Hacer un recuento tiene una finalidad muy especial, es resumir en pocas líneas cómo un determinado grupo de acontecimientos lograron marcar y dejar huellas en un ciclo que se acaba. Bajo esa premisa debemos mirar lo que fue el año cinematográfico 2005 desde una perspectiva más global, es decir, independiente si los títulos exhibidos en cartelera tuvieron una clara intencionalidad comercial, o no. Lo que realmente debería importarnos es detectar cuál fue la idea matriz que logró reunir a los mejores títulos que cada jueves llegaron a nuestras salas, y poder concretar así una idea común a todas estas cintas de selección. Si no lo hiciéramos así bastaría con solo enumerar los estrenos más taquilleros, o los más llamativos y costosos para hacer un simple repaso superficial a un año que acaba de finalizar.
Pues bien, a continuación se presentan ante ustedes las que, en mi opinión, son
las 12 mejores películas del año 2005, en representación de los doce meses del año, aunque no necesariamente representando a cada uno de ellos de manera particular. Todas estas películas fueron escogidas bajo un mismo prisma, es decir, la idea matriz que logró hacer de ellas los títulos más destacados del 2005, independiente si convocaron un alto número de público en las salas, o si pasaron sin pena ni gloria por nuestra taquilla nacional. Estos trabajos consiguieron
conectar al espectador consigo mismo y retratarlos casi como si estuvieran frente a un espejo, la verdad que quizás muchos de ellos no han querido ver, o que simplemente se han resignado a aceptar como parte de sus vidas.
Lo más probable es que los alemanes por primera vez sintieron como sociedad el fracaso del nazismo, más allá de sus monstruosidades, porque fue justamente un realizador alemán quien los enfrentó a la verdad histórica de la derrota externa e interna del Tercer Reich, y vaya con qué crudeza. Más de algún soltero empedernido por fin habrá logrado empatizar con un perdedor en la vida, que solo por las bravuconadas sexuales de su mejor amigo descubrirá que está inmerso en la más absoluta soledad. Por otra parte, es difícil que un adulto, independiente de su origen, nacionalidad o credo no se sienta retratado en los diálogos que caen en lugares comunes y fingir apariencias insufribles, y solo por no delatarse como otro más de los perdedores, aunque sea frente a un hermano de sangre. Qué decir de las consecuencias del uso y abuso de las drogas, por más que sea dentro del circuito de los artistas del rock and roll, quienes por décadas se han vendido ante el resto como los personajes más admirados por una rebeldía que ni ellos mismos logran explicarse muchas veces. Hasta las historias de amor actuarán como espejo para mucho público, yendo desde aquellos que tras conocer las verdades íntimas de extraños cortarán cadenas con la rutina y la frustración, para no caer en lo mismo, hasta aquellos que fantasearán con viajes al futuro para revivir pasajes amorosos que marcaron sus pasados. Ni hablar del drama más profundo, pasando por temáticas como el aborto, la violencia y la eutanasia, temas que siempre han ‘tocado’ hasta a los más duros y soberbios, por más que intenten negarlo una vez terminada la función.
En fin, no le demos más vueltas al asunto, y comencemos a enumerar desde el número 1 al 12, a las
Mejores Producciones del año que acaba de terminar, y por su puesto, a sus
Directores, los máximos responsables de haber finiquitado un trabajo que logró dejar huellas, al punto de convertirlos en clásicos del séptimo arte.
