viernes, diciembre 15, 2006

1º Muestra Chilena de Escuelas de Cine y Audiovisual

otra más del Cine UC, y completamente gratis...




15 al 21 de diciembre
Cine UC


Si se trata de fomentar y darle espacio a quienes desean hacer cine en nuestro país, esta es una oportunidad única e imperdible.


Objetivos de esta muestra:

1.- Mostrar al público general la mirada las propuestas, las historias de los estudiantes de hoy, por medio de las imágenes en movimiento

2.- Proyectar las distintas películas, tesis, trabajos prácticos, cortometrajes y documentales de estudiantes de diversas universidades, institutos y escuelas que imparten carreras relacionadas con el área audiovisual y cinematográfica.

3.- Difundir en una sola muestra, el trabajo audiovisual que realizan los jóvenes creadores.

4.- Reunir lo que producen las diversas escuelas de cine y audiovisual del país, lo que permitirá evaluar los procesos creativos del medio estudiantil audiovisual

5.- Abrir un espacio de difusión para sus producciones y promover la producción audiovisual de calidad entre las escuelas de cine.




No dejen de asistir, el poder acceder en forma liberada a una muestra tan interesante como esta no solo va en beneficio de nuestros jóvenes talentos, sino además, de nosotros mismos como consumidores de cine.

Nos vemos allá, en Alameda 390, Santiago de Chile, Metro UC.

El Nacimiento - 'Solo Para Catequesis'

... esta es más una película para complementar la catequesis en una parroquia católica que una producción que deje huellas en el cine, más allá de la polémica que se originó por la verdadera personalidad de Keisha Castle Hughes y la imagen que por dos mil años hemos tenido de María, la madre de Dios...



El Nacimiento

SOLO PARA CATEQUESIS





Si me hubieran dicho que esta iba a ser una muy buena alternativa entre las películas basadas en las sagradas escrituras, lo más seguro hubiera sido suponer que por acercarse la Navidad, fecha simbólica para todo el mundo cristiano, tal vez solo se trataría de otra más de las visiones angelicales sobre lo que conocemos como la concepción de Jesús de Nazareth, y su romántico nacimiento. Le pese a quien le pese, el fundador del credo religioso más importante de Occidente sigue siendo también el personaje histórico más venerado de todos los tiempos. Pues bien, la premisa terminó por cumplirse al pie de la letra con la cinta bíblica El Nacimiento, según la gran mayoría, la reivindicación del cine estadounidense luego de toda la polémica que se armó en torno a “La Pasión” del año 2004, específicamente con su director, el cada vez más degradado Mel Gibson.

Sin embargo, lo simplona que resultó ser la propuesta de la joven directora Catherine Hardwicke, cuyo único esfuerzo parece haber sido recrear con la mejor tecnología del momento pasajes archiconocidos del Nuevo Testamento, viene a colocar nuevamente en la discusión un tema bastante espinudo, y que tiene que ver con las producciones cinematográficas basadas en textos sagrados. Tanto para seguidores, detractores o público indiferente a la figura de Jesucristo y su mensaje, cintas como esta no hacen más que reafirmar que Hollywood y La Biblia siguen sin poder encontrar un punto de concordancia que sepa unir conceptos como novedad y calidad, una situación que no ocurre, por ejemplo, con recreaciones que el cine norteamericano ha hecho de otros sucesos históricos de importancia, como por ejemplo, las persecuciones y matanzas en contra del pueblo judío.



Estamos claros que los pasajes bíblicos no dan pie para mayores interpretaciones personales sobre lo que ahí se dice y se afirma, algo que el estadounidense Martin Scorsese experimentó en carne propia en 1989 tras su “Última Tentación de Cristo”, archicuestionada producción basada en la novela de Nikos Kazantzakis. Pero aún así, a estas alturas ya no basta con presentar a través de grandes ambientaciones y una producción de primer nivel pasajes bíblicos que solo a un católico, o protestante, de fervorosa fe podrían impresionar. Con estas características entonces “El Nacimiento” es, muy a mi pesar, solo una propuesta cinematográfica cuyo valor agregado se redujo a cero, porque su gran deficiencia es la completa falta de originalidad, de principio a fin .

Así entonces, mientras la mirada del cine norteamericano puede variar con gran maestría en torno a figuras emblemáticas de la historia universal, como Cristóbal Colón, Isabel I, Ghandi o uno que otro héroe de la Segunda Guerra Mundial, en el caso de Abraham, Moisés y específicamente de Jesús, parece que debemos aceptar que no se toca ninguna línea de las Escrituras, para que así podamos hablar de una producción seria, respetuosa y de primer nivel. Si bien lo anterior no significa necesariamente una desventaja a priori, porque para eso se supone que está la buena mano del director(a), lo cierto es que la concepción de un no nato anunciada por un ángel vestido con traje blanco, tres reyes magos de Oriente guiados por la unión en el cielo de tres estrellas, la bendición de Isabel a su prima María, un perverso rey Herodes carcomido por el miedo y la ira, y otro ángel que a través de un sueño evita que José lapide a una joven María por embarazarse fuera del matrimonio, son situaciones que presentadas en la forma como las expone Hardwicke, resultan pasajes que no sugieren en nada un intento por atreverse a algo más novedoso en la trama que se está contando, y que ya todos conocemos. En definitiva, el trabajo de esta directora fue más cercano al de un lacayo de la Iglesia, que al de una cineasta con una verdadera vocación sobre cómo hacer cine y perfeccionarlo.



