Ratatouille - 'Un Increíble Gourmet'

... son muchos más los aciertos en “Ratatouille”, en especial la candidez y la frescura de la rata Remy, el mejor personaje de la historia, la transformación del estirado crítico culinario Antón Ego, y por cierto, los colores, las sombras y texturas que los cerebros de Pixar fueron capaces de regalarnos...

Ratatouille

UN INCREÍBLE GOURMET

Por más increíble que parezca, el motivo más fuerte que explica el favoritismo indiscutido de la crítica especializada hacia esta nueva entrega de Pixar en co-producción con Walt Disney, Ratatouille, del director norteamericano Brad Bird, ha sido este primer semestre tan mediocre en materia de cintas de animación. Sumado a la casi decepcionante tercera parte de “Shrek”, de Dreamworks, todo indicaba que este año 2007 tendría un talón de Aquiles precisamente en el género del píxel, donde la uniformidad nivelada hacia abajo parecía ser la característica común, hasta hace unas semanas por lo menos.

Y aunque comparto la premisa que esta es sin duda la cinta animada más importante y mejor lograda en lo que va del año, tampoco hay que perder la perspectiva, debiendo reconocer que tampoco estamos frente a una obra de arte, y que principalmente esta es una producción que se potencia, más allá del mensaje, en fortalezas claramente técnicas. Más allá del bien logrado guión, lo mejor que nos ofrece Brad Bird es el espectacular trabajo computacional a cargo de los dibujantes y editores de Píxar.



“Ratatouille” centra su mensaje en el espíritu de superación, y especialmente en el viejo adagio que indica que nada es imposible en esta vida, y que vale la pena soñar y luchar por hacer realidad esos sueños. Así entonces, con una idea central nada de novedosa, lo más probable era que otra vez estuviéramos frente a una cinta donde la letanía del mensaje, altruista al más puro estilo ‘americano’, no sirviera más que para encantar a niños pequeños y a sus abuelos. Pero la historia de “Remy”, la joven rata que prefiere disfrutar de la comida bien elaborada, en vez de hurgar en la basura, tenía algo más que presentar.

Con un ritmo tan veloz como la recordada “Los Increíbles” del año 2004, también de Pixar y Walt Disney, la primera parte de “Ratatouille” nos presenta al protagonista en sus rasgos más característicos, es decir, el de un inadaptado al sistema, que sin embargo no tiende a revelarse, sino a adecuar el mundo que lo rodea a sus propios gustos y creencias. Sin embargo un buen día, a raíz de una electrizante persecución que originó junto a su numerosa familia y amigos, en la cocina de una temeraria anciana, termina llegando a la ciudad luz, París, nada menos que en el prestigioso restaurant de su fallecido ídolo, Auguste Gusteau.



Será la posibilidad de su vida, ya que estará justamente en medio de una cocina internacional de primer nivel, la más importante de la capital francesa, y en ella podrá poner en práctica todo lo aprendido. Pero la torpeza de un curioso auxiliar y aprendiz de cocina, el pelirrojo Linguini, cambiará en cierta medida sus planes, ya que al intentar ayudarlo, para no caer en desgracia frente al pérfido chef y actual administrador del restaurant, tendrá que recurrir a la mentira y el engaño para salvar la situación. Linguini cocinará las mejores delicatessen, pero portando a la rata, el verdadero gourmet, sobre su cabeza, oculto en el largo sombrero blanco.

Hay situaciones muy cómicas, aunque nunca hilarantes, y algunos pasajes podrán resultar algo rebuscados en los diálogos y las situaciones, como la relación entre Linguini y la temperamental Colette, y las artimañas del chef (Skinner) para deshacerse del torpe y larguirucho muchacho, a quien ahora ve como un peligroso rival, pero son muchos más los aciertos en “Ratatouille”, en especial la candidez y la frescura que transmite la rata Remy, el mejor personaje de la historia, la transformación del estirado crítico culinario Antón Ego, y por cierto, los colores, las sombras y texturas que los cerebros de Pixar fueron capaces de regalarnos.

Así como el nombre del plato que da nombre a esta producción resulta una tremenda contradicción, ya que nada relacionado a ratas puede ser ad-hoc con la cocina internacional, también resulta poco explicable que la mejor cinta de animación del semestre que se nos fue no haya tenido la respuesta que se esperaba por parte del público, tanto en Chile como en su propio país. Pero bueno, mientras siga en cartelera, tal vez podamos remediar esta situación. Más vale tarde que nunca.


Muy Buena





Ficha Técnica:

Nombre: Ratatouille
Género: Animación, Comedia
Dirección: Brad Bird
Guión: Brad Bird. Basado en un argumento de Jan Pinkava, Jim Capobianco y Brad Bird.
Voces Originales: Patton Oswalt, Ian Holm, Lou Romano, Brian Dennehy, Peter O'Toole, Brad Garrett, Janeane Garofalo, Will Arnett, Julius Callahan, James Remar
Producción: Brad Lewis
Montaje: Darren Holmes
Música: Michael Giacchino
País: Estados Unidos
Idioma: Inglés (doblada en español)
Duración: 110 minutos
Año: 2007
Link: http://disneylatino.com/FilmesDisney/Ratatouille/index-flash.html

Trailer (en español)

ÍNDICE 4

... en la diversidad está el gusto...

Shrek Tercero

EL SUCESO LLEGA A CHILE

El Acorazado de Potemkin

CICLO DE SERGEI EISENSTEIN

LO MEJOR DE DANNY BOYLE

Alerta Solar

ESPECIAL DÍA DEL PADRE

Mi Querido Frankie

"Shrek Tercero"
Un Paréntesis Innecesario






"El Acorazado de Potemkin"
Proselitismo de Lujo






"Alerta Solar"
Ícaro contra su Tragedia Griega





"Mi Querido Frankie"
Al Corazón También se le Respeta





Un gran saludo a todos los lectores.

