6to Aniversario de la Muerte de Ofra Haza

OFRA HAZA
(Nov. 19 de 1957 - Feb. 23 de 2000)

La Reina de Medio Oriente en el Cine

Ofra Haza

El pasado jueves 23 de febrero se cumplieron 6 años del trágico fallecimiento de una de las mejores voces femeninas del siglo XX, me refiero a la cantante israelí de origen yemenita Ofra Haza.

Conocida en todo el mundo como la "Reina de la Música de Medio Oriente", Haza también estuvo muy ligada al séptimo arte, a través de algunas actuaciones en el cine y la televisión de Israel, así como también al colaborar en importantes soundtracks de cintas internacionales de primer nivel, destacándose principalmente en dos de ellas: la cinta francesa La Reina Margot (1994) y la película animada de Disney El Príncipe de Egipto (1998)

El Príncipe de Egipto (The Prince of Egypt)

La Reina Margot (The Queen Margot)

Como tributo a una de las artistas femeninas que más he admirado, y que está presente dentro de los links de "Música" en este blog, les dejo los temas que ella inmortalizó en las bandas sonoras de estas dos películas, y que serán identificables por varios de ustedes al momento de oírlas.


En la película de Disney de 1998, Ofra Haza prestó su voz para interpretar a la madre hebrea de Moisés, a través del tema "Deliver Us", el cual interpretó en 17 idiomas, siendo su versión en español "Libéranos".


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En la cinta de 1994, protagonizada por Isabelle Adjani y Daniel Auteuil, más un breve rol de Miguel Bosé, la cantante israelí interpreta junto al músico Goran Bregovic, ya en el epílogo, un bello tema en hebreo, "Elo Hai (Canto Nero)".


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Además, podemos mencionar su aporte en la película británica The Governess (1998) donde interpretó el tema "Adio Querida" en español sefaradí, y la inclusión de dos de sus temas más populares, "Love Song" y "Slave Dream" en la polémica cinta Wild Orchid - Orquídea Salvaje (1990)

Quienes probablemente no la conozcan, o no la recuerden, Ofra Haza en 1988 fue la primera intérprete de Israel en ser mundialmente conocida al mezclar el pop/rock moderno con los sonidos étnicos de Medio Oriente. Debido a lo anterior, y pese a su origen y nacionalidad, fue una de las primeras artistas judías en tener éxito y reconocimiento en países árabes y musulmanes. Cantó en distintos idiomas, principalmente en hebreo, inglés, árabe, francés, alemán, español y en dialecto yemenita (mezcla de hebreo, arameo y árabe). Fue nominada al Grammy en 1993 para Mejor Álbum de World Music por su excelente placa Kyria. Y además, siendo una activa colaboradora en el proceso de paz entre israelíes y palestinos, interpretó una canción en la ceremonia de entrega del premio Nobel de la Paz en 1994, el que recayó ese año en Yithzak Rabin, Yasser Arafat y Simon Peres.


Su mayor éxito, precisamente de ese año 1988, fue el tema "Im Nin' Alu", un ancestral poema del rabino Rabbi Shalom Shabazi, precisamente en dialecto yemenita, y del cual hizo muchas versiones, siendo ésta, disponible en el álbum Shaday de 1988 la más conocida, incluso en Chile.


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Ofra Haza falleció el 23 de Febrero de 2000 a la edad de 42 años, presumiblemente por VIH. Sin embargo, dejó un legado difícil de olvidar dentro del circuito de la World Music.

Shalom, Salam...

Secreto en la Montaña - 'Un Amor Más Fuerte'

... Lo más probable es que “Secreto en la Montaña” sea tema de discusión por varios años, y no solo en Estados Unidos, porque aunque se le adelantaron las seriales de televisión, e incluso algunas de nuestras telenovelas a nivel latinoamericano, su reivindicación del amor homosexual rompe todos los moldes conocidos hasta ahora...

Secreto en la Montaña
(Brokeback Mountain)

UN AMOR MÁS FUERTE

Con el director taiwanés Ang Lee pareciera que nos estaremos enfrentando por un buen tiempo a los mismos fantasmas que han acompañado al norteamericano Steven Spielberg por décadas, y que solo a través de “Munich” pareciera que irán quedando en el pasado en el caso de este último. Si para muchos el director de “E.T.” se convirtió en el rey Midas del cine, entre otras razones, por su constante apelación al sentimentalismo explícito a través del drama clásico, su colega oriental también ha cargado con el estigma de apelar al romanticismo rosa, más cercano al folletín, atrayendo fácilmente a las masas y distanciándose así de otros directores del lejano oriente, quienes a través de temáticas más sesudas, personales, y hasta abstractas, siguen siendo los favoritos de los más entendidos y exigentes en términos de cinematografía.

Con estos antecedentes todo apuntaría a que el nuevo trabajo de Lee, la polémica cinta Secreto en la Montaña, cuyo título original es Brokeback Mountain, sería otra producción hecha para el público que más gusta del cine lacrimógeno, más aún, si el eje principal de la trama es el comprometedor tema de la homosexualidad encubierta, y en un ambiente supuestamente viril. Es decir, un amor más que imposible. Pero no. Si hay que hablar de sorpresas este año, tras la vuelca de tuerca de Spielberg en “Munich”, este nuevo trabajo de Ang Lee, ahora en suelo norteamericano, es el que le sigue en la lista, puesto que si bien el drama en su sentido más puro se mantiene intacto, difícilmente estamos en presencia de una historia que solo apele a la sensiblería. Nada más lejano a la realidad. Los múltiples premios que ostenta “Secreto en la Montaña” avalan lo contrario, y merecidamente, entre ellos el León de Oro en Venecia, el BAFTA en Gran Bretaña, cuatro premios Globos de Oro, y ocho nominaciones al Oscar 2006, entre ellas las de Mejor Película, Mejor Director y Mejor Actor Principal.



La homosexualidad no es un tema nuevo para la cinematografía internacional, en eso no hay que equivocarse, pero está claro que el cine estadounidense, líder en términos de superproducciones y taquilla, adolece de una vista gorda impresionante a la hora de tratar a la homosexualidad como otra más de las realidades que existen en una sociedad moderna como la de hoy. Salvo casos aislados como “Philadelphia” (1993) y “Boys Don’t Cry” (1999), parecía que la atracción sexual entre personas del mismo sexo estaba reservada solo a la crítica moralina, más propia del cine norteamericano de los años ‘50, o simplemente quedaba relegada a un segundo plano como tema tabú. Así que es meritorio que una industria tan poco dada a romper con los moldes establecidos se haya atrevido a explorar de esta manera en la llamada ‘temática gay’. Ese es un primer punto a favor.

Ahora bien, ¿bastaba solo con atreverse para darnos por satisfechos? Obviamente que no, y Ang Lee así lo entendió desde un comienzo, ya que es notable como hasta él mismo deja de lado ese romanticismo trágico que lo hizo famoso en el mundo a través del exitoso “Tigre y el Dragón” (2000), para presentarnos una historia mucho más cercana a la realidad, teniendo siempre presente que en sus manos estaba la redención, ojalá final, de una temática tantas veces vapuleada.

“Secreto en la Montaña” narra una dramática historia de amor entre dos vaqueros de Wyoming, verdaderos símbolos de la masculinidad norteamericana, quienes en 1963 se conocen al hacer fila por un trabajo donde deben cuidar ovejas, las que son propiedad del ranchero del pueblo, Joe Aguirre (Randy Quaid). Sin embargo, estos dos esforzados hombres, Ennis del Mar (Heath Ledger) y Jack Twist (Jake Gyllenhaal), mantienen oculta su inclinación sexual disfrazándola con rudeza e indiferencia mutua, especialmente Ennis, mientras laboran juntos en la hermosa montaña Brockeback. Pero más temprano que tarde la convivencia hará su parte, y ambos hombres terminarán por ceder a sus miedos y darán rienda suelta a su verdadera condición sexual.



