Osama - 'El Grito que Emerge'

...Un film realmente estremecedor, pero a la vez hecho con una simpleza que ya no suele verse en la cinematografía moderna. Sin música de fondo, salvo en los créditos finales, el director afgano consigue crear una empatía tal con la interpretación de la joven Marina Golbahari, que uno difícilmente se sentirá reflejado con ella, pues la realidad de Afganistán es inimaginable para países como el nuestro...

Osama

EL GRITO QUE EMERGE

(otro artículo del recuerdo)

Hoy miércoles 29 de marzo, a las 23:00 h por I-SAT


Aunque me reconozco adicto a la cinematografía de denuncia, muy pocas veces he salido de una sala de cine con una sensación tan amarga como me ocurrió tras ver esta cinta afgana, realizada con el apoyo de la industria cinematográfica iraní. Se trata de esos sentimientos que afloran irremediablemente cuando a través del cine vemos la triste realidad de otros seres humanos, en otras naciones, y que dista mucho de la nuestra. Fácilmente nos ahogamos en un vaso de agua, siendo que para otros nuestras aflicciones podrían ser solo detalles frente a su propio drama. Osama, del director Siddiq Barmak, y que había seleccionada el año 2003 en los festivales de Cannes y Valladolid, llegó a Chile a mediados del 2004, en momentos en que salíamos de una encendida y payasesca elección municipal, nos horrorizábamos por la reelección de George W. Bush en Estados Unidos, y los palestinos decidían un plan de contingencia frente al inminente deceso de Yasser Arafat. Irak, por otra parte, continuaba sumido en un baño de sangre.

Sin embargo, ya pocos recordaban a esas alturas la guerra en Afganistán, y peor aún, los cincos años que la precedieron, cuando un repugnante grupo fundamentalista islámico, los talibanes, accedieron al poder en 1996, destruyendo desde ese momento cualquier convivencia respetuosa y justa entre los afganos, afectando principalmente al grupo más desprotegido y subvalorado en la mayoría de las naciones musulmanas: las mujeres. Con 84 minutos de duración, este sencillo pero a la vez excelente film asiático, nuevamente pone un cable a tierra al público chileno, el que ese mismo año, tras los éxitos de “Machuca” y “Fahrenheit 9/11” supongo que cuenta con la suficiente madurez para discernir cuando una propuesta de este estilo es meramente panfletera y efectista, y cuando es realmente un aporte. Aún así, "Osama" solo alcanzó a estar un par de semanas en cartelera cuando fue estrenada en Santiago, una injusticia que habló muy mal de gran parte de nuestro público.



Desde ya les aviso a quienes suponen que esta es una cinta alusiva a Osama Bin Laden, o incluso sobre su biografía, que están en un total error. Este poético film, basado en una historia similar que llegó a oídos de su director, narra la difícil situación que debe enfrentar una frágil y bella adolescente, interpretada por Marina Golbahari, quien junto a su madre (Zubaida Sahar) quedan en un completo desamparo con la llegada de los talibanes al poder, ya que las mujeres, además de ser obligadas a usar el ignominioso burka, no pueden salir a las calles sin la compañía de un varón de su familia. La madre y la niña, tras la muerte del esposo durante la guerra con los rusos, viven acompañadas solo por la abuela (Hamida Refah), con lo cual es imaginable la miseria en que se ven enfrentadas. La película comienza cuando un reportero occidental filma con estupor cómo una marcha de mujeres afganas es severamente reprimida por las milicias talibanas. Ellas protestaban por la hambruna y la falta de oportunidades en que se encuentran debido a las severas normas islámicas en su contra. Sin bien la madre y la hija no participan directamente en la marcha, pues solo acudieron al hospital donde la madre era doctora, ambas son testigos de la violenta respuesta que sufren sus congéneres, donde no pocas terminan detenidas y tratadas como animales.

Para la madre y la abuela la situación estaba clara. De no mediar una solución, perecerían de hambre. Es ahí donde deciden poner en práctica un plan sumamente riesgoso para la menor, y que consiste en hacerla pasar por hombre. De esta forma podrían hacerla trabajar y obtener así el dinero que les serviría para subsistir. La pobre chica, sabiendo los riesgos y lo denigrante de esta situación, no tiene más alternativa que dejarse cortar el cabello, vestirse como un chico varón de su edad, y trabajar en la tienda de un pobre comerciante, antiguo amigo y compañero de armas de su padre. Sin embargo, pronto la situación se torna peor, cuando los talibanes obligan a todos los niños a ingresar a su escuela de instrucción religiosa y guerrillera, la “madrasa”, donde no podrá seguir fingiendo por más tiempo su verdadera naturaleza, ya que hasta uno de los mulá (Khwaja Nader) nota algo muy extraño en este tímido “niño”. Su única compañía en medio de tanta aflicción es otro niño afgano, Espandi (Arif Herati), a quien conoció durante la represión en la marcha de las mujeres. Espandi es el único que conoce su verdadera identidad, pero se apiada de ella y trata por todos los medios de protegerla, llegando incluso a darle un nuevo nombre: Osama.



Sin embargo, producto de uno de los castigos los talibanes desenmascaran a la menor, haciendo realidad los peores presagios de la atemorizada muchacha. Encarcelada y temiendo por su vida, o en su defecto siendo perdonada a cambio de no volver a ver jamás a su madre y abuela, la menor queda sumida en la desesperanza más absoluta, y todo debido a un plan que ella jamás fraguó, pero del que aceptó formar parte para ayudar a su empobrecida familia, pues no otra alternativa. Junto a su amargo final, el espectador podrá apreciar cómo las cárceles afganas fueron ocupadas casi en su totalidad por mujeres, las que debajo del burka sabían desde el comienzo el horrible final que les depararían los así llamados “juicios públicos”, donde sin necesidad de testigos eran enterradas hasta los hombros para morir producto de la lapidación. Por otra parte, tampoco corre mejor suerte el reportero que filmó la marcha de las mujeres, ya que los talibanes por lo visto quisieron asegurarse que estas atrocidades jamás llegaran a ser conocidas en Occidente. O al menos eso creyeron, porque ahora la verdad terminó emergiendo como nunca tras la caída de ese repudiable régimen.

Un film realmente estremecedor, pero a la vez hecho con una simpleza que ya no suele verse en la cinematografía moderna. Sin música de fondo, salvo en los créditos finales, el director afgano consigue crear una empatía tal con la interpretación de la joven Marina Golbahari, que uno difícilmente se sentirá reflejado con ella, pues la realidad de Afganistán es inimaginable para países como el nuestro, si embargo, consigue que el público estreche lazos de afecto con la protagonista, pues la ganas de ayudarla e impedir que siga sufriendo se hace inevitable. Personalmente, dudo que alguna vez pueda olvidarme del rostro de Golbahari, quien supo plasmar correctamente en su caracterización toda la angustia y amargura de una niña afgana bajo el régimen talibán. Ojala que más público pueda apreciar esta magnífica cinta, porque a pesar de su crudeza, bien vale la pena adentrarse en una realidad tan conmovedora como ésta, la cual dudo que haya mejorado tras la intervención norteamericana el año 2001. Mucho se podrá odiar a Estados Unidos y sus afanes imperialistas, pero no concibo que alguien con un mediano intelecto justifique a grupos como los talibanes de Afganistán, por más antiestadounidenses que se declaren.

En definitiva, otra joya del cine del tercer mundo, y que como vuelvo a reiterar, tiene la virtud de aterrizar a sociedades como la nuestra para poner la mirada en quienes más sufren, no importando la distancia y la cultura que nos separe de ellos.


