Glenn Ford - 'Muere Otro Gran Icono'

... otro ídolo de infancia que quedará en el recuerdo...

GLENN FORD

(1916 - 2006)

Aunque la trágica muerte del biólogo y presentador de televisión australiano Steve Irwin, "El Cazador de Cocodrilos", acaparó todas las portadas noticiosas desde el día 4 de Septiembre pasado, hubo otro deceso pocos días antes, el miércoles 30 de Agosto, que enlutó a toda la cinematografía internacional. Ese día, a la edad de 90 años falleció uno de lo máximos ídolos masculinos de la Edad de Oro del cine estadounidense, me refiero al rudo y carismático Glenn Ford.

Ford, cuyo verdadero nombre era Gyrylyn Samuel Newton Ford, nació en Quebec, Canadá, y solo a los ocho años emigró a los Estados Unidos debido al traslado de su padre por motivos de trabajo. Desde niño mostró interés por el oficio de actor y ya adolescente formó parte de la compañía itinerante West Coast. Su primer rol en las ligas mayores lo obtuvo en 1939 en el film Heaven with a barbed wire fence, del director Ricardo Cortez, producción a cargo de la poderosa 20Th Century Fox.


A continuación, una escena clásica en otro de los films que inmortalizaron a Glenn Ford:

Glenn Ford y Gloria Grahame en "Human Desire" (1954)

De ahí en adelante la carrera cinematográfica de este nuevo símbolo de la masculinidad estaría llena de roles donde Ford compartiría con hermosas actrices y otros grandes actores y directores norteamericanos, tanto en cintas de acción, drama e incluso westerns.

Estas son solo algunas de las películas dentro de toda su Filmografía:

Década del '40
1942 : "El barco de la muerte" ("The Adventures of Martin Eden") de Sydney Salkow.
1943 : "Los desesperados" ("The Desperadoes") de Charles Vidor.
1946 : "Gilda" de Charles Vidor.
1948 : "Los amores de Carmen" ("The Loves of Carmen") de Charles Vidor
"El hombre de Colorado" ("The Man From Colorado") de Henry Levin.

Década del '50
1950 : "La montaña trágica" ("The White Tower") de Ted Tetzlaff.
"Drama en presidio" ("Convicted") de Henry Levin.
1953 : "El desertor de El Álamo" ("The Man from Alamo") de Budd Boetticher.
"Los sobornados" ("The Big Heat") de Fritz Lang.
1954 : "Deseos humanos" ("Human Desire") de Fritz Lang.
1955 : "El americano" ("The Americano") de William Castle.
"Hombres violentos" ("The Violent Men") de Rudolph Maté.
"Semilla de maldad" ("The Blackboard Jungle") de Richard Brooks.
"La furia de los justos" ("Trial") de Mark Robson.
1956 : "Rapto" ("Ransom!") de Alex Segal.
"Llega un pistolero" ("The Fastest Gun Alive") de Russell Rouse.
1957 : "Cowboy" de Delmer Daves.
"Furia en el valle" ("The Sheepman") de George Marshall.
1959 : "Empezó con un beso" ("It Started With a Kiss") de George Marshall.

Década del '60
1960 : "Cimarrón" de Anthony Mann.
1961 : "La casa de las tres geishas" ("Cry for Happy") de George Marshall.
"Un gángster para un milagro" ("Pocketful of Miracles") de Frank Capra.
1962 : "Los cuatro jinetes del apocalipsis" ("The Four Horsemen of the Apocalypse") de Vincente Minnelli.
1964 : "La furia de los cobardes" ("Advance to the Rear") de George Marshall.
1966 : "¿Arde París?" ("Paris brûle-t-il?") de René Clément.
1967 : "La cabalgata de los malditos" ("A Time for Killing") de Phil Karlson.

Década del '70
1976 : "La batalla de Midway" ("Midway") de Jack Smight.
1978 : "Superman" de Richard Donner.

Década del '80
1980 : "Exterminio" ("Virus") de Kinji Fukasaku.
1981 : "Cumpleaños mortal" ("Happy Birthday To Me") de J. Lee Thompson.


Otra escena clásica, esta vez en "Gilda", junto a su admirada Rita Hayworth:

Rita Hayworth y Glenn Ford en "Gilda" (1946)

Glenn Ford partió de este mundo el 30 de Agosto del 2006, pero su legado, como el de muchas otras luminarias del Séptimo Arte, quedará inmortalizado para siempre en sus recordados trabajos, además de permanecer para siempre en la memoria de quienes fuimos y seguiremos siendo sus admiradores.

Glenn Ford

El Niño - "Un Dudoso Arrepentimiento"

... Se trata de una gran película, un imperdible para quienes dicen amar el buen cine y esperan constantemente estrenos alejados del agobiante marketing norteamericano, aunque tampoco se trata de un título que podamos encasillar dentro de ese estereotipado concepto de “cine arte”, ese que más que cautivar simplemente aburre...

El Niño

UN DUDOSO ARREPENTIMIENTO

A solo un mes de haber conocido a su excelente predecesora, la belga “El Hijo”, durante el pasado Festival Internacional de Cine de Santiago, llegó ahora a nuestro país una clara aspirante a convertirse en la mejor película del año, exhibiendo entre sus conquistas la apetecida Palma de Oro de Cannes en el 2005. Hace algunas semanas, además, se alzó como mejor largometraje en otro certamen chileno de séptimo arte, el Festival de Cine de Valdivia. Con semejantes pergaminos se trataría de un tremendo error no asistir a ver esta magnífica cinta de los hermanos Jean-Pierre y Luc Dardenne, sin embargo son mucho más que los premios y trofeos lo que distinguen a El Niño, pudiendo afirmar sin pecar de soberbia que esta producción está destinada a convertirse en un clásico del cine europeo e internacional.