Al finalizar el verano, y por ende el trabajo como pastores, ambos hombres deben separarse. Ennis planea casarse y formar familia, mientras que Jack deberá volver al rodeo, y aunque ambos se niegan a expresar el dolor que los embarga, dicha relación se mantendrá viva por siempre, teniendo una segunda oportunidad después de cuatro años de haberse distanciado, estando Ennis casado con la esforzada Alma (Michelle Williams) y teniendo dos hijas a su haber en Wyoming, mientras que Jack se ha casado con una millonaria tejana, Lureen (Anne Hathaway), y ya es padre de un hijo pequeño. Y aunque ninguno de los dos quiere hacer pública una relación que despertaría el rechazo y la condena de todos, los años van pasando, y ambos sin proponérselo van haciendo madura una relación amorosa que, lamentablemente, será conocida por quienes no deberían, trayéndoles amargas consecuencias, aunque no trágicas, a ambos hombres por esta difícil doble vida, especialmente a Ennis.

El australiano Heath Ledger simplemente se luce en el rol protagónico dándole vida al taciturno Ennis del Mar, el vaquero que más lucha por reprimirse mostrando una personalidad ruda y áspera, la cual no delataría en absoluto al homosexual que lleva dentro. La suya es de esas actuaciones que tras verla se hace difícil imaginársela después en otro actor. Por su parte Jake Gyllenhaal, famoso por sus roles de niño bueno y bonito en anteriores trabajos, también tiene una performance destacable en esta oportunidad interpretando a Jack Twist, la contraparte del inexpresivo Ennis, puesto que aunque es un experimentado montador de toros, Jack tiene una personalidad más acogedora y afable, siendo esas características las que lograron seducir a su machista compañero. Además, ambos personajes cumplen en buena parte de la trama sus roles de esposos y padres de manera normal, con lo cual, salvo el divorcio de uno de ellos, tanto los actores como el director se anotan otro logro en esta magnífica cinta. La homosexualidad no tiene porqué estar presente solo en ambientes desenfadados, mayormente sórdidos.

Dentro de las actuaciones secundarias, la mejor indudablemente es la de Michelle Williams, quien supo darle forma a esta sacrificada mujer llamada Alma, quien debe lidiar primero con la escasez de recursos al comenzar su matrimonio junto a Ennis, sin sospechar jamás la verdadera naturaleza de su esposo y protector, quien le ha dado dos hijas y sigue cumpliéndole como pareja en la intimidad. Pero al avanzar la trama los cambios se harán visibles también en su vida, para simbolizar en ella el rostro de la traición, la vergüenza y el dolor de quienes componen el entorno de personajes como los dos protagonistas. Randy Quaid a su vez, aunque en muy breves pasajes, cumple bastante bien su rol de reflejar al hombre de rancho, ese que por ningún motivo estará dispuesto a tolerar a dos hombres como Ennis y Jack dentro de su medio.



Lo más probable es que “Secreto en la Montaña” sea tema de discusión por varios años, y no solo en Estados Unidos, porque aunque se le adelantaron las seriales de televisión, e incluso algunas de nuestras telenovelas a nivel latinoamericano, su reivindicación del amor homosexual rompe todos los moldes conocidos hasta ahora. Se trata de hombres tremendamente viriles y muy ajenos al estereotipo de las ‘locas’ o de las víctimas del VIH, con lo cual la discusión indudablemente estará centrada entre quienes aún son intolerantes hacia las minorías sexuales y quienes ya no ven en estas relaciones amorosas y sexuales un pecado capital. De hecho, entre el mismo público que me acompañaba en la sala pude escuchar algunos comentarios homofóbicos y burlescos en algunas escenas, pero hasta esas personas fueron capaces de sobrecogerse en pasajes como cuando Ennis le confiesa a Jack, ya en la madurez y en medio de las lágrimas, que “quisiera poder olvidarlo”, pero le es imposible. Ang Lee cumplió entonces, y eso hasta el más recalcitrante de los conservadores tendrá que aceptarlo llegado el momento.

Probablemente esta cinta se adjudique el apetecido Oscar a mejor película y director en las próximas semanas, porque dicho premio, aunque sobrevalorado en honor a la verdad, le haría justicia a una producción que reivindica también al cine de Ang Lee, incluso entre quienes aún son sus detractores, porque más allá de ser la más sólida de las cintas en competencia por el Oscar, y que hasta ahora hemos podido conocer, la película es claramente una historia de amor, y cómo este sentimiento mutuo va madurando a través del tiempo, más allá de tratarse de una relación prohibida entre dos individuos del mismo sexo, rudos e implacables.

Esta resultó ser una excelente propuesta, con grandes actuaciones, un guión adaptado excepcional, una dirección de primer nivel, una banda sonora sobria y precisa, y una fotografía bellísima de Alberta, Canadá, curiosamente donde fueron rodadas las imágenes que representan a los paisajes de Wyoming. Con todo lo anterior, más allá de cualquier estatuilla o premio, “Secreto en la Montaña” está destinada a convertirse en un clásico, y como tal, hay que saber valorarla y disfrutarla en este tiempo, el de sus orígenes.


Excelente





Ficha Técnica:

Nombre: Secreto en la Montaña (Brokeback Mountain)
Género: Drama
Dirección: Ang Lee
Guión: Larry McMurtry y Diana Ossana. Basado en un relato de Annie Proulx.
Reparto: Heath Ledger, Jake Gyllenhaal, Michelle Williams, Anne Hathaway, Linda Cardellini, Anna Faris, Randy Quaid, Kate Mara.
Producción: Diana Ossana y James Schamus
Música: Gustavo Santaolalla
Fotografía: Rodrigo Prieto
Montaje: Geraldine Peroni y Dylan Tichenor
Vestuario: Marit Allen
País: Estados Unidos
Idioma: Inglés
Duración: 134 minutos
Año: 2005
Link: http://www.brokebackmountainmovie.com/splash.html

Tema Central de "La Ventana de Enfrente"

Intérprete: Giorgia
Título: Gocce di Memoria





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Que disfruten este excelente tema, el más destacado del soundtrack de esta sorprendente película italiana, "La Finestra di Fronte".

Octavo puesto entre las 12 Mejores Películas del año 2005.

Syriana - 'Globalización de Temer'

... aunque sus méritos cinematográficos son los mismos que su antecesora del año 2000, “Traffic”, queda la sensación que pudo haber corrido mejor suerte en las nominaciones al Oscar 2006, donde sus nominaciones a mejor actor de reparto (Clooney) y mejor guión original parecen algo mezquinas...

Syriana

GLOBALIZACIÓN DE TEMER

Bastan solo unos pocos minutos para percatarse que uno de los principales créditos de la cinta estadounidense Syriana es su director Stephen Gaghan, mismo guionista de Traffic” (2000), ya que nuevamente se entrecruzan en una misma línea las historias de distintos personajes bajo una temática común, y bastante controversial por lo demás. Sin duda, es el sello que hermana a ambas realizaciones y las coloca entre las favoritas de quienes gustan de este género de los thrillers sociológicos, siempre centrándose en una trama que apunta a las bajezas humanas. En “Traffic”, de Steven Soderbergh, lo fue justamente el lucrativo negocio del tráfico de narcóticos, y en todos los niveles. En “Syriana”, de Gaghan, lo es el tráfico de influencias diplomáticas, económicas y hasta criminales, relacionadas al negocio de los recursos energéticos, específicamente del gas natural en el Golfo Pérsico.