Excelente





Ficha Técnica:

Nombre: Osama
Género: Drama
Formato: DVD
Director: Siddiq Barmak
Guión: Siddiq Barmak
Reparto: Marina Golbahari (Niña/Osama), Khwaja Nader (Mulá), Arif Herati (Espandi), Zubaida Sahar (La madre), Hamida Refah (La abuela), Gol Rahman Ghorbandi (Talibán)
Producción: Siddiq Barmak, Julia Fraser y Julie LeBrocquy
Fotografía: Ebrahim Ghafuri
Música: Mohamed Reza Darwishi
País: Afganistán, Irlanda y Japón
Idioma: Afgano
Duración: 84 minutos
Año: 2003
Link: http://www.osamamovie.com/


Hoy miércoles 29 de marzo, a las 23:00 h por I-SAT

Memorias de una Geisha - 'Más Producción que Trama'

... recomendable para los admiradores de Ziyi Zhang, Gong Li, Michelle Yeoh, las melodías inolvidables que compone John Williams, y por su puesto, para quienes siempre han defendido a las geishas cuando se las compara injustamente con prostitutas vestidas de kimono ...

Memorias de una Geisha

MÁS PRODUCCIÓN QUE TRAMA

Memorias de una Geisha. Su solo nombre, homónimo a la célebre novela del escritor Arthur Goleen, se presentaba como el gran gancho para atraer a miles de personas a las salas de cine durante el año pasado y este 2006. Si sumamos además la presencia de la cotizada actriz china Ziyi Zhang (ya no más Zhang Ziyi) en el rol protagónico, todo indicaba un éxito seguro. Pero nuevamente ocurrió lo que tantas otras veces con super producciones de alto costo. Un gran elenco y una excelente producción audiovisual, pero un guión extremadamente débil, además de plano, que terminó por desbarrancar a la que hubiese sido una gran versión cinematográfica de un best seller literario.

El estadounidense Rob Marshall, su director, creyó que aplicando los mismos cánones de la industria norteamericana podría reproducir los últimos años de apogeo de las geishas japonesas, a tal punto que resulta bastante curioso, y molesto en honor a la verdad, ver a actores y actrices orientales intentando emular al Japón de la pre guerra de los años ’40 dialogando en inglés. Alguien podría señalar que el idioma comercial más importante de la actualidad serviría para hacer entender a profesionales chinos, japoneses y norteamericanos en un mismo set, pero vaya que hizo bajarle los bonos a una cinta que pretendió ser un muestrario de la sociedad nipona en un pasado no tan lejano. De hecho, comparo esta película ambientada en Japón con "Samurai del Atardecer" de Yoji Yamada, pre estrenada a comienzos de año en el Festival de Cine UC, y el resultado no es en absoluto favorable para este trabajo del director estadounidense.



Solo dos son los puntos notables en esta película de Marshall. Uno de ellos es la prolija puesta en escena de esta historia, que narra parte de la infancia, juventud y madurez de Sayuri (Ziyi Zhang), una modesta niña que, para paliar en parte la pobreza de su familia, es vendida junto a su hermana para servir en una casa de geishas. Sin embargo, ambas menores, además de sufrir el shock de ser apartadas de sus padres, son separadas cuando llegan a su destino, ya que trabajarán como sirvientas en casas distintas. Sayuri se ve resignada a su suerte, a pesar de sus extraños ojos azules siendo japonesa, sin embargo, es su gran belleza la que juega a su favor al transcurrir los años, puesto que conoce a quien será su gran amor en uno de los momentos más amargos de su nueva vida. “El Presidente”, apodo del personaje interpretado por el japonés Ken Watanabe, será primero su descubridor, luego su secreto mentor y finalmente el gran amor de Sayuri.

Los vestuarios, maquillaje y fotografía serán sin duda las delicias del público que disfruta del cine de época, y dichos méritos técnicos han sido reconocidos incluso por la Academia norteamericana. Sin embargo, junto a lo anterior, el segundo punto alto de esta cinta es la gran interpretación de la actriz china Gong Li como Hatsumomo, la villana de turno que fastidia a Sayuri. Su magnífica interpretación de esta geisha en decadencia e intrigante no solo consigue subirle los bonos a una producción que fue más ruido que nueces, sino que además, opaca en gran medida a su joven compatriota, Ziyi Zhang, la cual solo por el protagonismo que le significó darle vida a Sayuri, y la belleza que la ha hecho famosa en todo el orbe, logra salir bien parada al compararla con la personificación que hizo Li de esta descarriada geisha.



La otra actriz que aparecía como uno de los mayores créditos de “Memorias de una Geisha”, la actriz malaya Michelle Yeoh, tampoco sobresale más allá de lo imaginado, pese a contar al igual que Ziyi con el recuerdo colectivo que le significó su papel de guerrera en “El Tigre y el Dragón”, de Ang Lee. Creo que su único gran logro en este film, interpretando a la geisha llamada Mammeha, fue haber sido la que mejor dominaba el idioma inglés, y no la maestra y amiga con que la protagonista podía contar en cada momento. Ken Watanabe por otra parte, curiosamente el único protagonista japonés en esta historia ambientada en su país, solo es un Romeo maduro con la misión de encantar al público femenino, lo cual es una tarea algo difícil debido a su escasa participación en los 145 minutos que dura la película.

En definitiva es un trabajo cinematográfico menor en cuanto a trama y guión, algo que difícilmente perdonarán quienes hayan leído la obra de Arthur Goleen y se hayan esperanzado en ver una gran película como su adaptación en el cine. Sin embargo, los que gusten de las producciones de época quizás no salgan del todo decepcionados, porque claramente la película cumple ese objetivo, y con creces. No existió una evolución del personaje de Sayuri que convirtiera a “Memorias de una Geisha” en una película de culto, y vaya que pudo serlo. Aún así es recomendable para los admiradores de Ziyi Zhang, Gong Li, Michelle Yeoh, las melodías inolvidables que compone John Williams, y por su puesto, para quienes siempre han defendido a las geishas cuando se las compara injustamente con prostitutas vestidas de kimono.


Regular






Ficha Técnica:

Nombre: Memorias de una Geisha (Memoirs of a Geisha)
Género: Drama
Dirección: Rob Marshall
Guión: Robin Swicord y Doug Wright. Basado en la novela de Arthur Golden
Reparto: Ziyi Zhang, Ken Watanabe, Michelle Yeoh, Gong Li, Kôji Yakusho, Youki Kudoh, Kaori Momoi, Tsai Chin, Cary-Hiroyuki Tagawa, Suzuka Ohgo, Zoe Weizenbaum, Thomas Ikeda
Producción: Lucy Fisher, Douglas Wick y Steven Spielberg
Música: John Williams
Fotografía: Dion Beebe
Montaje: Pietro Scalia
País: Estados Unidos
Idioma: Inglés
Duración: 145 minutos
Año: 2005
Link: http://www.sonypictures.com/movies/memoirsofageisha/site/

Jade - 'Una Cátedra del Género Thriller' (música de Loreena McKennitt)

...“Jade” difícilmente tuvo rivales en su época, por lo que aún hoy es recordada como uno de los clásicos de la cinematografía norteamericana, al menos en su género, y cada cierto tiempo es posible disfrutarla en los canales de cable...

Jade

UNA CÁTEDRA DEL GÉNERO THRILLER

Martes 22 de Marzo a las 23:55 h, por Cinecanal.

Este es el primer comentario sobre una película del recuerdo.

En octubre del año pasado se cumplieron 10 años desde el estreno de una de las mejores películas de la década ’90. Con una historia llena de recovecos, que mantiene el misterio hasta el último minuto, el director norteamericano William Friedkin, célebre por su trabajo en “El Exorcista” (1973) y “Vivir y Morir en L.A.” (1985) reivindica de manera magistral los thrillers policiales con contenido erótico, los que tras éxitos de taquilla como “Bajos Instintos” (1992), pero con poca aceptación por parte de la crítica, quedaron en tela de juicio a la hora de valorarlos como reales aporte a la cinematografía internacional.

Jade, que parecía ser otra más de las intentonas efectistas a la hora de unir un relato policial de electrizante suspenso, con encendidas escenas de erotismo, quedó para siempre en la retina de quienes esperaron otra obra de culto dentro de la filmografía de Friedkin, y obviamente, no quedaron decepcionados, ya que dirección, guión, actuaciones, edición y fotografía como pocas veces se entremezclaron de manera brillante en una cinta de este tipo, y ni hablar de la musicalización.