Shrek Tercero - 'Un Paréntesis Innecesario'

... En Dreamworks, el verdadero reino de Muy, Muy Lejano podrán sentirse tranquilos con el dinero ganado, pero es de esperar que también se prenda la luz de alerta luego de esta inflexión...

Shrek Tercero

(Shrek the Third)

UN PARÉNTESIS INNECESARIO

Lo más probable es que el cariño que se han ganado los personajes de esta exitosa saga de los estudios Dreamworks se convierta en el mejor escudo ante cualquier crítica negativa en su contra, y más seguro aún es que los niños ni siquiera se molestarán en poner atención a los aspectos deficientes que los mayores podamos encontrarle a Shrek Tercero. Lo anterior es una gran fortaleza para una marca registrada dentro del cine de animación, nadie podría desconocerlo, pero no me parece justo dejarse llevar solamente por el aprecio que existe hacia el ogro verde y sus amigos para comentar lo que resultó ser finalmente esta versión 2007, en manos de Chris Miller y Raman Hui.

Así es, porque por más que hayamos aplaudido de pie la segunda parte de esta historia de Andrew Adamson en 2004, dando cátedra de cómo una continuación puede superar con creces a una primera entrega, lo cierto es que muchos esperábamos que, tres años después, nuevamente la superación fuese el distintivo de este esperado título, el mayor éxito norteamericano del cine de animación en lo que va de esta década. Lamentablemente, manteniendo toda la ironía y el sarcasmo de sus dos antecesoras, esta entrega es por lejos la más débil, y el motivo es más que evidente. La idea es alargar una trama exitosa en términos comerciales, a como de lugar, sin importar que la marca vaya degradándose de a poco.



“Shrek Tercero” no es en absoluto una mala película, pero cuando las anteriores entregas de 2001 y 2004 lograron no solo disputarle el liderazgo en términos de taquilla a varias superproducciones, sino además, convertirse en títulos obligados a la hora de resumir lo mejor de cada año, resulta preocupante comprobar cómo colgándose de aspectos circunstanciales dentro de la historia se busque estirar el elástico innecesariamente, dejando un tremendo signo de interrogación para lo que veremos en tres años más, y seis para ser más precisos. No podría hablar de decepción con esta nueva “etapa”, cuando Shrek debe decidir si asume como rey ante la agonía de su suegro convertido en sapo, que dicho sea de paso es una de las pocas escenas hilarantes de esta entrega 2007, pero sí está claro que lo que muchos esperábamos ver en esta oportunidad era la paternidad del ogro como eje central de la historia, y no como un mero aviso de lo que será el 2010.

Apenas finalizó la segunda versión, con el Príncipe Encantador obteniendo su merecido castigo, besado por la versión transexual de una de las hermanas feas de Cenicienta, lo que todos supusimos fue que era hora que llegaran los retoños de Shrek y Fiona, más aún habiendo obtenido el primero la bendición del rey Harold, padre de la segunda. Pues bien, la dirección a cargo de Miller y Hui también previó que era este el momento preciso para ver al ogro convertido en padre, tal como mucha de la publicidad también lo anunciaba, pero claramente la idea perdió fuerza cuando Dreamworks decidió que el eje debía ser otro, que Shrek no quisiera asumir como rey del Reino de Muy Muy Lejano, y se fuera en busca del legítimo heredero, nada menos que la versión nerd de El Rey Arturo, Artie, con el Mago Merlín y Lancelot incluidos.



Fiona hasta le anuncia que está embarazada, y el divertido ogro termina teniendo pesadillas con los revoltosos ogritos, pero vistas solo como escenas de relleno en una historia que perdió la chispa y el encanto de su antecesora, lo primero que mucho público se preguntará es si esta tercera parte era en realidad necesaria. Por más que la ausencia de Shrek en el reino le sirva a Encantador para una organizar una nueva embestida, apoyado esta vez por el capitán Garfio y la madrastra de Blanca Nieves, y a su vez transforme a Fiona y sus compañeras en las versiones animadas de “Los Ángeles de Charlie” y “Kill Bill”, lo cierto es que “Shrek Tercero” no pasa de ser más allá de una entretenida cinta en CGI, tal como en su momento lo fueron “Madagascar”, "Happy Feet” o “Espantatiburones”. “Shrek” se suponía que estaba muy por sobre ese nivel.

En fin, una vez más El Burro, El Gato con Botas, Pinocho, la galleta Jengibre, los tres cerditos, los ratones y el Lobo vestido de Abuelita harán sonreír, a no preocuparse por eso, ya que la diversión está garantizada para los más pequeños y el público menos exigente. Lo penoso será si en tres años más nuevamente ir a verlos a ellos será la única excusa para volver a comprar un ticket y disfrutar de las aventuras de “Shrek”, un personaje sin nada de evolución. En Dreamworks, el verdadero reino de Muy, Muy Lejano podrán sentirse tranquilos con el dinero ganado, pero es de esperar que también se prenda la luz de alerta luego de esta inflexión.