Nº1 - WHISKY
Directores: Pablo Stoll y Juan Pablo Rebella
País: Uruguay 
Decir que esta cinta se ubica en el primer lugar de mi lista por el solo motivo de utilizar recursos mínimos, gracias a los cuales los realizadores Pablo Stoll y Juan Pablo Rebella lograron competir de igual a igual con títulos europeos y norteamericanos, los que también apuntaron a la comedia dramática, sería muy mezquino la verdad, incluso injusto. Lo más razonable sería apuntar a cómo estos dos jóvenes uruguayos lograron retratar en “Whisky” de manera soberbia las relaciones interpersonales que caen en los más jocosos lugares comunes, llenas de diálogos pobrísimos, pero que sin embargo ocultan sentimientos dentro de los protagonistas que provocan en el espectador un irrefrenable deseo de ponerle punto final a las estupideces que pueden hacerse por aparentar, y no ser valientes a la hora de aceptar la verdad. Se ha desperdiciado una vida entera por un hermetismo asombroso, se ama a alguien pero no es posible demostrarlo, se detesta a un hermano, o mejor dicho a su imagen de éxito, pero es preferible fingir, aún a costa de quienes están cerca nuestro y que por lealtad están dispuestos a ayudarnos. Un auténtico retrato del vacío interior en que podemos caer los seres humanos, sobre todo en la vejez. Tres actores maduros que se lucen en sus roles, y que se complementan en cada una de sus escenas, sin duda, otro acierto de los directores, sobre todo en un época donde el endiosamiento a la juventud se torna asfixiante en algunos momentos. Definitivamente un ejercicio sociológico que debe verse y analizar. Genial.
Pablo Stoll y Juan Pablo Rebella
Nº2 - ENTRE COPAS (Sideways)
Director: Alexander Payne
País: Estados Unidos
En una estrechísima llegada por el primer lugar, se ubicó segunda esta película independiente del cine de USA, que bajo la dirección de Alexander Payne, tuvo el mérito, para quienes aún ven a Hollywood como la meca del cine internacional, de haber competido de igual a igual frente a colosos como “The Aviator” y “Million Dollar Baby” durante la última entrega de los premios Oscar. Sin embargo, el gran logro de Payne y su equipo, que por cierto solo obtuvieron la estatuilla dorada por mejor guión adaptado, en comparación a los seis Independent Spirit Award que consiguieron la noche anterior, fue haber trabajado con un excelente guión, basado en el trabajo original de Rex Pickett, pero además de eso, transformar a la historia de dos amigos treintones, Miles y Jack, en la favorita de un gran número de personas, quienes a través de una entretenida y sobria comedia pudieron descubrir cómo dos personalidades opuestas, pero a la vez complementarias, un timorato solterón y un fanfarrón de primera, se ven obligados a sincerarse tras embarcarse en un viaje de juerga, el que traerá consecuencias insospechadas para ambos perdedores, aunque no sin una lección y un recordatorio de lo felices que pueden llegar a ser si realmente se lo proponen y tienen las ideas más que claras, justamente cuando la vida, al igual que el vino, tiene a los individuos en una edad en que no pueden echar marcha atrás para evadir su destino, porque la cepa ya debería de estar madura. Un modesto film, pero que aún así logró servir de espejo para muchos. Nuevamente actuaciones de primer nivel en los roles protagónicos, y también en los secundarios, convirtieron a “Entre Copas” en uno de los inolvidables del 2005.
Alexander Payne y parte del elenco
Nº3 - EL REGRESO (Vozvraschenie / The Return)
Director: Andrey Zvyagintsev
País: Rusia
Definitivamente esta fue la cinta más intensa del año que recién pasó. Heredera de la vieja escuela rusa del cine de Andrei Tarkovski, el realizador Andrey Zvyagintsev nos presentó una secuencia de imágenes de mucho claro oscuro, donde la sensación de angustia mantenía expectante a quienes estábamos del otro lado de la pantalla. Y vaya que estos recursos de fotografía, edición y encuadres rindieron sus frutos, porque la concentración se potenció al máximo al ver a estos dos jóvenes hermanos, cada uno con identidad y personalidad propia, enfrentarse a la llegada de un padre que no quiso dejar su coraza de hombre duro, a pesar de los años de ausencia, y prefirió seguir con su disciplina militar para intentar ganarse a sus hijos, sabiendo de antemano que dicha tarea sería demasiado traumática para ellos, especialmente para el menor. Por momentos “El Regreso” resulta ser una película oscura, exhibiendo además un desenlace algo perturbador, pero que aún así, gracias al excelente trabajo de Zvyagintsev en la dirección, convirtieron a este trabajo en un imperdible del primer semestre del año que finalizó. De las actuaciones protagónicas podemos decir que fueron otro de los puntales, transformando a los actores que le dieron vida al padre y los dos hijos adolescentes en un trío que quedará para siempre en la retina gracias a interpretaciones macizas e impecables. Tras “El Arca Rusa”, el gigante euroasiático volvió a anotarse con uno de los suyos entre los grandes.
