Resumen, Lo Mejor 1º Semestre 2007

... ¿God Save "America"?...





1. Cartas desde Iwo Jima (Letters from Iwo Jima)

Director: Clint Eastwood
Género: Drama Bélico
País: Estados Unidos
Mes: Febrero


Alabada y criticada por igual. Para algunos, me incluyo, una de las mejores producciones bélicas, para otros en cambio, una mirada forzada y pretenciosa, por lo inaudito de ponerse en la piel de los japoneses, el bando perdedor, siendo una producción estadounidense. Lo último, un argumento extremadamente pobre, ante lo cual la descripción del honor nipón, y el duro trance para aceptar la derrota, la convirtieron en mi favorita para los Oscar 2007, pese a irse con las manos vacías. Clint Eastwood de lujo, y una vez más el japonés Ken Watanabe mostrando su gran nivel interpretativo. Lo mejor de estos seis primeros meses.

Heroísmo sin diferencia

2. Alerta Solar (Sunshine)

Director: Danny Boyle
Género: Ciencia Ficción, Thriller Futurista
País: Reino Unido
Mes: Abril


Si con Eastwood hubo críticas contrapuestas, con el británico Danny Boyle la situación fue aún peor, ya que tratándose de una cinta futurista, claramente los más ortodoxos encontrarían fallas ligadas a la fantasía y lo poco creíble del argumento, especialmente hacia el final, pero lo cierto es que "Sunshine" fue mucho más que otra producción sobre naves espaciales, buenos efectos y salvadores del mundo, y retrató de manera magistral los vaivenes del alma humana en situaciones extremas. La actuación del irlandés Cillian Murphy entre los puntos más altos. A las injustas críticas negativas, se sumó el escaso interés por parte del público. Lamentable.

Ícaro contra su tragedia griega

3. El Laberinto del Fauno (Pan's Labyrinth)

Director: Guillermo Del Toro
Género: Drama, Fantasía
País: España, México
Mes: Febrero


El mexicano Guillermo Del Toro completa la terna de estos tres primeros puestos, pero también supo de mordeduras de polvo con esta mezcla de fantasía, representada en la inocencia de una introvertida menor, con la rudeza del fascismo más extremo, simbolizada en un oficial franquista. Pese a perder la estatuilla de Hollywood en la quina a mejor film extranjero, Del Toro logró su objetivo, y ese consistió en darnos una mirada distinta de una época traumática en España a través del cine fantástico que lo ha hecho famoso. Impresionó, emocionó y dio que hablar. Lo mejor del cine de habla hispana.

El manto de los sueños

4. La Conquista del Honor (Flags of Our Fathers)

Director: Clint Eastwood
Género: Drama
País: Estados Unidos
Mes: Enero



Nuevamente 'Harry El Sucio' disparando. Aunque algunos críticos consideraron a esta como la mejor película del binomio que Eastwood realizó sobre la batalla de Iwo Jima, en las postrimerías de la Segunda Guerra Mundial, efectivamente este es un título de jerarquía, pero muy en el estilo que ya le conocemos a su director, el de la amarga melancolía de sus personajes. Aún así fue imposible abstraerse de la fuerte crítica social que exhibió el film hacia la sociedad y la cultura estadounidense, siempre proclive a levantar y hundir personajes, incluyendo supuestos héroes. El mejor preámbulo para "Letters..."


5. Babel

Director: Alejandro González Iñárritu
Género: Drama
País: Estados Unidos
Mes: Enero



Curiosamente, el otro director latino que fue protagonista en los Oscar 2007 también sacó aplausos en Chile, y logra ubicarse entre los mejores. "Babel" es en mi opinión la mejor cinta coral a la fecha, pero probablemente las críticas que ha despertado este género con algunas precursoras, como la cuestionada "Crash", le pasaron la cuenta al también mexicano Alejandro González Iñárritu. Centrada en la fuerte incomunicación que ha caracterizado a la llamada 'aldea global', incluyendo aspectos racistas, la cinta no es en absoluto una joya, pero también resultó mucho mejor a lo esperado.

El drama del mundo

6. La Reina (The Queen)

Director: Stephen Frears
Género: Drama
País: Reino Unido
Mes: Abril



Aunque el trabajo del británico Stephen Frears ha sido siempre bueno, y tiene por lo tanto un buen número de seguidores, a través de esta producción logró una masividad que le había sido un tanto esquiva. Sin embargo, este trabajo tuvo otro sello indiscutible, por más que algunos quieran minimizarlo y adjudicar los buenos resultados solo a la mano del director. Ese sello fue la gran Helen Mirren. Probablemente en manos de otra actriz, el zigzagueo de la monarca tras la muerte de Diana, y el 'gallito' con Tony Blair, también hubieran rendido sus frutos, pero con Mirren la cinta consiguió un nivel que varios nos explicamos solo por su presencia. Valió la pena esperar meses por su estreno oficial.

Larga vida a Mirren

7. El Custodio

Director: Rodrigo Moreno
Género: Drama
País: Argentina
Mes: Marzo



El argentino Rodrigo Moreno aún no tiene una gran filmografía, en términos de cantidad al menos, pero con esta penosa historia de Rubén, el guardaespaldas (o custodio) de un ministro que no se preocupa mayormente por él, salvo para utilizarlo como caricaturista en ciertos momentos, Moreno sacó la cara con creces por el cine sudamericano durante la primera parte del año. Esta es la historia de un hombre reprimido, martirizado interiormente, cuya personalidad es potenciada aún más con el ritmo pausado que le imprimió su director. Gran actuación del trasandino Julio Chávez. Pese a los meses, su estreno revalidó al SANFIC 2006 como la gran vitrina de pre estrenos en Santiago.