Entretenida
(... por no decir Regular)






Ficha Técnica:

Nombre: Shrek Tercero (Shrek the Third)
Género: Animación, Comedia
Dirección: Chris Miller, Raman Hui
Guión: Chris Miller, Jeffrey Price, Peter S. Seaman y Aron Warner. Basado en el argumento de Andrew Adamson sobre el libro de William Steig
Voces Originales: Mike Myers, Eddie Murphy, Cameron Diaz, Antonio Banderas, Rupert Everett, Justin Timberlake, Julie Andrews, John Cleese, Eric Idle, Cheri Oteri, Ami Poehler, Maya Rudolph, Amy Sedaris, John Krasinski, Ian McShane
Producción: Alejandro González Iñárritu y Jon Kilik y Steve Golin
Montaje: Michael Andrews
País: Estados Unidos
Idioma: Inglés (doblada al español)
Duración: 85 minutos
Año: 2007
Link: http://www.shrekinternational.com/intl/es/

Trailer (en español)

El Acorazado de Potemkin - 'Proselitismo de Lujo'

... Eisenstein denominó como atracción y momento agresivo el impactar al público al máximo con la edición y el juego de cámaras, técnicas que le valieron difundir su mensaje con una fuerza pocas veces vista...

El Acorazado de Potemkin

(Bronenosets Potemkin)

PROSELITISMO DE LUJO

Con esta joya del año 1925 damos inicio a un breve ciclo con el maestro del cine soviético: Sergei Eisenstein

Vayan mis agradecimientos a mi amigo Marcelo Zamora, quien me facilitó todo este material de lujo, así como la idea de realizar este mini ciclo

Si la premisa es comentar una película de principios del siglo XX, específicamente del año 1925, lógicamente lo primero que hará la mayoría de los lectores será rememorar lo que alguna vez conocieron como ‘cine mudo’. Pues bien, la premisa es correcta, pero si además complementamos esas imágenes que se vienen a la mente, con las secuencias y movimientos tan característicos del celuloide de aquellos años, con un dato para nada menor, estoy seguro que el interés comenzará a hacerse presente.

Esta producción es considerada como una de las mejores películas de todos los tiempos, tanto que en 1958 la Cinemateca Real de Bélgica le dio el titulo del mejor largometraje en la historia del cine, mérito que revalidó en 1990 nada menos que en los Estados Unidos, por la National Society of Films Critics. Me refiero ni más ni menos que a la más célebre obra del director soviético Sergei Eisenstein, El Acorazado de Potemkin, una película que más allá de la polémica por su discurso abiertamente revolucionario, logró dejar huella en todas las sociedades del mundo, algo que le debemos específicamente a la 'atracción' que tanto explotaba su director.



A casi veinte años de la caída del Muro de Berlín, con la consecuente destitución del totalitarismo comunista como segunda fuerza hegemónica en el planeta, resulta increíble que esta película aún siga cautivando a tantas generaciones de personas, quienes no necesariamente comparten o compartieron el discurso que la ex URSS trataba de implantar, y que tuvo en Eisenstein a uno de sus mejores propagandistas. Si a eso le sumamos que el cine mudo hoy en día se conserva como un arte de reliquia y que muy pocos estarían dispuestos a disfrutarlo nuevamente, la sorpresa que provoca el objeto de culto en que se ha convertido esta cinta pasa a transformarse en materia de análisis.

Pues bien, Eisenstein, tal como hace algún tiempo se analizó con Orson Wells y su “Ciudadano Kane”, tuvo un mérito difícil de obviar para sus detractores, y es que apelando al impacto más fuerte entre los espectadores rescató un suceso verídico ocurrido en 1905, frente a las costas de Odessa, cuando los oficiales al mando del acorazado de Potemkin se negaron a mejorar las condiciones de vida de los marineros a bordo, quienes luego de reclamar por la carne descompuesta que les era ofrecida como alimento intentaron amotinarse. Como resultado, el alto mando decide fusilar a los agitadores, con lo cual la sublevación era solo cuestión de minutos, sino segundos.



Toda la Rusia de aquel entonces comenzaba a simpatizar con estos marinos que le hicieron frente a la tiranía militar, la que sin embargo obedecía a una cabeza muy identificable, el Zar. Así fue como en las calles de Odessa los civiles también se alzaron en protestas por los sucesos ocurridos en el Potemkin, provocando que miles de hombres, mujeres, ancianos y niños transformaran las calles y escaleras del puerto en un mar de enfurecidos ciudadanos que reclamaban por las vidas perdidas en el buque de guerra, y además, contra la tiranía que a ellos también los subyugaba. El ejército zarista entonces entra finalmente en escena, comenzando así la carnicería, aunque la revolución tendría su cruzada final nuevamente en el mar, cuando el acorazado enfrente a los demás navíos del monarca ruso.

De estas secuencias ya son célebres algunas escenas que tiempo después fueron clonadas en largometrajes norteamericanos, siendo la más célebre la caída de un bebé dentro de su coche, el que tras perder a su madre producto del fuego, rueda por las escalinatas ante la mirada horrorizada de los demás civiles. Brian de Palma no ocultó su admiración por esta angustiante escena y la reprodujo casi de manera idéntica en “Los Intocables de Elliot Ness”, cinta de 1987. Hasta ese punto llegó el legado de este director soviético que hasta se enemistó con el temible José Stalin por otro de sus clásicos, “Iván el Terrible”.



“El Acorazado de Potemkin” fue una escuela montaje en aquellos años, y no solo en Rusia, convertida en 1925 en la tristemente célebre Unión Soviética, sino en la más diversa gama de directores, quienes se inspiraron en lo que el propio Eisenstein denominó como atracción y momento agresivo, es decir, impactar al público al máximo con la edición y el juego de cámaras, técnicas que le valieron difundir su mensaje con una fuerza pocas veces vista, y que algunos podrán considerar como extremas y chocantes, especialmente en la representación de madres con hijos muertos en sus brazos, pero que en 1925 marcaron un antes y un después al momento de estructurar una película y la intensidad de su mensaje.

