domingo, febrero 25, 2007

INDICE 2

Con cuatro nuevos comentarios este día domingo 25 de Febrero (día de los Oscar 2007), les dejo a continuación un nuevo índice en la página central, para acceder más rápido a los temas de mayor interés en este mes:




Oscar 2007, pronósticos






"El Último Rey de Escocia",
Solo por Whitaker







Ciclo de Cine UC,
La belleza de Oriente







"Entre Copas",
La cepa que no logra madurar







Entrevista a Gabriela Sandoval, productora general de SANFIC






"Cartas desde Iwo Jima", Heroísmo sin diferencias






"El Laberinto del Fauno",
El manto de los sueños





Espero sea de su agrado.

Saludos a todos.

Oscar 2007, pronósticos...

... Entre ser pitoniso, realista y soñador...




Mi orden de preferencia:

1.- "Cartas desde Iwo Jima", de Clint Eastwood

Heroísmo sin diferencias

2.- "Los Infiltrados", de Martin Scorsese

Ratas aquí y allá

3.- "Babel", de Alejandro González Iñárritu

El drama del mundo


4.- "La Reina", de Stephen Frears

Larga vida a Mirren

5.- "Pequeña Miss Sunshine",
de Jonathan Dayton y Valerie Faris


Cambiando sobre ruedas


La frase es sabida por todos y compartida por la gran mayoría: 'ganar un Oscar no es sinónimo de calidad'. Perfecto, pero lo cierto es que, querámoslo o no, la entrega de los premios de la Academia sigue siendo la fiesta más importante del establishment artístico de los Estados Unidos, y la dorada estatuilla el galardón más mediático del mundo del cine en todo el orbe.

Así que, evitando caer en el esnobismo intelectual que muchas veces caracteriza a sus detractores, como tampoco en el babeo de quienes creen que el Oscar es lo máximo del mundo, lo cierto es que nunca está de más hacer un ejercicio de especulación frente a este premio, repito, el más mediático de todos.




MEJOR PELÍCULA

gana: "Los Infiltrados"
mi favorita: "Cartas de Iwo Jima"

MEJOR DIRECTOR

gana: Martin Scorsese
mi favorito: Clint Eastwood

MEJOR GUIÓN ORIGINAL

gana: "Cartas de Iwo Jima"
mi favorita: "El Laberinto del Fauno"

MEJOR GUIÓN ADAPTADO

gana: "Los Infiltrados"
mi favorita: "Los Infiltrados"


Hasta hace un mes atrás mi clara favorita era "The Departed" de Martin Scorsese, pero tras ver por primera vez "Letters from Iwo Jima" de Clint Eastwood, la duodécima mejor película del 2006, según este modesto blog de cine, le cedió su lugar a la visión japonesa de la batalla por el monte Suribachi en 1945. Con dos Oscar a su haber, Eastwood no debería sentirse menoscabado si su eterno rival, Scorsese, obtiene por primera vez la ansiada estatuilla, aunque no estaría mal hacer un enrroque con el premio al mejor director, tal como el año pasado, es decir, "Cartas de Iwo Jima" gana como 'Mejor Película', pero es Martin Scorsese el que obtiene el dorado galardón como 'Mejor Director'. Quizás sería lo más justo, ya que una nueva derrota de Scorsese también terminaría con su famosa 'mala suerte' o 'maldición', pero ahora para comenzar a hablarse lisa y llanamente de animosidad de la Academia en su contra.

¿Los otros nominados?

Creo que "Babel" del mexicano Alejandro González Iñárritu es la mejor película coral hasta la fecha, superior incluso a "Syriana", y claramente muy por sobre "Crash", la cuestionada e inmerecida ganadora del año pasado, convirtiendo justamente ese 'pequeño' detalle en el peor favor que la cinta de Paul Haggis le terminó haciendo a la de González Iñarritu. "La Reina" de Stephen Frears por otra parte, tiene un acento demasiado británico para Hollywood, lo que también perjudica al film de Eastwood con su performance tan nipona, por lo cual no veo que obtenga otro premio más que el esperado galardón a su protagonista, Helen Mirren. Finalmente "Pequeña Miss Sunshine" no es más que una película simpática que jugó a ser alternativa dentro del circuito norteamericano, lo cual se nota en varios de sus forzados diálogos y pasajes, por lo tanto, sin ser en absoluto detractor del cine independiente de los Estados Unidos ("Sideways" fue injustamente derrotada por el propio Clint Eastwood hace solo dos años) creo que con su sola nominación ya tiene suficiente.

Aunque el británico Paul Greengrass ha sonado con insistencia entre los admiradores de "Vuelo 93", una de las mejores películas del 2006, lo cierto es que no contando con la nominación a mejor película, apostar por él resulta a estas alturas un simple y penoso saludo a la bandera, por más méritos que éste pueda tener para adjudicarse la estatuilla. Y por último, creo que la hispano-mexicana "El Laberinto del Fauno" de Guillermo del Toro, ayudada también por las ganancias en la taquilla, es la segura vencedora como 'Mejor Película de Habla No Inglesa', aunque también le daría el premio a 'Mejor Guión Original', pero si la Academia se reivindica este año con Martin Scorsese, este premio se lo estarían dando a los guionistas de "Cartas de Iwo Jima", para compensar en algo una posible doble derrota de Clint Eastwood en los premios a mejor película y dirección.




Aclarando de antemano que aún no he visto todas las producciones donde están presentes los nominados, mis apuestas en actuaciones son las siguientes:


MEJOR ACTOR PROTAGÓNICO

gana: Forest Whitaker
mi favorito: Forest Whitaker

El macizo actor de color tiene el gran mérito de salvar a una película bastante deficiente como propuesta, ya que solo por su excelente interpretación del exéntrico y sanguinario Idi Amin vale la pena asistir a ver "El Último Rey de Escocia". Leonardo Di Caprio, pese a sus notables roles en "Diamente de Sangre", por el cual está nominado, y "Los Infiltrados", aún deberá esperar, pero le queda la tranquilidad que talento le sobra, y sobre todo, juventud para aguardar por un mejor momento. Por otro lado, tengo la sensación que nos hemos perdido dos grandes actuaciones masculinas antes de esta 79 ceremonia, me refiero al caso de Ryan Gosling y el veterano Peter O´Toole, este último el otro favorito de los entendidos y único capaz de agüarle la fiesta a Forest Whitaker. Algo me dice que el favoritismo por Whitaker no estaría tan claro como ahora, al menos para los chilenos, si hubiésemos visto sus trabajos antes de este domingo 25 de febrero. Finalmente, sobre Will Smith no puedo hablar mucho por ahora, ya que aún no he visto "En Busca de la Felicidad", pero en honor a la verdad, sigo sosteniendo que su presencia en esta quina, tal como lo fue cuando estuvo nominado por "Alí", responde más que nada a marketing, ya que pese a tener avances como actor sigo encontrándolo uno más del montón.