Ahora bien, “El Nacimiento” no es un film mediocre solo por el nulo espíritu innovador de su directora, puesto que hay elementos técnicos que salvan del basurero a una producción que, bajo mi punto de vista, es quizás la mejor en términos de recreación de la Palestina del siglo I, especialmente con el aspecto semítico de los judíos de aquellos tiempos en Tierra Santa y sus costumbres, obviando por su puesto los diálogos en inglés. La actriz neozelandesa Geisha Castle Hughes, que de paso está cada día más parecida a la argentina Virginia Inocentti, no deslumbra en lo absoluto con su interpretación de María, tal como años atrás lo hiciera en la elogiada cinta “Jinete de Ballenas”, sin embargo, junto al norteamericano de origen guatemalteco Oscar Isaac, logran formar una pareja que al menos acentúa los valores que más se han asociado por siglos a los padres de Cristo en la tierra, como lo son el esfuerzo, la misericordia y la unión filial. Mención aparte es la inclusión dentro del elenco del joven actor palestino Hisham Abbas, uno de los kamikases de la excelente “Paraíso Ahora”. Sin embargo, lo mejor que puede exhibir “El Nacimiento” son aspectos técnicos como la ambientación, la evocadora fotografía y la envolvente musicalización, los que si bien no logran hacer de “El Nacimiento” una película de culto, al menos no la hacen sucumbir por los suelos.

Digamos las cosas por su nombre, esta es más una película para complementar la catequesis en una parroquia católica que una producción que deje huellas en el cine, más allá de la polémica que se originó por la verdadera personalidad de Castle Hughes y la imagen que por dos mil años hemos tenido de la joven judía llamada Myriam, nombre semita de María, la madre de Dios, pero como hasta yo comienzo a imbuirme del espíritu navideño no diré que es mejor obviar este título dentro de la cartelera, porque insisto, la música de Mychael Danna, la hermosa fotografía de Elliot Davis y la brillante puesta en escena harán las delicias del público un poco más exigente, y nadie saldrá del todo defraudado de un guión carente de toda novedad, más aún, cuando vemos que las historias que se cuentan sobre la venida al mundo del niño Jesús, más allá de si son solo fábulas o acontecimientos que en verdad ocurrieron, siguen cautivando a generaciones de seres humanos.

Podríamos decir que ir a verla es tanto un acto de curiosidad como una cuestión de fe.


Regular






Ficha Técnica:

Nombre: El Nacimiento (The Nativity Story)
Género: Drama Histórico
Dirección: Catherine Hardwicke
Guión: Mike Rich
Reparto: Keisha Castle Hughes, Oscar Isaac, Hisham Abbas, Shaun Toub, Ciarán Hinds
Producción: Marty Bowen, Wyck Godfrey
Fotografía: Elliot Davis
Música: Mychael Danna
Montaje: Robert Lambert
País: Estados Unidos
Idioma: Inglés
Duración: 100 minutos
Año: 2006
Link: http://www.thenativitystory.com/

Salvador Allende - 'Diario de una Utopía'

¿El fin de una Era?...



Augusto Pinochet Ugarte (1915 - 2006)


Ha muerto el ex dictador. Para algunos un libertador de Chile, que salvó al país del cáncer marxista, pero para otros, la gran mayoría, un gobernante defacto que pese a los logros en la macroeconomía, pasará a la Historia como la cabeza de un gobierno que significó graves violaciones a los derechos humanos, un vergonzoso enriquecimiento ilícito y una profunda división entre los chilenos.

Pero para que en Chile hubiera existido un Augusto Pinochet, primero debió existir un Salvador Allende Gossens. Y este es un destacado documental de Patricio Guzmán, que el año 2005 fue estrenado con gran éxito en Chile, y que ahora, un año y medio después, cobra más significado que nunca, por lo cual a fines de diciembre estará disponible en DVD.


comentario publicado en internet en Septiembre del 2005




Salvador Allende

DIARIO DE UNA UTOPÍA





Nada más acorde que el mes de septiembre para que el cine nos trajera de regreso a uno de los personajes más importantes de la historia republicana de Chile: Salvador Allende Gossens. El líder de la disuelta Unidad Popular (UP) y que gobernó los destinos de nuestro país entre 1970 y 1973, siendo derrocado por el golpe militar que en septiembre de su tercer año de gobierno encabezó el ex dictador Augusto Pinochet Ugarte. Lo que debería ser la descripción de otro trabajo cinematográfico que pasa por nuestra cartelera, irremediablemente se vuelca a la figura del protagonista y al lugar que la historia le ha deparado entre los chilenos. Sin duda, que esa es la explicación por la cual Salvador Allende, del cineasta Patricio Guzmán, logró repercusión en Europa el año 2004, pergamino con el cual llega un año después a nuestro país, provocando la previsible polémica entre quienes fueron y son sus partidarios, sus detractores, y quienes sin haberlo conocido algo tendrán que decir tras presenciar este documental, que cuenta con la co producción de cinco países.

No estoy diciendo que la conocida simpatía que Allende provoca entre los europeos haya sido el motivo por el que fue seleccionado en el Festival de Cannes del año 2004, pero también es claro que una figura tan importante para el socialismo internacional, como lo fue este líder de la izquierda chilena, no podía pasar desapercibido en aquellas tierras, donde un importante contingente de exiliados fue a parar tras haberlo seguido en su proyecto político. No es un documental que brille por la excelencia de sus imágenes ni por un formato que deslumbre al público, sino que lisa y llanamente se trata de un compacto de imágenes, personajes y situaciones que van describiendo el entorno de Salvador Allende, desde su mundo más privado, contando sus años de infancia, hasta los hechos más públicos que se recuerdan de él, muchos de ellos documentos históricos de un gran valor político y social.