Partiendo con los acordes del excelente y enigmático tema “The Mystic’s Dream” de la canadiense Loreena McKennitt, el cual acompaña a la cinta durante gran parte de sus 95 minutos de duración, la trama se centra en el brutal homicidio contra un excéntrico millonario, Key Medford, quien chantajeaba a políticos y poderosos luego de facilitarle hermosas mujeres para sus placeres extramaritales. Su muerte, con claros signos de sadismo, lleva al detective David Corelli (David Caruso) a deshilvanar una intrincada telaraña de conexiones, que van desde interrogatorios a una callejera llamada Patrice Jacinto (Angie Everhart) hasta el gobernador de California, Lew Edwards (Richard Crena).

Y aunque el gobernador con su arrogante actitud muestra claros signos de estar comprometido con la horrenda muerte, aparentemente al menos, poco a poco la investigación comienza a centrarse, ante la incredulidad de Corelli, en la hermosa Trina Gavin (Linda Fiorentino), una sicóloga de desinhibido comportamiento, quien además fue uno de sus ex amores, pero que ahora está casada con el respetable abogado Matt Gavin (Chazz Palminteri). Y aunque Matt y Trina aún mantienen contacto con Corelli, este último no podrá desentenderse de las evidencias que inculpan a Trina, incluyendo videos donde mantiene escandalosas relaciones sexuales con algunos hombres, como la más apetecida de las mujerzuelas.



Corelli sin embargo, está decidido a llegar a la verdad de toda esta historia de sexo, voyerismo y chantaje, y que ahora además se ha transformado en un oscuro asesinato, el que amenaza con desatar un escándalo de proporciones en las esferas políticas de turno. Pero las cosas comienzan a complicarse todavía más cuando algunos testigos comienzan a ser asesinados fríamente al avanzar la investigación. Corelli incluso descubre lazos ocultos entre uno de sus colegas, el detective Bob Hargrove (Michael Biehn), con el gobernador Edwards, quien hasta el final se mantendrá como su más firme sospechoso.

Aún así, y ante las evidencias recogidas, “Jade”, apodo con que se conocía a la prostituta más apetecida por los hombres de poder que conocían a Medford, es considerada ante los ojos de los demás investigadores como la más segura responsable del asesinato, y todo apunta por ende a la sensual Trina Gavin, por más que Corelli se resista a creerlo.



Con actuaciones memorables como las de David Caruso, Linda Fiorentino y Chazz Palminteri, como el frío policía, la enigmática sospechosa y su cínico esposo, respectivamente, “Jade” seduce desde el primer minuto y tiene la virtud de mantener esa seducción hasta su sorpresivo desenlace, el que a más de alguno dejará boquiabierto tras elucubrar teorías sobre quién sería el verdadero culpable y su sanguinario ‘modus operandi’.

“Jade” difícilmente tuvo rivales en su época, por lo que aún hoy es recordada como uno de los clásicos de la cinematografía norteamericana, al menos en su género, y cada cierto tiempo es posible disfrutarla en los canales de cable. Sin embargo, bien vale la pena tenerla en la estantería de colección que más de algún cinéfilo gusta de mantener, puesto que no solo contiene una de las persecuciones en automóvil más célebres que se hayan filmado, sino que además, dio cátedra a la hora de mezclar suspenso, acción y erotismo, elementos que William Friedkin supo manejar a la perfección.

Bajo todo punto de vista, Excelente.

Ficha Técnica:

Nombre: Jade
Género: Thriller Erótico Policial
Formato: DVD
Dirección: William Friedkin
Guión: Joe Eszterhas
Reparto: David Caruso, Linda Fiorentino, Chazz Palminteri, Richard Crena, Michael Biehn, Angie Everhart, Donna Murphy, Ken King
Producción: Gary Adelson, Craig Baumgarten y Robert Evans
Música: James Horner. Incluye los temas “The Mystic’s Dream” de Loreena McKennitt y “Le Sacre du Printemps” de Igor Stravinsky
Fotografía: Andrei Andrzej Bartkowiak
Montaje: Augie Hess
Vestuario: Marilyn Vance
País: Estados Unidos
Idioma: Inglés
Duración: 95 minutos
Año: 1995


La cantante y músico canadiense Loreena McKennitt es quien interpreta el cautivante tema central de "Jade": The Mystic's Dream. Esta canción además pertenece al álbum" The Mask and the Mirror" de 1994. En dicho trabajo la artista por primera vez mezcla sonidos celta con música árabe, ya que el álbum está inspirado en el medioevo español, una alegoría a las culturas cristiana, judía y musulmana de aquella época.

Intérprete: Loreena McKennitt
Título: The Mystic's Dream

Powered by Castpost

Loreena McKennitt

Reconocida mundialmente como una de las mejores exponentes de música celta y new age, la cantante canadiense Loreena McKennitt, hija de inmigrantes escoceses e irlandeses, comenzó su carrera artística cantando melodías tradicionales del folclore celta. Dicho estilo puede apreciarse claramente en sus dos primeros albumes, Elemental (1985) y To Drive the Cold Winter Away (1987). Pero poco a poco su estilo fue derivando a composiciones más eclécticas dentro del género celta, hasta derivar en una música más cercana al new age y fusión, Parallel Dreams (1989) y The Visit (1991). Sin embargo, esta sorprendente nómade de la música, como ella misma se define, comenzó una etapa de búsqueda de otros géneros, todos cercanos a la raíz celta que la hizo famosa, hasta desembocar incluso en música de raíz islámica, convirtiéndola así en una excelente exponente de la llamada World Music, The Mask and The Mirror (1994) y The Book of Secrets (1997).

Dueña de una voz lírica privilegiada, McKennitt además es una maestra en instrumentos como el arpa, los teclados y el acordeón, los cuales están presentes en cada uno de sus trabajos. Por otro lado, en el cine su aporte musical está presente en películas de gran impacto, como Highlander III, Jade y Woman and Spirituality.



Del álbum "The Visit" de 1991 dos de sus temas se convirtieron en clásicos, el cautivante The Lady of Shalott, un poema épico de Tennynson, y éste, Tango to Evora, una hermosa melodía instrumental dedicada a Evora, un pueblo portugués.

Título: Tango to Evora

Powered by Castpost



"The Book of Secrets" de 1997 es quizás su mejor álbum de World Music. Ella misma se refirió a este trabajo diciendo: "quiero que salga incienso de este disco". Con melodías que van desde baladas celtas y británicas hasta sonidos de Oriente Medio, se destacaron Marco Polo, con su impresionante percusión árabe, The Highwayman, un poema trágico del poeta inglés Alfred Noyed, y éste, The Mummers' Dance, una melodía que hasta hoy suena en las radios y en la musicalización de algunos spots.

Título: The Mummers' Dance

Powered by Castpost


No olviden entonces que Jade será transmitida por Cinecanal este martes 22 de marzo cerca de la medianoche, y además los dejo disfrutando con esta musa de la música celta, Loreena McKennitt, una de las artistas que más admiro y que también está presente en los links de "Música" en este blog de cine.

La Excelente Música de "2046"

El otro gran logro de 2046, la cinta de China y Hong-Kong del director Wong Kar Wai.

Si tuviera que mencionar a la película del 2005 con el mejor soundtrack, siendo varias las candidatas, creo que la cinta de Wong Kar Wai fue la que más destacó por su música incidental, siendo su tema central, compuesto por el músico japonés Shigeru Umebayashi, una potente melodía que difícilmente será olvidada por quienes disfrutamos de esta excelente producción, 2046, Los Secretos del Amor.



Este es el japonés Shigeru Umebayashi, autor del tema central de "2046" (2046 Main Theme), el cual tiene tres versiones en el mismo film: with percussion, with percussion (train-remix) y rumba version.