MEJOR ACTRIZ PROTAGÓNICA

gana: Helen Mirren
mi favorita: Helen Mirren

Soy un tenaz adversario de aquellos que solo apuestan por figuras mediáticas para este galardón, más aún, cuando en estos dos últimos años las ganadoras en esta categoría han triunfado más que nada por ser precisamente eso, figuras jóvenes y con bastante marketing. El 2005 la supuesta lucha estuvo entre Kate Winslet y la ganadora, Hilary Swank, pero por lejos quien merecía ese premio era una señora británica llamada Imelda Staunton, protagonista de "Vera Drake", y por otra parte, de más está decir que el 2006 la popular Reese Witherspoon no estaba ni siquiera a la altura de una Felicity Huffman o una Judi Dench. Pues bien, pese a que este año nuevamente algunos ya hablan de la injusticia que significaría la derrota de Penélope Cruz o de Kate Winslet, ambas excelentes actrices dicho sea de paso, lo cierto es que más que nunca una actriz de trayectoria e indiscutible talento está ad-portas de reivindicar la principal categoría femenina del Oscar, Helen Mirren. Si bien en un primer momento pensé que el nacionalismo yanki la haría perder frente a Meryl Streep, quien felizmente salió de esos estereotipados roles de Magdalena, lo cierto es que sería demasiada sorpresa que Mirren viera a alguna de sus competidoras subir al escenario a recibir el galardón que merecidamente ya tiene ganado, por darle vida magistralmente a la reina Isabel II.


En las demás categorías no quiero pronosticar, ya que he visto muy poco de las quinas con que están formadas, pero sí les adelanto que capaz que aplauda de pie el Oscar honorífico al italiano Ennio Morricone, uno de los máximos ídolos de la música en el cine.






Solo queda esperar hasta esta noche.

El Último Rey de Escocia - 'Solo Por Whitaker'

... lo más impresionante del desempeño de Forest Whitaker en el rol de Idi Amin, es cómo su sola presencia logra inclinar un poco la balanza para no hundir un film extremadamente simplón en su argumento, y del cual muchos esperábamos bastante más...



El Último Rey de Escocia

SOLO POR WHITAKER




Si me preguntaran por la primera gran decepción que me he llevado durante este inicio del año 2007, cinematográficamente hablando, esa sin duda que ha sido la nueva entrega del escocés Kevin MacDonald, quien como documentalista se ha anotado grandes títulos en su corta pero exitosa carrera, tanto así que la recreación que hizo sobre el drama del Siula Grande en 1985, y que hasta el día de hoy es motivo de debate en el mundo del montañismo, convirtió a su documental “Tocando el Vacío” en uno de los mejores estrenos del año pasado, título que se unió al oscarizado "Un Día de Septiembre". Pero tal parece que nada es eterno.

Hoy, salvo por la notable actuación de su protagonista, lo nuevo de MacDonald, El Último Rey de Escocia, está destinado a quedar solo como un trabajo más en los registros de su filmografía, mientras que en la del actor afroamericano Forest Whitaker quedará por siempre como su primer récord personal en materia de reconocimientos, tanto así que muy pocos apuestan en su contra a la hora de señalar al próximo ganador del Oscar 2007 en la categoría de mejor actor protagónico, estatuilla que obtendría la noche de este domingo 25 de Febrero.



Así es, porque para analizar esta aproximación a la figura de uno de los dictadores más sanguinarios del siglo XX, el ugandés Idi Amin, conocido también como Idi Amin Dadá, lo que más resulta llamativo es que exista una dicotomía tan grande entre el trabajo de dirección y de la otra actuación protagónica en este largometraje, dando como resultado que el único elemento destacable, y que finalmente logra salvar de una crítica lapidaria al film en su conjunto, es la interpretación del actor que le dio vida a Idi Amin, el engendro que terminó siendo el mismo hombre que los británicos instalaron en el gobierno de Uganda, para hacer frente a Milton Obote, el rival ugandés de Amin, pero que sin embargo perdió el apoyo de las grandes potencias.

Probablemente el sentimiento antibritánico de un director escocés, como lo es MacDonald, haya querido poner nuevamente en el tapete el cuestionado papel de países como Inglaterra o Estados Unidos en naciones tercermundistas en plena guerra fría, pero la mirada tan pobre y cercana a ese cine de suspenso predecible y pretencioso hizo que la historia de Nicholas Garrigan (James McAvoy), un joven médico escocés que buscando más aventuras que desarrollo profesional termina Uganda, sucumbiera por largos minutos en una historia que pretendió mantener lazos con el género documental, especialmente a través de la descripción que realiza de la pobreza y el atraso en las zonas rurales de África, pero que muy poco deja de la realidad que los ugandeses debieron enfrentar bajo el yugo de Amin y sus colaboradores.



Garrigan se deslumbra luego de llegar a Uganda, tras rechazar comenzar su odisea por Canadá, y termina siendo el colaborador favorito de Amin (Whitaker), quien siempre ha mostrado predilección por los escoceses y su cultura, y aunque este médico ingenuo y vividor considera tosco y grotesco a su nuevo protector, no duda mayormente en enrolar la lista de su oscuro grupo de gobierno, sin imaginar que él mismo podría convertirse en un monstruo cuando comience a ver más allá de lo evidente, algo que tampoco consideró a la hora mantener amoríos con una de las esposas del dictador. En definitiva, toda una coctelera de elementos que fascinarán a los amantes de la acción y el suspenso, pero que dejará boquiabiertos a quienes esperen ver recreada a la Uganda diezmada de los setenta. Hasta los sucesos ocurridos en el aeropuerto de Entebbe en 1976, con los pasajeros israelíes secuestrados por milicianos palestinos, fueron una simple comparsa dentro del thriller que los guionistas se esmeraron en diseñar.