Andrey Zvyagintsev
Nº4 - CLEAN
Director: Olivier Assayas
País: Francia, Canadá, Reino Unido
Sin duda el gran mérito del francés Olivier Assayas fue no haber hecho de “Clean” otra cinta más sobre un artista en decadencia por el uso y abuso de los estupefacientes. Ver a Maggie Cheung como la excéntrica pareja de un rockero de medio pelo, que tras la muerte de este último ve como se le cierran casi todas las puertas, incluyendo las de quienes fueron sus cercanos en el pasado, es un mensaje que resulta mucho más universal que el de retratar a estrellas de rock venidas a menos a causa de los narcóticos. Es una lección de vida que puede aplicarse para todos, porque por más alto que estemos siempre habrá una caída, y si los lazos no fueron sinceros y firmes con quienes nos rodeamos en el pasado, el presente y el futuro pueden resultar mucho más oscuros de lo que suponemos. Pero siempre hay una luz que puede dar segundas oportunidades, así entonces Assayas explora en el día a día de alguien que toca fondo y que lastimosamente intenta sanearse y salir adelante, en especial por un hijo, el que esta mujer casi creía perdido por decisiones mal tomadas, claro que en medio del caos. Una fantástica actuación protagónica, como pocas, y en medio de una co-producción entre tres países que hicieron de “Clean” un producto muy particular, situarse en tres suelos distintos y teniendo a Cheung con parlamentos en distintos idiomas. Aún así, la cinta es mayoritariamente gala, poniendo así el nombre de Francia entre los países que más de sus trabajos fueron exhibidos el 2005 en la cartelera chilena.
Olivier Assayas (derecha) junto a Maggie Cheung y Nick Nolte
Nº5 - 2046
Director: Wong Kar Wai
País: China
Cuando el cine es entendido como un arte, y un director como Wong Kar Wai así quiere dar a conocer su trabajo, los resultados pueden llegar a ser en extremo sedantes. “2046”, conocido también como “Los Secretos del Amor”, es un trabajo que a mucha gente podrá resultarle difícil de comprender en un primer momento, y es que se trata de un ejercicio audiovisual tan íntimo y personal del director asiático, que efectivamente requiere de una comprensión y concentración que no mucho público está dispuesto a ejercitar. Sin embargo, cuando el mensaje es codificado y comprendido en su esencia los resultados entre los receptores pueden llegar a ser más que satisfactorios, provocando una admiración asombrosa no solo en este, sino también en otros de los trabajos del realizador chino. En esta cinta, un escritor que vive en la década de los ’60 fantasea con la idea de viajar hasta el año 2046, donde todos viajan en un tren con la idea de recuperar la memoria perdida. El protagonista entonces va de recoveco en recoveco, laberinto en laberinto, recordando sus andanzas amorosas con la idea de llegar hasta a quien fue su gran amor, alguna de aquellas hermosas mujeres que aparecen en sus recuerdos, todas disímiles entre sí, proyectando esas remembranzas en aquel viaje hasta el 2046. Con una impecable fotografía, una asombrosa edición y una estética de gran belleza, sin duda esta película quedará en los anales del cine como uno de los trabajos experimentales más sofisticados, elegantes e intimistas que se hayan logrado hacer. Sus múltiples premios internacionales lo avalan, incluyendo el de la crítica en el Festival de Cannes 2004.