8. Borat, El Segundo Mejor Reportero del Glorioso País Kazajistán Viaja a América (Cultural learnings of America for make benefit glorious nation of Kazakhstan)

Director: Larry Charles
Género: Comedia Negra
País: Estados Unidos
Mes: Marzo



¿Ridícula?, en muchos pasajes sí, ¿Vulgar?, prácticamente toda la película, ¿Mala película? Para nada, en absoluto. Cómo explicar entonces que una producción que a simple vista es solo 'chacota' sea considerada como buena, pues bien, la respuesta a esta interrogante es una sola: la total y completa innovación del escritor, productor y director Larry Charles en materia de comedias. En conjunto con el irreverente actor Sacha Baron Cohen dieron vida a este periodista kazajo, judeófobo y machista, quien tras ir en busca de Pamela Anderson luego de pisar suelo estadounidense, termina conociendo el verdadero amor, siempre acompañado de su fiel amigo. Pese al evidente humor negro, esta fue la única comedia capaz de arrancarle carcajadas al espectador más serio y amargado. Genial.


9. Camino a Guantánamo (Road to Guantanamo)

Director: Michael Winterbottom. Co-dirección de Mat Whitecross
Género: Docudrama
País: Reino Unido
Mes: Abril


Este fue un gran exponente del género conocido como 'docudrama', que no es más que recrear en formato documental, con testimonios de los protagonistas casi en primer plano a lo largo del film, los duros momentos que marcaron sus vidas. El año pasado el mejor exponente fue "Touching the Void", y esta vez, siguiendo una línea idéntica, el británico Michael Winterbottom detalló la captura de cuatro pakistaníes en Afganistán tras el 11S, por tropas norteamericanas, quienes vivieron una amarga odisea, primero con la detención, luego la incomunicación y posteriormente el traslado a la temible base de Guantánamo. Lo mejor del cine de denuncia en lo que va del año, sus múltiples galardones, entre ellos Berlín 2006, no mentían.


10. Tú, Yo y Todos los Demás (Me and You and Everyone We Know)

Directora: Miranda July
Género: Comedia Dramática
País: Estados Unidos
Mes: Marzo



Faltaba la presencia femenina en materia de dirección, pero mucho más que eso, la mano de la joven directora norteamericana Miranda July también aportó con frescura a la cinematografía de su país, esta vez con una comedia mucho más en el estilo del cine independiente del gran país del norte. Miranda July fue capaz de presentar la difícil relación social de varios individuos a través de esta envolvente comedia dramática, personajes que a pesar de ser personas sin ningún atractivo aparente, finalmente logran ser potenciadas a través de este sorprendente guión, que a más de alguien puede hacerle sentir retratado. Otra cinta que demostró claramente que sus pergaminos no fueron un simple regalo.


11. Ratatouille

Director: Brad Bird
Género: Animación, Comedia
País: Estados Unidos
Mes: Junio



La cinta animada en CGI más importante del momento, y claramente la mejor en lo que va corrido de estos seis primeros meses del 2007. Ayudado en gran parte por el bajo nivel de las demás producciones de este género, el norteamericano Brad Bird, el mismo director a cargo de la exitosa y galardonada "Los Increíbles", también de Pixar y Walt Disney, nos ofreció una mirada bastante especial sobre la vieja idea de hacer realidad los sueños, por más difíciles que parezcan, personificando este adagio en la colaboración entre una rata y un torpe aprendiz de chef. Aunque con algunos pasajes algo rebuscados, la cinta finalmente, además de entretener, logra cautivar y encantar. Excelentes efectos de animación, especialmente con las texturas.

Un increíble gourmet

12. Diamante de Sangre (Blood Diamond)

Director: Edward Zwick
Género: Drama
País: Estados Unidos
Mes: Febrero



Pese a la llegada del cine sudafricano a nuestra cartelera, lo cierto es que a la hora de retratar las miserias del continente negro, el cine estadounidense sigue siendo imbatible. Eso lo tenía muy claro el norteamericano Edward Zwick, quien reclatutando a dos rostros potentes del cine de Hollywwod, Leonardo Di Caprio y Jennifer Connolly, junto al no menos conocido actor de color Djimon Hounsou, indagó en el caos de la guerra civil en Sierra Leona en los '90, específicamente en el rapto de menores para convertirlos en guerrilleros, mientras otros seres humanos son esclavizados en las minas de diamantes. Quizás sin tanta acción al estilo del cine comercial norteamericano, la denuncia que buscaba presentar Zwick no hubiera sucumbido ante la espectacularidad de muchos pasajes. Grandes actuaciones de Di Caprio y Hounsou.


Algunos comentarios...


Obviamente a causa de nuestras distribuidoras locales, los Estados Unidos recuperan el terreno perdido el 2006, específicamente frente al cine de Oriente y el francés, los que pese a algunas excepciones, brillaron por su ausencia estos primeros seis meses del 2007. Clint Eastwood como director con dos títulos, y ambos entre los mejores, tal como los hermanos belgas Dardenne en la última parte del año pasado.

La gran, gran ausente... La cinta alemana La Vida de los Otros, de Florian Henckel-Donnersmarck, ganadora este año del Oscar a mejor film extranjero, y pre estrenada hace un par de meses en el Cine UC, dentro de un ciclo de cine europeo. Habrá que seguir esperando, pero pudo ser claramente LA película de este primer recuento.