No cabe duda que cintas como estas tienen un público asegurado en las salas, ya que las situaciones de intriga internacional, siempre inspiradas en casos reales, resultan ser un imán difícil de resistir en un mundo como el actual, donde cada vez toma mayor fuerza el rechazo de muchos sectores, y en los cinco continentes, hacia la llamada ‘globalización’ y el hegemónico papel que los Estados Unidos y su economía está jugando al respecto. La verdad es que su director supo que tenía un escenario más que propicio para entregarnos esta nueva propuesta, ya probada en el 2000, pero con una temática más contingente en términos políticos y mundiales. Podría decirse, dicho sea de paso, que hay una reivindicación bastante fuerte a través de “Syriana” de los trabajos cinematográficos hechos por el norteamericano Michael Moore, en relación a sus denuncias contra la administración Bush y sus tentáculos internacionales. Solo un miope no deduciría esto tras algunos pasajes, donde la similitud de estos con los que ya vimos “Farenheit 9/11” son simplemente incuestionables.



Sin tener a un protagonista específico, “Syriana” va elaborando su intrincada trama, que fácilmente puede confundir a ciertos espectadores, a base de personajes que indistintamente se interrelacionan entre sí en una historia fascinante. Dos empresas energéticas con enormes capitales, Connex y Killen, se fusionan para convertirse en una de las trasnacionales más poderosas del planeta. En realidad Connex se fusiona con Killen, que es mucho más pequeña, debido a sus auspiciosos tratos en suelo asiático. Sin embargo, tanto el Departamento de Justicia como el poderoso bufete de abogados Sloan Whiting comienzan a sospechar de esta fusión y deciden investigar. Pero hay además otro obstáculo importante, el hijo mayor del emir que gobierna el país donde están estos yacimientos, el Príncipe Nasir Al-Subaai (Alexander Siddig), tiene ideas más cercanas al integrismo islámico y no solo quiere ser el único heredero de su padre, sino además, desbancar a su hermano menor, que aunque inepto es un ambicioso y cercano a los intereses estadounidenses. Nasir, de hecho, ha optado por una empresa china para que perfore en sus suelos en busca de gas, en desmedro de Connex, quienes lo hacían hasta ese momento.

Otra arista de esta telaraña la compone la presencia de un experto y analista en energía, Bryan Woodman (Matt Damon), quien tras sortear un doloroso drama familiar, será tentado por Nasir para que trabaje para él. Sin embargo, la CIA también tendrá algo que aportar, y es ahí donde interviene el veterano agente Bob Barnes (George Clooney), quien recibe una última orden antes de su retiro, eliminar a Nasir, misión que fracasa debido a una traición y a que lo usarán como chivo expiatorio. Pese a que esta última tarea casi le cuesta la vida y es sometido a tormentos, Barnes sobrevive e intentará arreglar cuentas en suelo estadounidense, donde descubrirá que siempre fue solo un peón al servicio de la CIA, y peor aún, sin saber en qué consistían verdaderamente sus misiones.

Por su parte, Dean Whiting (Christopher Plummer), uno de los hombres más poderosos e inescrupulosos de Washington intentará deshacer por todos los medios el trato de Nasir con los chinos, mientras uno de sus abogados, el afroamericano Bennett Holiday (Jeffrey Wrigth), se dividirá en medio de una especial dualidad, por un lado proporcionar material suficiente contra Killen por sus negocios en Kazajstán, y por otro no arriesgar dichos negocios, ya que estos son provechosos tanto para la compañía como para Estados Unidos. Sin embargo, también queda por ver cómo repercutirán estas turbulentas negociaciones entre los trabajadores islámicos de Nasir, cuyas vidas se ven afectadas de tal manera que muchos de los trabajadores más jóvenes encuentran refugio y consuelo en madrassas que instruyen ideológicamente contra Occidente.



George Clooney, el rostro hollywoodense más importante y emblemático de todo el reparto, tiene la particularidad, debido al guión y la dirección de Gagahn, de salirse de ese estereotipado rol de galán maduro que muchas veces lo ha relegado a un segundo plano en términos de crítica y valoración como actor. No tiene un papel que sobresalga de tal manera que terminemos concluyendo que esta sea su mejor actuación hasta la fecha, pero sí una de las mejores. Más allá de ser víctima de una angustiante sesión de tortura en suelo libanés, al ser traicionado en su misión contra Nasir, su actuación es prolija y sumamente convincente.

Solo el experimentado Christopher Plummer, dándole vida al controvertido Dean Whiting, secunda al director de “Good Nigth and Good Luck” en términos de actuación. Matt Damon, Jeffrey Wrigth y Alexander Siddig cumplen con lo justo, ninguno de ellos logra destacarse mucho más allá. Con esto, tal como en “Traffic”, es la historia y sus recovecos la verdadera protagonista de la película, otorgándole a la dirección de Stephen Gaghan los mayores aplausos a la hora de revisar lo mejor de “Syriana”.



Como propuesta, es una cinta tremendamente interesante de ver, analizar y debatir, ya que aunque es un guión basado en una autobiografía de Robert Baer, son claras las alusiones a la política internacional del primer mundo. “Syriana” es una obra importante, que más allá de develar oscuras políticas que defienden los intereses de grandes naciones, como los de Estados Unidos en Asia y el Medio Oriente, pone acento en un aspecto muy interesante dentro de la trama, y que consiste en la incubación de sentimientos antioccidentales en muchos jóvenes musulmanes, quienes en su propia vida afectiva y laboral resienten las injusticias del nuevo orden actual, con una economía expansionista. Acá no hay milicianos ultrareligiosos que solo por amor a Alá planean atentados.

Por su puesto, una vez más las intrigas y confabulaciones en contra de enemigos, y “amigos”, marcan la tensión en una historia algo complicada de entender si no se está atento en un cien por ciento, pero que de todos modos resulta atractiva como propuesta. Y aunque sus méritos cinematográficos son los mismos que su antecesora del año 2000, “Traffic”, queda la sensación que pudo haber corrido mejor suerte en las postulaciones al Oscar 2006, donde sus nominaciones a mejor actor de reparto (Clooney) y mejor guión original parecen algo mezquinas. La misma sensación queda con “El Jardinero Fiel”, una obra muy superior a “Crash”, por citar otro ejemplo.

Insisto, quienes aún recuerdan a “Traffic” no verán en “Syriana” una obra muy distinta, y quizás esa sea esa la explicación del poco interés que despertó este año entre los miembros de la Academia norteamericana. Pero con una dirección, guión y edición de primer nivel, más la interesante performance de George Clooney, esta cinta reúne aspectos que la harán difícil de olvidar, lo cual no es poco en una industria majadera con el cine desechable. Estoy seguro que será la delicia de los amantes del cine de intrigas y de varios interesados en política internacional.


Muy Buena





Ficha Técnica:

Nombre: Syriana
Género: Thriller Político
Dirección: Stephen Gaghan
Guión: Stephen Gaghan. Basado en la obra autobiográfica de Robert Baer "See No Evil: The True Story of a Ground Soldier in the CIA's War Against Terrorism"
Reparto: George Clooney, Alexander Siddig, Matt Damon, Christopher Plummer, Jeffrey Wright, Kayvan Novak, Amr Waked, Chris Cooper, Robert Foxworth, Nicky Henson, Nicholas Art, Amanda Peet, Steven Hinkle, Daisy Tormé, Peter Gerety, Jocelyn Quivrin, Mazhar Munir, Shahid Ahmed, Jayne Atkinson, Thomas McCarthy, Jamey Sheridan
Producción: Dan Weil
Música: Alexandre Desplat
Fotografía: Robert Elswit
Montaje: Tim Squyres
Vestuario: Louise Frogley
País: Estados Unidos
Idioma: Inglés, Árabe
Duración: 123 minutos
Año: 2005
Link: http://syrianamovie.warnerbros.com/

Mabuse escoge lo mejor del cine 2005

Los Mabuse Awards

Nuevamente la prestigiosa revista virtual de cine Mabuse realiza un balance con lo mejor del año anterior en materia de cine, a través de los Mabuse Awards. Sus resúmenes y votaciones se dividen en dos categorías: Mejor Película Extranjera y Mejor Película Chilena.