Forest Whitaker está mejor que nunca en su rol de Amin, las críticas y los premios que antecedieron su llegada a nuestra cartelera, entre ellos el Globo de Oro, no eran en absoluto desproporcionados, confirmando lo que todos ya sabíamos desde hacía más de una década, que el talento de este norteamericano solo fue eclipsado por ese vergonzoso desprecio de la industria estadounidense por los actores que se escapan demasiado del molde de chicos lindos de Hollywood. Pero lo más impresionante del desempeño de Whitaker, es cómo su sola presencia logra inclinar un poco la balanza para no hundir un film extremadamente simplón en su argumento, y del cual muchos esperábamos bastante más. El pelirrojo James McAvoy sin embargo queda en deuda, no solo su actuación fue opacada cien por ciento por Whitaker, sino que además deberá pedirle explicaciones a su compatriota MacDonald por hacerlo transitar en medio de un guión bastante deficiente. Las norteamericanas Kerry Washington y Gillian Anderson, totalmente reemplazables.

Es un tanto decepcionante, pero la que se suponía iba a ser la contraparte británica de “Diamante de Sangre”, en relación a retratar los dramas que se viven en el continente negro, la verdad es que no pudo con las expectativas, salvo en la superioridad de Whitaker frente a Di Caprio. Idi Amin quizás no predijo su muerte de manera certera, como fanfarroneaba, pero al menos gracias a la notable actuación del grueso actor con párpado caído, su nombre desde ahora quedará vivo por siempre.


Buena






Ficha Técnica:


Nombre: El Último Rey de Escocia (The Last King of Scotland)
Género: Drama, Thriller
Dirección: Kevin MacDonald
Guión: Peter Morgan y Jeremy Brock. Basado en la novela de Giles Foden
Reparto: Forest Whitaker, James McAvoy, Kerry Washington, Simon McBurney, Gillian Anderson
Producción: Andrea Calderwood, Lisa Bryer y Charles Steel
Fotografía: Anthony Dod Mantle
Música: Alex Heffes
Montaje: Michael Hudecek y Nadine Muse
País: Reino Unido
Idioma: Inglés
Duración: 121 minutos
Año: 2006
Link: http://www.foxsearchlight.com/lastkingofscotland/



Trailer

Ciclo de Cine UC, La Belleza de Oriente

... Mucho más que alfombras y Belly Dance...


IBRAHIM TATLISES
(Turquía, Kurdistán)


"Bul Getir", Ibo Show TV



Oriente: el bello cine desconocido
8 al 22 de marzo en el Cine UC




Con la fuerza interpretativa del turco Ibrahim Tatlises, uno de los artistas que más admiro dentro del circuito musical de Medio Oriente y Asia Central, quisiera invitarlos al próximo ciclo de cine oriental que se llevará a cabo a partir del 8 de Marzo en el Cine UC.

Una muestra imperdible para quienes quieran conocer más de la filmografía de países tan distantes y de los cuales muy poco sabemos en realidad. Si bien el ciclo contempla grandes películas que ya han pasado por las salas chilenas, como la afgana "Osama" de Siddiq Barmak y las iraníes "El Círculo" de Jafar Panahi y "Kandahar" de Mohsen Makhmalbaf, lo cierto es que la mayoría de ellas en su oportunidad no gozaron de la aceptación mayoritaria del público, pero ahora, gracias a títulos como "Las Tortugas También Vuelan" del director kurdo Bahman Ghobadi, ganadora según el público del 31 Festival de Cine UC, las cosas comienzan a cambiar.


"Kandahar", de Mohsen Makhmalbaf
(Irán, Francia)

escena



Las Mujeres

Además de los estragos que provoca la guerra y la intolerancia, indudablemente que la temática del maltrato a las mujeres y su constante relegación como ciudadanas de segunda clase, será la tónica en casi la totalidad de estos largometrajes, lo que una vez más pondrá de manifiesto la importancia del cine como reflejo de las sociedades, y muchas veces, como vehículo de denuncia hacia el mundo.


"Osama", de Siddiq Barmak
(Afganistán, Irlanda, Japón)

Trailer



Aunque el pasado viernes 23 de Febrero se cumplieron siete años del deceso de la israelí Ofra Haza, hasta el momento ninguna otra canción ha retratado tan bien el martirio de muchas mujeres en Oriente como lo hizo su éxito "Daw Da Hiya", una de sus mejores performances en árabe.


OFRA HAZA
(Israel, Yemen)


"Daw Da Hiya" (narración de Iggy Pop)






A prepararse se ha dicho.

Entre Copas - 'La Cepa Que No Logra Madurar'

... Simplemente magnífica. Paul Giamatti como el reticente depresivo, Thomas Haden Church como el simpático mujeriego y la notable Virginia Madsen como la dulce Maya son definitivamente ganchos imperdibles para esta soberbia historia de reencuentro consigo mismo y con no negarse a la verdad de los hechos...


Entre Copas


LA CEPA QUE NO LOGRA
MADURAR





Comentario publicado en Internet el mismo día 27 de Febrero del 2005, cuando se realizó la 77 Edición de los Premios de la Academia, donde "Million Dollar Baby" de Clint Eastwood ganó como 'Mejor Película' y 'Mejor Director', entre otros premios.

"Entre Copas" solo obtuvo el Oscar a 'Mejor Guión Adaptado', pero según la gran mayoría, y me incluyo, esta fue la cinta que debió ganar.