El cine chileno sigue sin levantar cabeza, y aunque Argentina se anotó con un título de primer nivel, el cine latinoamericano mantiene el discreto nivel del año pasado. Gracias a "El Laberinto del Fauno", co-producción hispano-mexicana, nuestro idioma se ubica entre lo más alto, pese a algunos detractores. Las grandes revelaciones fueron dos producciones africanas: "Yesterday" y "Tsotsi", ambas de Sudáfrica. Por otro lado, los títulos del Oscar y los Globos de Oro esta vez sí fueron un gran aporte, muy distinto a lo sucedido hace justo un año atrás.

Mayo del 2007, claramente el mes más débil en materia de grandes estrenos. El año pasado fue el mes de "El Castillo Andante", de Hayao Miyazaki.

En estos doce títulos, a diferencia de años anteriores, logran quedar representados tres géneros que algunos siguen considerando menores: Ciencia Ficción ("Sunshine"), Documental ("Road to Guantanamo") y Animación ("Ratatouille"). Nuevamente me costó decidir, ¿"Iwo Jima" de Eastwood o "Sunshine" de Boyle?... Dos géneros completamente distintos. Pero bueh, había que elegir.

Finalmente, como conclusión general, pese a varios títulos de gran nivel, este no ha sido un semestre excepcional, ya que estos 12 títulos del 1º semestre 2007, comparados con los mejores del año 2006, no se imponen mayormente. "Letters from Iwo Jima" y "Sunshine", a lo más, desbancan a "The Departed" de Martin Scorsese, pero nada más.


En fin, ojalá haya coincidencia con el criterio de ustedes.

Solo en imágenes

Casi, casi entre los doce mejores...



Bien, cumplieron...



Esperábamos más...



Cerca del precipicio...



No hay caso, nada que hacer...



La Nota freak

Chris Evans, el nuevo sex-symbol de Hollywood, estuvo en las dos caras de la medalla. Como el agresivo Mace en "Sunshine", la segunda mejor película del semestre, y como Johnny Storm en "Los Cuatro Fantásticos 2", nuevamente uno de los bodrios del año.

Si olvidé algún estreno importante de este semestre, por favor con respeto, háganmelo saber.

Saludos a todos.

Ratatouille - 'Un Increíble Gourmet'

... son muchos más los aciertos en “Ratatouille”, en especial la candidez y la frescura de la rata Remy, el mejor personaje de la historia, la transformación del estirado crítico culinario Antón Ego, y por cierto, los colores, las sombras y texturas que los cerebros de Pixar fueron capaces de regalarnos...

Ratatouille

UN INCREÍBLE GOURMET

Por más increíble que parezca, el motivo más fuerte que explica el favoritismo indiscutido de la crítica especializada hacia esta nueva entrega de Pixar en co-producción con Walt Disney, Ratatouille, del director norteamericano Brad Bird, ha sido este primer semestre tan mediocre en materia de cintas de animación. Sumado a la casi decepcionante tercera parte de “Shrek”, de Dreamworks, todo indicaba que este año 2007 tendría un talón de Aquiles precisamente en el género del píxel, donde la uniformidad nivelada hacia abajo parecía ser la característica común, hasta hace unas semanas por lo menos.

Y aunque comparto la premisa que esta es sin duda la cinta animada más importante y mejor lograda en lo que va del año, tampoco hay que perder la perspectiva, debiendo reconocer que tampoco estamos frente a una obra de arte, y que principalmente esta es una producción que se potencia, más allá del mensaje, en fortalezas claramente técnicas. Más allá del bien logrado guión, lo mejor que nos ofrece Brad Bird es el espectacular trabajo computacional a cargo de los dibujantes y editores de Píxar.



“Ratatouille” centra su mensaje en el espíritu de superación, y especialmente en el viejo adagio que indica que nada es imposible en esta vida, y que vale la pena soñar y luchar por hacer realidad esos sueños. Así entonces, con una idea central nada de novedosa, lo más probable era que otra vez estuviéramos frente a una cinta donde la letanía del mensaje, altruista al más puro estilo ‘americano’, no sirviera más que para encantar a niños pequeños y a sus abuelos. Pero la historia de “Remy”, la joven rata que prefiere disfrutar de la comida bien elaborada, en vez de hurgar en la basura, tenía algo más que presentar.

Con un ritmo tan veloz como la recordada “Los Increíbles” del año 2004, también de Pixar y Walt Disney, la primera parte de “Ratatouille” nos presenta al protagonista en sus rasgos más característicos, es decir, el de un inadaptado al sistema, que sin embargo no tiende a revelarse, sino a adecuar el mundo que lo rodea a sus propios gustos y creencias. Sin embargo un buen día, a raíz de una electrizante persecución que originó junto a su numerosa familia y amigos, en la cocina de una temeraria anciana, termina llegando a la ciudad luz, París, nada menos que en el prestigioso restaurant de su fallecido ídolo, Auguste Gusteau.



Será la posibilidad de su vida, ya que estará justamente en medio de una cocina internacional de primer nivel, la más importante de la capital francesa, y en ella podrá poner en práctica todo lo aprendido. Pero la torpeza de un curioso auxiliar y aprendiz de cocina, el pelirrojo Linguini, cambiará en cierta medida sus planes, ya que al intentar ayudarlo, para no caer en desgracia frente al pérfido chef y actual administrador del restaurant, tendrá que recurrir a la mentira y el engaño para salvar la situación. Linguini cocinará las mejores delicatessen, pero portando a la rata, el verdadero gourmet, sobre su cabeza, oculto en el largo sombrero blanco.