Siendo un reconocido medio electrónico dedicado a la cinematografía, y que está además dentro de los links de este blog en el apartado "Cinefilos", he querido rescatar este trabajo de resúmen con lo mejor que ellos consideraron del cine 2005 que pudimos ver en Chile, ya que son sorprendentes las coincidencias en varios de los puestos y criterios que elaboraron en su trabajo de recopilación, los cuales resultaron coincidentes y muy parecidos con los que me permitieron hacer un resumen propio del cine 2005 en este mismo blog, hace poco más de un mes.

He aquí parte del trabajo de selección realizado por Mabuse:


MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA

1º WHISKY
Lugar Nº 1 (también) entre las Mejores 12 Películas del 2005 según Blog "Comentarios de Cine"

La notable película uruguaya se alza con el título al mejor estreno extranjero del año. Whisky de Pablo Stoll y Juan Pablo Rebella suma a nuestro humilde reconocimiento el premio Goya 2005 a la mejor película extranjera, el Premio Mirada Original y Premio FIPRESCI en Cannes 2004, Mejor Película y Mejor Dirección Festival de Huelva, Mejor Película Chicago International Film Festival y el Primer Premio Coral en el Festival de la Habana, por mencionar sólo algunos. Los creadores de la también galardonada 25 Watts (2001), reflexionan sobre la cotidianeidad y melancolía de un trío de personajes que conocen la angustia de estar en los descuentos de sus vidas. Pequeñas miserias que sientan un precedente sobre calidad cinematográfica a nivel latinoamericano. Lea nuestra crítica a Whisky.


2º ENTRE COPAS
Lugar Nº 2 (también) entre las Mejores 12 Películas del 2005 según Blog "Comentarios de Cine"

Una de las favoritas de la prensa alternativa para los premios Oscar del año pasado. La cinta, con la que su director Alexander Payne (Las confesiones del Sr. Schmidt) finalmente se adjudicó la estatuilla de Hollywood al mejor guión, relata la historia de dos amigos que parten en un viaje de despedida de soltero por los viñedos de la costa central de Estados Unidos. Una travesía que se supone sería una experiencia agradable se transforma en una exploración del hombre de edad media enfrentado a sus sueños y frustraciones.


3º 2046
Lugar Nº 5 entre las Mejores 12 Películas del 2005 según Blog "Comentarios de Cine"

Representando a la invasión de cine oriental que presenciamos el 2005 (y que ya es un hecho en el resto del mundo), Wong Kar Wai obtiene el tercer lugar con su cinta 2046. La película, que formó parte de la competencia oficial del Festival de Cannes 2004, se define como una secuela de la aclamada cinta Con ánimo de amar (2000), retomando la historia Chow Mo Wan (Tony Leung), para dar cuenta de la inercia y el dolor que causa la pérdida del amor.


4º MILLION DOLLAR BABY
Lugar Nº 10 entre las Mejores 12 Películas del 2005 según Blog "Comentarios de Cine"

La triunfadora del Oscar del 2005 -que implicó que una vez más Martin Scorsese viera frustrada su posibilidad de llevarse la estatuilla al mejor director por El aviador-, por apenas un punto se queda con el cuarto lugar de esta elección. Million dollar baby de Clint Eastwood, no sólo confirmó la capacidad de este realizador de filmar clásicos automáticos sino que también le valió a él su segundo Oscar como director y a Hillary Swank como actriz en un rol protagónico.


5º EL REGRESO
Lugar Nº 3 entre las Mejores 12 Películas del 2005 según Blog "Comentarios de Cine"

Una muestra del legado de Tarkovsky en las nuevas generaciones del cine ruso. El regreso, de Andrey Zvyagintsev, fue la ganadora del León de Oro del Festival de Venecia y el European Film Awards del 2003. La cinta cuenta la historia de dos hermanos que reciben la visita de su desconocido padre con el que emprenden un misterioso viaje a una isla.


El resto de las posiciones, hasta el lugar décimo, es el siguiente:


6º CLEAN
Lugar Nº 4 entre las Mejores 12 Películas del 2005 según Blog "Comentarios de Cine"

7º VIDA ACUÁTICA
Lugar Nº 23 entre los 40 Títulos Valiosos del 2005 según Blog "Comentarios de Cine"

8º SARABAND
Lugar Nº 17 entre los 40 Títulos Valiosos del 2005 según Blog "Comentarios de Cine"

9º VERA DRAKE
Lugar Nº 9 (también) entre las Mejores 12 Películas del 2005 según Blog "Comentarios de Cine"

10º CLOSER
Solo una mención honrosa entre los 40 Títulos Valiosos del 2005 según Blog "Comentarios de Cine"



MEJOR PELÍCULA CHILENA

1º DÍAS DE CAMPO
Lugar Nº 13 entre los 40 Títulos Valiosos del 2005 según Blog "Comentarios de Cine"

Finalmente, con amplia mayoría pero con algunos votos disidentes, el título de la mejor película chilena del año recayó en Días de campo, de Raúl Ruiz, cinta que en su crítica en Mabuse Pamela Biénzobas catalogó como "un flujo natural de anécdotas, diálogos y también de pequeñas intrigas que van dibujando un retrato de un mundo que, dentro de la misma película, ya ha desaparecido". Un emotivo regreso del más grande de nuestros cineastas. Lea nuestra crítica completa de Días de Campo.

2º PLAY
Lugar Nº 12 entre las Mejores 12 Películas del 2005 según Blog "Comentarios de Cine"

3º MI MEJOR ENEMIGO / SE ARRIENDA (empate)
'Mi Mejor Enemigo': Lugar Nº 35 entre los 40 Títulos Valiosos del 2005 según Blog "Comentarios de Cine".
'Se Arrienda': Solo una mención honrosa entre los 40 Títulos Valiosos del 2005 según Blog "Comentarios de Cine".


Bueno, al parecer con los colaboradores de Mabuse seguiremos teniendo muchas coincidencias, y en otras claramente no, pero al fin y al cabo lo que nos une es nuestro gusto por el buen cine.


A continuación, los links del Resumen 2005 que elaboré en este blog, "Comentarios de Cine", en el mes de enero:

Las 12 Mejores Películas del 2005 y sus Directores

Los 40 Títulos Valiosos del 2005 (incluidos los 12 mejores del año)

Las 10 Mejores Películas de Ficción del 2005

Los 5 Mejores Documentales del 2005


A comparar con Mabuse

Old Boy - 'Una Dura y Triste Verdad'

... sin temor a equivocarme, puedo afirmar que este ha sido el mejor estreno que ha pasado por nuestra cartelera durante este verano 2006, y creo que tendrá un lugar reservado dentro de lo mejor del año...