Los hermanos Dardenne ya tienen un sello propio en cuanto a cinematografía, y quienes han podido apreciar sus elogiados trabajos podrán dar fe de aquello. Tanto “La Promesa”, “El Hijo” y “El Niño” tienen un estilo donde la dirección se centra claramente en los actores mediante tomas y secuencias en primeros planos, destinados a no perder ni un solo detalle del comportamiento de quienes llevan el hilo conductor de las historias. Muchas veces el trabajo de cámara es el verdadero motor en las escenas, convirtiendo al espectador prácticamente en la sombra de los personajes.



“El Niño” no se aleja en absoluto de este sello, pero lejos de ser una crítica por falta de originalidad, lo que ambos hermanos belgas ponen en marcha es una continua e inteligente lógica que va adecuándose según la historia y los personajes que quieren exponer. Así como en “El Hijo” el actor Olivier Gourmet fue retratado de pies a cabeza como el atribulado instructor que se hace cargo de quien destruyó su vida, en “El Niño” el joven actor Jérémie Renier, quien le da vida a Bruno, no tiene ninguna chance de engañar al espectador mediante sus artimañas, que por momentos lo convierten en un despreciable villano, en otras en un inmaduro exasperante y finalmente en otra víctima que clama por misericordia.

La dirección de los Dardenne tiene por misión retratar a este "niño" crecido a tal punto, que ni siquiera es necesario esperar el final para formarse un juicio sobre él, ya sea a favor o en contra. La historia de hecho podría parecer un drama perturbador, ya que nos presenta a una pareja de despreocupados jóvenes que viven de los robos menores de Bruno, en conjunto con otros menores de edad, y del subsidio que recibe del Estado Sonia (Déborah François), su pareja.



Sin embargo, pese a la vergonzosa e irresponsable situación en que llevan sus vidas Sonia y Bruno, hay un elemento que pareciera llevarlos hacia un punto de inflexión, al menos en cuanto a sus prioridades. Ambos acaban de ser padres de un hijo varón. Este niño sin embargo, que se supone sería el motivo que uniría más a la pareja, y quizás enmendar sus vidas, lamentablemente termina por enfrentarlos casi irreconciliablemente, puesto que Bruno, aprovechándose de un paseo junto a Sonia, pone en marcha un plan que venía urdiendo mucho antes, consistente en vender al infante por una suculenta suma de dinero.

Una vez hecho el ‘negocio’, Bruno regresa como si nada donde Sonia, empujando tranquilamente el coche donde habían llevado al menor de paseo. La pobre muchacha termina desmayada tras enterarse de la verdad por boca del propio Bruno, en especial, cuando le escucha decir que solo bastaba con que tuvieran otro para sanar aquella pérdida. De ahí en adelante la relación entre ambos jóvenes se triza de manera definitiva, sin importar que Bruno logre recuperar el menor, aunque haya sido más por la denuncia que Sonia hizo a la policía que por un arrepentimiento propio.



También hay espacio para la redención, como en todas las películas con el sello Dardenne, pero en este caso posterior al dolor que precede el arrepentimiento, simbolizado en el duro trance por el cual debe pasar Bruno una vez que se queda sin el apoyo de Sonia y debe hacerle frente a las represalias de quienes lo ayudaron en su macabro plan con el infante. De esta manera, la interpretación de Jérémie Renier se transforma en lo mejor de la cinta, ya que su paso desde el amoral que cree tenerlo todo bajo control, y la posterior víctima de sus propios actos, lo convierten en el eje de “El Niño”.

Se trata de una gran película, un imperdible para quienes dicen amar el buen cine y esperan constantemente estrenos alejados del agobiante marketing norteamericano, aunque tampoco se trata de un título que podamos encasillar dentro de ese estereotipado concepto de “cine arte”, ese que más que cautivar simplemente aburre. Con características técnicas similares a “El Hijo”, incluyendo una breve aparición del actor fetiche de los hermanos Dardenne, Olivier Gourmet, “El Niño” simplemente deslumbra, ya que es un excelente reflejo de la miseria humana entre aquellos que fácilmente pueden reconocerse en una metrópolis, inmersos en la comodidad que les reporta una vida destruida por la inmadurez. ¿Una crítica entonces hacia la juventud? En ningún caso, aunque fácilmente algunos podrían entenderlo así, más aún si no han visto la película.

En definitiva, un regalo para esta segunda mitad del año.


Excelente





Ficha Técnica:

Nombre: El Niño (L’Enfant / The Child)
Género: Drama
Dirección: Jean-Pierre y Luc Dardenne
Guión: Jean-Pierre y Luc Dardenne
Reparto: Jérémie Renier, Déborah François, Jérémie Segard, Fabrizio Rongione, Olivier Gourmet, Mireille Bailly, Samuel De Ryck, Sophia Leboutte, Frédéric Bodson, Léon Michaux
Producción: Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne y Denis Freyd
Fotografía: Alain Marcoen
Montaje: Marie-Hélène Dozo
Vestuario: Monic Parelle
País: Bélgica, Francia
Idioma: Francés
Duración: 100 minutos
Año: 2005
Link: http://www.sonyclassics.com/thechild/



Otras opiniones sobre "El Niño", de los hermanos Dardenne:

Revista "Voraz"

Blog "Influencias", de Novotny

Este fue mi comentario sobre El Hijo, su antecesora.

Oro Nazi en Argentina - "Sorprendente Vergüenza"

... los resultados de este trabajo son elocuentes, a la vez que escalofriantes, ya que señalan con sorprendente claridad los contactos que tuvo el emergente peronismo, movimiento político y social que marcó a Argentina desde la década del treinta, con prominentes jerarcas del Tercer Reich...