Este además es un film que tiene la particularidad de reabrir viejas heridas en el mundo occidental, como la caricatura grotesca hacia el cristianismo simbolizada en un siniestro sacerdote ortodoxo que apoya a los oficiales del Potemkin, pero que recrimina a los marinos, o el linchamiento de un comerciante judío momentos previos al levantamiento civil en Odessa, pero aún así, se trata de una academia sobre cómo fue madurando el cine en sus inicios, una obra de arte mayor que merece la pena ser nuevamente vista y difundida entre las nuevas generaciones. Otro testimonio más de porqué el cine es un arte, y que vale la pena discutirse como medio de propaganda y de concientización. Simplemente imperdible.


Excelente





Ficha Técnica:

Nombre: El Acorazado de Potemkin (Bronenosets Potemkin)
Género: Drama Bélico (Cine Mudo)
Formato: DVD
Dirección: Sergei Eisenstein
Guión: Nina Agadzhanova y Sergei Eisenstein
Reparto: A. Glauberman, Aleksandr Antonov, Aleksandr Levshin, Beatrice Vitoldi, Grigori Aleksandrov, Ivan Bobrov, Konstantin Feldman, Mikhail Gomorov, N. Poltavseva, Prokopenko, Vladimir Barsky, Julia Eisenstein
Producción: Jacob Bliokh
Fotografía: Eduard Tisse, Vladimir Popov
Montaje: Sergei Einsenstein
País: Rusia (ex U.R.S.S.)
Idioma: Ruso (subtítulos originales)
Duración: 80 minutos
Año: 1925
Link: http://www.tecnun.es/cineclub/pelis_1s_2001/pelis_acorazado.htm

Masacre en Odessa (Escena)

Próximos comentarios dentro de este ciclo:

- Biografía de Sergei Eisenstein
- "La Huelga" (1924)

Sergei Eisenstein también estará presente la muestra:
Rusia: Los Años Soviéticos (Cine UC)

Alerta Solar - 'Icaro Contra su Tragedia Griega'

... Aún a millones de kilómetros del suelo terrestre, el espíritu de sobrevivencia afecta tanto a la salud mental como al sentido de lo éticamente correcto...

Alerta Solar

(Sunshine)

ICARO CONTRA SU

TRAGEDIA GRIEGA

Es el año 2057, y la humanidad se enfrenta a la mayor amenaza que haya habido jamás, ya que nuestra sobrevivencia depende totalmente de la luz solar, sin embargo, el sol ha comenzado paulatinamente a disminuir su tamaño, arrastrando con su agonía a nuestro planeta y toda la vida que existe en él. Para hacerle frente a esta inminente aniquilación, un grupo de físicos, astrónomos y astronautas son enviados en una misión hacia la moribunda estrella, con el objetivo de lanzarle una bomba atómica del tamaño de Chicago, permitiendo que el astro rey vuelva a revivir. Sin embargo, la misión no es la primera de su tipo, puesto que siete años antes ya hubo un primer intento, pero de aquella nave y su tripulación nunca más hubo noticias.

Hasta ahí podríamos decir que se trata de otra aventura futurista más dentro de las muchas que ya hemos visto, sin embargo, lo que distingue al nuevo trabajo del británico Danny Boyle, Alerta Solar, es precisamente la mano de su director, que la hace bastante más que otro tributo a “2001, Odisea del Espacio” de Kubrick, convirtiendo a este en el mejor trabajo de Boyle hasta la fecha, mezclando con maestría efectos audiovisuales de primer nivel con las anotaciones científicas que hacen sustentable una trama llena de intensidad a través de sus personajes, quienes con el correr de los minutos se alejarán por completo de los estereotipados roles de salvadores del mundo.



A cargo de “Alerta Solar” está el mismo equipo de “28 Days Later” del año 2002, con Boyle y el guionista Alex Garland a la cabeza. También el actor Cillian Murphy vuelve a tener a su cargo el rol protagónico, esta vez como el astronauta Capa, quien tras enfrentar el duro temperamento de su compañero Mace (Chris Evans) terminará siendo el héroe de turno al quedar en sus manos la difícil tarea de cumplir con la misión que se les encomendó, y que a cualquier mortal le costaría la vida, por más entrenado que esté en términos de viajes y equipamientos espaciales. De hecho, la actuación de Murphy es uno de los puntos más altos dentro de esta sorprendente producción británica.

La nave ICARO II, mismo nombre del ancestral hijo de Dédalo que muere al quemar sus alas acercándose al sol, no solo tiene como propósito transportar la bomba que salvará a la Tierra, sino también proveer a su multicultural tripulación de óptimas condiciones para llevar a cabo la misión de forma exitosa. Por esta razón dentro de su gran extensión existe un acondicionado invernadero, que provee de vida vegetal y oxígeno a los cinco hombres y dos mujeres a bordo, con lo cual la sola idea de perderlo provocaría una crisis de proporciones. Lamentablemente un error humano desvía la trayectoria de la nave, y dentro de las consecuencias se produce la destrucción de esta fuente de subsistencia, ante los sollozos de una devastada Corazón (Michelle Yeoh).



Pero las dificultades no terminan ahí, ya que además se suma el hecho que reciben una señal del ICARO I, la nave que años antes también intentó bombardear al sol, ante lo cual se toma la difícil decisión de ir en su búsqueda. Aún en esos momentos Boyle no pierde la filosofía nihilista de su postura frente al dilema de estos hombres y mujeres, quienes a pesar de las agobiantes dificultades aún son capaces de maravillarse con la estrella solar, observándola ya sea a través de lentes especiales, o bien durante peligrosas maniobras, como la del capitán Kaneda (Hiroyuki Sanada) cuando se enfrenta directo a la luz del sol tras salvar a su tripulación. El excelente actor nipón, en todo caso, mereció una mayor participación en la trama. Así entonces, esta misma filosofía que desarrolla Boyle es la que enfrentará a los sobrevivientes del ICARO II con el nuevo pasajero que tendrán a bordo tras hacer contacto con la primera nave, el único sobreviviente de la misión de hace siete años atrás.