Hay situaciones muy cómicas, aunque nunca hilarantes, y algunos pasajes podrán resultar algo rebuscados en los diálogos y las situaciones, como la relación entre Linguini y la temperamental Colette, y las artimañas del chef (Skinner) para deshacerse del torpe y larguirucho muchacho, a quien ahora ve como un peligroso rival, pero son muchos más los aciertos en “Ratatouille”, en especial la candidez y la frescura que transmite la rata Remy, el mejor personaje de la historia, la transformación del estirado crítico culinario Antón Ego, y por cierto, los colores, las sombras y texturas que los cerebros de Pixar fueron capaces de regalarnos.

Así como el nombre del plato que da nombre a esta producción resulta una tremenda contradicción, ya que nada relacionado a ratas puede ser ad-hoc con la cocina internacional, también resulta poco explicable que la mejor cinta de animación del semestre que se nos fue no haya tenido la respuesta que se esperaba por parte del público, tanto en Chile como en su propio país. Pero bueno, mientras siga en cartelera, tal vez podamos remediar esta situación. Más vale tarde que nunca.


Muy Buena





Ficha Técnica:

Nombre: Ratatouille
Género: Animación, Comedia
Dirección: Brad Bird
Guión: Brad Bird. Basado en un argumento de Jan Pinkava, Jim Capobianco y Brad Bird.
Voces Originales: Patton Oswalt, Ian Holm, Lou Romano, Brian Dennehy, Peter O'Toole, Brad Garrett, Janeane Garofalo, Will Arnett, Julius Callahan, James Remar
Producción: Brad Lewis
Montaje: Darren Holmes
Música: Michael Giacchino
País: Estados Unidos
Idioma: Inglés (doblada en español)
Duración: 110 minutos
Año: 2007
Link: http://disneylatino.com/FilmesDisney/Ratatouille/index-flash.html

Trailer (en español)

ÍNDICE 4

... en la diversidad está el gusto...

Shrek Tercero

EL SUCESO LLEGA A CHILE

El Acorazado de Potemkin

CICLO DE SERGEI EISENSTEIN

LO MEJOR DE DANNY BOYLE

Alerta Solar

ESPECIAL DÍA DEL PADRE

Mi Querido Frankie

"Shrek Tercero"
Un Paréntesis Innecesario






"El Acorazado de Potemkin"
Proselitismo de Lujo






"Alerta Solar"
Ícaro contra su Tragedia Griega





"Mi Querido Frankie"
Al Corazón También se le Respeta





Un gran saludo a todos los lectores.

Shrek Tercero - 'Un Paréntesis Innecesario'

... En Dreamworks, el verdadero reino de Muy, Muy Lejano podrán sentirse tranquilos con el dinero ganado, pero es de esperar que también se prenda la luz de alerta luego de esta inflexión...

Shrek Tercero

(Shrek the Third)

UN PARÉNTESIS INNECESARIO

Lo más probable es que el cariño que se han ganado los personajes de esta exitosa saga de los estudios Dreamworks se convierta en el mejor escudo ante cualquier crítica negativa en su contra, y más seguro aún es que los niños ni siquiera se molestarán en poner atención a los aspectos deficientes que los mayores podamos encontrarle a Shrek Tercero. Lo anterior es una gran fortaleza para una marca registrada dentro del cine de animación, nadie podría desconocerlo, pero no me parece justo dejarse llevar solamente por el aprecio que existe hacia el ogro verde y sus amigos para comentar lo que resultó ser finalmente esta versión 2007, en manos de Chris Miller y Raman Hui.

Así es, porque por más que hayamos aplaudido de pie la segunda parte de esta historia de Andrew Adamson en 2004, dando cátedra de cómo una continuación puede superar con creces a una primera entrega, lo cierto es que muchos esperábamos que, tres años después, nuevamente la superación fuese el distintivo de este esperado título, el mayor éxito norteamericano del cine de animación en lo que va de esta década. Lamentablemente, manteniendo toda la ironía y el sarcasmo de sus dos antecesoras, esta entrega es por lejos la más débil, y el motivo es más que evidente. La idea es alargar una trama exitosa en términos comerciales, a como de lugar, sin importar que la marca vaya degradándose de a poco.



“Shrek Tercero” no es en absoluto una mala película, pero cuando las anteriores entregas de 2001 y 2004 lograron no solo disputarle el liderazgo en términos de taquilla a varias superproducciones, sino además, convertirse en títulos obligados a la hora de resumir lo mejor de cada año, resulta preocupante comprobar cómo colgándose de aspectos circunstanciales dentro de la historia se busque estirar el elástico innecesariamente, dejando un tremendo signo de interrogación para lo que veremos en tres años más, y seis para ser más precisos. No podría hablar de decepción con esta nueva “etapa”, cuando Shrek debe decidir si asume como rey ante la agonía de su suegro convertido en sapo, que dicho sea de paso es una de las pocas escenas hilarantes de esta entrega 2007, pero sí está claro que lo que muchos esperábamos ver en esta oportunidad era la paternidad del ogro como eje central de la historia, y no como un mero aviso de lo que será el 2010.

Apenas finalizó la segunda versión, con el Príncipe Encantador obteniendo su merecido castigo, besado por la versión transexual de una de las hermanas feas de Cenicienta, lo que todos supusimos fue que era hora que llegaran los retoños de Shrek y Fiona, más aún habiendo obtenido el primero la bendición del rey Harold, padre de la segunda. Pues bien, la dirección a cargo de Miller y Hui también previó que era este el momento preciso para ver al ogro convertido en padre, tal como mucha de la publicidad también lo anunciaba, pero claramente la idea perdió fuerza cuando Dreamworks decidió que el eje debía ser otro, que Shrek no quisiera asumir como rey del Reino de Muy Muy Lejano, y se fuera en busca del legítimo heredero, nada menos que la versión nerd de El Rey Arturo, Artie, con el Mago Merlín y Lancelot incluidos.