Oro Nazi en Argentina

SORPRENDENTE VERGÜENZA

Aunque ya fue estrenada hace un par de semanas en el canal de cable Cinemax, el documental trasandino Oro Nazi en Argentina, del director Polo Pereyra, tuvo su primer acercamiento con el público chileno durante el pasado SANFIC 2006, aunque eso sí, no estuvo ni cerca de llamar la atención del respetable en comparación a otros títulos que engalanaron dicho certamen santiaguino. De hecho, la noche en que asistí a ver esta sorprendente producción argentina, el público en la sala no era ni la cuarta parte en relación al que estaba viendo en ese horario “Manderlay”, de Lars von Trier.

Resulta curioso entonces que el interés por esta cinta haya sido tan mínimo, tomando en cuenta que se trata de una trama donde se presentan y afirman teorías, además de hechos concretos, que no solo comprometen a todo el establishment argentino, sino que deberían estar generando toda suerte de caza de brujas con aquellos que guardaron silencio y colaboraron en uno de los acontecimientos más vergonzosos que se hayan documentado en la Argentina del siglo XX. Los innumerables seguidores que aún quedan de Juan Domingo Perón, y por su puesto su mítica esposa, Evita, deberían estar retorciéndose por la bronca.



Este documental, que presenta varias recreaciones de primer nivel en cuanto a producción y ambientación histórica, centra su investigación en la arista sudamericana de la mundialmente famosa operación “Odessa”, la misma que permitió a altos jerarcas del nazismo alemán burlarse de la justicia y la venganza de los sobrevivientes del Holocausto judío, pero con un detalle no menor. Los criminales nazis tuvieron la suficiente agudeza para preparar su escape llevándose con ellos todo el oro que les reportó la deportación de millones de seres humanos a los campos de concentración, sus legítimos dueños. El destino predilecto de esta masiva fuga sería una de las naciones sudamericanas más grandes y con mayor apoyo hacia las ideas nacionalsocialistas en aquellos años, por su puesto, el país del otro lado de la cordillera.

Este trabajo está basado en el libro “Odessa al Sur”, del periodista argentino Jorge Camarasa, y a su vez, está sustentado por el trabajo de tres connotados investigadores, Jean Ziegler, Beatriz Gurevich y Uki Goñi. Sus resultados son elocuentes, a la vez que escalofriantes, ya que señalan con sorprendente claridad los contactos que tuvo el emergente peronismo, movimiento político y social que marcó a Argentina desde la década del treinta, con prominentes jerarcas del Tercer Reich y muchos de sus hombres de nivel medio, los mismos que establecieron los nexos con simpatizantes argentinos para que hombres como Adolf Eichmann y Joseph Mengele, entre otros, pudieran refugiarse con nuevas identidades, provistos del apetecido oro robado a los judíos y lejos del alcance de la justicia internacional.



El documental señala claramente los nexos que permitieron que la patagonia argentina sirviera de escape para estos alemanes, pero por sobre todo, se trata de una denuncia que no trepida en apuntar con nombre y apellido a quienes fueron responsables de enlodar la política y la sociedad argentina de esos años con toda esta tenebrosa misión. Sin embargo, bastante tienen que decir no solo los seguidores del nazismo en Argentina, camuflados inteligentemente dentro del peronismo, sino también El Vaticano y los cuestionados bancos suizos, estos últimos, sin duda los que más se aseguraron que todo el oro robado fuera bien resguardado por sus nuevos dueños.

Este es un trabajo de primer nivel en lo audiovisual, y vaya que es interesante su trama, más aún cuando algunos de los aludidos, activos colaboradores europeos y argentinos con el gobierno de Juan Domingo y Evita Perón, aún estaban con vida al momento de realizarse esta producción cinematográfica. Su descendencia por ende, es la que debe hacerse cargo, para bien o para mal, del legado que sus padres y abuelos dejaron en suelo sudamericano.

Una investigación de años, que ha cosechado innumerables elogios y varias nominaciones para mejor documental en distintos festivales de cine, y que con un poco de más de promoción estoy seguro que lograría cautivar el natural de interés de una gran parte del público internacional, especialmente del argentino y chileno.


Muy Buena






Ficha Técnica:

Nombre: Oro Nazi en Argentina (Nazi Gold in Argentina)
Género: Documental
Dirección: Rolo Pereyra
Guión: Rolo Pereyra y Jorge Camarasa. Basado en el libro "Odessa al sur" de Jorge Camarasa
Producción: Pedro Félix Leda
Fotografía: Pacho Guerty y Mariano De Lucca
Montaje: Pablo Mangiarotti y Rolo Pereyra
País: Argentina
Idioma: Español
Duración: 93 minutos
Año: 2004
Link: http://www.oronazienargentina.com.ar/

El Rey de los Huevones - "Poco Más Que Una Huevada"

... Queda como tarea responder cuál fue el real objetivo detrás de esta producción chilena, la que sin ser del todo mala, sigo confiando en que no haya sido nada más que una vía para ganar dinero a raudales...

El Rey de los Huevones

POCO MÁS QUE UNA HUEVADA

Sin duda que la palabra favorita del chileno, un auténtico y bien pronunciado “huevón”, necesitaba de un espaldarazo de proporciones mediante un éxito mediático para quedarse en el léxico nacional, de manera definitiva, sin necesidad de apelar a los recientes diccionarios de la Real Academia para intentar justificar su uso en el lenguaje, camuflándolo de manera irrisoria como sinónimo de la palabra ‘amigo’. Bien podría decirse que este es el gran mérito de El Rey de los Huevones, la última apuesta del actor y director chileno Boris Quercia, mismo cerebro detrás de la taquillera “Sexo con Amor”.