La música a cargo de Underworld es otro punto destacable, pero lo mejor de “Alerta Solar” está especialmente en la combinación de una elaborada ficción con los conflictos humanos más perturbadores, no en vano la discusión sobre eliminar compañeros a bordo para aprovechar mejor el poco oxígeno se vuelve crucial a partir del infortunado accidente. Aún a millones de kilómetros del suelo terrestre, el espíritu de sobrevivencia afecta tanto a la salud mental como al sentido de lo éticamente correcto. En definitiva, el popular director de “Trainspotting” silenciosamente nos trajo hace algunas semanas uno de los mejores estrenos del año, aunque para algunos este título pareciera haber pasado inadvertido en la cartelera. Un grueso error en honor a la verdad.


Excelente





Ficha Técnica:

Nombre: Alerta Solar (Sunshine)
Género: Ciencia Ficción, Thriller Futurista
Dirección: Danny Boyle
Guión: Alex Garland
Reparto: Cillian Murphy, Chris Evans, Michelle Yeoh, Rose Byrne, Cliff Curtis, Troy Garity, Hiroyuki Sanada
Producción: Andrew Macdonald
Montaje: Chris Gill
Fotografía: Alwin H. Küchler
Vestuario: Suttirat Anne Larlarb.
Música: Karl Hyde, John Murphy, Rick Smith (Underworld)
País: Reino Unido
Idioma: Inglés
Duración: 107 minutos
Año: 2007
Link: http://www.sunshine-alertasolar.com/

Trailer

Mi Querido Frankie - 'Al Corazón También se le Respeta'

... Shona Auerbach y Andrea Gibb se anotan un gran logro con este trabajo, ya que ambas mujeres logran demostrar de manera coherente, sobria y elegante, que el corazón ya no acepta cualquier cosa para hacerlo emocionar, porque hace bastante tiempo que pide respeto a la hora de crear historias que apunten hacia el sentimiento...

Mi Querido Frankie

(Dear Frankie)

AL CORAZÓN TAMBIÉN

SE LE RESPETA

Especial Día del Padre

(17 de Junio)

Esta pudo haber sido la película más lacrimógena del año 2005, una más entre tanto largometraje que apela al sentimentalismo barato para conseguir butacas llenas de personas fácilmente impresionables. Pero la realidad resultó ser bastante distinta. Con una primera media hora donde la directora Shona Auerbach se da el tiempo preciso para presentarnos a dos de los personajes más importantes dentro de la historia, una madre un tanto inmadura y sobreprotectora, y un hijo de nueve años que adolece de sordera y que vive bajo un engaño, la cinta británica Mi Querido Frankie (Dear Frankie) echa por tierra cualquier prejuicio contra un trabajo que nuevamente pone el acento en las relaciones filiales entre seres humanos, donde además un menor de edad está de por medio.

Así es, el hecho que Auerbach diera un nuevo enfoque a una historia tan atractiva como esta, donde nuevamente las mentiras piadosas mueven los hilos de la trama ("Good Bye Lenin", "Cartas desde París", "Padre e Hijo") hace suponer que el cine de los pañuelos desechables tiene los días contados, ya que será difícil que sigan apareciendo historias que pretendan llegar al corazón, sin tener una historia de peso, con buenas actuaciones, el uso correcto de los tiempos y una bellísima fotografía. Este último punto es notable en “Mi Querido Frankie”, ya que la finura con que se exhiben las tomas en el puerto escocés cercano a Glasgow, con una melancolía sutilmente elegante, no dejará indiferente a nadie que ame las costas y los paisajes que alguna vez sirvieron de refugio a la cultura celta británica.



Una joven madre, Lizzi (Emily Mortiner), mantiene engañado a su hijo Frankie (Jack McElhone), un niño que sufre de sordera y que alucina con las cartas que su padre le envía desde el barco por el que navega alrededor del mundo. Ahora bien, dicho engaño ha desatado precisamente esa idolatría que siente el niño por este padre ausente, secundada en la mentira por la abuela del menor, la huraña Nell (Mary Riggans). Lizzie y su familia viven mudándose de ciudad en ciudad, huyendo del verdadero padre de Frankie, quien debido a los malos tratos obligó a Lizzi a abandonarlo, siendo Frankie aún muy pequeño. El niño no tiene recuerdos de su padre, así que Lizzi es quien le escribe las famosas cartas haciéndose pasar por ese imaginario padre que deambula por los océanos, y que le cuenta todo lo que va conociendo en cada puerto que llega. Frankie a su vez, le responde contándole de su vida y sus gustos. El chico de tanto recibir cartas desde “diferentes” destinos, se hizo casi un sabelotodo en cuanto a Geografía.

Sin embargo, un buen día el niño se entera que el preciso barco donde supuestamente su padre viaja a bordo, el HMS Accra, arribará al puerto escocés en el que ahora vive junto a su madre y abuela. Lizzie, quien vive engañándose a sí misma prometiéndose que ya no le mentirá más a Frankie, se ve acorralada ante este nuevo hecho y le pide ayuda a Marie (Sharon Small), su nueva amiga y empleadora. La idea consiste en encontrar a un sujeto que se haga pasar por el padre de Frankie, obviamente pagándole y enseñándole las cartas. Marie consigue un hombre ideal para la breve farsa, un sujeto parco, sin pasado ni futuro, quien solo por el dinero y por cumplir con Marie acepta el “trabajo” ofrecido por Lizzi.