Cuando uno comienza a hablar de cine independiente lo primero que se viene a la mente es “cine menor”, pudiendo tratarse igualmente de grandes obras cinematográficas en cuanto a guión y actuaciones. De hecho, una de las cintas que compite en la quina a mejor película en los premios Oscar de este año es precisamente una película independiente, dirigida por el estadounidense Alexander Payne, Sideways, que llegó al mercado hispano bajo el título de Entre Copas. Y aunque muy pocos apostarían por este film para que obtenga el codiciado premio de la Academia norteamericana, sin lugar a dudas que estamos frente a una maravillosa cinta que, aunque pudiese pasar como otra comedia más, tiene el mérito de narrar bajo una mirada sutilmente metafórica el conflicto que identificará a cualquier hombre mayor de los treinta años que no haya logrado estabilizar su vida afectiva tras fallidos intentos. Así es, se trata de una clara alegoría a las carencias afectivas de aquellos hombres que ya deberían tenerlo todo en la vida, una vida que fácilmente puede compararse al nacimiento, crecimiento y cosecha de los mejores vinos, los cuales una vez que son servidos en la copa pasan a ser otro más de los protagonistas de este film , porque es bajo su cata que los diálogos van a dando paso a las revelaciones más íntimas de los personajes centrales.

Quizás sea un error identificar al mensaje de esta cinta como dirigido exclusivamente al público masculino, ya que el tema de las carencias puede ser perfectamente recibido por cualquier persona que asista a verla en las salas que actualmente la exhiben, incluyendo por cierto a mujeres y a personas de distintos rangos etáreos, ya que lo más probable es que tras los primeros minutos el público en general comience a empatizar con los protagonistas, Miles Raymond (Paul Giamatti) y Jack Lopate (Thomas Haden Church), una pareja de amigos a simple vista muy dispar, donde el primero de ellos es un rollizo escritor que jamás ha logrado publicar alguna de sus novelas, pero que sin embargo es un experto catador de vinos, un hobbie que lo ha venido perfeccionado durante años.



Miles decide invitar a un viaje por California a su amigo Jack, un actor de spots televisivos que nunca logró despegar y salir de ese trabajo menor para los actores, y que se encuentra ad portas de casarse con una millonaria armenia que le garantiza no solo estabilidad emocional (aparentemente), sino que además económica. Miles pretende que este viaje a los viñedos del valle de Santa Inés les sirva a ambos como fuente de inspiración para sus nuevos proyectos, al divertido Jack como su última “cana al aire” y a Miles como el preámbulo antes de recibir la confirmación que su nueva novela sería editada finalmente. Pero lo que ninguno de los dos podría haber imaginado nunca es que pese a sus diferencias de caracteres (Miles es un depresivo por su fracasado matrimonio, mientras que Jack es un hipersexual vividor) este viaje los uniría como nunca en una misma línea común, ya que mientras Miles trata desesperadamente por equilibrar su vida y sus emociones tratando de mantenerse al margen de cualquier relación amorosa que se asome por ahí, a Jack simplemente le importa un bledo su inminente matrimonio y lo único que quiere es un par de faldas para saciar sus instintos.

Esta aparente dicotomía, unida además al hecho que Jack se conforma con una simple copa de Merlot barato, mientras que Miles se deleita con un refinado Pinot, hará que la historia tenga un cambio desde la segunda mitad en adelante, cuando ya en Santa Inés entren a escena dos sensuales meseras, las que son tan expertas como Miles en la cata del vino. Una de ellas es Stephanie (Sandra Oh), quien gracias a su exótica belleza oriental logrará hacer perder la cabeza a Jack, quien no trepidará en ocultarle su futuro nupcial a cambio de sexo y amor al por mayor. Al parecer para el rubio galán el viaje sí lo hizo encontrar lo que buscaba. Mientras que para el gordito Miles el reencuentro con Maya (Virginia Madsen), una rubia de enigmática mirada y cálido trato significará volver a conectarse con sus emociones más íntimas, las que no siempre afloran de manera civilizada cuando el destino y los recuerdos le pasan una mala jugada.



Es aquí donde los personajes de Miles y Jack terminan brillantemente sus aparentes diferencias, ya que ambos deben reconocer que son carentes de lo mismo: de compañía y afecto del sexo opuesto. Jack lo tenía claro desde antes del viaje, y por cierto, mucho antes de ponerse de novio con una mujer que solo le garantizaba no pasar por necesidades, pero Miles solo lo descubrirá ahora, luego de intentar por varios pasajes que Jack no terminara tan involucrado con Stephanie y que ninguna de las dos amigas se enterara que solo se trataba de un viaje de juerga. Cuando la verdad aflora, y tanto Maya como Stephanie ponen fin a sus relaciones con el par de amigos (una de ellas de manera muy violenta) Miles y Jack son más amigos que nunca, porque ambos terminan por reconocer que a su edad, y tras la vida que han llevado, son solo un par de fracasados en busca de un madero al cual asirse. Realmente asombrosa la manera en que el guión va presentando estos cambios a medida que avanzan los minutos y la historia.

Para quienes se pregunten porqué se le da tanta importancia a los viñedos y a la cata del buen vino, pudiendo pensar que solo sirven de marco para una historia que pudo tener otros decorados, es el personaje de Maya quien logra dar la explicación dentro de la que, en mi opinión, es la mejor escena de esta impecable película, cuando de noche y frente a Miles, sentados frente a frente tras el juego de la seducción, comienzan a confesarse porqué son tan amantes de los vinos, y mientras Miles le da una explicación a todas luces pueril, Maya hace un paralelo entre la vida misma y el ciclo por el que debe pasar la elaboración del vino, desde que es solo una uva en los campos hasta pasar por las manos de quienes la elaboran. Para ella es sorprendente ponerse a pensar en todos aquellos que trabajaron durante años en el vino, el mismo que ahora tiene dentro de su copa. Sin duda una gran simbología entre la maduración de la cepa y la vida de las personas, la de nosotros mismos por cierto, quienes hemos llegado a ser lo que somos después de haber pasado por un largo proceso de maduración.



Simplemente magnífica. Paul Giamatti como el reticente depresivo, Thomas Haden Church como el simpático mujeriego y la notable Virginia Madsen como la dulce Maya son definitivamente ganchos imperdibles para esta soberbia historia de reencuentro consigo mismo y con no negarse a la verdad de los hechos. La actuación de la veterana actriz Marylouise Burke como la madre de Miles también es un punto alto durante la primera parte, aunque escasa en cuanto a minutos. Sin duda que Entre Copas es una de esas historias que no debería dejar pasar ningún soltero o separado que quisiera verse reflejado en la pantalla grande, pues más de alguna lección logrará sacar tras las dos horas de exhibición. La fotografía y la ambientación, con las bellísimas postales de los paisajes californianos como cuadro de fondo, completan el marco para una cita ideal con el cine de personajes que tanta falta nos hace de vez en cuando.