Old Boy

UNA DURA Y TRISTE VERDAD

Si el director norteamericano Quentin Tarantino, famoso por su idolatría del cine oriental, fue capaz de señalar a la cinta coreana Old Boy, del director Park Chan-Wook, como “la película más cool del 2004”, era porque más de algún mérito debía de exhibir esta producción asiática. Y no se equivocó. Chan-Wook, que a excepción de los circuitos alternativos, es otro perfecto desconocido en Occidente, tal como la mayoría de sus colegas, no pasa indiferente frente a los críticos y el público en general, ya que es imposible no quedar boquiabierto frente a un trabajo tan excepcional como el suyo, donde apunta a una temática que más de una vez hemos visto representada en la pantalla grande: la venganza.

Con una maestría notable en la dirección, “Old Boy” pasa de la comedia más lúdica a los momentos más dramáticos que uno pudiese imaginar, y con una naturalidad que sorprende. Reconozco que no soy adicto al cine de Oriente, más por una cuestión de tiempo e inercia, pero sinceramente, trabajos tan brillantes como este no solo me hacen replantear mis gustos cinematográficos, sino que además me llevan a plantearles a ustedes que este tipo de cine ojalá sea más masivo en nuestro país, embobado muchas veces con el cine comercial de Norteamérica, y uno que otro título europeo, español o latinoamericano. Esta no es en absoluto una crítica al cine de masas, solo que es preciso darle más tribuna a propuestas tan interesantes esta en las salas locales, proveniente del poco conocido cine coreano. El cine es un arte, y el arte como concepto me molesta cuando es asociado en forma arrogante con exclusividad.



En Chile Park Chan-Wook tuvo un precedente el año 2005 respecto a cine proveniente desde Corea del Sur, me refiero a la onírica “Primavera, Verano, Otoño, Invierno... y Primavera” de Kim Ki-Duk, una de las 12 mejores películas del año pasado y que resumí al darle inicio a este blog. Sin embargo, esta vez la pequeña nación asiática nos entregó un producto radicalmente distinto, mucho más cercano al cine del mismo Tarantino que al de Ki-Duk, donde el deseo de venganza del protagonista tendrá una especial similitud con personajes de culto, como los estelarizados alguna vez por Bruce Lee, Uma Thurman o Jet Li. La historia se centra en un violento individuo, un cuarentón con rasgos claramente sicóticos, que sin embargo un buen día es secuestrado, encerrado por 15 largos años en una insalubre habitación, y atormentado sicológicamente haciéndole ver por televisión perturbadoras imágenes, la mayoría de ellas relacionadas con la muerte de su esposa, asesinato donde él fue el principal sospechoso.

Este individuo, Oh Dae-Su (Hwang Jo-Yung), se martiriza pensando en que alguna de las personas que lastimó en el pasado es el verdadero asesino de su esposa y que por venganza lo culpó a él, haciéndolo pasar por todo ese infierno. Ahora bien, el gran mérito que presenta el director en su tratamiento de la historia es que si bien presenta a un sujeto tremendamente sicótico y perturbado mentalmente, supo imprimirle tanto una dosis de humor en su loco deambular como de dramatismo en otras tantas escenas, como en las que Dae-Su va rememorando su propio pasado una vez que es dejado en libertad, hecho que consigue tras una sospechosa sesión de hipnosis.



Es asombroso como este personaje es capaz de hacernos reír de buena manera mientras busca a quién le hizo perder tantos años de su vida, ya sea trenzándose a golpes con una pandilla de peligrosos maleantes, todos dirigidos por uno de los responsables de su encierro, mientras que por otro lado despierta sentimientos de aflicción y empatía con el público, en especial ante el difícil trance que debe pasar ya hacia el final, cuando descubre la verdad sobre quién fue el cerebro tras la muerte de su esposa y a su vez, el responsable de su prolongado encierro. Este mismo culpable es además quien jugó con él ocultándole la terrible verdad que hay detrás de Mido (Gang Hye-Jung), la joven que se enamora de él tras ayudarlo en su búsqueda de justicia.

Oh Dae-Su apenas podrá creer los hechos que le son revelados poco antes del epílogo, descubriendo que la maldad y el desquicio humano pueden llegar a niveles inaceptables, además de insufribles. Un papel primordial cumplirá aquí el actor coreano Woo Ji-Tae como Lee Woo-Jin, un sórdido y sofisticado gangster, quien hará perder el juicio al personaje interpretado por Hwang Jo-Yung, a través de escenas con un fuerte dramatismo, y una crudeza difícil de tolerar. Sin duda que este Lee Woo-Jin es uno de los mejores villanos que haya visto nunca, especialmente por las aristas sicológicas en su cínico actuar. Jo-Yung por otra parte se luce en el protagónico, siendo su actuación como este inestable individuo en busca de venganza uno de los mayores atractivos de la película.



“Old Boy” lo más probable es que nos recuerde a la japonesa “Zatoichi” cuando la violencia sea la principal arma para buscar justicia, a la norteamericana “Kill Bill” cuando esa misma sangre y deseos de venganza nos haga esbozar hasta una sonrisa, y claramente tiene similitudes con “La Naranja Mecánica” de Kubrick, sobre todo cuando el desquicio llega a niveles increíbles de comprender. Aún así, siendo un thriller intenso, crudo y perturbador muchas veces, no deja de ser una cinta excelente, difícil de olvidar, y que sin temor a equivocarme, puedo afirmar que este ha sido el mejor estreno que ha pasado por nuestra cartelera durante este verano 2006, y creo que tendrá un lugar reservado dentro de lo mejor del año.

Destaco además la banda sonora, especialmente ad-hoc a este tipo de películas violentas y algo lúdicas, así como la ambientación, magnífica en la recreación de esta historia con tantos recovecos emocionales. Sin duda que junto a las actuaciones de Jo-Yung y Ji-Tae, además del sólido guión inspirado en los relatos de Tsuchiya Garon y Minegishi Nobuaki, estos elementos también son de lo mejor que presenta “Old Boy”.

En definitiva entonces, una película excelente, imperdible mientras siga en cartelera, y que estoy seguro se convertirá en un nuevo clásico dentro de la cinematografía oriental. Totalmente recomendable, un trabajo de primer nivel que nos obliga a seguir exigiendo más de estos en la cartelera chilena, para refrescarnos con un cine que podrá ser desconocido por muchos, pero que es tremendamente productivo y de calidad. “Old Boy” es solo una muestra de este cine y estaremos atentos a la próxima, nos lo merecemos.


Excelente



Ficha Técnica:

Nombre: Old Boy
Género: Thriller Dramático
Dirección: Park Chan-Wook
Guión: Hwang Jo-Yung, Lim Joon-Hyung y Park Chan-Wook. Basado en una historia original de Tsuchiya Garon y Minegishi Nobuaki
Reparto: Choi Min-sik, Woo Ji-Tae, Gang Hye-Jung, Chi Dae-Han, Oh Dal-Su, Kim Byoung-Ok, Lee Seung-Shin, Yoon Jin-Seo, Lee Dae-Yun, Oh Gwang-Rok
Producción: Kim Dong-Joo
Música: Cho Young-Wuk
Fotografía: Jung Jung-Hoon
Montaje: Kim Sang-Bum
Vestuario: Cho Sang-Kyung
País: Corea del Sur
Idioma: Coreano
Duración: 120 minutos
Año: 2003
Links: http://films.tartanfilmsusa.com/oldboy/
http://www.oldboy-movie.jp/

Contra la Pared - 'Vicios que Llegan al Amor'

... Una propuesta potente y algo perturbadora, pero muy buena en definitiva, y que sinceramente espero que hoy jueves 9 y mañana viernes 10 de febrero tenga mucho público en este último mes de Cine UC...