Podría sonar casi lapidario este comentario, decir que lo único positivo que deja esta comedia nacional, con algunos chispazos de drama, es que su único legado será simplemente desinhibir a los chilenos frente a una palabra que, hasta hace unos diez años atrás, podía usarse solo entre amigos y habiendo mucha confianza desde antes. Pues bien, es verdad, poco se puede rescatar de esta producción que muchos avizoraban como débil desde un comienzo, antes de estrenarse. Sin embargo, antes de lanzarla al baúl de los recuerdos, o peor aún, al tacho de la basura, bien pueden rescatarse algunos elementos que permitirían no hundir a esta nueva película chilena, la que de todos modos poco hace por mejorar un débil año 2006 dentro del cine chileno.



Para la mayoría del público local la comedia “Sexo con Amor” es probablemente la mejor película chilena que hayan visto nunca. No se trata de hacer escarnio ni de hacer una crítica intelectualoide hacia los gustos cinéfilos del chileno medio, pero no se puede obviar este detalle al momento de preguntarse qué buscaba Boris Quercia con este “Rey de los Huevones”, que bastante poco hereda de la jocosa lección de sexo para los chilenos del siglo XXI, aunque no por eso su nueva ‘gallinita de los huevos de oro’ se transforma en una comedia más madura, cercana a un cine de calidad que le permitiera sobresalir al menos como propuesta. Sorpresivamente la cinta se queda en un término medio, sin ser ni buena ni mala, lo que tal vez a su director poco le importaba de antemano, salvo volver a reventar la taquilla para esperar obtener algo más que la recuperación del dinero invertido.

Se trata de una historia plana y sin ningún efecto sorpresa, lo que atenta bastante contra el legítimo interés por encontrarse con algo novedoso en medio de una trama que, salvo el recuerdo del divertido perro que hablaba (mientras su dueño le martirizaba la garganta), solo apela a las notables caras de huevón que pone Quercia cada cierto tiempo, las que a más de alguno hará preguntarse si dichas impostaciones son producto nada más que del trabajo actoral, o simplemente le son naturales. El tema es que el guión nos cuenta de un taxista, Anselmo (Boris Quercia), quien se ha ganado desde antes de iniciarse la trama el apelativo de “Rey de los Huevones”, por haber devuelto a la policía un maletín con 24 millones de pesos.



Ahora Anselmo recoge en su vehículo a una escultural mujer de la mafia sudamericana, Eva (la actriz peruana Angie Jibaja), quien con total libertad le deja a cargo por un día a su pequeño hijo Adrián (Diego Hurtado), mientras arregla algunos de sus asuntos. Pues bien, el menor resulta ser un perfecto aprendiz de ladrón, y sus peripecias junto a Anselmo le significarán a este último un nuevo acercamiento con Sandra (Tamara Acosta), la mujer a quien siempre ha amado, pero que ahora está a punto de casarse con su mejor amigo, Mario (el venezolano Rhandy Piñago). O sea, además de huevón, “quemado” (con mucha mala suerte). Los humoristas Daniel Vilches y Ernesto Belloni tienen una breve aparición como peligrosos sicarios, que a estas alturas bien pudieron ser cameos de ellos mismos, sin ofender claro.

Ahondar más significaría contar la trama completa, incluido su predecible final. Así entonces, por el lado del guión es muy poco lo que puede rescatarse, lo mismo en cuanto a la dirección. Sin embargo, el trabajo de Boris Quercia, quien además oficia ahora como productor, no merece ser reprobado del todo, ya que al menos en las actuaciones principales hay puntos altos, en especial las del mismo Quercia, en un papel que insisto, no me queda claro si le es ciento por ciento natural o la mejor de sus interpretaciones. Pero la performance que realmente sobresale es la del pequeño Diego Hurtado, todo un hallazgo en materia de actores infantiles.

Como quiera que sea, este “Rey”, “Sultán”, “Faraón” o lo que sea, tendrá asegurado su taquillero paso por la cartelera nacional, pese a sus deficiencias en lo argumentativo, la debilidad de la historia y algunas actuaciones de regulares para abajo, como las de Tamara Acosta, a estas alturas una musa de inercia dentro del cine chileno, y las de Piñago y Jibaja. Queda como tarea entonces responder cuál fue el real objetivo detrás de esta producción, la que sin ser del todo mala, sigo confiando en que no haya sido nada más que una vía para ganar dinero a raudales. ¿Un retrato de la candidez nacional? Bastante poco como resultado si fue esa la premisa. Los huevones se merecen algo de excelencia.


Regular






Ficha Técnica:

Nombre: El Rey de los Huevones
Género: Comedia
Dirección: Boris Quercia
Guión: Boris Quercia
Reparto: Boris Quercia, Angie Jibaja, Tamara Acosta, Rhandy Piñango, Diego Hurtado
Producción: Boris Quercia
País: Chile
Idioma: Español
Duración: 96 minutos
Año: 2006
Link: http://www.elreydeloshuevones.cl/

Aupa Etxebeste! - "Marbella en Casa"

... “Aupa Etxebeste!”, con toda la crítica social al arribismo, es una producción que también debería llegar a nuestra cartelera, porque méritos tiene de sobra, lo mismo que una esperable respuesta positiva de parte del público...

Aupa Etxebeste!

MARBELLA EN CASA

Una de las cintas ibéricas que fue presentada al público chileno en la cuarta versión de Cine Vasco del Centro de Extensión de la Universidad Católica de Chile, fue la excelente comedia Aupa Etxebeste!, de los directores vascos Asier Altuna y Telmo Esnal. Sorpresivamente se trata de una comedia notable, porque tiene ese ingenioso acento hilarante enmarcado en una historia que difícilmente podría catalogarse solo como comedia, ya que apunta a conductas humanas tan graciosas como representativas, siendo el deseo de aparentar más allá de lo que realmente se es, el leit motiv de esta bien lograda producción vasca.

