir, Daniel Duval, Nathalie Richard, Denis Podalydès, Aissa Maiga.
Producción: Margaret Menegoz y Veit Heiduschka
Fotografía: Christian Berge
Montaje: Michael Hudecek y Nadine Muse
País: Francia, Austria, Alemania e Italia
Idioma: Francés
Duración: 117 minutos
Año: 2005
Link: http://www.sonyclassics.com/cache/

Transamerica - 'Lazos de Aceptación'

... La trama podría parecer una mezcla de historias tanto absurdas como retorcidas, pero lo acertado de la dirección fue que las escenas logran presentar en tono hilarante en varios pasajes, y dramáticos en otros, la doble batalla emocional que un ser humano como Bree Osborne debe enfrentar ...

Transamerica

LAZOS DE ACEPTACIÓN

El estreno norteamericano más esperado de este SANFIC 2006 llegó a nuestro país para instalarse sin ninguna duda como el nuevo fenómeno mediático de la temática homosexual, que con una fuerza inusitada estos últimos años, consigue que esta realización siga la huella de importantes títulos que nos llegaron desde la conservadora y puritana industria del gran país de América del Norte. En efecto, luego de las exitosas “Capote” de Bennett Miller y “Brokeback Mountain” de Ang Lee, ahora la denominada temática gay centra sus fuegos en el lado más controvertido de la diversidad sexual, nada menos que el transgénero, probablemente la condición más extraña y menos aceptada.

Lo sobresaliente en todo caso de Transamerica, producción dirigida por el norteamericano Duncan Tucker, es que no estamos en presencia de un drama moderno sobre la aceptación o no de la sexualidad humana, así como del derecho a vivirla con total libertad, sino que sin ningún reparo su director orientó la historia de un transexual a punto de operarse, y que de la noche a la mañana se entera que fue padre en su juventud, al ritmo de una sofisticada comedia, que acompañada por una soberbia actuación de la actriz norteamericana Felicity Huffman, convierten a este largometraje en la mejor comedia estadounidense desde la memorable “Sideways” de Alexander Payne.



Con una nominación al Oscar para Huffman en la categoría de mejor actriz protagónica, y que injustamente no obtuvo, la cinta de Tucker ya venía generando interés en nuestro país desde los primeros meses de este 2006, y a la luz del resultado apreciado, las expectativas estaban más que fundadas, en especial, por la dirección y el guión de Tucker, y por el rol principal a cargo de una de las protagonistas de la serie televisiva “Desperate Housewives”, cuyo principal mérito en “Transamerica” es hacer olvidar por completo que su rol de Bree, quien debe hacerse cargo de un hijo adolescente, promiscuo y drogadicto, es en realidad una mujer.

La trama podría parecer una mezcla de historias tanto absurdas como retorcidas, pero lo acertado de la dirección fue que las escenas logran presentar en tono hilarante en varios pasajes, y dramáticos en otros, la doble batalla emocional que un ser humano como Bree Osborne debe enfrentar. Por un lado, haciéndose cargo de Toby (Kevin Zegers), quien tras morir su madre y haber salido de prisión, cree que su nueva protectora lo llevará hasta donde vive su acomodado padre, y por otro lado, este afligido transexual, mitad indio y mitad judío, vive la tortuosa transición que significa dar el paso definitivo para establecerse como una verdadera mujer, es decir, extirpándose el pene. No será en absoluto fácil para este ser lidiar con ambas situaciones, a solo días de su paso por el quirófano.



Se sucederán varios eventos a lo largo de los minutos, los que aparte de sonsacar sonrisas entre el público, irán explicando este curioso lazo que se forma entre este padre mentiroso, y su particular hijo, quien pese a su rebeldía también esconde tortuosos secretos respecto a su sexualidad. Pero ni aún así el momento en que la verdad se descubre queda exenta de conflictos, más aún, si previo a esto Bree se ve obligada a presentar a Toby a su hermana y sus conservadores padres, en especial su madre, y abuela del muchacho, la insoportable Elizabeth (Fionnula Flanagan).