Fiona hasta le anuncia que está embarazada, y el divertido ogro termina teniendo pesadillas con los revoltosos ogritos, pero vistas solo como escenas de relleno en una historia que perdió la chispa y el encanto de su antecesora, lo primero que mucho público se preguntará es si esta tercera parte era en realidad necesaria. Por más que la ausencia de Shrek en el reino le sirva a Encantador para una organizar una nueva embestida, apoyado esta vez por el capitán Garfio y la madrastra de Blanca Nieves, y a su vez transforme a Fiona y sus compañeras en las versiones animadas de “Los Ángeles de Charlie” y “Kill Bill”, lo cierto es que “Shrek Tercero” no pasa de ser más allá de una entretenida cinta en CGI, tal como en su momento lo fueron “Madagascar”, "Happy Feet” o “Espantatiburones”. “Shrek” se suponía que estaba muy por sobre ese nivel.

En fin, una vez más El Burro, El Gato con Botas, Pinocho, la galleta Jengibre, los tres cerditos, los ratones y el Lobo vestido de Abuelita harán sonreír, a no preocuparse por eso, ya que la diversión está garantizada para los más pequeños y el público menos exigente. Lo penoso será si en tres años más nuevamente ir a verlos a ellos será la única excusa para volver a comprar un ticket y disfrutar de las aventuras de “Shrek”, un personaje sin nada de evolución. En Dreamworks, el verdadero reino de Muy, Muy Lejano podrán sentirse tranquilos con el dinero ganado, pero es de esperar que también se prenda la luz de alerta luego de esta inflexión.


Entretenida
(... por no decir Regular)






Ficha Técnica:

Nombre: Shrek Tercero (Shrek the Third)
Género: Animación, Comedia
Dirección: Chris Miller, Raman Hui
Guión: Chris Miller, Jeffrey Price, Peter S. Seaman y Aron Warner. Basado en el argumento de Andrew Adamson sobre el libro de William Steig
Voces Originales: Mike Myers, Eddie Murphy, Cameron Diaz, Antonio Banderas, Rupert Everett, Justin Timberlake, Julie Andrews, John Cleese, Eric Idle, Cheri Oteri, Ami Poehler, Maya Rudolph, Amy Sedaris, John Krasinski, Ian McShane
Producción: Alejandro González Iñárritu y Jon Kilik y Steve Golin
Montaje: Michael Andrews
País: Estados Unidos
Idioma: Inglés (doblada al español)
Duración: 85 minutos
Año: 2007
Link: http://www.shrekinternational.com/intl/es/

Trailer (en español)

El Acorazado de Potemkin - 'Proselitismo de Lujo'

... Eisenstein denominó como atracción y momento agresivo el impactar al público al máximo con la edición y el juego de cámaras, técnicas que le valieron difundir su mensaje con una fuerza pocas veces vista...

El Acorazado de Potemkin

(Bronenosets Potemkin)

PROSELITISMO DE LUJO

Con esta joya del año 1925 damos inicio a un breve ciclo con el maestro del cine soviético: Sergei Eisenstein

Vayan mis agradecimientos a mi amigo Marcelo Zamora, quien me facilitó todo este material de lujo, así como la idea de realizar este mini ciclo

Si la premisa es comentar una película de principios del siglo XX, específicamente del año 1925, lógicamente lo primero que hará la mayoría de los lectores será rememorar lo que alguna vez conocieron como ‘cine mudo’. Pues bien, la premisa es correcta, pero si además complementamos esas imágenes que se vienen a la mente, con las secuencias y movimientos tan característicos del celuloide de aquellos años, con un dato para nada menor, estoy seguro que el interés comenzará a hacerse presente.

Esta producción es considerada como una de las mejores películas de todos los tiempos, tanto que en 1958 la Cinemateca Real de Bélgica le dio el titulo del mejor largometraje en la historia del cine, mérito que revalidó en 1990 nada menos que en los Estados Unidos, por la National Society of Films Critics. Me refiero ni más ni menos que a la más célebre obra del director soviético Sergei Eisenstein, El Acorazado de Potemkin, una película que más allá de la polémica por su discurso abiertamente revolucionario, logró dejar huella en todas las sociedades del mundo, algo que le debemos específicamente a la 'atracción' que tanto explotaba su director.



A casi veinte años de la caída del Muro de Berlín, con la consecuente destitución del totalitarismo comunista como segunda fuerza hegemónica en el planeta, resulta increíble que esta película aún siga cautivando a tantas generaciones de personas, quienes no necesariamente comparten o compartieron el discurso que la ex URSS trataba de implantar, y que tuvo en Eisenstein a uno de sus mejores propagandistas. Si a eso le sumamos que el cine mudo hoy en día se conserva como un arte de reliquia y que muy pocos estarían dispuestos a disfrutarlo nuevamente, la sorpresa que provoca el objeto de culto en que se ha convertido esta cinta pasa a transformarse en materia de análisis.

Pues bien, Eisenstein, tal como hace algún tiempo se analizó con Orson Wells y su “Ciudadano Kane”, tuvo un mérito difícil de obviar para sus detractores, y es que apelando al impacto más fuerte entre los espectadores rescató un suceso verídico ocurrido en 1905, frente a las costas de Odessa, cuando los oficiales al mando del acorazado de Potemkin se negaron a mejorar las condiciones de vida de los marineros a bordo, quienes luego de reclamar por la carne descompuesta que les era ofrecida como alimento intentaron amotinarse. Como resultado, el alto mando decide fusilar a los agitadores, con lo cual la sublevación era solo cuestión de minutos, sino segundos.