La historia se presenta como un duro revés para una prominente familia de vascos, cuyo jefe además es candidato a alcalde en su comunidad, Patricio Etxebeste (Ramón Agirre). Etxebeste decide llevarse a los suyos a Marbella a pasar las vacaciones, antes de enfrentar las elecciones, sin embargo, el mismo día del viaje se entera a través del banco que ya no tiene dinero, pues todas su cuentas han sido embargadas. Su fábrica de boinas vascas está en la quiebra. Pero nadie deberá saberlo, a excepción de su familia, así que de todos modos organiza el viaje. Para sus vecinos y amigos los Etxebeste estarán pasándolo de maravillas en Marbella, pero en realidad pasaran ese mes entero encerrados dentro de su casa, tomando sol con un gran espejo, bañándose en una pequeña piscina artificial y alimentándose de descuidadas aves, además de un desafortunado gato. Todo lo anterior, tratando de no provocar el más mínimo ruido.



La historia es jocosa, pero en ningún caso se trata de un folletín que avanza solo con escenas disparatadas, una detrás de otra. Los directores se toman su tiempo para ir describiendo las personalidades de cada uno de los Etxebeste al momento de verse enfrentados a esta bizarra situación. Desde el momento mismo en que el resignado Ramón conduce el automóvil, camino a Marbella, y le cuenta de su situación económica y su nuevo plan a su esposa María Luisa (Elena Irureta), su hijo Iñaki (Iban Garate) y su padre, Luziano (Paco Zagarzazu), la historia comienza a tomar forma porque claramente son los personajes y sus conductas los que determinarán el giro de la historia.

Elena es la que más se ve afectada por esta mentira urdida por su marido, ya que son precisamente sus aires de grandeza los que le impedirán aterrizar de manera más rápida con la dura realidad que se le viene. Luziano por su parte, es el más enconado detractor de su nuera, aunque también esconde un secreto que, por más bien intencionado que sea, de todos modos le restará bonos frente a la familia de su hijo Patricio. En el caso de Iñaki, más que su juventud, serán sus reales intereses que tiene en la vida los que no lo harán revelarse contra su padre, ya que tampoco comparte el arribismo de Elena y es más cercano a su abuelo. Patricio en cambio es un resignado, probablemente para contrapesar a su mujer y no perder la calma, sin embargo será su propia actitud la que permitirá que todos terminen sincerándose al finalizar sus vacaciones, encerrados en la casa, comenzando por él mismo al momento de quitarse el peluquín.



Esta es una comedia notable, con un ritmo muy adecuado para ese cine negro que nos hace ver retratados en reiteradas ocasiones, en especial cuando es el elemento humor el que predomina. Pero la reflexión se hace presente en cada uno de los pasajes, no solo en el epílogo, con lo cual podríamos decir que se trata de una película redonda, en todo sentido, con grandes actuaciones, especialmente las de Ramón Agirre y Elena Irureta. La dirección de los hispanos Altuna y Esnal es realmente atrayente, no descuidando ningún detalle de la puesta en escena, especialmente el ritmo de la trama y las actuaciones, incluyendo las breves apariciones de Guillermo Toledo (Crimen Ferpecto) y Luis Tosar (Inconscientes, Te Doy mis Ojos) como dos divertidos ladrones que interrumpen las vacaciones de ensueño de los propietarios.

Con un guión excelente, el cine vasco se anota con una de las mejores comedias españolas de los últimos años, tanto así que pese a estar hablada completamente en euskera logró ser nominada para mejor película en el Festival de San Sebastián el 2005.

“Aupa Etxebeste!”, con toda la crítica social al arribismo, es una producción que también debería llegar a nuestra cartelera, porque méritos tiene de sobra, lo mismo que una esperable respuesta positiva de parte del público. A ponerse en campaña entonces los distribuidores, el Cine UC ya dio el primer paso, pero claramente con eso no basta.


Excelente






Ficha Técnica:

Nombre: Aupa Etxebeste!
Género: Comedia
Dirección: Asier Altuna y Telmo Esnal
Guión: Telmo Esnal, Asier Altuna y Pablo Bueno
Reparto: Ramón Agirre, Elena Irureta, Paco Sagarzazu, Ibán Garate, Iñake Irastorza, Patxi González, José Mari Agirretxe, Felipe Barandiaran, Ane Sánchez, Guillermo Toledo, Luis Tosar.
Producción: José María Lara
Fotografía: Javier Aguirre
Música: Javi Pez
Montaje: Pite Piñas
País: España (País Vasco)
Idioma: Euskera
Duración: 97 minutos
Año: 2005
Link: target="_blank">http://www.aupaetxebeste.com/

4ta Muestra de "Cine Vasco" - Cine UC

Todos a aprender Euskera...





Del 24 agosto al 5 de septiembre no te pierdas la cuarta muestra de Cine Vasco en el Centro de Extensión de la Universidad Católica.





Programación:

jueves 24, martes 29, miércoles 30 agosto
AUPA ETXEBESTE! (2005) de Telmo Esnal y Asier Altuna. 97 minutos.

viernes 25 agosto, lunes 4 septiembre
FRÁGIL (2005) de Juanma Bajo Ulloa. 115 minutos.

sábado 26 agosto, sábado 2 y domingo 3 septiembre
EL FINAL DE LA NOCHE (2003) de Patxi Barco. 85 minutos.

domingo 27 agosto, martes 5 septiembre
SI, QUIERO... (1999) de Eneko Olasagasti y Carlos Zabala. 98 minutos.

lunes 28 y jueves 31 agosto, viernes 1 de septiembre
KIMUAK (selección de 6 Cortometrajes 2004), 87 minutos.