La taquilla queda garantizada desde ya con este guión del mismo Tucker, sólido en su intento por presentar el lado más difícil del llamado tercer sexo, esta vez en tono de comedia con contenido dramático. Por su parte, la norteamericana Felicity Huffman reivindica el protagonismo femenino en la pantalla grande, el que este año se ha visto muy sobrepasado por grandes actores de la cinematografía internacional, como José García, Daniel Auteuil, Phillip Seymour Hofman, Kevin Bacon o Hwang Jo-Yung, entre otros. Así entonces, “Transamerica” no solo se convierte en uno de los grandes estrenos estadounidenses de este segundo SANFIC, sino del año, lo cual no es poco.


Excelente





Ficha Técnica:

Nombre: Transamerica
Género: Comedia Dramática
Dirección: Duncan Tucker
Guión: Duncan Tucker
Reparto: Felicity Huffman, Kevin Zegers, Fionnula Flanagan, Elizabeth Peña, Graham Greene, Burt Young, Carrie Preston, Venita Evans, Jon Budinoff, Raynor Scheine
Producción: Linda Moran, Rene Bastian y Sebastian Duncan
Música: David Mansfield
Fotografía: Stephen Kazmierski
Montaje: Pam Wise
País: Estados Unidos
Idioma: Inglés
Duración: 103 minutos
Año: 2005
Link: http://www.transamerica-movie.com/

La Hija del General - '¿Por Qué La Molestia?'

... La dirección de este documental es atrevida, claramente quiere ir más allá del trabajo convencional y así se lo hizo saber no solo a nuestra rubia Presidenta, sino a todo el público que seguramente acudirá en masa a las salas a apreciar “La Hija del General”, sea o no dentro de este SANFIC 2006...

La Hija del General

¿POR QUÉ LA MOLESTIA?

María Elena Wood en la noche de estreno

No pretendamos engañarnos entre nosotros. La Hija del General, el documental chileno dirigido por la periodista María Elena Wood, y realizado en co-producción con España, es el título más esperado de esta segunda versión del Festival Internacional de Cine de Santiago. Lo anterior para muchos cinéfilos de tendencia chiíta podría significar un insulto, o quizás hasta una herejía, tomando en cuenta que títulos como “Caché” de Michael Haneke, “Manderlay” de Lars von Trier o “El Hijo” de los hermanos Jean-Pierre y Luc Dardenne son producciones que engalanan este SANFIC 2006, sin embargo, dudo que el espectador promedio, ese que diariamente transita por las salas de este festival, no sienta la más mínima curiosidad por ver este trabajo que desde mucho antes ya venía causando ruido en el medio ambiente nacional.

Así es, porque mientras la mayoría de estos títulos europeos, estadounidenses o latinoamericanos probablemente solo despertarán las ansias del público más exigente y entendido en cine, el documental de Wood añadirá a ese evidente interés el entrar en tierra derecha frente a la personalidad de uno de los personajes históricos más importantes de Chile, nada menos que la primera mujer que es elegida Presidente de la República, y que además, es una figura de nuestra actualidad: Michelle Bachelet Jeria. Pero lo sorprendente de este caso, y adelantándose quizás a lo que la propia directora hubiese querido, es que este trabajo realizado en video llegó provisto de pequeñas turbulencias que a la larga se transformaron en su mejor gancho. El documental no fue en absoluto del agrado de la Presidenta Bachelet cuando esta lo vio por primera vez. Sin embargo, después de apreciarlo en lo que fue su primera exhibición en suelo chileno, cuesta entender el por qué de esa molestia.



Creo que entraremos irremediablemente en el terreno de las percepciones, pero ante esta extraña polémica que vino suscitándose desde hace semanas, no queda más remedio que suponer que Bachelet, lo más probable, fue que visualizó un resultado cinematográfico que solo la exaltara mientras era candidata presidencial. Nada más equivocado si fue esa la idea concebida de antemano por ella misma y su entorno, más aún si analizamos lo que en realidad nos deja este documental, una mirada extremadamente realista y descomprometida en lo político por parte de María Elena Wood, quien en una hora justa exhibe un lado muy humano de esta mujer que alcanzó el sitial más alto de nuestro país. No entendamos como humano ese manido recurso de sollozar frente a la desgracia propia o ajena, algo que muchas veces está al borde del cinismo y que difícilmente veríamos en nuestra actual presidenta, como tampoco entendamos el concepto de humano nada más como sinónimo de altruismo.