Intérprete: Shigeru Umebayashi
Tema: 2046 Main Theme (With Percussion)

Powered by Castpost







Y no puedo olvidar al segundo tema en importancia dentro de este soundtrack. Pertenece a un duo noruego que se ha ganado la admiración de todos los amantes del new age y sonido celta en el mundo, me refiero a Secret Garden. Su tema Adagio, disponible además en el CD "Songs From a Secret Garden" de 1996, es el tema más característico dentro de las escenas del 'viaje en tren hacia el año 2046'.

Intérprete: Secret Garden
Tema: Adagio

Powered by Castpost


A relajar los sentidos entonces...


2046, quinto puesto entre las 12 Mejores Películas del 2005

Buenas Noches y Buena Suerte - 'Una Clase de Periodismo'

... claramente le servirá a muchos estudiantes de periodismo en nuestras universidades, porque en Chile vaya que hemos conocido medios de comunicación comprometidos con intereses de poderosos y que hasta les han servido como propagandistas, con lo cual soy de aquellos que abogan porque esta producción, independiente de su “fracaso” con los Oscar, tenga la mayor cobertura posible, porque demuestra todo lo contrario a lo que hemos conocido ...

Buenas Noches y Buena Suerte

UNA CLASE DE PERIODISMO

Debo partir señalando que nada me es más grato que estar en total y absoluto desacuerdo con los criterios de la Academia norteamericana, gracias a los cuales premia año tras año a los suyos en las pomposas ceremonias del Oscar. La última, la versión Nº 78 del domingo pasado, no fue la excepción. Reconociendo que esto puede tornarse fácilmente en mi contra, ya que claramente expongo mis prejuicios en contra de este cotizado premio, al menos sirve para ilustrar porqué me parece una aberración que Buenas Noches y Buena Suerte, dirigida por el actor estadounidense George Clooney, se quedara con las manos vacías luego de la entrega de esta dorada estatuilla, porque claramente se trataba de una de las dos mejores producciones que estaban en competencia para mejor película. “Good Night and Good Luck” tenía seis nominaciones al Oscar, e increíblemente para algunos, no tanto para otros, no obtuvo ninguno.

Quizás se haya vuelto un hábito desdeñar a la famosa estatuilla, y si bien es cierto ocuparía páginas señalando las injusticias a su haber, está claro que este año los miembros de la Academia nuevamente no quisieron jugársela por una historia donde la mirada se centró en la propia historia de los Estados Unidos, pero esta vez en la traumática y vergonzosa “era McCarthy”, a mediados del siglo XX, esa donde el anticomunismo del polémico senador republicano Joseph McCarthy llevó a una caza de brujas absurda en contra de la sociedad civil, donde no pocos que intentaron combatirla terminaron presos o despedidos de sus trabajos. La prensa de ese entonces tomaría un rol relevante, siendo “Buenas Noches y Buena Suerte” una impecable producción que detalla la lucha del llamado cuarto poder, a través del famoso presentador de noticias Edgard R. Murrow en contra de este teatro del absurdo.



Resulta extraño que una cinta independiente como esta, ganadora del último Festival de Venecia 2005, sea reconocida por la industria norteamericana solo nominándola, esperando que con ese solo hecho sus realizadores se den por satisfechos. Incluso, al anunciarse el premio a mejor actor secundario para el mismo George Clooney, esta vez por su rol de agente secreto de la CIA en “Syriana”, supuse de inmediato que con ese galardón se intentaba dejar tranquilo al director de “Good Nigth and Good Luck”, y así el menoscabo a esta excelente película pasaría inadvertido durante el resto de la noche. Pero no. No fuimos pocos los que esperábamos más de la misma sociedad que debería reconocerle a Murrow su valiente contribución en la caída de uno de políticos más nefastos en la historia moderna del país del norte.

Más de alguien podría señalar que la cinta tal vez no contaba con méritos suficientes para ser premiada, pero esa sola duda queda fácilmente dilucidada a los pocos minutos de comenzar la historia. Clooney recoge hechos que ocurrieron en 1954, cuando las persecuciones dirigidas por McCarthy alcanzaron a un teniente de la Fuerza Aérea norteamericana, Milo Radulovich, quien es acusado precisamente de pro comunista. En ese momento la cadena de televisión CBS, a través del célebre Edgard R. Murrow (David Strathairn), recava antecedentes sobre las técnicas de falsificación que empleaban quienes perseguían a Radulovich como a otros norteamericanos. Sin embargo, pese a las presiones y el temor inicial, tanto Murrow como su equipo se da a la tarea de desenmascarar a McCarthy a través de las pantallas de televisión.



Sin embargo, como periodistas serios que son, más allá de comprometerse con una causa que ellos consideran justa, también deben hacer frente a la réplica de McCarthy, y a través de la misma cadena CBS, no trepidando este último en sacar a la luz supuestos nexos de Murrow y algunos de sus hombres con entidades cercanas al comunismo, y por ende, antiamericanas. George Clooney en el papel de Fred Friendly es el brazo derecho de Murrow, y ambos deberán lidiar con la impredecible personalidad de William Paley (Frank Langella), el director de CBS que a pesar de mostrar un tibio apoyo a la labor periodística e investigativa de quienes están a cargo de su noticiero, a la larga tendrá que optar por seguir apoyándolos o frenar su trabajo.

Este punto es clave en la propuesta de Clooney, puesto que podría haberlo volcado en una línea tremendamente panfletera en contra de este ex director, simbolizando en él a todos los jefes de prensa como cobardes y sin agallas, pero el mérito que tuvo el hombre que dirige y actúa en esta notable película fue que justamente logró un equilibrio en el comportamiento de Paley, no dejándolo como el villano de turno al cortarle los brazos a Murrow, Friendly y los demás de manera déspota e ignominiosa. Los sucesos terminan siendo un cúmulo de cosas que a la larga sirven para darle tiempo a la CBS en la caída de McCarthy. Hasta el más liberal de los espectadores tendrá que reconocer ese mérito en el tratamiento que se hace del personaje de Frank Langella.



Realmente todo el elenco se luce en esta película llamada “Buenas Noches y Buena Suerte”, la frase que inmortalizó Edgard R. Murrow al finalizar cada programa donde intervenía. David Strathairn cumple una notable personificación de este legendario hombre de las comunicaciones, siempre protocolar y con ese acento yanqui que lo hiciera fácilmente reconocible. Creo que era el único que podría haberle aguado perfectamente la fiesta la semana pasada a Philip Seymour Hoffman (“Capote”), al momento de conocerse el Oscar a mejor actor protagónico. Las otras actuaciones, ya más secundarias, también potencian el rol de Strathairn, destacándose por cierto las de Clooney y Langella, más los roles de Robert Downey Jr. como Joe Wershba, Patricia Clarkson como su esposa, Shirley Wershba, y la del actor Ray Wise como el martirizado Don Hollenbeck.

La cinta está en blanco en negro, logrando ese efecto de cine clásico que George Clooney quiso impregnarle a este impecable trabajo, que aunque siempre ambientado entre cuatro paredes, y con una nula presencia de música incidental, logra concentrar al espectador manteniéndolo siempre atento a la cadena de sucesos que van dándole forma a la trama. Una gran edición por lo demás. Sin embargo, los mayores logros de “Good Nigth and Good Luck” están en la historia misma, y el tratamiento de ella a través de la dirección, dando como resultado un producto que lo más probable es que no consiga ser un éxito de taquilla, ni tampoco una cinta entretenida donde ir a comer pop-corns con bebidas, pero que claramente le servirá a muchos estudiantes de periodismo en nuestras universidades, porque en Chile vaya que hemos conocido medios de comunicación comprometidos con intereses de poderosos y que hasta les han servido como propagandistas, con lo cual soy de aquellos que abogan porque esta producción, independiente de su “fracaso” con los Oscar, tenga la mayor cobertura posible, porque demuestra todo lo contrario a lo que hemos conocido. Salvo unas pocas excepciones, claro.