Si fuese por mí, sería entre esta cinta y la magnífica Million Dollar Baby de Clint Eastwood por quienes los miembros de la Academia deberían dividirse los votos para mejor película, porque la historia de este simpático par de amigos no solo consigue volver a reivindicar al cine independiente, más allá de haber ganado el premio Spirit como mejor película, sino que además, de la manera más amena e intensa logra conectarnos con nuestras propias emociones luego de descubrir que tras la verdad, por muy dolorosa que sea, la vida siempre termina por darnos una nueva oportunidad, y hay que saber aprovecharla. Para Miles y Maya al menos así se lo depara este estupendo guión.


Excelente




Nombre: Entre Copas (Sideways)
Género: Comedia Dramática
Formato: DVD
Dirección: Alexander Payne
Guión: Alexander Payne y Jim Taylor. Basado en la novela de Rex Pickett
Reparto: Paul Giamatti, Thomas Haden Church, Virginia Madsen, Sandra Oh, Marylouise Burke, Jessica Hecht, Missy Doty, Alysia Reiner.
Producción: Michael London
Fotografía: Phedon Papamichael
Música: Rolfe Kent
País: Estados Unidos
Idioma: Inglés
Duración: 123 minutos
Año: 2004
Link: http://www.foxsearchlight.com/sideways/


Trailer


"Entre Copas", 2do lugar entre las 12 Mejores Películas del 2005

lunes, febrero 12, 2007

Entrevista a Gabriela Sandoval, productora general del SANFIC

... "Es nuestro objetivo educar y comprobar que hay un público ávido por ver un cine de calidad y prestigio. SANFIC, como pantalla de lo más destacado del Cine Nacional e Internacional"...


Gabriela Sandoval


Amigos, me es muy grato dejarles una entrevista con una gran amiga del blog "Comentarios de Cine", Gabriela Sandoval, productora general del Santiago Festival Internacional de Cine (SANFIC), el certamen cinematográfico más importante del año en nuestra capital, y porqué no decirlo, también a nivel nacional.

Con solo dos versiones a partir del año 2005, el SANFIC ya se ha posicionado dentro del medio cinematográfico de Chile, y para contarnos cómo ha sido el intenso trabajo de estos primeros años, y lo que viene para esta versión 2007 en el mes de Agosto, los dejo entonces ahora con la entrevista a Gabriela:


1.- Gabriela, cómo evalúas estos dos años del SANFIC. Cuáles han sido los mayores logros y qué es lo que aún falta por mejorar.


El balance general es muy positivo ya que uno de nuestros objetivos principales era incrementar la asistencia de público a salas de cine para apreciar películas de calidad lo que se logró con creces ya que 35.000 personas asistieron a funciones de SANFIC 2006. Esto avala, la avidez que existe por acceder a un cine de calidad y prestigio, dejando clara la necesidad de potenciar un festival de estas características. Además, consolida al certamen como cita ineludible del cine nacional e internacional, fortaleciendo a Santiago como 'Capital Cultural de América Latina'.

Otro punto importante fue generar un intercambio de experiencias e ideas entre la industria local e internacional a través de las actividades especiales, ya que en SANFIC se reúne bajo una misma plataforma lo más novedoso e interesante del cine nacional con las ultimas producciones internacionales.

Nuestro propósito para esta tercera versión es crecer y mejorar para entregarle al público más diversidad, más invitados y películas nacionales e internacionales de circuito mundial, más espacios para la conversación, el análisis y el debate y más cine de directores de prestigio y jóvenes talentos para descubrir.


2.- La Fundación Corpartes, a cargo del Festival de Cine de Santiago, busca convertir nuestra capital en uno de los circuitos más importantes del cine internacional, y el principal de Sudamérica. ¿Cuánto trabajo crees que necesitarán para conseguir esta osada meta, o piensas que es solo una cuestión de tiempo, que con los años marcando presencia podrán lograrlo?

Esa meta esta muy ligada con la línea artística de SANFIC, la cual está siendo muy bien acogida no solo en el ámbito nacional, sino también a nivel internacional, lo que se refleja en que tengamos muy buena recepción con la crítica y personalidades relevantes de la industria internacional. Por ende, vamos por muy buen camino ya que se ha hecho un gran trabajo en estos dos primeros años, y por lo mismo con el correr de las versiones se consolidara aun mas, cumpliendo con creces nuestro objetivo.


3.- El año pasado, en comparación al 2005, la competencia abarcó a cintas de distintas latitudes, no solo latinoamericanas, ¿Influyó el incentivo económico en los premios, o derechamente respondió a la internacionalización del certamen?

Como te comentaba, esto va ligado a la línea editorial y a las etapas de crecimiento y posicionamiento que se plantea el Festival. En una primera versión se trabajó con films latinoamericanos, en una segunda se amplio a la internacional, y ambas experiencias nos llevan a que en esta tercera versión tengamos dos competencias una 'Internacional' y otra 'Latinoamericana'. La internacional es de Nuevos Directores, o sea, primeras y segundas obras, manteniendo el espíritu de los años anteriores. La competencia latinoamericana no tiene restricciones sobre números de obras.


4.- El 2005 ganó la cinta argentina “Los Muertos”, de Lisandro Alonso, y el 2006 el documental mexicano “En el Hoyo”, de Juan Carlos Rulfo. ¿Será el 2007 el año de una producción anglo, europea o asiática?


No sabemos, ya que depende de la decisión del jurado. Pero obviamente todos los films que participan en la competencia tienen las condiciones para ser las ganadoras del Certamen. En el 2006 ganó el documental mexicano “En el Hoyo” como mejor film, pero también ganó Pascale Breton como mejor directora por su trabajo “Ilumination” (film europeo). Tendremos que esperar hasta el 20 de Agosto para saber cuál producción gana nuestro certamen.

