Comentarios personales sobre las distintas películas que irán apareciendo periódicamente en la cartelera nacional chilena. Analizaremos desde su propuesta cinematográfica hasta quienes trabajaron en ellas y les dieron vida. Eventualmente se comentarán cintas del pasado y trabajos aún sin estreno oficial.
Solo un Ingeniero en Informática que tiene al Cine como uno de sus principales pasatiempos. Quienes comparten conmigo en la vida real me conocen mejor que nadie, y con quienes desde ahora compartiré en este sitio espero tener las mejores relaciones, aunque solo sea en base al cine, que es en el fondo el motivo que nos unirá a través de este blog.
8 al 14 de Agosto Cine Hoyts San Agustín, Huérfanos y La Reina
El 2º Santiago Festival Internacional de Cine, SANFIC 2006, vuelve con fuerza y nuevos aires. La diversidad y la calidad de la programación se incrementan así como la cantidad de películas en relación a la exitosa primera versión 2005.
Con una competencia oficial internacional compuesta por primeras y segundas películas de directores de prestigio y jóvenes talentos, SANFIC 2006 se hace parte del circuito mundial de festivales entregándole al país, a su gente y a la ciudad de Santiago un espacio abierto y global, con invitados internacionales, actividades especiales como charlas y foros dictados por destacados panelistas nacionales e internacionales y una ventana para la difusión y vinculación del cine y la industria chilena con el mundo.
A esto se suma un completo panorama internacional de actuales y destacados films que representan la calidad del cine que está circulando por los 5 continentes. Asimismo, se incluyen secciones de cine francés, americano, argentino, asiático, alemán, cubano, chileno en vista de su amplia diversidad de producción y calidad a nivel mundial y por primera vez, una sección denominada “Talento Nacional” que destaca y potencia desde el cortometraje a realizadores nacionales.
En este marco, sólo me queda decir que me siento muy agradecido de todos quienes siguen confiando en esta plataforma y de quienes se sumaron para fortalecerla.
... Con un guión que no profundiza en ninguna historia, ya que lo primordial son los primeros planos de estos ídolos juveniles, bien poco puede rescatarse de este trabajo, cuya dirección tampoco obtiene un saldo a favor, probablemente porque no tuvo margen de acción frente a la línea trazada de ante mano, continuar con la campaña de marketing a favor del espacio televisivo...
Rojo, La Película
POTENCIANDO UN NEGOCIO
Confirmando los peores temores que muchos teníamos en relación a este híbrido entre musical, drama y campaña de posicionamiento televisivo, se estrenó hace pocas semanas en los cines un nuevo derivado de la marca “Rojo”, el espacio juvenil de Televisión Nacional de Chile (TVN), el canal público chileno. Se la llamó simplemente Rojo, La Película, siguiendo los pasos a la inversa del largometraje del cual se inspiró, por decirlo elegantemente, “Fame” de 1980, dirigida por Christopher Gore, la cual generó una de las series juveniles más célebres de la industria norteamericana.
Pero mientras la película “Fama” fue el génesis de las andanzas televisivas de personajes tan entrañables como Leroy Johnson, Coco Hernández o Doris Finsecker, en el caso de la criolla producción del director chileno Nicolás Acuña, su sola realización responde a un desesperado intento por mantener vigente una marca registrada del mundo televisivo, cuyo peak de audiencia ya es parte del pasado y que ahora solo aspira a mantener cautivo a su público más incondicional, francamente los únicos espectadores que podrían aplaudir a una de las producciones chilenas más deficientes del último tiempo.
Es triste reconocerlo, pero así como “Kiltro” de Ernesto Ruiz Espinoza, la primera película chilena de artes marciales, solo obtuvo éxito y figuración por lo novedoso de su propuesta, unido al abundante número de fanáticos del cine bizarro que hay en nuestro país, en el caso de este primer musical moderno que se realiza en Chile, luego de varias décadas donde se explotó este género a través del folclor de campo y de ciudad, su sola presencia en la cartelera, y el consiguiente éxito de taquilla, responde nada más que a la intensa campaña publicitaria de TVN, quienes por razones obvias no quieren ver desaparecer a su ‘gallinita de los huevos de oro’, si es que así puede llamársele a un espacio que en sus mejores momentos se posicionó como un espacio de buscatalentos y modelo para la juventud, mientras que ahora a duras penas batalla contra series animadas como “Los Simpsons”.