Wong Kar Wai en el set de filmación
Nº6 - LA CAÍDA (Der Untergang / The Downfall)
Director: Olivier Hirschbiegel
País: Alemania
Qué más decir sobre este estremecedor film que ya no se haya dicho. Bastaría con repetir que es una de las mejores cintas bélicas de la historia y podríamos darnos por satisfechos, pero obviamente esa no es la idea, y hay material de sobra para extenderse un poco más. El alemán Olivier Hirschbiegel, basado en la novela de Joachim Fest y el testimonio personal de Traudl Junge, logró hacer de “La Caída” un verdadero documento audiovisual que narrara y describiera los estertores del régimen nazi, con Adolf Hitler suicidándose dentro de su bunker junto a su esposa. El realizador germano no se dejaría llevar por la tradicional imagen que del Führer ha explotado hasta la saciedad la industria cinematográfica mundial, en especial la estadounidense, y le daría al dictador un perfil mucho más propio y ajustado lo más posible a la realidad, sin caer en estereotipos, ni mucho menos en caricaturas. Hitler, el gran asesino del siglo XX, sería retratado como un ser humano mucho más complejo, capaz de tener pequeños gestos de humildad y cortesía en medio de los eventos más dramáticos, y a su vez, su entorno sería retratado en la misma línea, desde generales, tenientes, soldados y colaboradores, todos cayendo presa de la desesperación, el desorden y hasta la traición. Similar lectura habría también para los civiles. Con una descripción como la anterior quedaba claro que sería dentro de la misma industria cinematográfica de Alemania en donde nacería por fin un producto auténtico, fidedigno y con una mirada lo más lejana posible a la panfletería barata que retratase los últimos minutos del Tercer Reich, y las duras consecuencias que debieron sortear quienes lo llevaron precisamente al poder. Con una actuación memorable del suizo Bruno Ganz como Hitler, los mismos alemanes, tal como en la comedia “Good Bye Lenin”, supieron mirar hacia adentro de manera magistral para hacerle frente a su propio pasado.
Oliver Hirschbiegel (derecha) junto al productor Bernd Eichinger
Nº 7 - PRIMAVERA, VERANO, OTOÑO, INVIERNO... Y PRIMAVERA
(Bom, Yeoreum, Gaeul, Gyeowool, Geurigo, Bom)
Director: Kim Ki-Duk
País: Corea del Sur / Alemania
Siempre llamó la atención el kilométrico título de esta película oriental, pero por increíble que parezca, dicho nombre es la mejor descripción de esta cinta subdividida en cuatro partes, las cuatro estaciones del año, más la vuelta al ciclo en una de ellas: la primavera. No decimos nada nuevo si reiteramos que el cine asiático ha marcado pauta a la hora de convertir sus historias en verdaderas poesías, y este trabajo del director coreano Kim Ki-Duk sin duda logra retratar el alma humana de una manera realmente poética, tomando como base la instrucción que un austero monje realiza sobre un niño aprendiz que tiene a su cargo, a quien desde pequeño le enseña las lecciones de vida que nunca deberá olvidar. Al menos eso es lo que espera. Sin embargo, a medida que avanzan las estaciones, y por ende la trama, el joven aprendiz no solo va creciendo, sino que además nacen en él los sentimientos del amor y la posesión, los que más temprano que tarde le acarrearán graves consecuencias. Es ahí donde Ki-Dunk comienza a presentar la metáfora de los cambios negativos en el ser humano, que lo llevan por terrenos fangosos hasta verse sumido en la más completa desesperación, teniendo que regresar a sus raíces para volver a tener el conocimiento necesario de sí mismo para poder enfrentar la adversidad y el resto de vida que queda. La iconografía oriental se convierte aquí una vez más en la mejor arma a que recurre el director para presentar este cuento taoísta, especialmente a través de la bellísima fotografía. Sin lugar a dudas, “Primavera, Verano, Otoño, Invierno... y Primavera” es un espectáculo lleno de fábula, color y simbología, que deja en el público la grata sensación de haber asistido a una hermosa lección de vida.