Lo que Wood deja expuesto en su realización es el lado cotidiano de Bachelet, aún en medio de lo que fue su campaña, sin adornos ni envoltorios, ese lado humano entendido como su sonrisa fácil frente a las masas, el rayado de cancha frente a un opinólogo político como Jocelyn-Holtz, los diálogos comunes entre una madre y su hija adolescente, los comentarios irónicos que cualquiera de nosotros podría expresar tras una entrevista algo agresiva, o simplemente decir a viva voz un secreto a voces, como que ponerse un delantal blanco en Chile puede hasta duplicar los votos del candidato que lo use. ¿Cuál es el drama, cuál la falla? Acaso quienes fueron sus rivales el 2005 no se mandaron frases para el bronce, tanto frente como detrás de las cámaras, o mejor aún, ¿Existe el político que no las diga? Definitivamente no encontré nada en “La Hija del General” que justificara tanto comentario previo, morbo y exageraciones si se lo prefiere. María Elena Wood dio en el blanco, sin ningún otro objetivo más que el de retratar.



Dejando de lado lo que quedará como puramente anecdótico entre este documental y su protagonista, lo que queda ahora por analizar es la propuesta en sí de este trabajo, el que irremediablemente hace evocar algunos de los documentales testimoniales más recientes, siendo imposible no hacer un paralelo entre “La Hija del General” con “Salvador Allende” de Patricio Guzmán y “Actores Secundarios” de Pachi Bustos y Jorge Leiva. Pese a que tal como en la obra de Guzmán nuevamente el eje es un personaje clave de nuestra historia reciente, cuyos cercanos, detractores y fotografías del pasado vienen a ser los escalones que componen la pirámide, es con la obra de los decepcionados ‘héroes’ de los años ochenta con la que Wood tiene mayores puntos de similitud. La razón es muy simple. Tal como lo señalé antes, esta no es una obra que endiose a Bachelet, basta ver la fotografía seleccionada para el afiche, donde Michelle, aunque adolescente, está a segundos de 'lanzarse a la piscina'. Algo parecido como propuesta hicieron Bustos y Leiva en "Actores Secundarios", con su particular punto de vista sobre la excluyente democracia en que vivimos, luego de los románticos años de lucha contra la dictadura. Sin embargo, ambos documentales tampoco son una mera secuencia de imágenes, superpuestas una tras otra en un mero orden cronológico, sin mayor interés por la historia que se pretende contar. Esa sutil diferencia, por ende, distancia a ambas cintas de la mirada exultante que Patricio Guzmán hizo de Allende.

El legado que quedará como testimonio para las generaciones posteriores es precisamente lo anterior, el que una mujer que a simple vista no tiene nada de extraordinario, pero con un pasado potente, pudo llegar a ser lo que actualmente es, la mandataria de un país sudamericano, con más pobreza y carencias que lo que muchos quisieran reconocer, y cuyo comportamiento delante y detrás de las cámaras revela una personalidad que podría catalogarse como descuidada, pero a la vez franca, respetuosa y sin dobleces. El trabajo de edición jugó un papel esencial aquí, puesto que es gracias a esta labor que la historia de esta candidata presidencial tan atípica, pero que inspirada en los valores que le inculcaron sus padres, el fallecido ex general de aviación Alberto Bachelet, y su madre, Angela Jeria, logró cerrar con éxito una campaña política que, con altibajos, de todos modos consiguió su objetivo.



La dirección de este documental es atrevida, claramente quiere ir más allá del trabajo convencional y así se lo hizo saber no solo a nuestra rubia Presidenta, sino a todo el público que seguramente acudirá en masa a las salas a apreciar “La Hija del General”, sea o no dentro de este SANFIC 2006. El poder que da el cine lo más probable es que vuelva a reflotar el nombre de un Jaime López en la sociedad chilena, pareja de juventud de la mandataria y el más probable responsable de haberla delatado a ella y a su madre en los años más crueles de la represión. Incluso este tema tan tabú para el socialismo chileno, aunque expuesto ya en algunos libros bibliográficos de Bachelet, podría haber despertado los resquemores de La Moneda, ya que ahora claramente dejará de ser un tema olvidado en el tiempo. Pero volvemos a lo mismo, todo quedará en la suposición.