La historia es tan básica como cualquiera de los montajes que pueden verse en pantalla desde finales del 2002 por TVN. Solo algunas de las estrellas y ex estrellas del programa lograron quedar en el elenco, de seguro provocando sabrosos resquemores en los egos de quienes no fueron seleccionados. María Jimena Pereyra, María José Quintanilla, Mario Guerrero, Monserrat Bustamante, Yamna Lobos, Rodrigo Díaz, Daniela Castillo, Cristián Ocaranza y Nelson Mauricio Pacheco comparten honores con consagrados como Sergio Hernández, Consuelo Holzapfel, Malucha Pinto, Coca Guazzini, Mauricio Pesutic, Loreto Moya, Pablo Krogh, Fernando Gómez-Rovira y Tiago Correa. Rafael Araneda felizmente aparece solo en un par de cameos dentro de la película, ya que soportar sus gritos y su pose de 'tío conductor' hubiera sido un martirio.
Mientras la sufrida y talentosa cantante Belén (Bustamante) sin quererlo arma un triángulo amoroso con su pololo Samuel (Ocaranza), adicto a las drogas, y el amigo de este, Antonio (Guerrero), Quintanilla le da vida a una niña de La Vega, Carmencita, quien prácticamente es ella misma hace cuatro años atrás, cuando se inscribió en el programa siendo aún una niña, aunque esta vez enamorándose de Camilo, papel a cargo del bailarín Rodrigo Díaz. Por su parte, Mariana (Castillo) es una chica de clase alta que se hace pasar por pobre para no sufrir prejuicios en su contra, mientras Yamna Lobos es Ximena, amiga de Belén, y cuyo padre no quiere verla bailando en el programa. Pereyra tiene escasas apariciones como 'profesora experta', mientras que Nelson Mauri apenas balbucea unas frases, lo demás en solo acompañar las coreografías. Apoyando a este poco elaborado mosaico de historias se abocan los actores de renombre ya mencionados, destacándose un poco más Sergio Hernández como el abuelo de Ocaranza y la increíblemente poco explotada Coca Guazzini como la madre irresponsable de Bustamente, personaje al cual se le pudo sacar mucho más provecho. El peor, Mauricio Pesutic como el padre de Quintanilla, una caricatura absurda de los seguidores de la música mexicana.
Con un guión que no profundiza en ninguna historia, ya que lo primordial son los primeros planos de estos ídolos juveniles, bien poco puede rescatarse de este trabajo del director de “Paraíso B”, cuya dirección tampoco obtiene un saldo a favor, porque probablemente no tuvo margen de acción frente a la línea trazada de ante mano, es decir, continuar con la campaña de marketing a favor del espacio televisivo. Rescato las interpretaciones de Cristián Ocaranza y Montserrat Bustamante, quienes podrían ser diamantes en bruto en la actuación, diversificando así sus reconocidos talentos en la danza y el canto. El resto, completamente olvidable.
Lamentable que sea un film chileno el que siga los pasos de “El Código Da Vinci”, ya que por mucho público que atraiga a las salas, nada compensa su pobreza como propuesta. “Rojo” seguirá concitando la atención de niños, adolescentes y gente de tercera edad, pero gracias a esta película de Acuña se confirma una vez más que el espacio no es otra cosa más que un lucrativo negocio.