Ahora bien, este desconocido, interpretado por el actor escocés Gerard Butler, poco a poco va empatizando con este inteligente niño, a pesar de su sordera, quien al tener en frente suyo al padre que tanto ha admirado e imaginado, vive el día más feliz de su vida junto a él, obligando a su madre a prolongar la dicha por un día más, pese a que el trato entre Lizzi y el sujeto había sido solo por 24 Horas. Frankie incluso le gana algunas apuestas a un arrogante chico llamado Ricky teniendo a su padre cerca, consiguiendo además la admiración de Catriona, su amiga y compañera de colegio. Pero lo más increíble es que a través de él, Lizzi y este desconocido también comienzan a empatizar, más aún cuando este se entera, por boca de su madre, de la verdadera razón que llevó a Frankie a perder la audición.

Vale la pena adentrarse en esta mirada femenina sobre los lazos humanos que surgen a raíz de una mentira blanca, y Shona Auerbach a cargo de la dirección y Andrea Gibb en el guión, se anotan un gran logro con este trabajo, ya que ambas mujeres logran demostrar de manera coherente, sobria y elegante, que el corazón ya no acepta cualquier cosa para hacerlo emocionar, porque hace bastante tiempo que pide respeto a la hora de crear historias que apunten hacia el sentimiento. Otro elemento a destacar es el tremendo ángel de la actriz Emily Mortiner, y por cierto, la revelación que resultó ser el pequeño Jack McElhone. Sin duda ambas actuaciones, junto a la impecable dirección de Auerbach, fueron lo mejor de esta hermosa cinta. También es destacable la musicalización a cargo de Alex Heffes, puesto que junto a algunos temas con base pop/rock, a ratos el sonido del piano resulta tremendamente parecido a los acordes del francés Yann Tiersen.

Recomendable de todas maneras. Sin ser una película excelente, no se puede desconocer que el resultado fue mucho más de lo esperado.


Muy Buena






Ficha Técnica:

Título: Mi Querido Frankie (Dear Frankie)
Género: Comedia Dramática
Formato: DVD
Dirección: Shona Auerbach
Guión: Andrea Gibb
Reparto: Emily Mortimer, Jack McElhone, Gerard Butler, Sharon Small, Mary Riggans (Nell), Jayd Johnson, Sean Brown, John Kazek, Katy Murphy, Anna Hepburn
Producción: Caroline Wood
Fotografía: Shona Auerbach
Música: Alex Heffes
Montaje: Oral Norrie Ottey.
Vestuario: Carole K. Millar.
País: Reino Unido (Escocia)
Idioma: Inglés
Duración: 105 minutos
Año: 2004
Link: http://www.miramax.com/dearfrankie/

Trailer

Otra película ideal para esta fecha, y recordada aquí mismo hace un año atrás, es Big Fish (El Gran Pez) de Tim Burton, la que además ya ha estado siendo constantemente rotada en los canales de televisión por cable. Junto a "Ed Wood" y "La Novia Cadáver", lo mejor de este popular director estadounidense.




"El Gran Pez",
Y nació un nuevo clásico

ÍNDICE 3

... dos en uno...

ESPECIAL DÍA DE LA MADRE
Good Bye Lenin!

Spiderman 3
LA PELÍCULA DEL MOMENTO

"Good Bye Lenin!"
Especial, Día de la Madre







"Spiderman 3"
La Película del Momento







Bonus Track...

Al cumplirse un año de la triste partida de la cantautora Soraya, les dejo un link con un pequeño tributo que elaboré en el blog de sus admiradores chilenos:




SORAYA

(11/03/1969 – 10/05/2006)

Una Estrella,
Ahora Leyenda








Saludos a todos.

El Hombre Araña 3 - 'Memorable Dualidad'

... salvo que la historia nuevamente conjugue elementos tan atractivos como la dualidad, la venganza y la redención como en esta tercera parte de Spiderman, no se justifica otra nueva entrega, aunque claro, los intereses económicos siempre serán un factor relevante en una producción de este tipo, claramente la mejor en su género...

El Hombre Araña 3
(Spiderman 3)

MEMORABLE DUALIDAD

A estas alturas resulta una majadería señalar que la trilogía de El Hombre Araña se ha convertido claramente en lo mejor del cine de ciencia-ficción de esta última década, más allá de lo oscuro de muchos de sus pasajes y las ansias que cada tres años provoca en una enorme cantidad de público, y aunque la tercera parte de esta saga está dando que hablar más que nada por su exitosa recaudación en la taquilla, lo mejor es no perder la perspectiva. La nueva visión del director norteamericano Sam Raimi no descuidó ningún detalle para hacer de éste su mejor trabajo a la fecha sobre el legendario cómic de Stan Lee y Steve Ditko, tanto así que resulta extraño escuchar cómo nuevamente salen a flote las rencillas entre Raimi y el resto del equipo de producción, las cuales, de ser ciertas, no dejaron ninguna huella en esta tercera y, posiblemente, última parte de la saga llevada al cine desde el año 2001.

Siendo bien honestos, es claro que un actor como Tobey Maguire dista mucho de representar al clásico galán que, ayudado por un colorido disfraz, sale a luchar por la justicia frente a rivales cada vez más bizarros. La misma lógica podríamos decir de la frágil Kirsten Dunst, muy lejos de la belleza clásica que originalmente era Mary Jane. Sin embargo, cuando un guión sabe mezclar efectos especiales de primer nivel con una historia de peso, donde los personajes tienen bastante que mostrar de su lado más humano, independiente si ese lado nos gusta o no, la balanza comienza a nivelarse sin ningún problema.