Toda la Rusia de aquel entonces comenzaba a simpatizar con estos marinos que le hicieron frente a la tiranía militar, la que sin embargo obedecía a una cabeza muy identificable, el Zar. Así fue como en las calles de Odessa los civiles también se alzaron en protestas por los sucesos ocurridos en el Potemkin, provocando que miles de hombres, mujeres, ancianos y niños transformaran las calles y escaleras del puerto en un mar de enfurecidos ciudadanos que reclamaban por las vidas perdidas en el buque de guerra, y además, contra la tiranía que a ellos también los subyugaba. El ejército zarista entonces entra finalmente en escena, comenzando así la carnicería, aunque la revolución tendría su cruzada final nuevamente en el mar, cuando el acorazado enfrente a los demás navíos del monarca ruso.

De estas secuencias ya son célebres algunas escenas que tiempo después fueron clonadas en largometrajes norteamericanos, siendo la más célebre la caída de un bebé dentro de su coche, el que tras perder a su madre producto del fuego, rueda por las escalinatas ante la mirada horrorizada de los demás civiles. Brian de Palma no ocultó su admiración por esta angustiante escena y la reprodujo casi de manera idéntica en “Los Intocables de Elliot Ness”, cinta de 1987. Hasta ese punto llegó el legado de este director soviético que hasta se enemistó con el temible José Stalin por otro de sus clásicos, “Iván el Terrible”.



“El Acorazado de Potemkin” fue una escuela montaje en aquellos años, y no solo en Rusia, convertida en 1925 en la tristemente célebre Unión Soviética, sino en la más diversa gama de directores, quienes se inspiraron en lo que el propio Eisenstein denominó como atracción y momento agresivo, es decir, impactar al público al máximo con la edición y el juego de cámaras, técnicas que le valieron difundir su mensaje con una fuerza pocas veces vista, y que algunos podrán considerar como extremas y chocantes, especialmente en la representación de madres con hijos muertos en sus brazos, pero que en 1925 marcaron un antes y un después al momento de estructurar una película y la intensidad de su mensaje.

Este además es un film que tiene la particularidad de reabrir viejas heridas en el mundo occidental, como la caricatura grotesca hacia el cristianismo simbolizada en un siniestro sacerdote ortodoxo que apoya a los oficiales del Potemkin, pero que recrimina a los marinos, o el linchamiento de un comerciante judío momentos previos al levantamiento civil en Odessa, pero aún así, se trata de una academia sobre cómo fue madurando el cine en sus inicios, una obra de arte mayor que merece la pena ser nuevamente vista y difundida entre las nuevas generaciones. Otro testimonio más de porqué el cine es un arte, y que vale la pena discutirse como medio de propaganda y de concientización. Simplemente imperdible.


Excelente





Ficha Técnica:

Nombre: El Acorazado de Potemkin (Bronenosets Potemkin)
Género: Drama Bélico (Cine Mudo)
Formato: DVD
Dirección: Sergei Eisenstein
Guión: Nina Agadzhanova y Sergei Eisenstein
Reparto: A. Glauberman, Aleksandr Antonov, Aleksandr Levshin, Beatrice Vitoldi, Grigori Aleksandrov, Ivan Bobrov, Konstantin Feldman, Mikhail Gomorov, N. Poltavseva, Prokopenko, Vladimir Barsky, Julia Eisenstein
Producción: Jacob Bliokh
Fotografía: Eduard Tisse, Vladimir Popov
Montaje: Sergei Einsenstein
País: Rusia (ex U.R.S.S.)
Idioma: Ruso (subtítulos originales)
Duración: 80 minutos
Año: 1925
Link: http://www.tecnun.es/cineclub/pelis_1s_2001/pelis_acorazado.htm

Masacre en Odessa (Escena)

Próximos comentarios dentro de este ciclo:

- Biografía de Sergei Eisenstein
- "La Huelga" (1924)

Sergei Eisenstein también estará presente la muestra:
Rusia: Los Años Soviéticos (Cine UC)

Alerta Solar - 'Icaro Contra su Tragedia Griega'

... Aún a millones de kilómetros del suelo terrestre, el espíritu de sobrevivencia afecta tanto a la salud mental como al sentido de lo éticamente correcto...

Alerta Solar

(Sunshine)

ICARO CONTRA SU

TRAGEDIA GRIEGA

Es el año 2057, y la humanidad se enfrenta a la mayor amenaza que haya habido jamás, ya que nuestra sobrevivencia depende totalmente de la luz solar, sin embargo, el sol ha comenzado paulatinamente a disminuir su tamaño, arrastrando con su agonía a nuestro planeta y toda la vida que existe en él. Para hacerle frente a esta inminente aniquilación, un grupo de físicos, astrónomos y astronautas son enviados en una misión hacia la moribunda estrella, con el objetivo de lanzarle una bomba atómica del tamaño de Chicago, permitiendo que el astro rey vuelva a revivir. Sin embargo, la misión no es la primera de su tipo, puesto que siete años antes ya hubo un primer intento, pero de aquella nave y su tripulación nunca más hubo noticias.

Hasta ahí podríamos decir que se trata de otra aventura futurista más dentro de las muchas que ya hemos visto, sin embargo, lo que distingue al nuevo trabajo del británico Danny Boyle, Alerta Solar, es precisamente la mano de su director, que la hace bastante más que otro tributo a “2001, Odisea del Espacio” de Kubrick, convirtiendo a este en el mejor trabajo de Boyle hasta la fecha, mezclando con maestría efectos audiovisuales de primer nivel con las anotaciones científicas que hacen sustentable una trama llena de intensidad a través de sus personajes, quienes con el correr de los minutos se alejarán por completo de los estereotipados roles de salvadores del mundo.