5.- ¿Crees que las buenas críticas que ha obtenido la organización del SANFIC, especialmente la versión 2006, lo han convertido en el Festival de Cine más sólido e importante de nuestro país?

Lo que creo es que manteniendo nuestro trabajo, y en especial, la línea artística del SANFIC, tendremos un certamen con grandes proyecciones tanto a nivel nacional como internacional. Debo comentarte, que la solidez de nuestro certamen se debe al gran equipo de profesionales que trabaja cada año para que este festival sea la gran fiesta cinematográfica.

6.- ¿Cómo surgió la idea de “Talento Nacional”, la competencia de cortometrajes en la versión 2006?, ¿Seguirá tal cual para este 2007, o ya piensan en una competencia de largometrajes para jóvenes directores?

La competencia de jóvenes realizadores siempre estuvo presente a través de la competencia latinoamericana (2006) y posteriormente ahora con la internacional (2007). En este contexto, el talento nacional no está pensado desde una simple competencia de cortos, sino que apuntamos a que sea un espacio diferente en donde se genere una plataforma de intercambio entre los seleccionados a través de su obra (corto) y expertos del mundo del cine y la cultura, para que los estimulen a pensar el desarrollo de sus ideas y proyectos cinematográficos desde la realidad del contexto nacional. Por lo mismo, seguiremos trabajando sobre esta línea, para lo cual estamos diagramando la actividad-espacio "Talento Nacional 2007".

7.- El SANFIC ha estrenado aclamadas películas internacionales que posteriormente llegan a la cartelera y terminan siendo lo mejor del año, como “Paraíso Ahora”, “Kung Fu-sion”, “2046”, “Las Tortugas También Vuelan”, “El Hijo”, “Caché”, “Gracias por Fumar”, “El Custodio” y muchas más. ¿Sientes que en estos dos años ustedes están marcando pauta respecto al cine de calidad que llega a Chile?

Es nuestro objetivo educar y comprobar que hay un público ávido por ver un Cine de Calidad y prestigio. SANFIC, como pantalla de lo más destacado del Cine nacional e internacional. En este sentido las películas se potencian en el festival y auguran una interesante taquilla para su posterior estreno, lo que incentiva a los distribuidores locales a comprar estos films, sumado a que muchos de ellos tienen un gran interés por comprar y distribuir este cine de calidad.


8.- ¿Cómo ves al cine chileno de hoy en día?, ¿Piensas que en un futuro no muy lejano llegaremos al mismo nivel del cine argentino o mexicano en el concierto latinoamericano?

Lo veo mejor que nunca, ya que las producciones realizadas en estos últimos años han posicionado a Chile en el concierto cinematográfico mundial. La nueva camada de directores como Matías Bize, Sebastián campos, Alicia Scherson, José Luis Torres Leiva y muchos más, auguran un gran presente y futuro, lo cual se suma y se potencia con la experiencia de los directores nacionales de prestigio que forjaron la base para el despegue de la cinematografía chilena.

En este sentido, considero que la diferencia con el cine argentino no es un tema de calidad o nivel, sino que se debe a que es un país más grande, con mayor población, mayores fondos, y por ende, hay mayor producción cinematográfica. Pero proporcionalmente, en estos momentos es más que interesante el número de producciones chilenas.

9.- ¿Qué crees que falta para que el chileno promedio consuma y valore cada vez más el cine de selección?, ¿Seguimos siendo consumidores de cine chatarra solo por inercia, o es simplemente culpa de los distribuidores?

Obviamente es un tema de costumbre, para lo cual plataformas como festivales, muestras, ciclos y otros son importantes, para darle la posibilidad al espectador en ver un cine de calidad.


10.- ¿Qué te pareció la lista con las 12 Mejores Películas del 2006 en el blog “Comentarios de Cine”? La iraquí “Turtles Can Fly”, de Bahman Ghobadi, y la belga “Le Fils”, de los hermanos Dardenne, fueron estrenos exclusivos del SANFIC 2005 y 2006, respectivamente.


La elección me parece bárbara y muy asertiva. Y que en ellas figuren dos films que estuvieron en el festival nos alienta a seguir trabajando sobre la misma línea. Y además nos confirma, como te comentaba, que hay un publico ávido por ver películas de calidad, tanto de directores de prestigio como de jóvenes talentos.

Finalmente te invito a que nos cuentes si hay alguna primicia para la tercera versión del SANFIC, y a que dejes invitados desde ya a los lectores para que vayan preparándose para cuando comience esta nueva versión en agosto del 2007.

Los dejo a todos invitados para la tercera versión de SANFIC que se realizará del 14 al 20 de Agosto, el cual contará con 2 secciones competitivas. Tal como te comentaba, una 'Internacional' de 1eras y 2das películas, y otra 'Latinoamérica', además de diversos focos (secciones) y actividades especiales como charlas, foros, debates, seminarios, todos dictados por diversas personalidades de la industria local e internacional.






Muchas gracias a ti Gabriela por esta entrevista.


junto a Pascale Breton (Francia)
Mejor Dirección SANFIC 2006



A prepararse entonces para dentro de seis meses en Santiago...

Cartas desde Iwo Jima - 'Heroísmo sin Diferencias'

... “Cartas de Iwo Jima” no solo desplaza a un segundo lugar a su contraparte “La Conquista del Honor”, sino que además, marca un antes y un después en la filmografía bélica de una industria que pecó demasiado de autorreferente y nacionalista...


Cartas desde Iwo Jima

HEROISMO SIN DIFERENCIAS






Cuando todos suponíamos que Cartas de Iwo Jima, la versión nipona de Clint Eastwood sobre la mítica isla japonesa en la Segunda Guerra, iría fija en la quina a mejor película de habla no inglesa en los premios de la Academia, sorpresivamente nos encontramos con que su exclusión en esta categoría se debió a que fue nominada derechamente a mejor película del año. Si bien en un primer momento esto desconcertó a algunos entendidos, puesto que pese a ser una producción norteamericana está hablada casi íntegramente en japonés, y con un elenco nipón de primer nivel, lo cierto es que después de verla queda completamente claro el motivo de esta situación. La nueva joyita del director de “Los Imperdonables”, y héroe de generaciones después de personificar a “Harry, el Sucio”, es claramente la mejor de las cinco producciones que van por el Oscar este año, aunque no es difícil prever que difícilmente se llevará alguno de los premios mayores.