Contra la Pared

VICIOS QUE LLEGAN AL AMOR

Una de las películas extranjeras que exhibe este verano el 30 Festival de Cine UC es la cinta alemana Contra la Pared, del realizador turco Fatih Akin, y que entre sus pergaminos cuenta con el Oso de Oro en el Festival de Berlín el año 2004. Esta producción está dentro de las 10 mejores producciones del año pasado que fueron seleccionadas por los críticos que participan en este prestigioso festival, y que ya tuvo su primera presentación al público en el pasado mes de enero. Hoy jueves 9 de febrero a las 19 horas, y mañana viernes 10 en el mismo horario, serán los últimos dos días en que el público chileno podrá apreciar este genial trabajo del realizador turco, a quien no alcancé a apreciar durante el año 2005, siendo una de mis mayores deudas y que pretendo saldar ahora a través de este comentario.

La trama es tremendamente intensa y cautivante, y tiene entre sus mayores méritos el describir las complejas realidades que se dan en una sociedad alemana como la actual, con una alta tasa de inmigrantes musulmanes en su seno, especialmente provenientes de Turquía. Ahora bien, Akin recogió parte de este tema tan continente dentro de la realidad europea, no solo alemana, pero centró su mirada en la historia de un atormentado alemán de origen turco, Cahit (Birol Ünel), quien arrastra una gran culpa de su pasado y lo hace vivir al borde de la desidia, siendo adicto a las drogas, el alcohol y el sexo ocasional con una pareja que apenas le importa. Cahit incluso ha sido recluido en una clínica siquiátrica y claramente vive desmarcándose de sus orígenes étnicos.

Sin embargo un buen día llega a su vida, y de manera muy circunstancial, otro miembro de su misma etnia, pero esta vez una mujer. Se trata de Sibel (Sibel Kekilli), una espigada morena que con una fuerza de determinación impresionante intenta sacudirse la condición de joven musulmana en medio de alemanes. Sibel lo único que desea es escapar del yugo de su familia, deseo que ha intentado materializar incluso a través del suicidio. Al encontrarse con Cahit, esta chica, que también vive un infierno dentro suyo, planea una válvula de escape bastante temeraria consistente en que Cahit pida su mano y se case con ella, aunque con la única intención de deshacerse de sus padres y hermano. Cahit en medio de su desordenada existencia, física y emocional, acepta sus ruegos, a riesgo incluso de involucrarse con una mujer decidida, con extraños arrebatos de violencia, pero que solo añora el deseo de libertad. Más que mal, solo será un matrimonio de apariencias.




Ahora bien, consumado el matrimonio, la historia deriva en la relación de este bizarro matrimonio de turcos-alemanes, la cual vive su momento de mayor clímax al brotar el amor entre ambos, siendo Sibel ya una mujer libre de su familia y estando Cahit aún sumido en su infierno personal. Sin embargo, producto de este amor se desatará una tragedia en sus vidas, producto de los celos, la cual será una dura prueba para estos dos personajes al momento de enfrentar una dolorosa separación. Esta dura prueba servirá para medir qué tan grande resultó ser el amor que nació entre dos individuos tan disímiles, y a la vez muy parecidos. Akin se anota entonces un punto a favor al retratar los devaneos de una sociedad violenta como la actual, llena de vicios y amargura, pero en la que aún es posible que aparezcan signos de reivindicación, tanto con la vida misma y como con los demás, y siempre de la mano del amor.

Sin ser una película rosa, en ningún caso, el director supo darle un perfil de romanticismo a la historia de Sibel y Cahit, la cual estoy seguro que resultará muy atractiva para el público joven, sobre todo para quienes ya están cansados de las novelas de amor y caramelos que frecuentemente nos entrega el cine comercial norteamericano. Acá hay personajes intensos, llenos de pasión y golpes que les ha dado la vida, y para algunos será muy fácil identificarse con alguno de los rasgos que ellos presentan. Y si bien hay escenas de violencia, con pasajes bastante fuertes tanto en suelo alemán como turco, la película está muy bien llevada, no habiendo ningún momento que haya sido dejado al azar, siendo una de sus mejores cartas de presentación la surrealista presencia de un grupo folclórico de Estambul, el cual a través de los bellos acordes y la hermosa voz de su vocalista va presentando los episodios en que se divide “Contra la Pared”.



Birol Ünel y Sibel Kekilli se lucieron en sus actuaciones protagónicas, siendo ambas otro de los logros que podemos mencionar de esta producción, ya que en una historia tan vertical como la de esta película, las actuaciones de la pareja protagónica tenían que ser convincentes y potentes. Ünel de hecho, gracias a la excelente caracterización que hizo de Cahit, este muerto en vida que aún así termina enamorándose, hubiera estado entre los diez mejores actores dentro del resumen con lo mejor del cine 2005 que elaboré en enero. Una bellísima fotografía, una banda sonora que seguramente será del gusto del público juvenil, más la impecable dirección de Fatih Akin convierten a esta película alemana en un imperdible dentro de este festival de cine donde actualmente se exhibe, y que recomiendo de todas maneras.

Aunque sigo considerando a “La Caída” de Olivier Hirschbiegel como la mejor película de la industria germana que pasó por nuestra cartelera el año pasado, y a la multinacional “Clean” de Olivier Assayas como la cinta que mejor tocó el tema de las drogas y la adicción, con una Maggie Cheung simplemente soberbia, creo que “Contra la Pared” mereció mejor suerte el año pasado y de todas maneras merece estar en la estantería de quienes disfrutan de este tipo de temáticas, que aunque muchas veces pueden resultar algo perturbadoras, vale la pena tenerlas en cuenta y aprender de ellas.

Una propuesta potente y algo perturbadora, pero muy buena en definitiva, y que sinceramente espero que hoy jueves 9 y mañana viernes 10 de febrero tenga mucho público en este último mes de Cine UC.


Muy Buena


30 Festival de Cine UC: jueves 9 y viernes 10 de Febrero, 19 horas. Alameda 390, Santiago.





Ficha Técnica:

Nombre: Contra la Pared (Gegen die Wand / Head-On)
Género: Drama
Dirección: Fatih Akin
Guión: Fatih Akin
Reparto: Birol Ünel, Sibel Kekilli, Catrin Striebeck, Güven Kiraç, Meltem Cumbul, Cem Akin, Aysel Iscan, Demir Gökgö, Stefan Gebelhoff, Hermann Lause
Producción: Ralph Schwingel y Stefan Schubert
Música: Klaus Maeck
Fotografía: Rainer Klausmann
Montaje: Andrew Bird
Vestuario: Katrin Aschendorf
País: Alemania y Turquía
Idioma: Alemán, Turco
Duración: 123 minutos
Año: 2004
Link: http://www.gegendiewand.de/flash.html

Munich - 'Fin a una Constante'

...“Munich” tendría todos los ingredientes para alzarse como una de las mejores cintas norteamericanas en lo que va de esta década, independiente si la industria cinematográfica norteamericana la premia o no con su máxima distinción...

Munich

FIN A UNA CONSTANTE

Tengo la sensación que si varios años atrás cualquiera de nosotros hubiese pensado en una adaptación al cine de la tragedia de los Juegos Olímpicos de Munich en 1972, lo más lógico hubiera sido imaginarse una superproducción estadounidense de la mano de Steven Spielberg. Efectivamente, uno de los directores íconos del cine de Hollywood, y que entre sus principales trabajos destaca la tragedia de los judíos en Cracovia y el posterior heroísmo de un alemán como Oskar Schindler, tenía su nombre asegurado dentro del medio cinematográfico norteamericano para retrotraernos a otro de los tantos hechos dolorosos que ha debido enfrentar el pueblo hebreo. No en vano Spielberg es de ascendencia judía, y miembro importante de esa comunidad en los Estados Unidos.