Mala
Ficha Técnica:
Nombre: Rojo, La Película Género: Musical Dirección: Nicolás Acuña Guión: Paula Del Fierro y Yusef Rumie Reparto: Sergio Hernández, Monserrat Bustamante, Mario Guerrero, Christian Ocaranza, Mauricio Pesutic, María José Quintanilla, Rodrigo Díaz, Loreto Moya, Daniela Castillo, Tiago Correa, Yamna Lobos, Pablo Krogh, Coca Guazzini, Consuelo Hopzapfel, María Jimena Pereira, Malucha Pinto, Nelson Pacheco Producción: Carolina Fuentes, Marcelo Ferrari y Veronika Busch Música: Cris Zalles Fotografía: Arnaldo Rodríguez Montaje: Soledad Salfate País: Chile Idioma: Español Duración: 103 minutos Año: 2006 Link: http://especiales.tvn.cl/cine/rojolapelicula/
Aunque este es un blog de cine, no quise quedarme fuera del anhelo colectivo que pide calma y prudencia para El Líbano, Israel y los territorios palestinos, naciones de las cuales hemos aprendido a conocer su cine, especialmente este año 2006.
No pidamos imposibles, nadie puede pensar que se conseguirá la paz entre árabes e israelíes en un corto o mediano plazo. Sin embargo, han habido claros intentos de acercamiento, siendo el mundo de la cultura, el arte y el entretenimiento el que más ha aportado en la misión de apaciguar los ánimos y derribar las desconfianzas.
Les dejo un link del blog La Colectividad, donde recordé a tres grandes divas israelíes de la música contemporánea, quienes han conseguido un gran éxito y reconocimiento en el mundo árabe.
... “Superman Regresa” es hasta el momento lo mejor del género de ciencia ficción en lo que va del año, por lo cual asistir a verla es un ejercicio mucho más necesario por ese solo hecho que por tratarse de un estreno ideal para las vacaciones de invierno ...
Superman Regresa
SIN NECESIDAD DE ESTRIDENCIAS
Desde 1978 que no volvía a experimentar una sensación similar frente a una producción que gira en torno al máximo superhéroe de la industria norteamericana. Así es, porque si bien se trata de una historia nacida en el mundo del comic norteamericano, y con claros signos de chauvinismo patriota, es el cine el medio que más fama le ha dado a este hombre de acero, capaz de levantar automóviles como si fuesen cojines y volar como ave por el sistema solar. Nada de fácil entonces se presentaba la tarea para el director estadounidense Bryan Singer, en quien finalmente recayó la misión de llevar a la pantalla grande este Superman Regresa, la nueva versión en cine de este verdadero clásico del celuloide, dieciocho años después que el mítico Christopher Reeve le diera vida por última vez.
El director de “X Men II” tuvo la gran virtud continuar el estilo que el norteamericano Richard Donner le imprimió a la saga que comenzó en 1978, cuando reuniendo a Reeve, Margot Kidder, Gene Hackman y Marlon Brando en los roles principales, más el popular músico John Williams en la banda sonora, le dio vida a un imperdible dentro del cine de ficción y aventuras, el mismo que hasta ahora sigue siendo un referente a la hora de evaluar el trabajo de Singer, esta vez con el producido Brandon Routh en el rol protagónico. Si Donner no abusó de la tecnología de aquella época para destrozar bajo continuos efectos especiales la historia de este super hombre de capa roja y traje azul, que se enamora, sufre y se revela contra su destino, Singer hizo lo propio este año 2006, pudiendo fácilmente haber apelado a los más grandilocuentes efectos computarizados para dejar en su segundo plano la profundidad del guión. Pero nada de esto último ocurrió, obteniendo un resultado mucho mejor al esperado.
Al joven Brandon Routh pareciera que solo su impresionante parecido físico con Christopher Reeve le bastó para adjudicarse el papel de Clark Kent, o Kal El, ya que su deficiente performance actoral queda en segundo plano gracias a la dirección de Bryan Singer y el ritmo de un guión que convierte a la trama en una historia entretenida, aunque no por eso simplona. Podemos decir entonces que, a pesar de Brandon Routh, esta nueva saga en la longeva vida de “Superman” no pierde valor dentro del cotizado cine de ficción, el que sigue congregando a raudales a las masas, aunque no siempre entregando productos de calidad. Basta recordar el fiasco de "Los Cuatro Fantásticos" el año pasado. Y es que Bryan Singer, quien además participó en la elaboración del guión, logró seguir un hilo coherente y atractivo en esta historia donde el superhéroe retorna al Daily Planet, bajo la identidad de Clark Kent, después de cinco años de ausencia y sin dejar ningún rastro de su paradero.