Aunque “La Conquista del Honor” fue el primer trabajo sobre esta decisiva batalla que el director de “Million Dollar Baby” nos entregó hace poco menos de un mes, con la visión crítica de una sociedad ‘americana’ que no supo valorar, o simplemente no quiso hacerlo, a tres de sus supuestos héroes de guerra que clavaron la bandera tricolor en el monte Suribachi de Iwo Jima, la verdad es que los primeros minutos de aquel film, más los recuerdos que cada cierto tiempo volvían a la mente de los protagonistas, fueron los primeros nexos que comenzamos a conocer de esta historia protagonizada por Ken Watanabe, porque si bien ambas producciones están inspiradas en célebres best sellers, “Flags of Our Fathers” de James Bradley y Ron Powers, y "Picture Letters from Commander in Chief" de Tadamichi Kuribayashi, Clint Eastwood las unió a través de instantes precisos, como el suicidio de algunos japoneses con granadas dentro de las cuevas, al punto de hacer de la batalla un todo único, que no obliga a ver ambas producciones para entenderlas, pero sí para complementarlas.



Pero a diferencia de “La Conquista del Honor”, donde el dolor, si así podríamos llamarlo, se deja caer mediante la indecisión y la frustración de tres soldados que apenas pudieron continuar con sus vidas después de la guerra y el reconocimiento público, la trama de “Cartas de Iwo Jima” se centra exclusivamente en la planificación y el desarrollo que las tropas japonesas pusieron en práctica para defender hasta la muerte aquella isla de arenas negras, primer eslabón que las tropas enemigas, en este caso las estadounidenses, debían conquistar para acceder posteriormente a Tokio.

La historia comienza cuando décadas después de haber finalizado la guerra, se desentierran cartas que fueron escritas por uno de los soldados nipones que participaron en aquel combate. No se tiene claro si se trata de un sobreviviente o de otro los mártires del alicaído ejército del, otrora, poderoso imperio japonés, pero a medida que avanzan los minutos la cartas de Saigo (Kazunari Ninomiya) van relatando las órdenes que debió seguir junto a algunos de sus compañeros en el frente, aunque la estrategia del general Tadamichi Kuribayashi (Ken Watanabe) desconcertaron a muchos de ellos, porque a pesar de saberse siempre disminuidos en número frente a los invasores norteamericanos, Kuribayashi fue ante todo pragmático, privilegiando la defensa de la isla mediante la espera del enemigo, nunca yendo de frente.



Además de Saigo, quien debió dejar obligadamente a su esposa e hija para ir a luchar en una batalla perdida de antemano, están entretejidas las historias de Shimizu (Ryo Kase), un ex policía que fue degradado por no cumplir una orden oprobiosa, el barón Nishi (Tsuyoshi Ihara), un oficial cuyo honor incluso lo hace apiadarse de un joven soldado estadounidense que fue herido de gravedad, y el teniente Ito (Shidou Nakamura), quien lleva a su bravura hasta el límite, y que prefiere morir antes de rendirse y exige la misma conducta a los demás. Inmersos en este oscuro panorama, siempre con ese estilo melancólico y profundo que Eastwood le imprime a cada uno de sus films, la historia va detallando el duro proceso de estos hombres que bajo sus propios códigos, además de sus experiencias de vida, intentan darle sentido a cada momento que aún pueden vivir, antes de encontrarse con la muerte.

Repito, la película no pudo estar más acorde al sino trágico del cine Clint Eatswood, quien sin recurrir al bombardeo rápido de imágenes y recuerdos va presentando a cada uno de sus personajes en el contexto más profundo de la historia que está contando, tomándose todo el tiempo necesario para ir describiéndo a sus personajes frente al público. Es así como sorprende que luego de décadas de haber demonizado a los soldados japoneses como adversarios de los norteamericanos, por primera vez Hollywood va más allá de retratar la visión de estos como la de los perdedores, sino que además, recurre a los mismos esquemas con los que han inmortalizado a muchos de sus propios héroes. Así se explica que personajes como los de Ihara y Kuribayashi fuesen mostrados como grandes exponentes de los códigos militares, sin que por ello perdieran el patriotismo que les hizo pagar con sus vidas la defensa de una isla como Iwo Jima.

Eastwood ha dicho que la guerra le sigue pareciendo un sinsentido, pero con su impecable dirección, una edición y fotografía de lujo, escenas tan reales como perturbadoras, y la impecable actuación del japonés Ken Watanabe, “Cartas de Iwo Jima” no solo desplaza a un segundo lugar a su contraparte “La Conquista del Honor”, sino que además, marca un antes y un después en la filmografía bélica de una industria que pecó demasiado de autorreferente y nacionalista. Llega entonces a nuestras salas lo mejor de esta variada cartelera veraniega del 2007.


Excelente






Ficha Técnica:


Nombre: Cartas desde Iwo Jima (Letters from Iwo Jima)
Género: Drama Bélico
Dirección: Clint Eastwod
Guión: Iris Yamashita y Paul Haggis. Basado en el libro "Picture Letters from Commander in Chief" de Tadamichi Kuribayashi
Reparto: Ken Watanabe, Kazunari Ninomiya, Tsuyoshi Ihara, Ryo Kase, Shidou Nakamura, Nae, Hiroshi Watanabe, Takumi Bando, Yuki Matsuzaki
Producción: Clint Eastwood, Steven Spielberg y Robert Lorenz
Música: Kyle Eastwood y Michael Stevens
Fotografía: Tom Stern
Vestuario: Deborah Hopper
Montaje: Joel Cox y Gary D. Roach
País: Estados Unidos
Idioma: Japonés, Inglés
Duración: 140 minutos
Año: 2006
Link: http://iwojimathemovie.warnerbros.com/lettersofiwojima/


Trailer

domingo, febrero 11, 2007

El Laberinto del Fauno - 'El Manto de los Sueños'

... Resulta fácil entender porqué entre la pequeña Ofelia y Vidal crecerá una enorme antipatía que desafortunadamente tendrá consecuencias. Será ese antagonismo el que reforzará la idea central del film, que por más dura y traumática que sea la vida, nunca se debe perder la capacidad de soñar...