Sin embargo, lo que para muchos resultó ser una tremenda sorpresa, y desde mucho antes de estrenarse su nuevo trabajo, fue que Spielberg no volvería a utilizar el dolor de su propio pueblo para despertar la compasión internacional a favor de su causa y de su lucha en Tierra Santa, muy por el contrario, intentaría darle una mirada radicalmente distinta a esta visión. De víctimas, muchos empezarían a ver como victimarios a los israelíes, lo cual no es novedad en un mundo globalizado como este, donde la represión al pueblo palestino y los lazos de Israel con América del Norte despiertan sentimientos que fácilmente se confunden con judeofobia.

Sí señores, Spielberg lo más probable es que recoja aplausos entre quienes odian a Israel y a su pueblo, y por otra, despierte las iras de sus propios pares. Una mayúscula sorpresa. Sin embargo, esta no es en absoluto una cinta parcial, hacia ninguno de los dos bandos, lo cual la hace más interesante y digna todavía.




Nominada como mejor película y mejor director para los premios Oscar 2006, hace menos de una semana se estrenó en la cartelera chilena Munich de Steven Spielberg, una obra que tiene además del sorpresivo enfoque de su director otro elemento que no dejará indiferente a nadie y que merece comentario aparte. La cinta no es una sucesión de hechos cronológicos que desencadenaron el ataque de un grupo terrorista palestino, el sanguinario Septiembre Negro, en contra de atletas israelíes en suelo alemán, sino que es una historia basada en el libro de George Jonas, donde se va describiendo el plan de represalia que adoptaron los organismos israelíes en contra de sus enemigos. Es en buenas cuentas una descripción más del efecto que de la causa, lo cual quiebra las expectativas de varios que pudieran pensar que esta es una película sobre el atentado en sí y un posterior hecho heroico como epílogo. Más que mal, difícilmente podría haber un héroe tras un hecho de sangre donde no hubo sobrevivientes entre los rehenes judíos capturados por Septiembre Negro.

Así entonces, ya hay dos hechos donde Spielberg marca un rompimiento con lo que le hemos visto hacer con anterioridad, y eso explicaría que “Munich” se perfile como la favorita de mucha prensa internacional para obtener el dorado galardón en marzo próximo. Pero quienes somos más suspicaces difícilmente podríamos imaginarnos a una comunidad judía como la norteamericana celebrando el galardón para alguien que deja al Mosad y a la ex primer ministra Golda Meir como el equivalente israelí de la KGB y los siniestros jerarcas soviéticos que la controlaban. Claro, la CIA estadounidense tampoco es para enorgullecerse, y de hecho, sorprendentemente es retratada como aliada de uno de los principales cerebros palestinos de Septiembre Negro, Ali Hassan Salameh, pero aún así veo muy difícil que el director de “La Lista de Schindler” se repita el plato este año. Su cambio lo percibo como demasiado radical para los miembros de su propia comunidad.

La historia de Munich cuenta la transformación de un militar israelí, Avner (Eric Bana), quien luego de la masacre en Alemania es reclutado por el servicio secreto de Israel y la ex premier Golda Meir (Lynn Cohen) para una misión ultra secreta, que consiste en dirigir a un grupo de mercenarios israelíes que deberán buscar y ejecutar a los cerebros palestinos que estuvieron tras los hechos de sangre de Munich, y que aún permanecen en Europa. Se descartan a los terroristas que recibieron refugio en Libia, y tampoco podrán actuar en suelo árabe, independiente el país. Para esta misión deberán moverse en estricto sigilo y se les proporcionará una cuenta secreta con los fondos necesarios para funciones de aparataje, traslado y pago de información. Tampoco deberán dar aviso de sus actividades a sus familias. Y es ahí donde “Munich” pone un especial acento, en la dolorosa separación del protagonista de su joven esposa y su pequeña recién nacida, para tener que cumplir órdenes de asesinato selectivo. Sin duda que esto último es el mayor logro del director.




Sin embargo, aunque se trata de una trama en extremo interesante, la cinta cojea debido a la débil actuación del australiano Eric Bana en el rol principal. El protagonista de “Hulk” podrá tener la virtud de ser un sex symbol para el público femenino, y por otro lado, no despertar el rechazo inmediato del público varonil, pero cumple apenas con una actuación que pudo ser descollante en manos de cualquier otro actor. De hecho, su actuación es el punto más bajo de “Munich”, lo cual no es menor. Las demás actuaciones en cambio, todas secundarias, sí logran sobresalir, destacando la breve caracterización de Golda Meir por parte de la actriz Lynn Cohen, y por su puesto, los compañeros de Avner en esta peligrosa y cuestionable misión, entre ellos, la del galo Mathieu Kassovitz como Robert, el encargado de los explosivos, el irlandés Ciarán Hinds como el pragmático Carl, el inglés Daniel Craig como el nacionalista y vengativo Steve, y el jefe de todos ellos en el Mosad, el inescrupuloso Ephraim, a cargo del actor Geoffrey Rush. La actriz judía Ayelet Zorer no tiene mayor participación como la esposa de Avner, Daphna, aunque tampoco su actuación fue deficiente, por lo que destaco la presencia de un integrante israelí dentro del elenco.

“Munich” tendría todos los ingredientes para alzarse como una de las mejores cintas norteamericanas en lo que va de esta década, independiente si la industria cinematográfica norteamericana la premia o no con su máxima distinción. Un guión adaptado de primer nivel, una excelente edición, una fotografía rica en matices, sobre todo en momentos de tensión, un ritmo preciso que no se excede ni en rapidez ni en lentitud, una banda sonora a cargo de John Williams que otra vez no decepciona y por su puesto, el sello de Spielberg, que si bien mantiene esa cuota de dramatismo humano que lo ha hecho famoso, rompe los moldes de ese cine predecible, plano y en extremo emotivo que lo ha hecho ganarse no pocos detractores. Pero la gran deficiencia de “Munich” es la poco convincente actuación de Eric Bana, la que se ve sobrepasada por las demás actuaciones secundarias, impidiéndole a este trabajo ser catalogado como obra maestra, aunque muchos críticos así lo estén señalando prácticamente.

Destaco nuevamente el sorpresivo giro que Steven Spielberg exhibe en esta cinta, variando de esa constante que venía dándose entre sus anteriores producciones, siendo el hecho más palpable de este cambio las críticas de ciertos sectores judíos hacia el tratamiento que “Munich” le da a la ‘legítima’ defensa que hace el estado hebreo frente a su eterno adversario: el terrorismo palestino. Lo más probable es que ningún judío, israelí, sionista o simpatizante del judaísmo cambie su percepción sobre Israel y los hechos que describieron Jonas y Spielberg, uno en la literatura y otro en el cine, y lo mismo vale para los palestinos, árabes, musulmanes y millones de simpatizantes de la causa palestina en el mundo. Pero hay un hecho que no podrá ser negado tras presenciar esta película estadounidense, y ese es el profundo debate sobre los métodos represivos y de defensa que algunos estados ponen en práctica a la hora de enfrentar hechos como el ocurrido en los juegos olímpicos de Munich 1972.

Spielberg, más allá de los costos personales, ha puesto un tremendo tema en discusión, y en términos de cinematografía lo ha hecho de gran manera, pese a algunos ripios en las actuaciones y la innecesaria alusión al World Trade Center en los momentos finales. Aunque hubiera prefiriendo a "El Jardinero Fiel" para el Oscar 2006, "Munich" es, por el momento, el título que le sigue.