Muy lejos de una línea panfletaria y partidista como la que hace un año atrás nos presentó Michael Moore en “Fahrenheit 9/11”, donde el actual mandatario estadounidense quedó a un nivel más bajo que el de los insectos, Patricio Guzmán, el mismo director de “El Caso Pinochet”, hace un gran esfuerzo por no excederse en su legítima admiración por la figura del ex mandatario, e intenta recrear un pensamiento que hoy en día se hace mayoritario en Chile en torno a la figura de Allende. Un líder político que no supo imponerse en su tiempo, donde tuvo como adversarios a los poderes políticos y económicos más fuertes. Y no solo nacionales, sino también del exterior. Solo quienes fueron sus más enconados detractores, y mucha de su descendencia, podrían negar hechos que hasta el historiador más deficiente no podría negar a estas alturas, sin embargo, valoro en Guzmán no bombardear al público con ironías, ataques virulentos o documentación perturbadora que destroce un trabajo sumamente prolijo y sobrio como lo es este documental, que sin lugar a dudas es uno de los estrenos más importantes del año 2005 en la cartelera nacional.

Patricio Guzmán no busca congraciarse con la derecha política y económica de nuestro país, principales motores del boicot interno hacia el líder de la UP, como tampoco con el mayoritario sector de la Democracia Cristiana que, además de boicotearlo, a regañadientes lo ratificó en el Congreso como Presidente tras no haber obtenido la primera mayoría. Pero aún así, no deja de ser plausible que en minutos claves del documental no excluya a quienes aún ahora, más de treinta años de su muerte, aún le reprochen a la figura de Allende no haber resistido de manera más violenta a la multi oposición que enfrentaba. Un breve pero esclarecedor debate entre quienes fueron sus partidarios, sentados frente a una mesa, habla por sí solo de la heterogeneidad que imperaba en la izquierda de aquellos años, y que tan caro le costó a Allende al no poder controlarla. No menos sorprendente fue que Guzmán presentara la extraña dicotomía entre Allende y el líder de la revolución cubana, Fidel Castro. Allende hasta el último momento se mostraba pacifista en su idea de socialismo, siempre dentro de la legalidad, pero curiosamente no ocultaba su simpatía por el dictador de barba y traje de guerrilla. Sin duda un punto esencial, que echa por tierra cualquier atisbo de parcialidad en el documental.



También son rescatables los momentos en que da su testimonio el ex embajador de Estados Unidos en Chile, Ewdard Korry, quien sorprendentemente da detalles de cómo Richard Nixon, de la mano de la CIA, estaba obsesionado con la caída de Allende. No es menor que este ex diplomático se muestre siempre sereno en sus juicios, sin caer en excentricidades del tipo golpes en el pecho, en señal de culpa, o que aparezca alabando la vergonzosa intervención norteamericana en la política chilena, ya desde el año 1964, con la elección de Eduardo Frei Montalva. Pero Korry llega más lejos aún, ya que a pesar de los años todavía mantiene la convicción que Allende pudo haber llevado a cabo su proceso político de manera exitosa, con la única condición de no haber demonizado al país del norte, sin embargo, es obvio que aunque reconozca que Allende no era un violentista, una cosa era ser nada más que el embajador norteamericano en Chile, y otra muy distinta era ocupar los cargos de Nixon y Kissinger en la Casa Blanca de aquellos años. El público será en definitiva quien juzgue si son frases de diplomacia o si corresponden a la sinceridad de este ex diplomático.

En el documental se extrañan en todo caso las referencias a las fuerzas de choque que la extrema izquierda puso en marcha en los ’70, como la tristemente célebre “Ramona Parra”, o la fuerte oposición que el MIR tuvo contra el mismo Allende dentro de la izquierda gobernante. Pero como este es un país donde la tendencia a empatar las cosas es deporte nacional, tampoco se hace una sola referencia a la fascista “Patria y Libertad”, así como lo más sorprendente de todo, dentro de las imágenes Augusto Pinochet aparece solo en una fotografía, junto a Salvador Allende.



Guzmán quiso dejar un legado lo más respetable posible, sin caer en la descalificación, dándole prioridad a los testimonios más que a los hechos, como los que ya fueron mencionados, así como el de anónimos adherentes, una joven pintora exiliada, algunos colaboradores que dan pistas si Allende fue o no un marxista-leninista, y parte de su entorno más cercano, entre ellos su hija Isabel, actual diputada y uno de los más esperados, el de Miria Contreras, más conocida como 'la Payita'. La música es otro elemento que no pasará inadvertido, en especial, el sonido inconfundible de Inti Illimani.

En definitiva, este es un trabajo de primer nivel, que más allá de la calidad técnica o cinematográfica, se trata de un documento histórico de gran valor, que con el correr de los años será un importante material educativo en la mayoría de los colegios de Chile. Por ahora, la recomendación es a asistir junto a las familias a las principales salas donde se exhibe, porque algunos revivirán lo que fue el Chile de las utopías, con todo lo positivo y negativo que esa época nos dejó como legado, y por otra parte, las nuevas generaciones tendrán ahora algo más que comentar sobre Salvador Allende y sus grandes alamedas.


Muy Buena





El documental "Salvador Allende" estará disponible en formato DVD a fines de diciembre del 2006, mismo mes en que dejó existir Augusto Pinochet Ugarte.