María Elena Wood sorprende, no pocos esperábamos que su trabajo como documentalista resultara ser solo un paréntesis dentro de este segundo Festival de Cine de Santiago, una realización que solo saciara la curiosidad de la gran mayoría por saber qué molestó a la Presidenta, y nada más. Pero la realidad resultó ser bastante más distinta a lo imaginado, aunque tampoco podemos perder las perspectivas y señalar a esta como la película chilena que salve a nuestra floreciente industria nacional este 2006, lamentablemente un año no tan brillante como muchos de nosotros hubiésemos querido para la cinematografía chilena. Aún así, este es el título local obligado para el espectador chileno promedio, con o sin derecho a voto, sienta o no sienta que Bachelet ‘está con él’, ya que es un documento que como pocos, exalta la verdad por sobre cualquier otra consideración, y eso vaya que se agradece.


Muy Buena





Ficha Técnica:

Nombre: La Hija del General
Género: Documental
Dirección: María Elena Wood
Guión: Rolando Opazo, María Elena Wood
Montaje: Galut Alarcón
País: Chile, España
Idioma: Español
Duración: 59 minutos
Año: 2006
Link: http://www.woodproducciones.com/television/hija-del-general

Noche de Inauguración del SANFIC - 'Santiago se inunda de Cine'

Por una semana los cinéfilos nos tomamos la capital.

Diana Massis y Augusto Góngora dando la bienvenida al SANFIC.

Este martes 8 de Agosto a las 20:30 horas se dio inicio a este Santiago 2do Festival Internacional de Cine, SANFIC 2006, en el Cine Hoyts de Huérfanos.

Les dejo acá algunas imágenes que capté junto al resto de la prensa acreditada en lo que fue la noche inaugural.

Augusto Góngora, uno de los anfitriones y lector del blog. A la derecha, Santiago Pavlovic en entrevista.

Mucho público, prensa y sitios acreditados en el Hoyts de Huérfanos.

El siempre amable personal de Cine Hoyts, y por su puesto, las infaltables bellezas.

Un camarógrafo en pleno trabajo. Derecha, Daniel Fernández, Director Ejecutivo de TVN.

Junto a mi estimada Gabriela Sandoval, productora general del SANFIC.

La genial comedia estadounidense Thank You For Smoking (Gracias Por Fumar), de Jason Reitman. Un imperdible de este festival, del cual a la brevedad subiré el comentario respectivo.

Manténgase atentos.

Los Muertos - 'La Esencia es la Clave' (Film Ganador del SANFIC 2005)

... Difícil que el público masivo reciba a una cinta casi testimonial como esta y la convierta en un éxito de taquilla, cosa que además no ocurrió, ya que nunca fue estrenada de manera oficial en nuestro país. Pero claramente estamos frente a uno de los trabajos más interesantes del último tiempo ...

Los Muertos
(Ganadora del 1º Santiago Festival Internacional de Cine, SANFIC 2005)


LA ESENCIA ES LA CLAVE

Con apenas un par de minutos, los que presentan un inicio tremendamente descriptivo de su título, Los Muertos, la segunda producción del joven realizador argentino Lisandro Alonso, logró captar la atención del público y la crítica especializada, al punto de ungir a esta cinta trasandina como la mejor película que pasó por el primer Festival Internacional de Cine de Santiago, el SANFIC 2005. Así es, el año pasado este trabajo obtuvo el primer lugar imponiéndose a un gran número de producciones latinoamericanas, cosa que en ningún caso fue una sorpresa para Alonso, ya que entre sus anteriores pergaminos, este trabajo del año 2004 venía precedido con un premio otorgado en el Festival de Viennale, en Austria, uno de los más reconocidos a nivel europeo.

No hay ninguna sorpresa entonces, ya que el cine argentino está viviendo un auge muy parecido al de nuestro cine chileno. Y si bien aún no nos hemos familiarizado con este director, ni con su primer trabajo titulado "La Libertad", no cabe duda que el galardón obtenido en el primer SANFIC hará de Lisandro Alonso un nombre que difícilmente se podrá olvidar. Al desmenuzar "Los Muertos" quedará claro el porqué, pues no es en absoluto una película fácil de digerir, por lo menos para el público con gustos más masivos.