Su eterna enamorada Lois Lane (Kathe Bosworth), personaje que tampoco sobresale más allá que por la belleza y el ángel de Bosworth, ahora acaba de ganar el premio Politzer y es una madre soltera, cuyo hijo Jason (Tristan Lake Leabu) ya tiene precisamente cinco años. Lois además mantiene un contacto frecuente con el padre de Jason. Por otra parte, el mundo se ha vuelto un caos desde la partida de Kal El, quien finalmente retornó de su viaje personal por el cosmos, donde intentó saber quién era realmente y cuál era su verdadero lugar en el Universo. Mientras, el archienemigo de Superman, Lex Luthor (Kevin Spacey), se ha apoderado de grandes secretos del hombre de acero tras dar con el paradero del lugar donde Kar El aprendía los secretos de Krypton, enseñanzas que Luthor intentará poner en práctica estando en libertad, con el único fin de provocar destrucción y someter al planeta.
Quisiera detenerme en este punto para destacar lo que a mi modo de ver es lo mejor de esta producción, recrear un escenario totalmente distinto a lo conocido pero sin caer en el sin sentido dentro de esta historia de ficción, manteniendo la misma línea argumentativa que inició Richard Donner a finales de los años setenta, la misma que humanizó a través de Christopher Reeve a un héroe que en el comic más parecía una máquina ultraperfecta, muy lejos del inofensivo Clark, cuyas características altruistas permanecían casi intactas una vez que se desprendía de las ropas del periodista para aparecer como el hombre de acero.
Ahora nuevamente son los sentimientos y el deseo de cambiar las circunstancias las que mueven el quehacer de este poderoso protagonista, aún en medio de situaciones que lo hieren en lo más profundo. Pero ahí es donde entra en escena el personaje de Kevin Spacey, que tal como con Gene Hackman en 1978, es el mejor logrado de todos, ya que a pesar de todo ese cinismo y frialdad junto a sus secuaces, a ratos tiene chispazos de humor que lo hacen empatizar de una u otra manera con buena parte del público. Así las cosas, todo vuelve a ser como antes para Superman, debiendo hacerle frente al mismo tiempo a sus dos nuevas realidades, el peligroso retorno de Luthor y la sorpresiva lejanía de Lois, aunque esta última nunca pudo olvidarlo, menos aún cuando lo que los une es un vínculo mucho más fuerte que una ex relación.
“Superman Regresa” es hasta el momento lo mejor del género de ciencia ficción en lo que va del año, por lo cual asistir a verla es un ejercicio mucho más necesario por ese solo hecho que por tratarse de un estreno ideal para las vacaciones de invierno. Kevin Spacey una vez más da claras muestras de porqué los antagonistas deben ser excelentes actores para equilibrar historias como esta, donde se puede tener a un carismático pero mal actor dándole vida al héroe de turno, pero sin echar por la borda al guión. Pero lo más importante de todo, es que a pesar de contar con excelentes efectos especiales, secuencias impresionantes y una fotografía de primer nivel, la historia de esta nueva saga no decae en ningún momento, convirtiendo al factor sorpresa en el mejor de sus aliados.
Un gran estreno que tiene el mérito de volver a reivindicar a los superhéroes sin abusar del talento de los desarrolladores informáticos, muchas veces los peores enemigos de los guionistas, ya que pueden destrozar historias potentes bajo el cuestionable pretexto de impresionar a los espectadores. “Superman Regresa” sigue entonces los pasos de “Spiderman” y la última entrega de “Batman”, dos rivales que no solo en las historietas le compiten, sino también en sus adaptaciones al cine.