Ficha Técnica:

Nombre: Salvador Allende
Género: Documental Histórico
Formato: DVD
Dirección: Patricio Guzmán
Guión: Patricio Guzmán
Montaje: Claudio Martínez
Música: Jorge Arriagada
País: Chile, Bélgica, Alemania, México, España
Idioma: Español
Duración: 100 minutos
Año: 2004
Link: http://www.microfilm.cl/catalogo/allende.htm






Otras cintas que abordaron el tema de Pinochet y la dictadura militar:



Imagen Latente. De Pablo Perelman, 1988. Esta es una película ambientada en el Chile de los '80, donde un fotógrafo busca la verdad sobre la muerte de su hermano, quien fue detenido y torturado por los servicios de la policía secreta de Pinochet. Vagabundea por lugares claves de Santiago, describiendo sus conversaciones, su paranoia y su visión de un país acallado por el miedo.




El Caso Pinochet. Otro documental del chileno Patricio Guzmán, estrenado en el 2001. Esta vez Guzmán pasa revista al largo y tortuoso camino que desembocó en la petición de extradición del ex general Augusto Pinochet a España, siendo detenido en Londres en octubre de 1998.





Machuca, de Andrés Wood, año 2004. Aunque la trama de esta cinta, considerada por muchos como la mejor película chilena hasta la fecha, transcurre durante la Unidad Popular, describiendo la amistad entre un niño de clase acomodada y otro de extrema pobreza que comparten la misma sala de clases, la historia va entrelazándose con la descomposición política y social de la sociedad chilena de esa época, que derivó finalmente en el golpe militar de 1973.



Fernando Ha Vuelto. De Silvio Caiozzi, 1998. 25 años después de la detención y desaparición de Fernando Olivares Mori, durante la dictadura militar, se hace la entrega oficial de los restos a la familia y la descripción de los golpes, torturas y disparos que causaron su muerte. Sin embargo, debido a las irregularidades detectadas en el Instituo Médico Legal durante los últimos años, ahora al título de este documental se le añadió el estremecedor Fernando Ha Vuelto a Desaparecer.



Actores Secundarios. Excelente documental del 2005, realizado por Pachi Bustos, Jorge Leiva, Mireya Leyton, Marcela Betancourt y René Varas. Es la historia de la AES (Asociación de Estudiantes Secundarios), cuya participación en las protestas de los años ochenta, hacia los finales de la era Pinochet, remeció a la comunidad escolar, siendo instrumental a los movimientos políticos que se desarrollaban en el país. Hoy en cambio, están muy decepcionados de esta democracia.

sábado, diciembre 09, 2006

Películas y Cortometrajes de Animación (Cine UC)

...la fantasía que nos encanta...


Festival de Largometrajes y Cortometrajes de Animación


CINE UC


Por si aún no se han enterado, desde el 5 al 13 de Diciembre el Cine UC está presentando un impecable Festival de Películas de Largometraje y Cortometrajes de Animación.

Esta muestra que tiene carácter de festival por lo festivo de sus propuestas, reúne los más notables films de animación de los últimos años que se han presentado en las carteleras nacionales.


Programación


Martes 5
Programación Nacional

Miércoles 6
Programación del festival FLIP

Jueves 7
Programación Japonesa y Muestra Checa de animación

Viernes 8
Las Trillizas de Belleville, de Sylvain Chomet (Francia)

Sábado 9
Kirikou y la Hechicera, de Michel Ocelot (Francia)

Domingo 10
El Castillo Andante, de Hayao Miyazaki (Japón)

Lunes 11
La Novia Cadáver, de Tim Burton (Estados Unidos)

Martes 12
El Viaje de Chihiro, de Hayao Miyazaki (Japón)

Miércoles 13
Programación Nacional


No lo olviden. El cine de animación cada vez se impone con más fuerza en el mundo, donde las películas de este género son capaces de opacar a muchas cintas tradicionales, incluso superproducciones, dejando de ser así un género exclusivamente para niños.

Recordemos además que la cinta japonesa El Castillo Andante de Hayao Miyazaki, título presente en este festival, es una seria aspirante a convertirse en la mejor película que vimos este año 2006 en Chile.





Con mayor razón entonces este es un evento organizado por el Cine UC que resulta imperdible para quienes aman realmente el cine.




Una vez más, nos vemos en el Cine UC.

martes, diciembre 05, 2006

Estreno oficial de "El Hijo" (Jueves 7 de Diciembre del 2006)

... Entre la curiosidad, la ira y el perdón...




Aunque tuvo su primer acercamiento con el público chileno en el pasado Santiago Festival Internacional de Cine (SANFIC 2006), y además ya se encuentra disponible en DVD en varias tiendas de la capital, no deja de ser un mérito de Four Films el traernos a la pantalla grande El Hijo, la tercera producción de los hermanos belgas Jean-Pierre y Luc Dardenne, con la extraordinaria actuación de Olivier Gourmet en el rol protagónico.

No dejen de verla a partir de este Jueves 7 de Diciembre en las principales salas de Santiago. Tal vez, la mejor película de este año 2006 en la cartelera chilena.



Happy Feet - 'Efectos Que Superan Al Baile'

... así como resulta un tanto molesto que la cultura estadounidense sea reproducida en ambientes como este, nada menos que la Antártica, lo mejor que tiene “Happy Feet” son algunas secuencias que, por momentos, nada tienen que envidiarle a un “James Bond” o “Misión Imposible” ...


Happy Feet

EFECTOS QUE SUPERAN AL BAILE




Siempre es bueno quitarse prejuicios de la cabeza cuando uno quiere asistir al cine a presenciar una película que es éxito de taquilla, por lo menos eso es algo que siempre practico y le digo a los demás, por más que se trate de producciones norteamericanas, siempre acompañadas de un gran marketing mediático. Pues bien, aunque esto pudiese ser de perogrullo, comienzo señalando que es la mejor manera de enfrentar a una cinta animada como lo es Happy Feet, dirigida por el mismo director de “Babe, el chanchito valiente”, George Miller.