Lo bueno eso sí, tanto en este como de los otros dos films que le precedieron, es que precisamente este casting bastante alejado de los prototipos clásicos del cine de superhérores, ha convertido en toda una excepción a la regla a la versión cinematográfica del periodista que se convierte en el protector de New York, tras ser mordido por una araña. Raimi tuvo el mérito desde un comienzo de no enloquecerse solo con pirotecnia multimedial, y esta vez no solo lleva a la pantalla grande a dos de los más célebres antagonistas del atlético Peter Parker (Maguire) cuando se coloca el traje rojo-azul, sino que además aprovechó la mejor arista sicológica de uno de ellos, incluido el propio Parker.

Es así como la performance de otro actor carente del biotipo de Hollywood, Topher Grace, quien por accidente termina siendo el célebre doble opuesto de Spiderman en el cómic, Venom, comienza a tomar forma una vez que el propio Parker sufre los efectos de la atractiva pero peligrosa dualidad que ya conocíamos a través de la historieta. Una extraña sustancia negra invade el traje de Spiderman y casi lo convierte en un criminal, y a su vez, saca lo peor de la personalidad de Parker. Cuando éste logra liberarse de esta negativa entidad, Eddie Brock (Grace) es quien la recoge sin proponérselo y se convierte así en el peor rival de este Hombre Araña caído en desgracia.



La saga además se complementa con la aparición del atormentado Hombre de Arena (Thomas Haden Church), quien es acusado de haber asesinado al tío del protagonista, aunque su mayor dolor no es esta acusación y la posterior persecución de que es objeto, sino el hecho de no poder ver a su pequeña hija. La complicidad que consigue con Venom desatará la apoteósica batalla final, donde Spiderman recobrará la amistad de Harry Osborne (James Franco) luego de un duro enfrentamiento previo, quien en su afán de vengar la muerte de su padre, castigando al arácnido superhéroe, seduce a Mary Jane, vulnerable luego de sufrir con mayor fuerza la apatía de Parker frente a su fracaso como cantante, y posteriormente cuando su personalidad lo trastorna.

Esta es una historia maciza, con una extraordinaria musicalización de Christopher Young, que convierten a “Spiderman 3” en una cinta muy superior a las otras grandes producciones de cine fantástico, las que solo han sacado provecho del excelente nivel digital de la poderosa industria estadounidense para salir airosas frente al público masivo. Raimi ha quedado en un inmejorable pie para darle punto final a esta gran secuela, y salvo que la historia nuevamente conjugue elementos tan atractivos como la dualidad, la venganza y la redención como en esta tercera parte de Spiderman, no se justifica otra nueva entrega, aunque claro, los intereses económicos siempre serán un factor relevante en una producción de este tipo, claramente la mejor en su género, y porqué no decirlo, una de las mejores del año.


Muy Buena





Ficha Técnica:

Nombre: El Hombre Araña 3 (Spiderman 3)
Género: Ciencia Ficción, Acción
Dirección: Sam Raimi
Guión: Sam Raimi, Ivan Raimi y Alvin Sargent. Basado en el cómic de Marvel de Stan Lee y Steve Ditko
Reparto: Tobey Maguire, Kirsten Dunst, James Franco, Thomas Haden Church, Topher Grace, Bryce Dallas Howard, James Cromwell, Rosemary Harris, J.K. Simmons
Producción: Laura Ziskin, Avi Arad y Grant Curtis
Fotografía: Bill Pope
Música: Christopher Young
Montaje: Bob Murawski
Vestuario: James Acheson
País: Estados Unidos
Idioma: Inglés
Duración: 156 minutos
Año: 2007
Link: http://spiderman3.sonypictures.com/

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Good Bye Lenin! - 'Todo Por Mi Madre'

... la trama no gira alrededor de la caída del régimen comunista en la ex Alemania Oriental, sino en el gran amor que un hijo es capaz de sentir por su madre, lo que lo hace actuar de la forma en que lo hace. Grandes actuaciones de Katrin Saas y Daniel Brühl, ella como la rígida madre que es burdamente engañada, y él como el hijo comprometido con su recuperación...

Good Bye Lenin!

TODO POR MI MADRE

Especial Día de la Madre
(10 de Mayo)

Si hay algo que debe destacarse de este sorprendente film alemán, dirigido por Wolfgang Becker, es que consigue mantener la atención del público desde el comienzo hasta el final, no dejando una sola escena como relleno a lo largo de los 120 minutos en que dura el film, ganador el año 2003, entre varios otros galardones, de los cotizados premios Palmarés en Europa, nada menos que por Mejor Película y Mejor Actor Protagónico, a los que se sumaron los premios del público por Mejor Director y Mejor Actriz Protagónica. Con toda esta presentación queda claro porqué ésta será por mucho tiempo una de las películas más recordadas del cine germano, y a larga también se transformará en un clásico del séptimo arte. Inteligentemente, Becker utiliza la musicalización del cotizado francés Yann Tiersen a lo largo de este film para contar una historia aparentemente incoherente, pero que es llevada a la pantalla grande con un talento pocas veces visto. Claramente se distingue del cine de Hollywood por su ritmo y su forma de secuenciar las escenas, pero tampoco tiene ese sello distintivo del cine europeo, es decir, la lentitud. Así entonces, dudo que alguien pueda rotular de aburrida, o lenta, a esta magnífica cinta alemana. Su ritmo es precisamente lo que la hace tan atractiva, junto con la historia, lo que inevitablemente la convierte en un imperdible a la hora de sentarse a verla, para pasar un muy buen rato y quedarse con algo más que una entretenida comedia.