La historia se presenta en medio del verde de un pantano, con un grupo de cuerpos inertes arrojados en el suelo. Sin duda, lo más descriptivo del título de este metraje que tuvo como nombre alternativo el de "Sangre", pero que finalmente fue llamado "Los Muertos". Inmediatamente después comienza la presentación de Vargas (Argentino Vargas), un hombre de cincuenta y cuatro años, preso en una cárcel de Corrientes, el que recibe la noticia que saldrá en libertad, con lo cual podrá retornar por fin al mundo exterior. No cabe duda entonces, Vargas fue quien dio cuenta de aquellos infortunados que aparecieron al principio, crimen que lo hizo purgar su culpa por treinta años.

Lisandro Alonso comienza entonces a presentar a un ser humano tremendamente complejo, y a la vez sencillo. Esta aparente dicotomía solo se explica a medida que avanza la historia y vamos conociendo a un ajado Vargas, cuyo aspecto tosco y deslavado, va muy acorde con una personalidad introvertida, de pocas palabras, pero que en su interior carga con todas las culpas de su pasado. “Eso ya pasó”, es lo único que atina a responder cuando alguien al reconocerlo le pregunta por lo sucedido años atrás, y cuyas víctimas llevaban su propia sangre. No es un malhumorado, tampoco un soberbio ni un agresivo provocador, es solo un cincuentón parco y huraño, que prefiere respirar y seguir su curso sin delatar la más mínima internalización de sus ideas y sentimientos. Con esa frialdad es que llega hasta su pueblo natal para ir en busca de su hija, María, la única pariente con la cual cuenta una vez puesto en libertad.



En su búsqueda por María este hombre curtido por el destino va ejemplificando la vida que día a día se puede ver en la Argentina rural y de extrema pobreza de las provincias, donde gracias al dinero que logró ganarse en la cárcel busca algún regalo para su hija, se da el gusto de visitar a una miserable prostituta que atiende a sus clientes casi a vista y paciencia de sus hijos, y se consigue un bote para remar hasta dar con su familia. Es en ese viaje a través el río donde pone en práctica costumbres y aprendizajes que nunca olvidó tras las rejas, como robar miel de un panal de abejas y degollar a una cabra que se encuentra en la rivera, la cual destripa con maestría dentro del bote. Todo, en medio de una naturalidad que sorprende, pero que no todo el público está dispuesto a ver con la mayor naturalidad del mundo.

Con uno de los finales más abiertos que haya podido ver, la cinta de Alonso no deja otra sensación más que dudar si el mal que habitó dentro de Vargas quizás nunca desapareció del todo. Tras los años de encierro, su esencia, con más o menos matices, al parecer sigue siendo la misma. Los íconos del juguete en el suelo, dejado ahí por el hijo de María cuando recibe a su abuelo en medio de la miseria, dejan un margen tremendamente abierto para la duda. Alonso manejó todos los tiempos para presentarnos a este hombre tan simple y difícil de describir a la vez, pero deja al espectador la tarea de concluir qué pasa realmente con este individuo que retorna a la libertad y vuelve con los suyos.

Difícil que el público masivo reciba a una cinta casi testimonial como esta y la convierta en un éxito de taquilla, cosa que además no ocurrió, ya que nunca fue estrenada de manera oficial en nuestro país. Pero claramente estamos frente a uno de los trabajos más interesantes del último tiempo, donde nuevamente un realizador argentino recluta a un no actor para darle vida al protagonista de un historia tan singular. Carlos Sorín ya nos había dado una pauta a través de “Bombón, el Perro”. Sin embargo, el personaje de Argentino Vargas a la gran mayoría de los chilenos les recordará al “Chacal de Nahueltoro”, el clásico personaje de Miguel Littin, ya que aunque se trate de historias y enfoques totalmente distintos, es el complejo mundo interior de un personaje de estas características, inmerso en las consecuencias del crimen, lo que los hará centrar la mirada en un Vargas que puede estar en cualquier parte de nuestra América, incluso más cerca de lo que cualquiera de nosotros pudiese imaginar.