Con una historia enfocada indiscutiblemente hacia el público infantil, tal como las que constantemente nos presentan los poderosos estudios Disney y Dreamworks, lo cierto es que la Warner Bros corría el riesgo de realizar solo una copia más de experimentos como lo fueron “El Espanta Tiburones” o “Cars”. Sin embargo, y señalando de antemano que esta última premisa se cumple en cuanto a lo poco original del guión, lo que realmente sobresale de la historia del pingüino emperador que baila son sus fabulosos efectos especiales, prácticamente los mejores que haya visto en una cinta de animación en CGI como esta.



Mumble es un pequeño e inocente pingüino, de la subespecie Emperador, quien tuvo la mala fortuna de sufrir un accidente, aparentemente inocuo, cuando era empollado por su padre, ya que a estas alturas hasta los niños más pequeños deben saber que es el macho quien se encarga del huevo una vez que la madre va en busca de comida en medio del implacable invierno de la Antártica. National Geographic, Animal Planet y el laureado documental “La Marcha de los Pingüinos” serían un fiasco si después de enseñarnos constantemente la vida de estas aves ignorásemos datos como la crianza, sus enemigos naturales y su sociabilidad.

Pues bien, este simpático animalito desde pequeño muestra grandes aptitudes para el baile, específicamente una mezcla de zapateo americano clásico y pasos de Hip Hop. Pero el baile no es lo que sus padres y los demás pingüinos esperan de él, ya que se supone que debe ser un gran cantante, entre otras cosas para interpretar la “canción del corazón”, con la cual todo pingüino debe encontrar el verdadero amor, en el caso de Mumble, la talentosa Gloria, una pingüino de excelente registro vocal. Pero tan mala es la suerte de Mumble, que a su horrorosa voz se suma el hecho que los peces comienzan a escasear, y los ancianos de la colonia, liderados por el intransigente Noah, terminan culpándolo a él por este desastre, porque lo consideran demasiado distinto a los demás, ocasionando así el malestar de los espíritus que los rigen.



La trama entonces comienza a presentar las peripecias de este Mumble, quien al ir en busca de los ‘alienígenas’, a quienes presume como los verdaderos responsables de la escasez de alimentos, seguirá haciendo de las suyas con el baile y la música de megaestrellas estadounidenses como Prince o Boyz II Men, esta vez junto a un grupo de pingüinos de otra especie, más pequeños y con una acento cubano que sorprende, ya que no deja de ser jocoso verlos disfrutar del acento y los ritmos tropicales en medio de los gélidos paisajes antárticos. Pero aquí es donde los clichés en este tipo de producciones animadas made in USA le juegan en contra a “Happy Feet”, porque insertas en grandes escenas, con espectaculares fondos naturales y una musicalización de primer nivel, nuevamente la cultura desechable de los gringos vuelve a aparecer a través de personajes estereotipados como el anciano Noah, los pingüinos caribeños encargados de hacer reír, y el propio Mumble, el héroe de turno que hace del sacrificio su mejor carta de presentación.

Sin embargo, así como resulta un tanto molesto que la cultura estadounidense sea reproducida en ambientes como este, nada menos que la Antártica, lo mejor que tiene “Happy Feet” son algunas secuencias que, por momentos, nada tienen que envidiarle a un “James Bond” o “Misión Imposible”, puesto que difícilmente pasarán desapercibidas escenas como las persecuciones de la temible foca leopardo y posteriormente el ataque de dos orcas letales, además de animaciones tan bien logradas como la caminata a través de una ventisca polar que eclipsa la luz solar, las memorables aurora australis y las escenas de saltos desde los acantilados. Son esos los méritos que exhibe la película de Miller, por las cuales no tengo ningún resquemor en señalar que esta es una muy buena producción del cine animado actual, que aunque no sobresaliente, tampoco es del todo desechable. Vale la pena la entrada.


Entretenida





Ficha Técnica:

Nombre: Happy Feet
Género: Animación, Comedia Musical
Dirección: George Miller
Guión: George Miller, John Collee, Judy Morris, Warren Coleman
Personajes: Mumble, Ramon/Lovelace, Gloria, Memphis, Norma Jean, Noah el Viejo, Alpha Skua, Sra. Astrakhan, Srta. Viola, Nestor, Lombardo, Rinaldo, Raul
Producción: Doug Mitchell, Bill Miller, George Millern
Música: John Powell
País: Estados Unidos, Australia
Idioma: Inglés (Doblada al Español)
Duración: 108 minutos
Año: 2006
Link: http://wwws.warnerbros.es/happyfeet/

domingo, noviembre 19, 2006

Los Infiltrados - 'Ratas Aquí y Allá'

... Con un ritmo ágil y cautivante, “Los Infiltrados”, más allá de ser un remake del cine chino y de todo el marketing que Hollywood sabe desplegar, es otro de los títulos que difícilmente pueden dejarse pasar dentro de la cartelera...


Los Infiltrados

RATAS AQUÍ Y ALLÁ




Cuando tuve las primeras noticias de esta nueva película del estadounidense Martin Scorsese, Los Infiltrados, tuve la inmediata certeza que sería imposible dejar de relacionar este débil año 2006, en cuanto a cine norteamericano, con la nueva ‘moda’ que comienza a adueñarse de los grandes estudios de ahora en adelante. Si para lograr sobresalir nuevamente en una industria donde el cine de policías, vendettas, fuego cruzado y sangre por doquier ya no tenía mayores visos de innovación, lo más lógico era mirar para el lado, en este caso, más allá del gran océano que nos separa de nuestros vecinos de piel amarilla. Sí señores, porque a pesar que algunos ya consideran superior a esta cinta de Scorsese que a su mentora, la hongkonesa “Juego Sucio”, el solo hecho de haberse basado en su guión nos da la primera señal de alerta. Hollywood parece haber comprendido de una buena vez que la obviedad de un “Arma Mortal” o un “Duro de Matar” apenas podía seguir sosteniéndose en el tiempo.