Aunque en su momento la coloqué en un segundo lugar, tras “Secreto en la Montaña”, me tomaré ahora una licencia bastante particular. No aseguro que a fin de año la mantenga por debajo de la cinta de Ang Lee dentro de mis preferencias, puesto que para mí al menos, “Buenas Noche y Buena Suerte” es de esos trabajos que vale la pena repetirse una y otra vez, obteniendo de él cada una de esas veces un valor agregado a lo ya visto. En definitiva, otra nueva injusticia que pone en duda el valor de la estatuilla dorada de Hollywood, la que espero, no traiga consecuencias entre el público masivo. Puedo entender la reticencia de los judíos estadounidenses contra “Munich” de Steven Spielberg, como también el de toda una sociedad conservadora como la norteamericana contra “Brokeback Mountain” de Ang Lee, pero la desventura de la obra de George Clooney el domingo pasado en Los Angeles, simplemente no logro explicármela.


Excelente




Ficha Técnica:

Nombre: Buenas Noches y Buena Suerte (Good Night and Good Luck)
Género: Thriller Político
Dirección: George Clooney
Guión: George Clooney y Grant Heslov
Reparto: David Strathairn, Robert Downey Jr., George Clooney, Patricia Clarkson, Ray Wise, Frank Langella, Jeff Daniels, Tate Donovan, Tom McCarthy, Matt Ross
Producción: Grant Heslov
Fotografía (B/N): Robert Elswit
Montaje: Stephen Mirrione
Vestuario: Louise Frogley
País: Estados Unidos
Idioma: Inglés
Duración: 93 minutos
Año: 2005
Link: http://wip.warnerbros.com/goodnightgoodluck/



A continuación, reproduzco una carta que envié al diario Las Últimas Noticias, y que fue reproducida el jueves 09 de marzo pasado. En ella expuse que no me parecieron correctos algunos juicios contra "Buenas Noches y Buena Suerte" y "Secreto en la Montaña" durante la transmisión que hizo RedTV para Chile de los premios Oscar:

Cadena para conocernos un poco más

Me han solicitado continuar una cadena, para poder conocernos más dentro de este mundo de los bloggers. Pues acá va:



3. Cantidad de velas que aparecieron en tu última torta de cumpleaños: no pongo velas hace años en las tortas, pero no por depre ni por un asunto de edad, nada que ver
4. Estuviste enamorado anteriormente?: sí
5. Estas enamorado?: creo que no, pero no puedo asegurarlo
6. Tu cumple es?: 29 - 05
7. Religión: Creo en el mensaje de Jesús, el verdadero mensaje que él nos dejó
8. Lloras mucho o poco: cada vez menos, ahora me cuesta mucho llorar
9. amaste tanto a alguien como para llorar: sí, mi primer amor, que fue muy platónico
10. Estuviste en un choque de autos? : nunca, y espero no estarlo, salvo que no sea algo grave
11. Como andas vestido?: en estos momentos con polera, bermuda y sandalias (sin ropa interior)
12. 2 o 4 puertas?: me da exactamente lo mismo
14. Cerveza o vino?: Cerveza, lejos. El vino solo para las comidas.
15. Café o té?: té
16. Sabor de helado?: me gustan todos
17. Sabanas lisas o con animalitos?: con figuras (no animales) y con colores en contraste
19. Numero de calzado?: 44
20. Lugar para que te besen?: en el juego erótico, comenzado por las orejas
21. Canción que estas escuchando en este momento: el soundtrack de "El Rey Arturo", porque la estoy viendo en el cable
22. Flor: todas, ninguna en especial, pero no cortarlas, sino verlas en los jardines o praderas
23. Tema de conversación más detestado: ningún tema me desagrada, salvo la gente monotemática o que no sabe llevar ese tema en la conversación. Hasta puedo entretenerme hablando de como tomar mate con una viejita
24. La gaseosa, con o sin hielo?: depende el calor
25. Tom o Jerry? : ambos, son un clásico de mi infancia
26. Disney o Warner Brothers? : ambos
27. Restaurante de comida rápida: cualquiera de comida china
28. Ultima visita a un hospital?: hace 13 años, por un dolor de muela insoportable
29. De que color es la alfombra o piso de tu dormitorio: café oscuro
30. Como llamabas a tu osito de dormir?: nunca he tenido uno, pero aún conservo un chanchito Porky de cuando era guagua. Lo bauticé como 'Alejandro'
31. Donde te ves en 10 años?: en cualquier parte, pero vivo, que es lo que importa
32. De que persona recibiste el e-mail?: de JC
33. Cual de tus amigos vive mas lejos?: los tres mejores viven a la misma distancia de mi casa. Los tres 3 lejos, y en distintas comunas de Stgo
34. Lo mejor: sentirse bien y en paz con la vida misma
36. Quien piensas que te responderá este e-mail mas rápidamente?: No lo sé
37. Mascotas?: ahora, ninguna
38. Mejores amigos: confianza, lealtad y ayuda
41. Que cambiarias de tu vida?: tal vez mi mal genio
42. Te ha faltado algo?: muchas cosas, pero nada que me afectara tanto
43. Cuántos timbrazos antes de atender el teléfono?: nunca me he fijado en eso
45. Video preferido: los que he grabado del National Geographic
46. CD preferido: musicales y muchos, imposible nombrarlos todos
47. Grupo o cantante favorito?: son tres, el guatemalteco Ricardo Arjona, la canadiense Loreena McKennitt y la argentina-mapuche Beatriz Pichi Malen
48. Lo primero que piensas en la mañana cuando despiertas es: ¡buuu... desperté!
49. Tormentas te gustan o te asustan: me gustan, y mucho
51. Algo que tienes puesto siempre y no te lo quitas: las ganas de vivir siempre
52. Que hay en las paredes de tu habitación?: cuadros, mi título, un salmo y algunos adornos
53. Que hay debajo de tu cama?: tal vez tierra que entra de afuera, pero nada en especial que yo recuerde
54. Cual es el auto de tus sueños?: una camioneta 4X4, no me interesa el modelo, solo que sea la raja para terreno difícil
55. Algo a la persona que te mando este mail: JC, gracias por pensar en mí para continuar esta cadena
57. Quien te gustaría que la responda: Me dicen que son 5, y supongo que deben ser solo "bloggers": Loreto, Pablo Arias, Daniel Alejandro Cergara, Carlos Loyola, Angélica.
58. Que le dirías a alguien y no te anima: salvo que me provoque, no le diría a alguien que lo encuentro mala persona. Prefiero que solo(a) se de cuenta
59. Colores preferidos: café (la tierra), verde (naturaleza) y azul (esperanza)
60. Palabras que más dices: tendrían que decirme los demás, yo no lo sé
63. Que le miras primero a el/ella: rostro (en especial los ojos), luego el físico completo
68. Prefieres noviazgo o free: free
69. Que es para ti la vida?: un don inapreciable por algunos. Yo la valoro más que la cresta
70. Estas enamorado/a?: creo que no, por ahora al menos
71. Canción favorita?: ninguna en especial, me gustan miles, y en distintos idiomas
72. Tienes un ángel?: no lo sé, tal vez, ojalá
73. Momento mas triste de tu vida: varios, pero todos superables
74. Beso o algo mas?: absolutamente... depende
75. Momento mas humillante?: varios, prefiero ni recordarlos
77. Que buscas en el sexo opuesto: feminidad ante todo. Y respecto a los detalles, unas manos suaves que sepan masajear :)
78. Coleccionas algo?: conchitas marinas :)
79. Que fobias tienes: algo de vértigo
80. Que piensas de la muerte: quiero creer que tras la muerte hay otra vida
81. Te ha gustado algún/a amigo/a tuyo/a: sí, solo una vez, hace 14 años de eso... uf!!!
82. Tiempo que tardas en arreglarte: entre 10 y 15 minutos, dependiendo el apuro y la situación
84. Revista favorita: National Geographic en español
86. Le darías un beso apasionado a la persona que te envío este correo?: no, por ahora al menos
87. Que estación del año te gusta mas?: primavera
89. Te irías a vivir a otro país?: sí
90. Quien no te ha fallado nunca?: Todos alguna vez hemos fallado, por eso no juzgo a nadie. Solo me alejo de las personas dañinas.
91. Frío o calor?: frío
92. Carta o mail?: cartas, el mail es demasiado tecnológico y cotidiano
93. La persona que extrañas?: en este momento, a mi viejo
95. Caricatura preferida?: todas las de Pinochet
96. Mejor cyberamigo: por ahora, Andrea
97. Equipo de fútbol: debería decir Colo Colo, pero estoy muy decepcionado del fútbol chileno en general
98. Y tú darías un beso apasionado a alguien de los que le mandaste este mail?: no, por ahora al menos
99. Programa de tv favorito?: películas, documentales y deporte aventura
101. El peor sentimiento del mundo: la indiferencia (hacia los que sufren)
102. El mejor sentimiento del mundo: la fraternidad
104. Futuro nombre de tu hijo: Jorge, igual que yo
106. Chocolate o vainilla?: vainilla
107. Una almohada o dos: mientras sea o sean blanditas y cómodas, todo bien
108. Duermes con peluches: no
109. Si pudieras teñirte el cabello de cualquier color, cual sería?:ninguno
110. Cual es tu numero favorito?: 07
111. Juguete favorito: mi Porky que bauticé como 'Alejandro' :)
112. Que haces si alguien se quiere pasar con tu novio/a: lo primero es celos, ahí veré si me logro controlar
114. Condimento favorito en una ensalada: depende de la ensalada
115. Sonido que más te guste: los manantiales, podría quedarme horas escuchando ese sonido del agua
116. Que no te gusta comer: carne de vacuno, guatitas y cochayuyo
117. Alguna vez nadaste desnudo: sí, dos veces en Ensenada el año pasado
118. Quien te felicito primero en tu cumpleaños?: mi vieja.