Una muy buena realización, la que en todo caso hay que estar preparado para verla, pues es la única forma de poder entenderla y aceptarla como lo que realmente es, una mirada íntima y espiritual dentro de un alma cubierta por una carcasa. De lo más interesante que hayamos podido apreciar en nuestro país, aunque tal parece que habrá que seguir esperando para verla en la cartelera local, para que así más público pueda apreciarla y sacar sus propias conclusiones.


Muy Buena





Ficha Técnica:

Nombre: Los Muertos.
Género: Drama
Dirección: Lisandro Alonso
Guión: Lisandro Alonso
Reparto: Argentino Vargas, más extras.
Producción: Micaela Buye
Montaje: Lisandro Alonso
Música: Flor Maleva
País: Argentina
Idioma: Español
Duración: 90 minutos
Año: 2004
Estreno en Chile: Jueves 4 de Agosto del 2005, en el Santiago Festival Internacional de Cine, SANFIC
Link: http://www.velvetrockmine.com.ar/notas/rc064.php

Blog "Comentarios de Cine", sitio acreditado en este SANFIC 2006.

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Clean - 'De Lecciones a Oportunidades'

...el gran mérito que tiene este trabajo es que no solo servirá como ejemplo para adictos que estén en rehabilitación, sino también para todos aquellos que hayan caído en sus vidas, por distintos motivos, y que busquen una merecida nueva oportunidad, porque las lecciones que deja la cinta son imposibles de olvidar...

Clean

DE LECCIONES A OPORTUNIDADES

Un gran estreno del primer Santiago Festival Internacional de Cine, SANFIC 2005.


En Vancouver, Canadá, una cantante de origen chino es la pareja y consejera artística de un rockero en decadencia. Ambos son adictos a la heroína. Un día cualquiera ambos discuten y se recriminan por la ruina en que se encuentran, ella se larga en el auto y va a drogarse frente a un lago, mientras él termina muriendo solo en su habitación, producto de una sobredosis. A la mañana siguiente, la mujer se encuentra con la policía en el departamento, y debido a la histeria por ver muerto a su compañero, es arrestada por posesión de estupefacientes. Termina siendo juzgada y condenada por suministrarle heroína a quien fuese además el padre de su único hijo, el que ahora vive con sus abuelos paternos. Tras ser liberada, después de meses, decide marcharse a París para intentar recomponer su vida, o lo que queda de ella.

Con semejante argumento, cualquiera pensaría que se está frente a una nueva película que describe el uso y abuso de las drogas, tan propio de la cultura pop/rock que idolatra la juventud rebelde de nuestra sociedad, y las consecuencias que este abuso puede ocasionar con el pasar del tiempo, cuando los años también van pasando. Pues bien, Clean, del director francés Olivier Assayas, efectivamente narra las penurias que conlleva una vida desenfrenada, única responsable del fracaso de muchos seres humanos, en este caso en la música, pero también va más allá de eso. “Clean” como pocas cintas lo han hecho, describe los sinsabores que experimenta un adicto en rehabilitación cuando se da cuenta que los amigos del pasado nunca fueron tales, que el triunfo de otros es la peor bofetada ante el fracaso propio, y que en definitiva, lo único que cuenta para salir del foso no es solo la voluntad propia, ni tampoco una meta loable ante los demás, como intentar sanearse para recuperar a un hijo, sino simplemente el darse cuenta que ese mundo narcotizado y gris jamás sirvió de algo.



Al ver caracterizada a la actriz Maggie Cheung como Emily Wang, una mezcla entre Yoko Ono y Janis Joplin, la primera sensación es intentar hallar un punto de comparación con “Nieve Voladora”, la vengativa guerrera del alabado film oriental “Héroe”, sin embargo, el trabajo de Cheung es memorable en esta cinta, ya que solo su inconfundible rostro es el nexo entre ambos personajes tan disímiles, porque a través de la mirada y la personalidad de Emily el director va retratando a un personaje sumamente complejo, pudiendo verse en un comienzo, producto de las drogas, vehemente frente a su cuestionada relación con el decadente Lee Hauser (James Johnston), después increíblemente conciliadora frente al padre de este y abuelo de su hijo, Albrecht (Nick Nolte), y por su puesto, más calmada y resignada frente a quienes le dan la espalda, pero sin jamás hacerse o sentirse humillada, simplemente abandonada. Más que merecido el premio a Mejor Actriz en el Festival de Cannes 2004.