Kimuak

Exhibiciones: Sala Cine UC
Centro de Extensión, Alameda 390, Santiago, Boletería e Informaciones 354 6507 / 354 6516

Horarios: Domingos a viernes 16, 19 y 21:30 horas , Sábados 19 y 21:30 horas
Valores: Entrada general $ 2000, estudiantes, tercera edad y convenios $ 1500
Club de Lectores del Mercurio, funcionarios, ex alumnos y alumnos UC 2 x1

Más informaciones en Cine UC

La Dama en el Agua - 'No Basta Solo con Magia'

... se hace recomendable advertir a quienes estén ansiosos por ver “La Dama en el Agua” que mejor vayan preparados. Los créditos de M. Night Shyamalan en anteriores trabajos serán claramente engañosos en esta oportunidad, lo cual más que decepcionar, sorprende...

La Dama en el Agua

NO BASTA SOLO CON MAGIA

Dentro de las grandes decepciones de este año 2006, y curiosamente una más dentro del mes de Agosto, se encuentra la nueva producción del aclamado director norteamericano de origen indio M. Night Shyamalan. En medio de una cartelera dónde aún permanecen en el aire los fiascos que resultaron ser la británica “El Descenso”, de Neil Marshall, anunciada como una excelente cinta de terror, o la mexicana “Batalla en el Cielo” de Carlos Reygada, que algunos han considerado una obra mayor, probablemente solo por sus escenas de grotesco contenido sexual en medio de una trama sociológica, ahora llegó el turno del mismo director de “Sexto Sentido”, “Señales” y “La Aldea” para quedar en capilla con una historia anunciada como una bella fábula, la cual tendría por misión reencantar al público a través del sentido onírico del cine.

Nada más lejos de la realidad. La Dama en el Agua, uno de los estrenos más anunciados y esperados de la temporada difícilmente podría fascinar a quienes asistan a verla esperando entrar en un mundo de ensueños, con el doble propósito de, por una parte, evadir la realidad por un par de horas, y a su vez, quedarse con un mensaje que mejore el sentido de la vida. Cuando ambos propósitos son mal presentados en una historia pretenciosa y rebuscada como esta, lo más seguro es que el efecto sea cualquier otro, menos esos. Cuesta entender entonces cómo se pudo llegar a algo como esto, en un género que siempre atrae masas y más de alguna vez cosecha elogios entre los críticos.



En efecto, la fábula escrita y dirigida por Nigth Shyamaian, quien además tiene un pequeño rol como el novato escritor Vick, intenta entregar un mensaje de esperanza y reencanto por la vida a través de Cleveland Heep (Paul Giamatti), un hombre que esconde bajo su sencilla apariencia una onda pena, la muerte de su esposa e hijos. Su existencia ahora se ha reducido solo a reparar imperfectos dentro del conjunto de departamentos para el cual trabaja: The Cove.

Sin embargo, mientras una noche revisa la piscina, ya que desde hace días viene escuchado ruidos por las noches, se encuentra con una hermosa joven que ha salido de las aguas y que huye de un peligroso animal. Se trata de Story (Bryce Dallas Howard), una especie de ninfa acuática, una ‘narf’ para ser más exactos, la que en todo caso ni siquiera sabe cuál es su misión en este ‘otro lado’, y para eso la ayuda de Cleveland será fundamental, tanto para cumplir dicha misión como para regresar a salvo, burlando al temible perro que la acecha.



Pero las cosas se complican más de la cuenta cuando Cleveland cree poder ayudar a la frágil muchacha, encontrándose con que todo lo que ha supuesto ha estado equivocado, especialmente en relación a las personas que jugarán roles claves en un futuro próximo, quienes ahora, sin saberlo por su puesto, ayudarán a esta narf a encontrar el sentido de su misión antes de partir, si es que puede hacerlo, ya que ha sido herida mortalmente por la bestia que solo uno de los inquilinos de The Cove puede neutralizar. Cumpliéndose la misión de Store, Cleveland al fin podrá redimir su dolor.

Sinceramente esta es una historia llena de buenas intenciones, pero que peca irremediablemente de pretenciosa y aburrida en varios de los pasajes. Magia hay, pero en absoluto para encantar los sentidos y dejarse llevar, puesto que los rebuscados pasajes en el cuento infantil que ideó hace años Nigth Shyamalan atentan contra cualquier lectura fácil de seguir. No es una historia del todo compleja, pero sí rebuscada y amateur. Hasta el mismo Paul Giamatti pierde bonos en una interpretación a ratos sobreactuada, demostrando que este no era en absoluto un papel que le acomodara. En el caso de la pelirroja Bryce Dallas Howard su presencia es de lo poco y bueno que se puede rescatar, ya que su físico y aura resultaron ideales para el papel de ninfa, sea en este o en cualquier otra producción, pero ni aún así Story es un papel que esté a la altura de Ivy, la indiscutible protagonista de “The Village” a quien la enigmática actriz le dio vida hace un par de años.

Una deficiente dirección, un guión que no logra atrapar y un ritmo que le hace honor a los textos, unido además a efectos especiales nada de asombrosos, hacen recomendable advertir a quienes estén ansiosos por ver esta “Dama en el Agua” que mejor vayan preparados. Los créditos de M. Night Shyamalan en anteriores trabajos serán claramente engañosos en esta oportunidad, lo cual más que decepcionar, sorprende.


Mala





Ficha Técnica:

Nombre: La Dama en el Agua (Lady in the Water)
Género: Drama, Thriller Fantástico
Dirección: M. Night Shyamalan
Guión: M. Night Shyamalan
Reparto: Paul Giamatti, Bryce Dallas Howard, Bob Balaban, M. Night Shyamalan, Jeffrey Wright, Sarita Choudhury, Freddy Rodríguez, Bill Irwin, Jared Harris, Mary Beth Hurt, Noah Gray-Cabey
Producción: M. Night Shyamalan y Sam Mercer
Fotografía: Christopher Doyle
Música: James Newton Howard
Montaje: Barbara Tulliver
País: Estados Unidos
Idioma: Inglés
Duración: 110 minutos
Año: 2006
Link: http://wwws.la.warnerbros.com/ladyinthewater/

Padre Nuestro - 'Despedida a la Chilena'

... La película tiene un guión interesante, y de hecho, la primera mitad de la cinta así lo demuestra, con un ritmo ágil que va presentando claramente a los personajes, sus sentimientos en relación al padre moribundo y los lazos entre ellos mismos...