Kim Ki-Duk
Nº8 - LA VENTANA DE ENFRENTE (La Finestra di Fronte)
Director: Ferzan Ozpetek
País: Italia
Una película que increíblemente no despertó mayor interés entre el público más masivo, pese a tratarse de la película romántica del 2005, ya que como nunca el guión, la edición y la dirección del realizador turco Ferzan Ozpetek, lograron crear una atmósfera intimista y pausada que invitaba a sentarse, relajarse y disfrutar de una de las historias más sorprendentes que pudiesen retratarse a la hora de describir un tema sumamente manoseado en el pasado: el amor prohibido. Ozpetek, siendo además uno de los guionistas, sabía que presentar la simple historia de una mujer frustrada, que pese a su juventud y belleza veía pasar la vida como una hora más del reloj, hasta que decide buscar un amor clandestino, no dejaría un saldo muy positivo, precisamente por lo reiterativo del tema. Ahora bien, si ese cambio de vida y actitud era provocado por un suceso, o mejor dicho, por un personaje que irrumpiera dentro su vida, al punto de hacerla comprender que sí podía dar un paso adelante y atreverse, el resultado podía ser completamente distinto, y por ende mucho más que satisfactorio. Pues bien, “La Ventana de Enfrente” intercala a través de sus dos personajes centrales el presente y el pasado para narrar dos historias de amores imposibles, siendo la que se desarrolla en la Italia de los ’40, bajo ocupación alemana, una historia mucho más repudiada que la actual, y con trágicas consecuencias, pero que de todos modos servirá de fuente de inspiración para la protagonista femenina en la Roma actual. Una bellísima historia que merece ser vista y comentada no solo por lo sorprendente de su trama, sino además por la universalidad de su mensaje, es decir, atreverse. Los actores principales también destacaron por sus grandes actuaciones. Repito, la mejor película de amor del año que terminó.
Ferzan Ozpetek dando instrucciones al elenco
Nº9 - VERA DRAKE
Director: Mike Leigh
País: Reino Unido
Generalmente las historias de drama, en su sentido más puro y estricto, son las preferidas a la hora de exponer realidades que sociedades en todo el mundo muchas veces prefieren tocar de manera tangencial, o simplemente ocultar. Ahora bien, el director británico Mike Leigh es un especialista a la hora de llevar a la pantalla historias de personajes que interactúan fuertemente entre sí, hasta desembocar en un clímax donde todos ellos exponen su verdad ante los hechos y los llevan a replantearse sus vidas y las situaciones en que se desenvuelven. En el caso de “Vera Drake”, o “El Secreto de Vera Drake”, Leigh nuevamente recurre a su lógica como director, y va dándole vida a la historia de una mujer que comete, a todas luces, actos criminales a través de prácticas abortivas, y de manera totalmente clandestina. Sin embargo, la protagonista, interpretada de manera magistral por Imelda Staunton, sabe que actúa mal, sabe que agrava más su falta ocultando su actividad a su familia, pero tiene motivos muy fuertes para hacer lo que hace, y así lo expondrá ella misma, no sin antes lidiar con la vergüenza y el descrédito, cuando se ve acorralada. El director entonces sabe que tiene a su favor nuevamente un clímax de proporciones a la hora de conocerse la verdad, consiguiendo con esto, además de las soberbias actuaciones, un resultado de primer nivel, que convierten a esta película británica en el mejor drama social que se haya llevado a la pantalla grande, aunque esté ambientado en el Londres de 1950. Impecable.
Mike Leigh dando instrucciones a Imelda Staunton
Nº10 - MILLION DOLLAR BABY
Director: Clint Eastwood
País: Estados Unidos
La gran ganadora de los premios de la Academia. Clint Eastwood en su faceta como director ha mostrado siempre un interés por las historias densas, donde muchas veces las situaciones que van entretejiéndose presentan una atmósfera difícil de sobrellevar por el espectador. Aún así Eastwood se ha ganado un público fiel a su cinematografía, la mayoría de ellos admiradores que arrastra desde sus mejores años como actor de culto, interpretando al implacable cowboy, o el rudo policía, en películas que lo inmortalizaron en los ’60 y ’70. Ahora sin embargo, con una trayectoria reconocida y respetada en el medio norteamericano, el longevo actor y director nos presenta historias de la talla de un “Río Místico” o de esta, “Million Dollar Baby”, una historia trágica, llevada a su punto más dramático, y que tiene por misión sobrecoger a quien está sentado en su butaca para hacerlo reflexionar sobre las vueltas de la vida y las vicisitudes que el destino le depara a sus personajes protagónicos, esta vez un gris entrenador de boxeo, que a regañadientes acepta en su escuela a una joven mujer, ávida por alcanzar un lugar en el boxeo femenino, para salir del anonimato y la miseria. Y aunque el éxito y la fama no tardan en llegar, el epílogo trae consigo el conmovedor drama de la eutanasia, razón por la cual difícilmente podría catalogarse a esta como una película más sobre boxeo, ya que el fin que busca Eastwood es retratar el reencuentro consigo mismo a raíz del éxito y el fracaso, a través del drama humano más intenso. Grandes actuaciones de Hilary Swank, Morgan Freeman y del mismo Clint Eastwood. Aunque sigo considerando superior a la independiente “Entre Copas”, no me desagradó mayormente que obtuviera el apetecido Oscar a mejor película y director.