Retrocediendo a lo que fueron sus “Pandillas de Nueva York” (2002), Scorsese nuevamente pone a dos mundos en disputa por demostrar cuál es superior al otro, sin mediar escrúpulos o reglas que debieran respetarse de antemano. Y aunque es obvio que otra vez este cotizado director pondrá su nombre entre los favoritos del aclamado Oscar, quizás para darle el palo al gato después de varias decepciones, lo cierto es que su idea de basarse en una historia violenta, siniestra en varios pasajes, pero en ningún caso predecible y plana, ya le está reportando buenos dividendos. En crítica al menos.



“Los Infiltrados” mantiene esa línea argumental que fácilmente la delata, como inspiración al menos, a lo que es el cine de Oriente, específicamente dentro del género de acción e historias retorcidas. Sin embargo, el guionista William Monahan, más allá de acomodar la trama a lo que son las luchas entre policías y mafiosos en los bajos mundos de Massachussets, tuvo el mérito junto a Scorsese de hacer una excelente adaptación que a los pocos minutos logra atrapar los sentidos y sumir al público en una suerte de historias que van entrelazándose poco a poco, hasta concluir en un epílogo al más puro estilo de una “Old Boy”, del coreano Park Chan-Wook

Billy Costigan (Leonardo DiCaprio) es un joven aspirante a policía, sin embargo, carga con un historial familiar que tarde o temprano le jugará en contra, ya que sus lazos sanguíneos lo unen con peligrosos delincuentes de Boston. Sin embargo, el capitán Queenan (Martin Sheen) y el sargento Digman (Mark Wahlberg), tras basurearlo e indicarle que jamás sería policía gracias a su árbol genealógico, terminan por reclutarlo para que se infiltre en el grupo de Frank Costello (Jack Nicholson), el más importante mafioso de la ciudad, a quien por años no han podido atrapar, ya que sospechan que también tiene infiltrados en el departamento de policía. La misión de Costignan será descubrir a ese contacto y hacer caer a Costello en el lucrativo tráfico de armas.



Sin embargo, la contraparte de Costignan, el promisorio policía de Investigaciones Especiales Collin Sullivan (Matt Damon), resulta un hueso difícil de roer, puesto que al ser él quién está informando a Costello de los planes de sus superiores, su vínculo con el personaje de Nicholson es bastante más fuerte que el de un simple informante, ya que Sullivan lo conoce desde pequeño, edad en la que el violento mafioso sembró los correspondientes antivalores en su personalidad. Por otra parte, Costignan y Sullivan no se descubrirán el uno al otro hasta bien avanzada la trama, siendo este un punto muy bien logrado, ya que además de oficiar como ‘ratas’ infiltrándose en la mafia y la policía respectivamente, ambos comparten los favores de una misma mujer.

Aunque algunos ya han vuelto a hablar de la magistral interpretación del estadounidense Jack Nicholson, la verdad es que siendo el único capaz de hacerle sombra a la gran actuación de Leonardo DiCaprio, por momentos se le ve demasiado sobreactuado en el papel de Costello, mezclando dureza y sadismo con un irritante humor negro. Si por actuaciones de trata, por lejos el héroe de “Titanic” es el que se lleva todos los elogios, dejando al otro protagonista, Matt Damon, y a los experimentados Martin Sheen y Alec Baldwin en un segundo plano. Sin embargo, lo más rescatable de “Los Infiltrados” es el guión, que unido a una edición que irremediablemente hace recordar al cine de acción de Oriente, no aburre en ningún momento dentro de las dos horas y media de duración. Todo lo contrario a lo que sucedió con la eterna y sobrevalorada “El Aviador”, también de Scorsese.

Y aunque sigo prefiriendo dentro de este género a la francesa “El Muelle”, de Olivier Marchal, Martin Scorsese fue inteligente y se anota con un gran título para este año 2006 en materia de cintas policiales y de acción, independiente si no logra terminar con su mala racha en los Oscar en marzo próximo. Con un ritmo ágil y cautivante, “Los Infiltrados”, más allá de ser un remake del cine chino y de todo el marketing que Hollywood sabe desplegar, es otro de los títulos que difícilmente pueden dejarse pasar dentro de la cartelera, siendo prácticamente su único punto en contra la innecesaria imagen final, con la rata deambulando por la ventana, un simbolismo que resultó estar de más para explicar el término con que la mafia se refiere a los policías que se introducen en su seno. La película ya lo había dejado sumamente claro.


Excelente





Ficha Técnica:

Nombre: Los Infiltrados (The Departed)
Género: Thriller Policial
Dirección: Martin Scorsese
Guión: William Monahan. Guión inspirado en la película "Juego Sucio” ("Infernal Affairs"), de Andrew Lau y Alan Mak.
Reparto: Leonardo DiCaprio, Matt Damon, Jack Nicholson, Mark Wahlberg, Martin Sheen, Alec Baldwin, Ray Winstone, Vera Farmiga, Anthony Anderson, Kevin Corrigan, James Badge Dale
Producción: Brad Pitt, Brad Grey y Graham King
Fotografía: Michael Ballhaus
Montaje: Thelma Schoonmaker
País: Estados Unidos
Idioma: Inglés
Duración: 152 minutos
Año: 2006
Link: http://thedeparted.warnerbros.com/


Trailer

domingo, noviembre 05, 2006

Luces Rojas - 'Consecuencias Autodestructivas'

... Cédric Khan supo convertir este guión, basado en el texto de uno de los maestros del suspenso, Georges Simenon, en una angustiante pero bien lograda historia de suspenso, donde los hechos tormentosos no dejan de sorprender hasta acercarse el final...