Padre Nuestro

DESPEDIDA A LA CHILENA

El tema del padre y su simbología ha sido tan recurrente en la cinematografía internacional, en especial durante los últimos años, que tarde o temprano todos sabíamos que también iba a terminar por llegar a nuestro cine, y si bien muchos encontrarán en Padre Nuestro, escrita y dirigida por Rodrigo Sepúlveda, varios elementos ya vistos en trabajos que anteriormente concitaron la aprobación del público, como “Big Fish” de Tim Burton, “Padre e Hijos” de Michel Boujenah o “Las Invasiones Bárbaras” de Denys Arcand, lo cierto es que la mirada de un director chileno sobre el reencuentro de un padre con su heterogénea descendencia merece comentario aparte en lo que ha sido este complicado año para la cinematografía nacional.

Esta cinta local, que a estas alturas del año se presenta como la mejor carta chilena para hacerle frente a grandes producciones europeas, asiáticas y norteamericanas que se han estrenado el 2006, y que fue uno de los títulos en competencia más importantes del último Festival de Cine Internacional de Santiago (SANFIC), nuevamente deberá medirse con otros trabajos provenientes de distintas partes del globo en el Festival de Cine de Valdivia, aunque esta vez haciéndole frente a otros trabajos de directores chilenos, estrenados durante lo que va del año y finales del anterior. Este punto no es menor, porque a diferencia de lo ocurrido en el SANFIC, donde dicho sea de paso no obtuvo ningún galardón, en Valdivia “Padre Nuestro” al menos tiene el camino más despejado. Así es, porque a excepción de “Días de Campo” de Raúl Ruíz, la excelente cinta surrealista que también está en competencia, ninguna de las otras cintas chilenas está en condición de hacerle mella al trabajo de Sepúlveda. Ni siquiera “Fuga” de Pablo Larraín, mucho menos la bizarra “Kiltro” o la mediocre “Rojo, la Película”.



Dejando en claro entonces que esta es la mejor película chilena en lo que va del 2006, no queda más que adentrarnos en su trama y en sus puntos altos y bajos. Pues bien, aunque ya poco sorprende la historia de un padre que está en las postrimerías de su existencia, y que sin embargo, tiene un humor difícil de doblegar, lo cierto es que Rodrigo Sepúlveda quiso chilenizar una idea ya conocida por nuestro público, y para eso, nada mejor que presentarnos personajes y lugares tan característicos de Chile, como el Caco (Jaime Vadell), un sesentón vividor, mujeriego, irresponsable y pícaro, que decide pasar sus últimas horas recorriendo de noche su amado Valparaíso.

Sin embargo, este último deseo requiere de un trabajo más arduo, ya que su anhelo consiste en irse de juerga en compañía de sus hijos, a modo de despedida. Pero solo el menor de estos, el sobrio Roberto (Francisco Pérez-Bannen) es finalmente quien lo acompaña, ya que no tuvo más alternativa luego de haberlo ayudado a escapar del hospital. Antes de eso, y avisados por la actual pareja del Caco, Rosa María (Coca Guazzini), el propio Roberto junto a sus hermanos Meche (Amparo Noguera) y Pedro (Luis Gnecco), más la esposa de este último, Maite (Cecilia Roth), asistieron precisamente al hospital para visitarle, aunque nuevamente encontrándose con el eterno bufón de siempre, esta vez intentando enmendar sus errores del pasado, antes de partir.



La película tiene un guión interesante, y de hecho, la primera mitad de la cinta así lo demuestra, con un ritmo ágil que va presentando claramente a los personajes, sus sentimientos en relación al padre moribundo y los lazos entre ellos mismos. Sin embargo, la historia pierde ritmo considerablemente hacia el final, incluidas las escenas en el prostíbulo del puerto que atiende la Neche (Gloria Munchmeyer), con lo cual se perdió la oportunidad de sacarle más partido a una historia que tenía como misión, reitero, ser la respuesta chilena a las múltiples propuestas foráneas que han apuntado al siempre atractivo tema del padre y el perdón.

Aún así las actuaciones son el punto más alto dentro de “Padre Nuestro”, sobresaliendo claramente la de Jaime Vadell en un rol donde se vio más que cómodo, y demostrando nuevamente que actores que podrían parecer mediocres o del montón en las telenovelas bien pueden sorprendernos en la pantalla grande. La argentina Cecilia Roth también demuestra todo su oficio en el rol de Maite, una mujer con un carácter fuerte y sincero, pero que sin embargo debe apaciguarlo ante las circunstancias. Amparo Noguera, Francisco Pérez-Bannen, Luis Gnecco, Coca Guazzini y Gabriela Hernández estuvieron en el nivel de siempre, pero no por eso menos sobresaliente.

Así las cosas, “Padre Nuestro” dentro del circuito nacional exhibe una solidez que lo hará destacarse, en especial gracias a su guión, y si bien no está para destacarse dentro de las mejores producciones del año, a la luz de lo visto hasta ahora, lo más probable es que se transforme en el título nacional de la temporada.