Listo espero no haber defraudado.




Bonus Track:


No puedo dejar de mencionar la gran felicidad que me embarga desde ayer sábado 11 de marzo, con Michelle Bachelet como nuestra primera presidenta en la historia de Chile.

Creo que esta parte de mi personalidad también les servirá para poder conocerme un poco mejor.

Saludos a todos.

Oscar 2006 - 'Los Aportes para el Año'

Oscar 2006

LOS APORTES PARA EL AÑO

Bueno, ayer sábado 4 de marzo logré ver la quinta producción nominada al Oscar 2006 como mejor película que me faltaba conocer, y aunque quise mantenerme al margen de lo que será la ceremonia de premiación de esta noche, no pude sustraerme a un pensamiento que me vino inmediatamente después de conocer a las cinco nominadas de este año, más algunos films que figuran en otras categorías. ¿Será el actual Oscar un real aporte a la cinematografía de este año 2006?

El año anterior solo dos películas oscarizadas lograron figurar entre las mejores del año, al menos en Chile, compitiendo con otros títulos hispanoamericanos, asiáticos y europeos al momento de hacer un balance del año 2005. Esos títulos fueron Entre Copas (Sideways) y Million Dollar Baby. Una tercera opción fue la inglesa Vera Drake, aunque no estaba nominada a mejor película, pudiendo nombrar además a la española Mar Adentro, que fue premiada como la mejor película extranjera, y la alemana La Caída (Der Untergang), otra de las nominadas en ese ítem. La película independiente de Alexander Payne (en mi opinión la mejor de todas) resultó ganadora solo como Mejor Guión Adaptado, mientras que la cinta de Clint Eastwood se llevó los premios mayores, Mejor Película y Director, además de Mejor Actriz Protagónica y Mejor Actor de Reparto. Sin embargo, más allá de dichos premios, los criterios de muchos entendidos las alzaron dentro de las mejores del año. Cabe preguntarse entonces, qué ocurrirá con las películas nominadas este año, ¿Logrará alguna de ellas situarse como la mejor del año, o una de las mejores, independiente si gana o no la estatuilla de Hollywood?

Bien pues, más allá de vaticinar los resultados, cosa que para mí ha resultado muy predecible en algunas ocasiones, y una total sorpresa en otras, quisiera señalar que, a pocas horas de llevarse a cabo la 78º edición de los premios Oscar, ya tengo un patrón que podría adelantar lo que ocurrirá con la crítica, y con mucho público por lo demás, a la hora de entrar a comparar las películas y sus correspondientes legados.

Bajo mi punto de vista, y considerando que aún no he visto Orgullo y Prejuicio de Joe Wright, Una Historia de Violencia de David Cronenberg, Tierra Fría de Niki Caro, En la Cuerda Floja de James Mangold, Transamerica de Duncan Tucker, Match Point de Woody Allen, y la cinta palestina Paradise Now de Hany Abu-Hassad, creo que dentro de las películas nominadas al Oscar de este año mi ranking es el siguiente:


1. Secreto en la Montaña, de Ang Lee.
2. Buenas Noches y Buena Suerte, de George Clooney.
3. Capote, de Bennett Miller.
4. El Jardinero Fiel, de Fernando Meirelles. (cinta que debió estar en la quina a mejor película en lugar de "Crash")
5. Munich, de Steven Spielberg.
6. Syriana, de Stephen Gaghan.
7. Crash, de Paul Haggis.
8. Memorias de una Geisha, de Rob Marshall.
9. Las Crónicas de Narnia, de Andrew Adamson.


Hay películas que están nominadas pero que ya fueron estrenadas en el 2005, y todas ellas lograron además buenos resultados de público, junto con la aprobación de la crítica. Tal es el caso de King Kong de Peter Jackson, La Venganza de los Siths de George Lucas, El Luchador de Ron Howard, El Cadáver de la Novia de Tim Burton y Wallace & Gromit: la maldición de las verduras de Nick Park y Steve Box.

Ahora bien, en relación a las nominadas a mejor película, a excepción de los dos primeros puestos (Good Nigth and Good Luck y Brokeback Mountain), veo muy difícil que alguna de las demás nominadas logre quedar en la retina hasta finales de diciembre, cuando haya que hacer un balance con lo mejor del año 2006. Y quizás podría añadirse Capote, con lo cual, al igual que el año pasado, no más de dos o tres de estos títulos dejarán una huella mayor en estos diez meses que quedan por delante. Más aún, cuando la coreana Old Boy de Park Chan-Wook opacó a casi la totalidad de estas producciones durante el verano, y ya se anuncia para los próximos meses el estreno de la cinta irano-iraquí Las Tortugas También Vuelan de Bahman Ghobadi, un memorable drama que me tocó presenciar en julio pasado, durante el primer Festival de Cine de Santiago (SANFIC), mismo evento donde también se presentó la película Paradise Now de Palestina (este año nominada a mejor film extranjero) con excelentes críticas. Y a propósito de festivales de cine, ya hay un artículo en este blog sobre Samurai del Atardecer de Yoji Yamada, la excelente producción japonesa que justamente fue presentada en el último Festival de Cine UC como pre estreno.

En fin. Como verán, creo que será cuestión de esperar, pero claramente ya hay una tendencia, al menos bajo mi punto de vista. Solo las producciones de Ang Lee y George Clooney tendrían asegurado un lugar dentro de lo mejor de este año, tal como lo intuí hace un año con "Sideways" y "Million Dollar Baby", dos producciones que algunos miraron muy por debajo del hombro al momento de compararlas con la elefantiástica "El Aviador" de Martin Scorsese, favorita para muchos a ganarse el Oscar del año pasado, cosa que no ocurrió.

Pronto estarán los artículos sobre Buenas Noches y Buena Suerte de George Clooney, Memorias de una Geisha de Rob Marshall y Capote de Bennett Miller, entre otros títulos.



PD: Dejaré por un tiempo, dentro de los post destacados (izquierda de la página), un ítem llamado Oscar 2006, con los comentarios de películas nominadas este año y que han sido estrenadas durante la presente temporada en Chile.