El otro que destaca enormemente es el norteamericano Nick Nolte, uno de los más conocidos “duros” de Hollywood. Sin embargo, esta vez su rol de abuelo comprensivo, capaz de viajar a escondidas desde Londres a París para entregarle a su pequeño nieto Jay (James Dennis) por dos días a su madre, ya que sabe que ni él ni su desahuciada esposa Rosemary (la canadiense Martha Henry) durarán mucho tiempo, francamente es una de las mejores caracterizaciones que le haya visto, quizás porque el propio Nolte, quien ha sufrido de alcoholismo, sabe lo que significa que alguien tienda una mano cuando todo indica que nadie lo hará. Albrecht es conciente que tarde o temprano la madre reclamará por su hijo, más aún cuando ya está dejando atrás la metadona y tiene un empleo estable en París, por eso prefiere ir pavimentando el camino del reencuentro, pese a la severa oposición de Rosemary.



El resto del elenco son actores prácticamente desconocidos para los chilenos, la mayoría de ellos franceses, sin embargo todos cumplieron en sus roles dentro del entorno de Emily Wang, destacando a la actriz gala Béatrice Dalle como Elena, curiosamente la única amiga de Emily en París que no reniega de ella y la acoge. En tanto, Jeanne Balibar como Irene y Laetitia Spigarelli como Sandrine tendrán apariciones breves, pero intensas y descriptivas frente a las respuestas con que un adicto se encuentra cuando intenta pedir ayuda a sus amigos del pasado. Un guión simplemente de lujo.

Olivier Assayas logra dar con una historia que pudiese parecer simple a primera vista, pero que recrea un universo mucho más complejo dentro del entorno de una mujer que intenta dejar atrás su propio infierno personal, que incluye la adicción a las drogas, el fracaso musical, la muerte de la pareja y la pérdida de un hijo. El guión es capaz de tocar muchos temas sobre las relaciones humanas, pero esencialmente da una mirada hacia las nuevas oportunidades que da la vida, y que hay que saber aprovecharlas, porque el espejo diario no solo muestra cicatrices, sino también lo ganado y lo perdido, siendo mucho más lo segundo.



Aunque es una co-producción entre Francia, Reino Unido y Canadá, la película es mayoritariamente francesa, tanto en su desarrollo geográfico como en el idioma, de hecho, Maggie Cheung destacó además como políglota (tuvo parlamentos en inglés, francés y chino), con lo cual todo indica que se abre un nuevo abanico para producciones hechas en distintos países e idiomas, un claro y saludable signo de integración en materia cinematográfica.

“Clean” posiblemente sea el mejor estreno de la última parte del año 2005, junto a “Der Untergang” de Alemania, aunque con menos prensa, claro está. Pero el gran mérito que tiene este trabajo es que no solo servirá como ejemplo para adictos que estén en etapa de rehabilitación, sino también para todos aquellos que hayan caído en sus vidas, por distintos motivos, y que busquen una merecida nueva oportunidad, porque las lecciones que deja la cinta son imposibles de olvidar.


Excelente





Ficha Técnica:

Nombre: Clean
Género: Drama
Formato: DVD
Dirección: Olivier Assayas
Guión: Olivier Assayas
Reparto: Maggie Cheung, Nick Nolte, Béatrice Dalle, Jeanne Balibar, Don McKellar, Martha Henry, James Johnston, James Dennis, Rémi Martin, Laetitia Spigarelli
Producción: Edouard Weil, Xavier Giannoli, Xavier Marchand y Niv Fichman
Fotografía: Eric Gautier
Música: Brian Ero, David Roback, Tricky
Montaje: Luc Barnier
Vestuario: Anaïs Romand
País: Francia, Reino Unido, Canadá
Idioma: Francés, Inglés, Chino
Duración: 110 minutos
Año: 2003
Estrenos en Chile: Jueves 4 de Agosto del 2005, en el primer SANFIC
Links: http://www.telefilm.gc.ca/data/production/prod_3266.asp?lang=en&

http://cleanmovie.blogspot.com/


CLEAN, cuarto lugar entre las 12 Mejores Películas y Directores del 2005

MAGGIE CHEUNG, Mejor Actriz Protagónica del 2005