El Laberinto del Fauno


EL MANTO DE LOS SUEÑOS





Si tuviéramos que elegir una temática dura, para mezclarla con la dulzura de la fantasía de un niño, lo más probable es que surjan al menos tres o cuatro categorías, pero de todas ellas por lo visto la que despierta el interés universal más evidente es la temática del fascismo, ya que en ella se puede encontrar lo más negro y bajo del alma humana, por lo cual estos elementos presentados sin anestesia en medio de un cuento de fantasía han provocado que El Laberinto del Fauno, el más reciente trabajo del mexicano Guillermo del Toro, se haya convertido en uno de los films de habla más hispana más exitosos de la historia.

Obviando sus múltiples nominaciones a los mediáticos premios Oscar 2007, la cinta del mexicano, realizada en España y con reconocidos actores de la península, tiene la gran virtud de hacer congeniar dos estilos diametralmente opuestos en el papel, pero que sin embargo el director de “Blade II” y “Hellboy” supo unir en una cinta que difícilmente será catalogada como absurda, o sentimentalista, para así convertirse en un referente dentro de la potente cinematografía española, la misma que ha demostrado ser mucho más que las narraciones humanas y a veces nihilistas de un Almodóvar o un Amenábar, o las provocativas propuestas de un Bigas Luna. Del Toro parece que quiere dejar su marca en el cine hispano, y vaya que lo está logrando.



“El Laberinto del Fauno” es un drama que tiene como una de sus misiones hacer más tragable la experiencia que España, así como muchas sociedades, han vivido bajo el yugo del militarismo más intimidante, y Chile, por razones más que conocidas, tendrá la posibilidad de evaluarla bajo su propia percepción una vez que la película termine estrenándose oficialmente en el mes de marzo, aunque desde hace ya algunos meses que su nombre y su trama vienen dando que hablar en nuestro país, siendo su primer acercamiento con el público chileno su pre estreno en algunos festivales de cine durante este verano.

Es así como mucho público, y por cierto varios cineastas, terminarán convenciéndose del porqué aún nos queda bastante camino por recorrer en materia de cine, ya que la historia que el mismo Del Toro ideó y llevó al guión, apunta a los mismos elementos que cinematografías como la chilena, argentina y latinoamericana en general han mostrado por años, recavando en la memoria histórica, con la diferencia que esta vez el mexicano la enriqueció con elementos fantásticos que atraerán a un mayor número de espectadores.



La historia no es apta en ningún caso para niños, aunque es la pequeña Ofelia (Ivana Baquero) quien lleva los hilos de esta sorprendente trama, ya que es una niña que se ve obligada a acompañar a su madre, Carmen (Adriana Gil), a un pueblo rural de la España de 1944, ya que luego de enviudar se ha vuelto a casar y se encuentra embarazada. Su padrastro es ahora el rígido y cruel Vidal (Sergi López), uno de los tantos capitanes del ejército franquista de aquellos años. Así entonces, para hacer más llevadera su existencia, la niña comienza a vivir en un mundo paralelo y fantasioso que la hace alejarse, hasta cierto punto, de la traumática situación que se vive fuera de casa, con Vidal llevando a cabo una despiadada persecución contra la resistencia republicana, quienes incluso han infiltrado al círculo más íntimo del fascista capitán.

Ofelia, cuyas únicas compañías del lado terrenal son su madre y la abnegada empleada Mercedes (Maribel Verdú), comienza a entablar amistad con extraños seres, algunos de ellos insectos con forma humanoide que vuelan a su alrededor, y por sobre todo, con un llamativo y enigmático Fauno (Doug Jones), quien la hará cumplir algunas pruebas dentro de este mundo imaginario luego de una sorprendente revelación, siempre apuntando a hacer lo correcto, aunque a simple vista no lo parezca. Resulta fácil entender entonces porqué entre la pequeña Ofelia y Vidal crecerá una enorme antipatía que desafortunadamente tendrá consecuencias. Será ese antagonismo el que reforzará la idea central del film, que por más dura y traumática que sea la vida nunca debe perderse la capacidad de soñar.




Con una fotografía cargada hacia los tonos sepias, especialmente con ese tinte azulado, además de excelentes aspectos técnicos como vestuario, maquillaje y efectos de animación, “El Laberinto del Fauno” no deja ningún detalle técnico al azar, y transforma al largometraje de Del Toro en uno de los mejores trabajos de producción del cine de habla hispana. En el plano de las actuaciones no hay mucho que decir, salvo la gran performance de Maribel Verdú en su doble rol dentro del círculo de Vidal, pero a diferencia de otras opiniones, no me convenció del todo Sergi López, que por momentos me pareció solo una caricatura de los militares al servicio de ideologías totalitarias, con muy pocos matices dentro de este personaje que, así como provocador y detestable, debió ser mucho más complejo de lo que finalmente resultó.

Aún así, el resultado final es notable, especialmente en dirección y guión, ambos a cargo de Del Toro, por lo que “El Laberinto del Fauno” está destinada a convertirse en un clásico, más allá de algunos lunares, porque lo cierto es que combinar fantasía y drama de la forma que lo hizo su director no pasará indiferente, porque es por lejos de lo mejor que el cine de la península nos ha brindado en estos años, y por cierto, nuevamente pone en alto al cine en idioma español.


Excelente





Ficha Técnica:

Nombre: El Laberinto del Fauno
Género: Drama, Fantasía
Dirección: Guillermo del Toro
Guión: Guillermo del Toro
Reparto: Sergi López, Maribel Verdú, Ivana Baquero, Álex Angulo, Ariadna Gil, Doug Jones, César Bea, Manuel Solo, Roger Casamajor
Producción: Guillermo del Toro, Alfonso Cuarón, Álvaro Augustín, Bertha Navarro y Frida Torresblanco
Música: Javier Navarrete
Fotografía: Guillermo Navarro
Vestuario: Lala Huete
Montaje: Bernat Vilaplana
País: España, México
Idioma: Español
Duración: 112 minutos
Año: 2006
Link: http://www.ellaberintodelfauno.com/



Trailer