Clint Eastwood supervisando la dirección
Nº11 - MAR ADENTRO (Sea Inside)
Director: Alejandro Amenábar
País: España
Debo partir señalando que cuando presencié esta cinta a comienzos de año, en uno de los festivales que se exhiben en Santiago, supuse que esta podría ser claramente la película del año, ya que reunía todos los ingredientes que a menudo consiguen que ciertos títulos se lleven los máximos galardones. Una actuación y caracterización memorable, la de Javier Bardem, las demás actuaciones secundarias, un tema tan llamativo y debatible como la eutanasia, una fotografía de primer nivel, lo mismo que el guión y la música incidental, y por su puesto, el sello de su director, el hispano Alejandro Amenábar. Y aunque “Mar Adentro” arrasó en los premios Goya, sumando además el Oscar a mejor película extranjera, debo reconocer que con el paso de los meses otras cintas fueron desplazándola de su sitial, al punto que la misma “Million Dollar Baby”, aunque a través de una historia totalmente distinta, abordó también el espinudo tema de la muerte asistida, con lo cual su tema de discusión también tuvo que ser compartido con otra de sus pares. Aún así, la historia de Ramón Sanpedro merece un lugar destacado entre los principales títulos el año, ya que efectivamente logró emocionar a gran parte del público a través de una actuación protagónica que será recordada por mucho tiempo, y por cierto, de la mano de un realizador español que se ha convertido en maestro a la hora de presentar cuadros bellamente fotografiados, con el uso constante de colores que se contraponen tanto en matiz como en tonalidad para crear una atmósfera llena de sensaciones.
Alejandro Amenábar junto a Javier Bardem
Nº12 - PLAY
Directora: Alicia Scherson
País: Chile
Tras el suceso que provocó “Machuca” el año anterior, muchos pensaron que el 2005 difícilmente otra cinta chilena igualaría a la película de Andrés Word, y aunque efectivamente ninguna de las producciones nacionales logró repetir el mismo éxito de la historia de los dos niños que se hacen amigos en la Unidad Popular, al menos “Play”, de la novel realizadora chilena Alicia Scherson, refrescó nuestra mirada sobre el cine nacional y sus temáticas a tratar, al punto que hoy día pareciera no ser ya un requisito previo que un director tenga que seguir hurgando en la trágica historia reciente de Chile para hacerse respetar. Ahora miradas más lúdicas hacia situaciones como las de una enigmática Cristina Llancaleo, introvertida empleada de origen mapuche interpretada por la debutante Viviana Herrera, y que se deslumbra ante la vida de un extraño de buena situación al cual sigue a diario escuchando música a través de un discman, son parte de una refrescante mirada de jóvenes realizadores que buscan nuevos estilos, temáticas y que se atreven a experimentar, aún a costa de ser criticados por una supuesta falta de compromiso, o de ideas poco convencionales. Scherson no consigue nada fuera de lo común dentro de la cinematografía chilena, en eso tenemos que ser claros, pero si debemos reconocer que cuando existen las ganas y la necesidad de innovar, experimentos como “Play” son más que bienvenidos.
Alicia Scherson junto a Viviana Herrera
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Más abajo en el Blog está un resumen con los mejores Actores y Actrices del año, y les adelanto que el trabajo de resumen
continuará.
Nos falta por ver las Mejores Películas Restantes, las mejores Películas de Ficción y los Mejores Documentales.