La trama transcurre en octubre del año 1989, en la ex Alemania Oriental (RDA), cuando precisamente cae el Muro de Berlín, y con él comienza el ocaso de la ex Unión Soviética y todos los estados socialistas de la Europa del Este. El proceso es traumático para todos los simpatizantes de estos regímenes totalitarios, y precisamente ésta es la problemática que da vida a Good Bye Lenin!, es decir, cómo hacer que una madre fuertemente comprometida con la causa comunista no termine muriéndose al ver que se desmorona el régimen que tanto admira, y por el que tantos sacrificios personales, incluso familiares, ha debido realizar. La mujer (Katrin Saas) pierde el conocimiento y cae en coma luego de ver arrestado a su hijo Alex (Daniel Brühl), quien formaba parte de los miles de alemanes orientales que protestaban días antes de la caída del muro, porque con eso acelerarían los cambios por venir.



Alex al ser liberado se entera de esta fatal noticia y decide hacerse cargo a como de lugar de su madre, en contraste con su hermana Ariane (Maria Simon), quien con una frialdad increíble demuestra un completo desinterés por su progenitora. Pero lo que ninguno de los hermanos podía suponer es que en cosa de meses, y de manera inesperada, su madre recobraría la conciencia y lentamente comenzaría a mejorar. Es ahí donde a Alex se le ocurre una ‘brillante’ idea, la de fingir que el colapso socialista en la ex RDA nunca ocurrió, permitiendo con esto que la recuperación de su madre sea más rápida y menos dolorosa. Enterarse de la verdad podría resultar fatal para su postrada madre, al menos eso es lo que él supone. A regañadientes entonces consigue que su hermana y su occidentalizado novio lo ayuden a preparar su cuarto, quitándole todo mueble y decoración que revele el nuevo estado capitalista de la nación, para volver a convertirlo en el mismo viejo y anquilosado cuarto donde la madre ha pasado todos esos años bajo el régimen de Eric Honecker.

A tal punto llega la obsesión de Alex por impedir que su madre descubra la nueva realidad de Alemania, donde la caída del muro de bien poco les sirvió a los del lado este, que junto a uno de sus compañeros de trabajo, con el cual reparten suscripción a la televisión satelital, elabora videos caseros para hacerle creer a la madre de Alex que aún están en el antiguo régimen cuando ella enciende la televisión. Hasta los vecinos deben ayudar a Alex, los que al ingresar a ese cuarto deben vestirse tal como lo hacían meses atrás, y llevando conversaciones que no revelen en nada la nueva situación política y social del país. Su hermana insiste en que es una locura, al novio de esta le da exactamente lo mismo, pero es la nueva novia de Alex, Lara (Chulpan Khamatova), quien decide poner término a toda esta locura, cuando ya se hace insostenible esta kafkiana situación.



Es una historia sumamente original y reflexiva, que contada con un ritmo intenso y una musicalización de primer nivel a cargo de Tiersen, se hace imposible dejar de verla. Wolfgang Becker consigue llegar al alma del espectador, y no solo al ver las peripecias del protagonista, en este caso Alex (Brühl), ya que uno de los clímax más potentes se da cuando Alex descubre que su padre no los abandonó ni a él y a su hermana cuando eran pequeños, debido a su viaje a Occidente donde encontró un nuevo amor, sino porque su propia madre no fue capaz de romper con el régimen, prefiriendo sacrificar su matrimonio para no abandonar la causa socialista. Alex y Ariane descubren brutalmente la verdad, luego de varios minutos en que las sonrisas del público brotan con cada una de las escenas jocosas relacionadas al engaño en la habitación. Ese quiebre es notable y merece ser destacado. Notable además la escena del reencuentro entre Alex y su padre, este último rol a cargo del actor Burghart Klaussner. Lo mismo ocurre cuando todos los personajes son testigos de cómo la caída del Muro, y la consecuente occidentalización del lado oriental, de muy poco sirvió a sus habitantes, casi todos descolocados frente a esta nueva y colorida realidad. Al parecer Lenin, después de todo, no se revolcó en su tumba.

En definitiva, una excelente película, lo mejor del segundo semestre del año 2004, donde solo "Machuca” de Andrés Wood le hizo sombra en nuestro país, y vaya un dato curioso, la cinta de Wood, al igual que la de Becker, supo dejar la contingencia política y social del país como marco de una historia mucho más humana, ya que en el caso de esta producción germana, la trama no gira alrededor de la caída del régimen comunista en la ex Alemania Oriental, sino en el gran amor que un hijo es capaz de sentir por su madre, lo que lo hace actuar de la forma en que lo hace. "Good Bye Lenin" definitivamente hay que verla, ya sea a través del cable o en DVD, en especial, por las grandes actuaciones de Katrin Saas y Daniel Brühl, ella como la rígida madre que es burdamente engañada, y él como el hijo comprometido con su recuperación. Una brillante producción del cine europeo, a estas altura ya un clásico.


Excelente





Ficha Técnica:

Título: Good Bye Lenin!
Género: Comedia Dramática
Formato: DVD
Dirección: Wolfgang Becker
Guión: Bern Ligthtenberg
Reparto: Daniel Brühl, Katrin Saas, Maria Simon, Chulpan Khamatova, Florian Lucas, Alexander Beyer, Burghart Klaussner
Producción: Stefan Arndt
Música: Yann Tiersen
Fotografía: Martín Kukula
País: Alemania
Año: 2003
Idioma: Alemán
Duración: 120 min
Link: http://www.good-bye-lenin.de/intro.php

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