Muy Buena






Ficha Técnica:

Nombre: Munich
Género: Drama
Dirección: Steven Spielberg
Guión: Tony Kushner y Eric Roth. Basado en el libro de George Jonas.
Reparto: Eric Bana, Daniel Craig, Ciarán Hinds, Mathieu Kassovitz, Hanns Zischler, Geoffrey Rush, Ayelet Zurer, Omar Metwally, Ami Weinberg, Michael Lonsdale, Valeria Bruni Tedeschi, Yvan Attal, Lynn Cohen
Producción: Kathleen Kennedy, Steven Spielberg, Barry Mendel y Colin Wilson
Música: John Williams
Fotografía: Janusz Kaminski
Montaje: Michael Kahn
Vestuario: Joanna Johnston
País: Estados Unidos
Idioma: Inglés
Duración: 164 minutos
Año: 2005
Link: http://www.munichmovie.com/

El Jardinero Fiel - 'Amor, Verdad y Justicia'

... hasta el momento, “El Jardinero Fiel” es mejor incluso que las películas nominadas al Oscar 2006 y que ya han sido estrenadas en Chile...

El Jardinero Fiel

AMOR, VERDAD Y JUSTICIA

Si se trata de denunciar o poner en el tapete temas tremendamente controversiales a nivel mundial, el cine es hoy por hoy uno de los medios más eficientes, al menos en lo relacionado al factor impacto. Y si bien muchas cintas que han abordado temáticas relacionadas a inescrupulosos con poder se han basado en exitosos best sellers, no deja de llamar la atención que la industria cinematográfica sea la que termine por generar debate y controversia a una escala mucho mayor cuando algún realizador se decide a llevar estas problemáticas a la pantalla grande. Pues bien, en esta misma línea de sucesión, de literatura a cine, el escritor inglés John Le Carré le dio vida a la novela El Jardinero Fiel, una historia que difícilmente dejará indiferente a alguien cuando vea su adaptación al cine, esta vez realizada por el destacado director brasileño Fernando Meirelles.

La novela de Le Carré en la pantalla grande, a manos de Meirelles, tiene entre sus mayores logros el poseer un ritmo vertiginoso y tremendamente atractivo para el espectador, pero sin convertir a “El Jardinero Fiel” en otra cinta más de aventuras que descuide un elemento que muchas veces resulta perjudicado cuando las intrigas con tintes policiales se apoderan de la trama. Ese elemento es el guión. Y vaya que es un mérito en Meirelles no dejar en un segundo plano los motivos que impulsan al personaje protagónico a moverse en suelo fangoso, en este caso el diplomático británico Justin Quayle (Ralph Fiennes), quien a como de lugar intentará llegar a una verdad tan dolorosa para él como para sus semejantes en suelo africano.



Ahora bien, qué tiene esta sorprendente historia que incluso pudo haber convertido a “El Jardinero Fiel” en una de las aspirantes al cotizado galardón de la Academia norteamericana, El Oscar, como mejor película, nominación que increíblemente no obtuvo. En suelo africano, específicamente en la zona que comprende los países ubicados entre el cuerno de África y otras naciones más hacia el sur, se están produciendo situaciones sumamente anómalas e inquietantes en términos médicos, donde algunas de las cadenas farmacéuticas más importantes del ‘primer mundo’ tienen mucho qué explicar, ya que suministran cierto tipo de medicamentos a seres humanos que, debido al atraso y la pobreza en que se encuentran, no son capaces de discernir si son benéficos o no. Esta extraña situación, al parecer producto de una monstruosa conspiración internacional, es investigada por organismos multinacionales, quienes entre sus principales contactos en el continente negro tienen a la obstinada activista Tessa (Rachel Weisz), quien junto a su ayudante, Arnold (Hubert Koundé), no se intimidarán por los riesgos y amenazas y harán lo posible por develar la verdad de esta peligrosa situación, siendo el único error por parte de Tessa no haber informado a su esposo de sus actividades y confiar además en alguien como Sandy Woodrow (Danny Huston), un supuesto amigo.

Sin embargo, la historia de “El Jardinero Fiel” difiere mucho de cualquier otro thriller que se haya hecho con anterioridad, ya que el asesinato de esta hermosa mujer y su ayudante al comienzo del film, y que se intenta presentar como un ‘crimen pasional’, es el motor que desencadena la participación de Justin Quayle, precisamente el marido de Tessa, quien a media que indaga y descubre la verdad, la rememora desde el momento de haberse conocido hasta sus últimos días de vida, dejándole como legado el haber sido una mujer valerosa y leal. El protagonista, gracias al recuerdo de su amada Tessa, saca fuerzas de flaqueza aún en momentos de mucha tensión, e incluso violentos, y se niega a concluir que la muerte de su esposa fue en vano, y peor aún, producto de un engaño extra marital.



Con una dirección de primer nivel por parte de Fernando Meirelles, quien acertó en darle a este thriller una buena cuota de romanticismo en medio de una historia trágica y a veces escalofriante, “El Jardinero Fiel” es uno de los mejores exponentes del género de intrigas y conspiraciones internacionales que haya visto nunca, ya que está muy lejos de convertirse en un mero pasquín que ponga en tela de juicio a las transnacionales, en este caso las cadenas farmacéuticas, ya que el guión, la edición y el tratamiento de las escenas logran cautivar sin pausa a los espectadores, quienes difícilmente podrían sentirse confundidos en una trama no lineal como esta. Por otra parte, el lazo de amor que une a los personajes de Justin y Tessa Quayle tampoco es una historia melosa y marcada por un drama lacrimógeno, ya que si bien el personaje de Ralph Fiennes debe hacerle frente a la trágica muerte de su joven y bella esposa, es el deseo de justicia y reparación el verdadero motor en su búsqueda por la verdad.

Ralph Fiennes una vez más da crédito a su versatilidad y logra dar el ancho necesario para darle vida a Justin Quayle, quien de ser un timorato y apesadumbrado diplomático logra transformarse en un digno equivalente masculino de Tessa, rol que también cumple satisfactoriamente una sólida Rachel Weisz. Por lo mismo, cabe hacer notar que La Academia se anota otra de sus caídas, una más entre tantas, al excluir a Fiennes de la quina para mejor actor protagónico, pese a nominar a Weisz como mejor actriz secundaria. Una preciosa fotografía y locaciones muy bien escogidas completan un cuadro imperdible para quienes gustan de poner a prueba sus sentidos y sus nervios con historias como estas.

En definitiva, hasta el momento, “El Jardinero Fiel” es mejor incluso que las películas nominadas al Oscar 2006 y que ya han sido estrenadas en Chile. Y aunque aún faltan por verse “Good Nigth and Good Luck”, "Truman Capote" y “Brokeback Mountain”, esta cinta es uno de los mejores thrillers que hayamos visto y vale la pena no dejarla pasar en la cartelera, pues queda la sensación que este tipo de propuestas tienen para rato, siempre y cuando hayan directores como Fernando Meirelles quienes estén detrás. Y ojo, Meirelles tampoco aspira a la estatuilla de oro para mejor director. Con mayor razón entonces merece ser valorado su trabajo a través de este extraordinario largometraje.


Excelente




Ficha Técnica:

Nombre: El Jardinero Fiel (The Constant Gardener)
Género: Thriller Dramático
Dirección: Fernando Meirelles
Guión: Jeffrey Caine. Basado en la novela de John Le Carré
Reparto: Ralph Fiennes, Rachel Weisz, Danny Huston, Bill Nighy, Pete Postlethwaite, Bernard Otieno Oduor, Donald Sumpter, Hubert Koundé.
Producción: Simon Channing Williams
Música: Alberto Iglesias
Fotografía: César Charlone
Montaje: Claire Simpson
Vestuario: Odile Dicks-Mireaux
País: Reino Unido
Idioma: Inglés
Duración: 129 minutos
Año: 2005
Link: http://www.theconstantgardener.com/