Samurai del Atardecer - 'Las Penas de un Guerrero'

... Una vez más destaco la labor de quienes están a cargo año a año de este Festival de Cine de la Universidad Católica, puesto que tal como en otras ocasiones, nuevamente este año se han lucido con pre estrenos de primer nivel, siendo quizás la cinta de Yoji Yamada la más sobresaliente de todas....

Samurai del Atardecer

LAS PENAS DE UN GUERRERO

Uno de los pre estrenos más importantes que nos dejó la trigésima versión del Festival de Cine UC fue la cinta japonesa del director nipón Yoji Yamada, Samurai del Atardecer, un trabajo que inexplicablemente debió esperar cuatro años para poder ser presentadao al público chileno. Solo tras haber visto los ciento veintinueve minutos que dura esta excepcional producción asiática la conclusión es una sola: la cinta debió estrenarse ese mismo año 2002, porque su calidad está fuera de discusión. El presente comentario no solo tiene por finalidad detallar los impresionantes logros cinematográficos de la película y criticar a su vez a nuestros distribuidores por presentarnos tan tarde esta realización de Yoji Yamada, sino que además, busca rescatar uno de los ítems más significativos del Festival de Cine UC, y que consiste en presentarnos antes que nadie importantes pre estrenos para la cartelera nacional.

Desde la impresionante puesta en escena de “Zatoichi”, del director y actor Takeshi Kitano, que no veíamos una nueva realización que apuntara a un tema clásico dentro de la cinematografía nipona, y que tiene relación con los avatares que deben sobrellevar los mundialmente conocidos ‘samurais’, aquellos honorables, fríos y rudos guerreros, quienes gracias a un código de honor que despierta gran admiración en Occidente protagonizan historias llenas de sentimiento y enseñanzas de vida, donde la violencia juega siempre un papel necesario en estas producciones, y que consiste en darle la acción necesaria a la trama a medida que esta avanza. “Samurai del Atardecer” es otra exponente destacada dentro de este género, y muy superior a “Zatoichi” por lo demás, acercándola más a otro inolvidable clásico, “Los Siete Samurais” de Akira Kurosawa (1954), como uno de sus principales referentes.



La historia se centra en la provincia de Shonai, al norte de Japón. En ese escenario encontramos a Seibei Iguchi (Hiroyuki Sanada), un samurai de baja estofa que sobrevive gracias a su pertenencia al clan Unasaka. Iguchi ha debido enfrentar varios sobresaltos, el más trágico de todos, la muerte de su esposa debido a tuberculosis, a raíz de esto el empobrecido samurai ha debido hacerse cargo de sus dos hijas pequeñas y de su madre, una senil anciana que ya apenas lo recuerda. Seibei entonces debe llevar una vida muy distinta a la de sus compañeros de trabajo, ya que tras cumplir sus obligaciones con el clan debe regresar a su hogar, para cumplir ahora como padre.

Sin embargo un día, y tras varias penurias por sus descuidos personales, aparece nuevamente en su vida un amigo de infancia, Tomonojo Linuma (Mitsuru Fukikoshi), quien le comenta a Seibei Iguchi que su hermana Tomoe (Rie Miyazawa) se ha separado por los malos tratos de su ex esposo, un borrachín llamado Toyotaro (Ren Osugi), el cual es humillado por el mismo Iguchi cuando ambos se enfrentan a duelo por Tomoe. Sin embargo, Seibei vence a su rival de manera muy llamativa, ya que lo enfrentó con una espada de madera, y no con una tradicional, tal como la que usaba Toyotaro. La noticia rápidamente tuvo eco.

Así entonces, mientras Tomoe comienza a suplir el papel de madre con las hijas de Seibei, aunque sin formalizar nada aún con este último, puesto que es él quien pone reparos, el jefe del clan Unosaka le ordena a Seibei una misión muy especial, así como peligrosa, y que consiste en darle muerte a un experimentado espadachín que ahora se ha revelado, Zenemon Yogo (Min Tanaka). Dicho enfrentamiento, que se efectuará al atardecer del día siguiente a la orden de liquidarlo, tendrá momentos en extremos surrealistas, enfocados principalmente en los diálogos entre ambos hombres. Mientras Zenemon da claras señales de no querer combatir, porque además de estar ebrio comienza a narrar múltiples sufrimientos, Seibei Iguchi va de a poco empatizando con su contrincante, ya que ambos perdieron a sus esposas por tuberculosis, entre otras penurias. Sin embargo, cuando Iguchi le enseña la espada de madera la tensa tregua entre los dos guerreros sufre un abrupto final. Una humillación como esa es inaceptable para Zenemon.



La historia es en extremo cautivante, siendo uno de sus principales atractivos las actuaciones que hay en ella, en especial la del cotizado actor nipón Hiroyuki Sanada, a quién ya pudimos apreciar como el rival de Tom Cruise en la regular cinta “El Último Samurai” de 2003. Sanada tiene el particular mérito de darle profundidad a un personaje en extremo dramático, el que pese a su parquedad consigue expresar con sus gestos, mirada y movimientos muchas de las sensaciones que debe enfrentar al verse solo junto a su madre e hijas, mientras es ofendido y hasta humillado por familiares y otros miembros de su clan, pero sin perder esa extraña dignidad que un guerrero como él debe mantener siempre en alto, y a pesar de las amarguras.

Las demás actuaciones quedan supeditadas a la de Sanada, pero de todos modos cumplen a la perfección, siendo la del actor Min Tanaka la más significativa y mejor lograda. Los momentos en que debe enfrentar a Seibei Iguchi dentro de esa lúgubre casa donde permanece encerrado, primero con tensos diálogos y luego combatiendo con la espada, logran indudablemente los mejores aplausos. El rol de la actriz Rie Miyazawa como Tomoe, quizás debió tener una mayor participación en el guión para lograr sobresalir aún más, puesto que su personaje mantuvo en duda los sentimientos de Iguchi hasta el final de la historia, siendo ese punto no menor en la trama.



Sin embargo, otros de los aspectos que más me sobrecogieron de este largometraje de Yoji Yamada, fueron por una parte la melancólica fotografía, llena de claroscuros que profundizan todavía más la sensación de pesadumbre, y por otra, la excelente musicalización, apareciendo en los momentos justos y precisos, siempre donde la historia requería ese sonido inconfundible de los teclados para acentuar los sentimientos de duda o dramatismo. En mi opinión, pocas veces elementos técnicos como estos logran destacarse de una manera tan asombrosa.

No quedando más remedio que esperar el pronto estreno oficial de “Samurai del Atardecer” en nuestra cartelera chilena, he querido darle un merecido espacio en este sitio relacionado al séptimo arte a una de las mejores películas orientales que me ha tocado ver, y que junto a otras producciones le dan la razón a quienes ya se han vuelto adictos al cine del lejano Oriente. Una vez más destaco la labor de quienes están a cargo año a año de este Festival de Cine de la Universidad Católica, puesto que tal como en otras ocasiones, nuevamente este año se han lucido con pre estrenos de primer nivel, siendo quizás la cinta de Yoji Yamada la más sobresaliente de todas.


Excelente





Ficha Técnica:

Nombre: Samurai del Atardecer (The Twilight Samurai / Tasogare Seibei)
Género: Drama
Dirección: Yoji Yamada
Guión: Yoji Yamada y Yoshitaka Asama. Basado en la obra de Shuhei Fujisawa
Reparto: Hiroyuki Sanada, Rie Miyazawa, Min Tanaka, Nenji Kobayashi, Ren Osugi, Mitsuru Fukikoshi, Kanako Fukaura, Hiroshi Kanbe, Miki Ito, Erina Hashiguchi.
Producción: Shigehiro Nakagawa, Hiroshi Fukasawa e Ichiro Yamamoto.
Música: Isao Tomita
Fotografía: Mutsuo Naganuma
Montaje: Iwao Ishii
País: Japón
Idioma: Japonés
Duración: 129 minutos
Año: 2002
Link: http://www.shochiku.co.jp/seibei/

Bambi 2 - 'Dulce Sanación'

... “Bambi 2” vuelve a demostrar que la historia del pequeño cervatillo no solo engancha a los más pequeños, sino a todo tipo de público. Más allá de las odiosas comparaciones con el cine animado actual, es el recuerdo de un gran clásico el que nos llama a volver a encantarnos con la magia del cine ...