Luces Rojas

CONSECUENCIAS AUTODESTRUCTIVAS




Hace un par de semanas está disponible en la cartelera de Santiago uno de los estrenos que más esperé en lo que va de este año, Luces Rojas, la escalofriante cinta francesa del director Cédric Khan, el cerebro detrás de “Roberto Succo” del año 2001. Podría señalar que este fue un especial choque de expectativas entre lo que anunciaban las promociones y el resultado propiamente tal, por lo mismo entonces, antes de emitir cualquier comentario sobre la producción, parto señalando que como pocas veces los resultados cumplieron con todas las expectativas hechas previamente. Se trata de una gran cinta de suspenso sicológico, hasta el momento, la mejor en su género en lo que va de este año 2006.

Luego de algunas cintas que también se enmarcaron dentro del género del thriller sicológico, como “La Dama de Honor” de Claude Chabrol y “Caché” de Michael Haneke, la llegada de este nuevo trabajo del galo Cédric Khan tenía una misión bastante difícil de conseguir, ya que aparte de los elogiosos pergaminos que sus predecesoras exhibían, lo cierto es que este nuevo trabajo venía a saciar la curiosidad por saber si el género podría reencantar nuevamente al público, luego de tan exitosas y variadas muestras del lado más oscuro del ser humano.



“Luces Rojas” centra sus dardos en la ira y la posterior autodestrucción del individuo, simbolizado en Antoine (Jean-Pierre Darroussin), un marido apocado por el éxito profesional de su esposa, la abogada de empresas Hélène (Carole Bouquet). Es tanta la frustración de Antoine, que su rabia contra sí mismo intenta calmarla sumiéndose en el alcohol y las constantes discusiones con Hélène. Todo indica que la relación entre ambos está irremediablemente rota, porque así como él se sumerge en una autodestrucción que incluso se refleja en su aspecto, ella también da luces de no poder soportar más seguir a su lado.

A este moderno drama humano de la inferioridad del hombre frente a su mujer, y la consecuente pérdida del rol masculino como ancestralmente se lo percibe, se sumará un hecho que pondrá a prueba no solo el matrimonio entre Antoine y Hélène, sino que todo el sistema de vida que a ambos los ha llevado a ser lo que actualmente son. Cuando deben partir una noche en busca de sus hijos, con quienes pretenden pasar un fin de semana en familia, los errores de ambos los llevará a vivir una horrenda pesadilla.



Antoine, a pesar de ir al volante, aprovecha el viaje para volver a descargar su frustración con Hélène. Los intentos de ella por calmarlo fracasan cuando Antoine, solo por contradecirla, se desvía hacia una estación de servicio para beber. Tras haberlo amenazado con abandonarlo y seguir el viaje en tren, Hélène cumple su palabra, ya que solo una nota dejada en el coche le indicará a Antoine que no volverá a ver a su esposa hasta que llegue a Bordeaux, donde los esperan sus hijos. A menos claro que vaya en su búsqueda, intentando dar con ella adelantando al tren estación por estación. Sin embargo, hay un hecho público que Antoine pretende ignorar. Esa misma noche escapó un peligroso criminal de la cárcel, por lo que su carrera nocturna por interceptar a Hélène se ve interrumpida por constantes controles en la carretera, los que logra dejar atrás a pesar de llevar a bordo a un misterioso extraño, a quien conoció cuando previamente se puso a beber.

La cinta de Khan tiene la gran virtud de no presentar el peligroso encuentro entre Antoine y este sujeto parco e intimidante, centrando la trama exclusivamente en la atemorizante situación que se produce, ya que es interesante observar cómo la personalidad del protagonista, a pesar de estar sumido en el alcohol, no logra dimensionar el peligro hasta cuando se hace demasiado evidente, puesto que su principal preocupación seguía siendo Hélène, incluso continuando con sus descargos en contra de ella y su insoportable monólogo de autocompasión. El director supo convertir este guión, basado en el texto de uno de los maestros del suspenso, Georges Simenon, en una angustiante pero bien lograda historia de suspenso, donde los hechos tormentosos no dejan de sorprender hasta acercarse el final.

Un solidísimo trabajo que vuelve a colocar al cine de habla francesa como uno de los mejores de este año. Una gran edición y dirección, pero en especial, una performance soberbia del actor Jean-Pierre Darroussin como Antoine, personaje que pasa por diversos estados de forma maestra, como la ira, autodestrucción, heroísmo, culpabilidad y sorpresa. En buenas cuentas, una película que es imposible dejar de ver, puesto que también es candidata a pelear el cetro como la mejor del año.


Excelente






Ficha Técnica:


Nombre: Luces Rojas (Feux Rouges)
Género: Thriller
Dirección: Cédric Kahn
Guión: Cédric Kahn, Laurence Ferreira-Barbosa. Basado en la novela de Georges Simenon
Reparto: Jean-Pierre Darroussin, Carole Bouquet, Vincent Deniard, Charline Paul, Jean-Pierre Gos
Producción: Patrick Godeau
Música: Claude Debussy
Fotografía: Patrick Blossier
Montaje: Yann Dedet
País: Francia
Idioma: Francés
Duración: 106 minutos
Año: 2004
Link: http://www.bacfilms.com/site/feux/

sábado, noviembre 04, 2006

Volver - 'Ser Mujer y No Morir en el Intento'

... Pedro Almodóvar consiguió su propósito, y una vez más pone todo su acento en la fortaleza femenina, nuevamente en una comedia dramática con un guión más que sólido, por su puesto, ahora con una maduración mucho más notoria como director...