A cargo de “Alerta Solar” está el mismo equipo de “28 Days Later” del año 2002, con Boyle y el guionista Alex Garland a la cabeza. También el actor Cillian Murphy vuelve a tener a su cargo el rol protagónico, esta vez como el astronauta Capa, quien tras enfrentar el duro temperamento de su compañero Mace (Chris Evans) terminará siendo el héroe de turno al quedar en sus manos la difícil tarea de cumplir con la misión que se les encomendó, y que a cualquier mortal le costaría la vida, por más entrenado que esté en términos de viajes y equipamientos espaciales. De hecho, la actuación de Murphy es uno de los puntos más altos dentro de esta sorprendente producción británica.

La nave ICARO II, mismo nombre del ancestral hijo de Dédalo que muere al quemar sus alas acercándose al sol, no solo tiene como propósito transportar la bomba que salvará a la Tierra, sino también proveer a su multicultural tripulación de óptimas condiciones para llevar a cabo la misión de forma exitosa. Por esta razón dentro de su gran extensión existe un acondicionado invernadero, que provee de vida vegetal y oxígeno a los cinco hombres y dos mujeres a bordo, con lo cual la sola idea de perderlo provocaría una crisis de proporciones. Lamentablemente un error humano desvía la trayectoria de la nave, y dentro de las consecuencias se produce la destrucción de esta fuente de subsistencia, ante los sollozos de una devastada Corazón (Michelle Yeoh).



Pero las dificultades no terminan ahí, ya que además se suma el hecho que reciben una señal del ICARO I, la nave que años antes también intentó bombardear al sol, ante lo cual se toma la difícil decisión de ir en su búsqueda. Aún en esos momentos Boyle no pierde la filosofía nihilista de su postura frente al dilema de estos hombres y mujeres, quienes a pesar de las agobiantes dificultades aún son capaces de maravillarse con la estrella solar, observándola ya sea a través de lentes especiales, o bien durante peligrosas maniobras, como la del capitán Kaneda (Hiroyuki Sanada) cuando se enfrenta directo a la luz del sol tras salvar a su tripulación. El excelente actor nipón, en todo caso, mereció una mayor participación en la trama. Así entonces, esta misma filosofía que desarrolla Boyle es la que enfrentará a los sobrevivientes del ICARO II con el nuevo pasajero que tendrán a bordo tras hacer contacto con la primera nave, el único sobreviviente de la misión de hace siete años atrás.

La música a cargo de Underworld es otro punto destacable, pero lo mejor de “Alerta Solar” está especialmente en la combinación de una elaborada ficción con los conflictos humanos más perturbadores, no en vano la discusión sobre eliminar compañeros a bordo para aprovechar mejor el poco oxígeno se vuelve crucial a partir del infortunado accidente. Aún a millones de kilómetros del suelo terrestre, el espíritu de sobrevivencia afecta tanto a la salud mental como al sentido de lo éticamente correcto. En definitiva, el popular director de “Trainspotting” silenciosamente nos trajo hace algunas semanas uno de los mejores estrenos del año, aunque para algunos este título pareciera haber pasado inadvertido en la cartelera. Un grueso error en honor a la verdad.


Excelente





Ficha Técnica:

Nombre: Alerta Solar (Sunshine)
Género: Ciencia Ficción, Thriller Futurista
Dirección: Danny Boyle
Guión: Alex Garland
Reparto: Cillian Murphy, Chris Evans, Michelle Yeoh, Rose Byrne, Cliff Curtis, Troy Garity, Hiroyuki Sanada
Producción: Andrew Macdonald
Montaje: Chris Gill
Fotografía: Alwin H. Küchler
Vestuario: Suttirat Anne Larlarb.
Música: Karl Hyde, John Murphy, Rick Smith (Underworld)
País: Reino Unido
Idioma: Inglés
Duración: 107 minutos
Año: 2007
Link: http://www.sunshine-alertasolar.com/

Trailer

Mi Querido Frankie - 'Al Corazón También se le Respeta'

... Shona Auerbach y Andrea Gibb se anotan un gran logro con este trabajo, ya que ambas mujeres logran demostrar de manera coherente, sobria y elegante, que el corazón ya no acepta cualquier cosa para hacerlo emocionar, porque hace bastante tiempo que pide respeto a la hora de crear historias que apunten hacia el sentimiento...

Mi Querido Frankie

(Dear Frankie)

AL CORAZÓN TAMBIÉN

SE LE RESPETA

Especial Día del Padre

(17 de Junio)

Esta pudo haber sido la película más lacrimógena del año 2005, una más entre tanto largometraje que apela al sentimentalismo barato para conseguir butacas llenas de personas fácilmente impresionables. Pero la realidad resultó ser bastante distinta. Con una primera media hora donde la directora Shona Auerbach se da el tiempo preciso para presentarnos a dos de los personajes más importantes dentro de la historia, una madre un tanto inmadura y sobreprotectora, y un hijo de nueve años que adolece de sordera y que vive bajo un engaño, la cinta británica Mi Querido Frankie (Dear Frankie) echa por tierra cualquier prejuicio contra un trabajo que nuevamente pone el acento en las relaciones filiales entre seres humanos, donde además un menor de edad está de por medio.