Bambi 2

DULCE SANACIÓN

Debo partir señalando que hasta yo tuve que hacer el particular ejercicio de volver a arrendar la versión original de Bambi, la entrañable película animada de Disney de 1942, para volver a refrescarme con las entretenidas y conmovedoras escenas de este clásico de la animación infantil. Y vaya que han pasado los años, puesto que hoy en día ya muy poco queda de ese cine animado con música melosa como el de aquella época, la cual acompañaba hasta el más mínimo de los movimientos de las caricaturas. Sin embargo, hubo un momento dentro de esta hermosa historia ambientada en los bosques de Norteamérica que aún hasta nuestros días nos hiere. La trágica muerte de la madre de nuestro protagonista, el pequeño e indefenso cervatillo Bambi. Es increíble, pero a pesar de todos estos años que han pasado aquella terrible secuencia de escenas aún sigue marcando a generaciones.

David Hand, el director de la ya mítica producción, creo que jamás imaginó el efecto que esta parte de la historia podría ocasionar en el futuro, y no me refiero precisamente a los litros de lágrimas derramadas por grandes y pequeños, sino al hecho que a más de sesenta años de dicha realización este trágico acontecimiento dentro de la historia sería retomado por los mismos cineastas de Disney, pero ahora para sanar una dolorosa herida en el inconsciente colectivo. Si desde 1942 el público debió solo imaginarse cómo habrán sido los primeros días tras la tragedia del pequeño ciervo, ya que rápidamente la historia original lo convirtió en adolescente, ahora por fin podríamos saber qué tanto afectó a la existencia de este querendón animalito la muerte de su madre, y la particular relación con su padre, el altivo “Príncipe del Bosque”.



Brian Pimental, el nuevo director de esta historia del 2006, no tardó en reconocer que hasta él mismo sintió temor que llegara a sus manos un clásico tan importante dentro de la cinematografía mundial, no solo animada, y es a partir de este respeto hacia la película original que fue tomando forma Bambi 2, la historia que nos cuenta cómo fueron los primeros días del encantador cervatillo una vez que perdió a su madre a manos de los seres humanos, los siniestros cazadores que acompañados de feroces perros ponen a prueba la paz y la armonía del bosque cada vez que aparecen.

Esta vez Bambi, en medio del frío invierno y la nieve que cubre el suelo, no solo escucha decir a su padre que la cierva que lo trajo al mundo ya no volverá, “porque todo tiene su tiempo en el bosque”, sino que además deberá aprender a ser un futuro príncipe, con todo el protocolo que eso significa. Caminar erguido, sin tropiezos y lo más importante, siempre atento. La estricta disciplina que conlleva ser el hijo del imponente líder de los ciervos será ahora la nueva tarea de Bambi, y no habrá más espacio para el dolor ni las lágrimas, puesto que ahora debe madurar. Sin embargo, hasta la marcial autoridad del padre se ve quebrantada a momentos por la dulzura de este pequeño ciervo que hace todo lo posible por complacer a su progenitor, intentando demostrarle que él también es un príncipe del bosque, a pesar de su corta edad, su evidente fragilidad y la dificultad de ya no contar con una maestra como lo fue su madre.



Disney obviamente que no invertiría recursos, arriesgando además a la marca “Bambi”, realizando una moderna puesta en escena dentro del género animado, quitándole así todo el espíritu de inocencia de la historia original. Lo último no solo hubiese sido un suicidio, sino además una declaración de guerra a más de seis generaciones de espectadores. Así, manteniendo el espíritu original, es que volvemos a reencantarnos con las andanzas del risueño conejo Tambor, sus traviesas hermanitas, el coqueto zorrillo Flor, la juguetona ciervita Feline, el Gran Búho con toda su sapiencia y el resto de los animalitos que componen la fauna original, y a la que ahora se agrega nada más y nada menos que la versión infante del mismo ciervo que en el film de 1942 quiso arrebatarle a Bambi, cuando ya era adolescente, los favores de Feline.

Provisto de pequeños cuernos, los que recién van apareciendo, el clásico rival del protagonista no solo pondrá a prueba la paciencia de Bambi, a quien mira en menos por ser un poco más pequeño, sino que además será el responsable que esté a punto de repetirse la tragedia que nos marcó a todos en el clásico original. Sin embargo, la historia pone el acento en la difícil tarea del príncipe del bosque, el majestuoso padre de Bambi, al querer enseñar y proteger a la vez a su indefenso heredero. Su obsesión por querer hacerlo crecer podrá costarle caro si no comprende que el pequeño, junto con las lecciones, necesita de su afecto, y no tanto el de otra cierva que reemplace a su madre. Como ven, hasta en las animaciones las difíciles relaciones entre padres e hijos terminan siendo retratadas, y de gran forma.



Los últimos años hemos visto crecer y fortalecerse al género animado gracias a grandes producciones en CGI (“Madagascar”, “Shrek”, “Los Increíbles”), y al de superposición de fotogramas (“Cadáver de la Novia”, “Wallace & Gromit”), sin embargo, y a pesar de los magros vaticinios de algunos, la animación tradicional pareciera que se resiste a morir. “Bambi 2” es un claro ejemplo. Y si bien se trata de la continuación de uno de los momentos más recordados dentro de la historia del cine, ese espíritu de candidez, belleza y emoción ni siquiera el más avanzado de los recursos tecnológicos podría igualar al de la factura original. Con dichos argumentos quienes aún tengan dudas si se perdieron en esta cinta, en comparación a la primera parte, los ritmos de las escenas, la música de acompañamiento, los movimientos suaves e infantiles de las animaciones, en especial las del conejo Tambor, y sobre todo, la inigualable belleza de los dibujos originales, pues sencillamente pecan de desconfiados. Como ya lo dije anteriormente, Disney jamás se hubiese arriesgado a un salto en el vacío.

En momentos en que la prensa internacional y los cinéfilos de todo el mundo, quieran o no quieran reconocerlo, se aprestan a presenciar la 78 edición de los premios de la academia estadounidense, el Oscar, bien vale la pena detenerse unos momentos y salirse de toda esa vorágine. Como en la vida misma, un momento de paz, ternura y reflexión no nos viene nada de mal. “Bambi 2” vuelve a demostrar que la historia del pequeño cervatillo no solo engancha a los más pequeños, sino a todo tipo de público. Más allá de las odiosas comparaciones con el cine animado actual, es el recuerdo de un gran clásico el que nos llama a volver a encantarnos con la magia del cine. No desaprovechemos el momento.


Entretenida





Ficha Técnica:

Nombre: Bambi 2 (El Príncipe del Bosque)
Género: Animación Infantil
Dirección: Brian Pimental
Guión: Brian Pimental y Jeanne Rosenberg; basado en un argumento de Alicia Kira. Basado en el libro "Bambi" de Felix Salten
Voces originales: Patrick Stewart (Gran Príncipe del Bosque), Alexander Gould (Bambi), Keith Ferguson (Gran búho), Brendon Baerg (Tambor), Nicky Jones (Flor), Andrea Bowen (Falina), Anthony Grannam (Ronno), Brian Pimental (Marmota y Puercoespín), Carolyn Hennesy (Madre de Bambi), Cree Summer (Mena).
Producción: Jim Ballantine.
Música: Bruce Broughton
Fotografía: Robert Elswit
Montaje: Jeremy Milton y Mark Solomon
País: Estados Unidos
Idioma: Inglés (doblada en Español)
Duración: 75 minutos
Año: 2006
Link: http://www.disney.es/FilmesDisney/bambi2/main_es.html