Muy Buena
Ficha Técnica:
Nombre: Superman Regresa (Superman Returns) Género: Ciencia Ficción Dirección: Bryan Singer Guión: Michael Dougherty y Dan Harris. Basado en un texto de Bryan Singer, Michael Dougherty y Dan Harris, inspirados en el clásico comic "Superman" de Jerry Siegel y Joe Shuster Producción: Jon Peters, Bryan Singer y Gilbert Adler Reparto: Brandon Routh, Kevin Spacey, Kate Bosworth, James Marsden, Frank Langella, Eva Marie Saint, Parker Posey, Sam Huntington, Kal Penn, Peta Wilson, Tristan Lake Leabu, Marlon Brando Fotografía: Newton Thomas Sigel Música: John toman Vestuario: Louise Mingenbach Montaje: John Ottman y Elliot Graham País: Estados Unidos Idioma: Inglés Duración: 154 minutos Año: 2006 Link:http://supermanreturns.warnerbros.com/
... Bill Murray es un punto algo más bajo en "Flores Rotas" por lo repetido de su performance, un personaje que se le está haciendo demasiado habitual. En un año donde las actuaciones masculinas han opacado claramente a las femeninas, Murray simplemente decepciona, a mí por lo menos ...
Flores Rotas
PADRE POR SORPRESA
Finalmente hace un par de semanas llegó a Chile la gran ganadora del Festival de Cannes 2005, Flores Rotas, del mismo director de “Coffee and Cigarettes”, Jim Jarmusch. Se trata de otro de los films que arribaron a nuestra cartelera con un sin número de expectativas, las cuales en buenas cuentas serán los únicos parámetros que nos indicarán si levantamos el pulgar, lo bajamos o simplemente no sabremos qué hacer, o qué decir.
Personalmente esperé por un año este estreno y mis expectativas eran tremendamente altas, pese a no tener a Jim Jarmusch entre mis directores predilectos, sin embargo, la sola presencia del carismático Bill Murray, quien en esta década ha protagonizado dos de los más notables títulos de la industria estadounidense, “Lost in Translation” y “Vida Acuática”, era el gancho suficiente para pagar mi entrada y esperar de este trabajo quizás lo mejor que haya visto este año 2006. Pero las expectativas en mi caso fueron tal vez desmesuradas, ya que en absoluto quedé con la sensación de haber presenciado la que, probablemente para muchos, será la mejor producción de esta temporada.
Empiezo por lo que menos me agradó, increíblemente el propio Bill Murray. Por momentos sentí que estaba viendo exactamente al mismo Bob Harris que se entusiasmaba poco a poco con Scarlett Johanson en la recordada cinta de Sofia Coppola, y es que este Don Johnston, el personaje central que interpreta Murray, y cuyo nombre burdamente hace referencia al ex protagonista de Miami Vice, por momentos me resultó tedioso, ya que es lo mismo que le hemos visto ya varias veces a este gran comediante norteamericano, y siendo esta una película claramente piramidal, con el personaje de Murray cargando con todo el peso de la historia, el resultado final al menos no fue el que yo esperaba. Bill Murray lamentablemente se quedó pegado en el sujeto bucólico con cara de perdedor que logra esbozarnos sonrisas de vez en cuando. Sin embargo, todo cansa cuando deja de haber novedad.
Ahora bien, no se puede juzgar una película solo por su personaje principal, más aún cuando el guión y la dirección tienen mucho que decir en esta historia, que comienza cuando una de las últimas parejas de este empedernido solterón, Sherry (Julie Delpy) lo abandona luego de aburrirse de él. Pero al poco tiempo llega a sus manos una carta que lo perturba, una misiva en color rosa que le indica que una de sus ex novias tuvo un hijo de él, ahora con diecinueve años, y que probablemente irá en su busca. Johnston luego de esta noticia, persuadido por su amigo Winston (Jeffrey Wrigth) y contraviniendo su propia falta de compromiso con la vida y los seres que le rodean, inicia él mismo dicha búsqueda, reencontrándose con las mujeres que alguna vez fueron sus grandes amores, y posibles autoras de la carta.