Así es, el hecho que Auerbach diera un nuevo enfoque a una historia tan atractiva como esta, donde nuevamente las mentiras piadosas mueven los hilos de la trama ("Good Bye Lenin", "Cartas desde París", "Padre e Hijo") hace suponer que el cine de los pañuelos desechables tiene los días contados, ya que será difícil que sigan apareciendo historias que pretendan llegar al corazón, sin tener una historia de peso, con buenas actuaciones, el uso correcto de los tiempos y una bellísima fotografía. Este último punto es notable en “Mi Querido Frankie”, ya que la finura con que se exhiben las tomas en el puerto escocés cercano a Glasgow, con una melancolía sutilmente elegante, no dejará indiferente a nadie que ame las costas y los paisajes que alguna vez sirvieron de refugio a la cultura celta británica.



Una joven madre, Lizzi (Emily Mortiner), mantiene engañado a su hijo Frankie (Jack McElhone), un niño que sufre de sordera y que alucina con las cartas que su padre le envía desde el barco por el que navega alrededor del mundo. Ahora bien, dicho engaño ha desatado precisamente esa idolatría que siente el niño por este padre ausente, secundada en la mentira por la abuela del menor, la huraña Nell (Mary Riggans). Lizzie y su familia viven mudándose de ciudad en ciudad, huyendo del verdadero padre de Frankie, quien debido a los malos tratos obligó a Lizzi a abandonarlo, siendo Frankie aún muy pequeño. El niño no tiene recuerdos de su padre, así que Lizzi es quien le escribe las famosas cartas haciéndose pasar por ese imaginario padre que deambula por los océanos, y que le cuenta todo lo que va conociendo en cada puerto que llega. Frankie a su vez, le responde contándole de su vida y sus gustos. El chico de tanto recibir cartas desde “diferentes” destinos, se hizo casi un sabelotodo en cuanto a Geografía.

Sin embargo, un buen día el niño se entera que el preciso barco donde supuestamente su padre viaja a bordo, el HMS Accra, arribará al puerto escocés en el que ahora vive junto a su madre y abuela. Lizzie, quien vive engañándose a sí misma prometiéndose que ya no le mentirá más a Frankie, se ve acorralada ante este nuevo hecho y le pide ayuda a Marie (Sharon Small), su nueva amiga y empleadora. La idea consiste en encontrar a un sujeto que se haga pasar por el padre de Frankie, obviamente pagándole y enseñándole las cartas. Marie consigue un hombre ideal para la breve farsa, un sujeto parco, sin pasado ni futuro, quien solo por el dinero y por cumplir con Marie acepta el “trabajo” ofrecido por Lizzi.



Ahora bien, este desconocido, interpretado por el actor escocés Gerard Butler, poco a poco va empatizando con este inteligente niño, a pesar de su sordera, quien al tener en frente suyo al padre que tanto ha admirado e imaginado, vive el día más feliz de su vida junto a él, obligando a su madre a prolongar la dicha por un día más, pese a que el trato entre Lizzi y el sujeto había sido solo por 24 Horas. Frankie incluso le gana algunas apuestas a un arrogante chico llamado Ricky teniendo a su padre cerca, consiguiendo además la admiración de Catriona, su amiga y compañera de colegio. Pero lo más increíble es que a través de él, Lizzi y este desconocido también comienzan a empatizar, más aún cuando este se entera, por boca de su madre, de la verdadera razón que llevó a Frankie a perder la audición.

Vale la pena adentrarse en esta mirada femenina sobre los lazos humanos que surgen a raíz de una mentira blanca, y Shona Auerbach a cargo de la dirección y Andrea Gibb en el guión, se anotan un gran logro con este trabajo, ya que ambas mujeres logran demostrar de manera coherente, sobria y elegante, que el corazón ya no acepta cualquier cosa para hacerlo emocionar, porque hace bastante tiempo que pide respeto a la hora de crear historias que apunten hacia el sentimiento. Otro elemento a destacar es el tremendo ángel de la actriz Emily Mortiner, y por cierto, la revelación que resultó ser el pequeño Jack McElhone. Sin duda ambas actuaciones, junto a la impecable dirección de Auerbach, fueron lo mejor de esta hermosa cinta. También es destacable la musicalización a cargo de Alex Heffes, puesto que junto a algunos temas con base pop/rock, a ratos el sonido del piano resulta tremendamente parecido a los acordes del francés Yann Tiersen.

Recomendable de todas maneras. Sin ser una película excelente, no se puede desconocer que el resultado fue mucho más de lo esperado.


Muy Buena






Ficha Técnica:

Título: Mi Querido Frankie (Dear Frankie)
Género: Comedia Dramática
Formato: DVD
Dirección: Shona Auerbach
Guión: Andrea Gibb
Reparto: Emily Mortimer, Jack McElhone, Gerard Butler, Sharon Small, Mary Riggans (Nell), Jayd Johnson, Sean Brown, John Kazek, Katy Murphy, Anna Hepburn
Producción: Caroline Wood
Fotografía: Shona Auerbach
Música: Alex Heffes
Montaje: Oral Norrie Ottey.
Vestuario: Carole K. Millar.
País: Reino Unido (Escocia)
Idioma: Inglés
Duración: 105 minutos
Año: 2004
Link: http://www.miramax.com/dearfrankie/

Trailer

Otra película ideal para esta fecha, y recordada aquí mismo hace un año atrás, es Big Fish (El Gran Pez) de Tim Burton, la que además ya ha estado siendo constantemente rotada en los canales de televisión por cable. Junto a "Ed Wood" y "La Novia Cadáver", lo mejor de este popular director estadounidense.




"El Gran Pez",
Y nació un nuevo clásico