Volver

SER MUJER Y NO MORIR EN EL INTENTO




Pedro Almodóvar tiene un especial vínculo con el público, más allá de ser el más popular y reconocido de los directores hispanos, y es que para bien o para mal ninguna de sus películas pasa desapercibida cuando es estrenada en la cartelera local, ya sea en su España natal o en otras latitudes. Chile obviamente no es la excepción, y basta recordar todo lo que dieron que hablar clásicos como “Mujeres al Borde de un Ataque Nervios”, “Tacones Lejanos”, “Baile con Ella” o la controvertida “La Mala Educación” del 2004, para saber de antemano lo importante que sería este nuevo trabajo durante este alicaído año 2006 en materia de películas de habla hispana.

Y aunque desde ya separo aguas con quienes se declaran adictos al cine almodovariano, puesto que nunca me he sentido atraído del todo con estas historias truculentas que apuntan a los aspectos recónditos de la personalidad humana, no puedo menos que reconocer que Volver, su más reciente caballo de batalla, tiene el gran mérito de volver a reencantar al espectador con el tipo de personajes que más apasionan a este director: las mujeres.



Sin entrar al majadero tema de la sexualidad de Almodóvar, aunque es cierto que por ahí va el hilo conductor de tanta pasión por retratar el alma femenina, lo cierto es que al conocerse que quienes tendrían la misión de interpretar a las heroínas de turno, las cotizadas Penélope Cruz, Carmen Maura y Lola Dueñas, no pocos supusimos que esta obra solo tendría como objetivo principal presentar a estas divas españolas, en papeles donde cada una destacaría más que nada por su talento, y en el caso de la ex pareja de Tom Cruise, su magnética belleza. Pues no, el guión y la historia que une a estas tres mujeres, más otros personaje femeninos, cumple en su misión de retratar la sobrevivencia, desde aspectos puramente cotidianos hasta dolorosos traumas de familia, dejando por el suelo cualquier duda sobre la oportunidad de este casting tan llamativo.

La historia de “Volver” se desenvuelve a través de varios recovecos, característica distintiva a estas alturas en el cine de Almodóvar. Comienza con la visita al cementerio de dos hermanas, Raimunda (Penélope Cruz) y Sole (Lola Dueñas), quienes junto a la hija de la primera, Paula (Yohana Cobo), acuden a visitar la tumba de su madre. Sole es la mayor y realiza labores de peluquería en su propia casa, pero es Raimunda quien ha debido trabajar y luchar más por salir adelante junto a su hija adolescente y su marido, un patán con oscuras intenciones sexuales, quien pese a morir en su ley complica de sobremanera la existencia de Raimunda y Paula.



A este cuadro se suma una antigua vecina de ambas hermanas, Agustina (Blanca Portillo), quien les avisa de la muerte de una anciana tía, Paula (Chus Lampreave). Agustina en todo caso, ha vivido con una enorme duda desde que desapareció su propia madre, pidiéndole ayuda a ambas hermanas para dar con el paradero de esta, no sin antes advertirles que al parecer el fantasma de Irene (Carmen Maura), madre de Raimunda y Sole, ha sido visto por algunas personas en el pueblo. Sin embargo, lo que Agustina, Sole, Raimunda y Paula ignoran, es que ese fantasma más temprano que tarde hará su aparición, develando una verdad en extremo dolorosa para todas ellas, en especial para la sufrida Agustina, aunque Raimunda también aprovechará la oportunidad de sanar las heridas que la separó de su madre. Por cierto, los hombres no salimos muy bien parados en esta oportunidad, pese a estar ausentes como personajes centrales, pero aún así esta no es en absoluto un cinta feminista con una clara alocución revanchista contra el género masculino.

Las críticas no mentían, con justa razón puedo afirmar que Penélope Cruz se manda la que, hasta ahora por lo menos, es la mejor actuación que se le haya visto. Sumado al hecho que está más bella y sensual que nunca, opaca por completo al resto de sus compañeras, aunque tanto Maura como Dueñas están en el mismo nivel que ya les conocíamos, una como antigua musa del director, y la otra como actriz revelación tras su paso por “Mar Adentro”. Notable además la interpretación de Blanca Portillo como Agustina, un personaje oscuro, lleno de dolor y de tristeza. Actuaciones así simplemente se agradecen.

Pedro Almodóvar consiguió su propósito, y una vez más pone todo su acento en la fortaleza femenina, nuevamente en una comedia dramática con un guión más que sólido, por su puesto, ahora con una maduración mucho más notoria como director.La película española del año, cuyos galardones obtenidos hasta el momento en ningún caso hablan de sobrevaloración.


Excelente





Ficha Técnica:

Nombre: Volver
Género: Comedia Dramática
Dirección: Pedro Almodóvar
Guión: Pedro Almodóvar
Reparto: Penélope Cruz, Carmen Maura, Lola Dueñas, Blanca Portillo, Yohana Cobo, Chus Lampreave, María Isabel Díaz, Neus Sanz, Pepa Aniorte, Yolanda Ramos, Antonio de la Torre, Carlos Blanco
Producción: Esther García
Música: Alberto Iglesias
Fotografía: José Luis Alcaine
Montaje: José Salcedo
País: España
Idioma: Español
Duración: 110 minutos
Año: 2006
Link: http://www.clubcultura.com/clubcine/clubcineastas/