Muy Buena






Ficha Técnica:

Nombre: Padre Nuestro
Género: Drama
Dirección: Rodrigo Sepúlveda
Guión: Rodrigo Sepúlveda
Reparto: Jaime Vadell, Luis Gnecco, Francisco Pérez Bannen, Cecilia Roth, Amparo Noguera, Coca Guazzini, Gabriela Hernández, Gloria Munchmeyer, Arnaldo Berríos, Felipe Castro, Catalina Guerra, Marcial Tagle
Producción: Alejandro Burr, Luigi Araneda, Paz Bulnes
Fotografía: Esteban Courtalon
Música: Angela Acuña
Montaje: Soledad Salfate
País: Chile
Idioma: Español
Duración: 100 minutos
Año: 2006
Link: http://www.padrenuestro.cl

Netto - 'Provechoso Reencuentro'

... la historia escrita y dirigida por Thalheim se toma sus tiempos para presentar el entorno donde se desenvuelven los personajes centrales, lo medular acá no es mantenerse al margen de la nueva realidad alemana, post unificación, sino enfrentar a los personajes con la verdad que les significa esta nueva sociedad donde les toca ahora vivir...

Netto

PROVECHOSO REENCUENTRO

Al parecer la temática del padre fue una constante que cobró una fuerza insospechada durante el reciente SANFIC 2006, ya que a trabajos previamente comentados, como “Padre Nuestro” de Rodrigo Sepúlveda, “El Hijo” de los hermanos Jean Pierre y Luc Dardenne, “Transamerica” de Duncan Tucker, “La Hija del General” de María Elena Wood, y en cierta medida las particulares relaciones padre e hijo tratadas en “Thank You for Smoking” de Jason Reitman y “Caché” de Michael Haneke, se suma ahora el de esta nueva producción germana, que a los múltiples galardones que suma a su haber agregó ahora el Premio Signis, obtenido durante el último Festival de Cine Internacional de Santiago, por su excelente propuesta enfocada en las relaciones humanas.

Ahí es justamente donde Netto, del joven realizador alemán Robert Thalheim, obtiene sus mayores méritos, entregándonos a través de un guión entretenido, fresco e inteligente, además del gran desempeño del actor alemán Milan Peschel, una historia que vuelve a centrar el tema de las diferencias sociológicas que dejó la reunificación alemana bajo una mirada netamente personal, simbolizada en la relación padre e hijo. En efecto, podríamos decir que "Netto" es una especie de continuación de lo que fue “Good Bye Lenin”, de Wofgang Becker, pero esta vez sin mentiras piadosas que permitan evadir la realidad. Todo lo contrario.



Además de poseer un ritmo a la inversa de la frenética comedia dirigida por Becker, ya que la historia escrita y dirigida por Thalheim se toma sus tiempos para presentar el entorno donde se desenvuelven los personajes centrales, lo medular acá no es mantenerse al margen de la nueva realidad alemana, post unificación, sino enfrentar a los personajes con la verdad que les significa esta nueva sociedad donde les toca ahora vivir. Robert Thalheim encontró entonces una nueva arista a este conocido tema de los marginados del sistema, pero ahora tratando de revertir la situación por dos motivos bastante claros por parte del personaje protagónico. En el caso de Marcel Werner (Milan Peschel), por una parte, intentará salir de la miseria y dejar de auto compadecerse, y por la otra, conseguir validarse como padre frente a su hijo Sebastián (Sebastián Butz).

Marcel es un ex experto en seguridad. Ex, porque sus labores en estas sofisticadas lides las efectuó en la desaparecida RDA. Ahora en cambio, a duras penas arregla y comercializa aparatos en desuso, puesto que no fue capaz de adaptarse a la nueva realidad de Alemania. Pero un buen día aparece nuevamente en su vida Sebastián, su hijo que ahora tiene quince años, y que se ha ido a vivir con él porque no se siente cómodo con su madre y la nueva pareja de esta. Pese a las reticencias del comienzo, padre e hijo consiguen aceptarse y ayudarse mudamente, especialmente Sebastián con su progenitor, aconsejándole cómo conseguir un buen empleo mejorando su currículum y la forma de enfrentar las entrevistas.



Pero el carácter explosivo de Marcel tendrá bastante que decir en esta remozada convivencia junto a Sebastian, no tanto en contra de su moderno hijo como sí en contra de él mismo. Se suma a lo anterior las malas pasadas que le juega su adicción al alcohol, en especial cuando Sebastián quiere presentarlo frente a Nora (Stephanie Charlotta Koetz), la muchacha a quien ha estado tratando de impresionar desde que se fue a vivir con Marcel.

“Netto” tiene una dirección inteligente por parte de Thalheim, lo mismo que el guión, que es de su propia autoría, un ritmo en la historia que cuando pareciera que comienza a decaer vuelve a recobrar el brío que la hace enganchar con el espectador, y sobre todo, ofrece la excelente interpretación del actor germano Milan Peschel, quien le da vida a este fracasado, amante de la música folk berlinesa, a quien su propio hijo le devuelve la esperanza en sí mismo.

Se trata de otra visión positiva sobre el reencuentro paterno, que nuevamente vuelve a presentarse bajo un contexto social que ayuda a potenciar la unión filial entre los protagonistas, convirtiendo a este film del debutante Robert Thalheim en otro de los títulos que no merece quedarse solo como un nombre más dentro de la competencia internacional del pasado festival de cine de Santiago. Personalmente creo que esta era la cinta que tenía todos los méritos para haberse convertido en la ganadora del SANFIC 2006, consiguiendo de paso más proyección para el festival dentro del circuito europeo, pero bueno, de llegar a exhibirse masivamente en Chile, será el público en definitiva quien tendrá la última tarea de calificar. Por ahora, solo puedo adelantar que es un trabajo imperdible.


Excelente






Ficha Técnica:

Nombre: Netto
Género: Drama
Dirección: Robert Thalheim
Guión: Robert Thalheim
Reparto: Milan Peschel, Sebastian Butz, Stephanie Charlotta Koetz, Cristina Grosse, Bernd Lambrecht, Peter Tscherning
Producción: Matthias Miege
Fotografía: Yoliswa Gartig
Música: Peter Tschernig
Montaje: Stefan Kobe
País: Alemania
Idioma: Alemán
Duración: 87 minutos
Año: 2004
Link: http://www.satt.org/film/05_05_netto.html