Irán apareciendo entonces grandes actrices norteamericanas y británicas que darán vida por breves minutos a mujeres muy disímiles entre sí, pero que sin embargo las une un único pasado, Don Johnston. Una por una la desinhibida Laura (Sharon Stone), la reprimida Dora (Frances Conroy), la mística Carmen (Jessica Lange) y la agresiva Penny (Tilda Swinton) serán las encargadas de darle pistas a Don luego de reencontrarse con ellas tras largos años de distanciamiento, aunque este ingenuamente piensa que con un romántico ramo de flores podrá hacer como si nada.
Más allá de encontrar o no a quien le escribió la famosa carta, lo que Jarmusch deja como epílogo en “Flores Rotas” es la tremenda necesidad de este sorprendido Don Juan de sentirse valorado por él mismo, descubriendo lo mucho que realmente quiere ser y sentirse como un padre, pese a haber sido toda la vida un irresponsable.
Se trata de un gran guión, definitivamente lo mejor de esta galardona producción con excelentes actuaciones secundarias, todas femeninas por su puesto, donde una vez más Jessica Lange sobresale del resto, siendo ya hora de volver a verla en un protagónico de real peso. En segundo lugar destaco la dirección del norteamericano Jim Jarmusch, al menos para mí lo mejor que le he visto hasta ahora. Sin embargo, insisto que Bill Murray es un punto algo más bajo por lo repetido de su performance, un personaje que se le está haciendo demasiado habitual. En un año donde las actuaciones masculinas han opacado claramente a las femeninas, Murray simplemente decepciona, a mí por lo menos.
“Flores Rotas” no será un título excelente, pero al menos es un gran trabajo que merece verse, ya que es una perspectiva distinta al estrujado tema de la paternidad y al descubrimiento de necesidades ocultas que cada hombre lleva dentro, por más que este último no quiera verlas.
Muy Buena
Ficha Técnica:
Nombre: Flores Rotas (Broken Flowers) Género: Comedia Dramática Dirección: Jim Jarmusch Guión: Jim Jarmusch Reparto: Bill Murray, Jeffrey Wright, Sharon Stone, Frances Conroy, Jessica Lange, Tilda Swinton, Julie Delpy, Christopher McDonald, Chloë Sevigny, Mark Webber Producción: Jon Kilik y Stacey Smith Fotografía: Frederick Elmes Música: Mulatu Astatke Montaje: Jay Rabinowitz País: Estados Unidos Idioma: Inglés Duración: 106 minutos Año: 2005 Link:http://www.brokenflowersmovie.com/home.html
... Eytan Fox es un director a tener en cuenta, ya que en este trabajo al menos supo darle una lógica continuidad a un guión que fácilmente pudo perderse en el sin sentido o en el drama más efectista, elementos que están muy lejos de encontrarse en este gran retrato de la desconfianza y el dolor que puede vivir un israelí ...
Caminando sobre el Agua
OTRO ROSTRO DE ISRAEL
Especial 4ª Muestra de Cine Israelí en el Cine UC
Una buena manera de ir conociendo el cine de Medio Oriente, más específicamente el cine israelí, es asistir a la actual selección de producciones cinematográficas del país hebreo que en estos momentos se está exhibiendo en el Cine UC. Desde el 6 hasta el 20 de Julio se presentarán en nuestro país cuatro cintas del cine israelí que tendrán como misión enseñarnos no solo la realidad política y social de una de las naciones que más conflictos enfrenta en estos momentos. La misión de esta muestra es darnos a conocer las diferentes temáticas y enfoques que connotados directores judíos han plasmado en trabajos de primer nivel, y que raramente podemos apreciar en nuestra cartelera.
Esta selección comenzó con una de las películas que más pergaminos ha reportado a la industria israelí, Caminando sobre el Agua, del director Eytan Fox, y que ostenta entre sus logros el Israelí Academy World del 2004, más haber quedado en la selección oficial de festivales como el de Berlín y Toronto de ese mismo año. Aunque pueda parecer un mero intento por contrapesar a la excelente “Paraíso Ahora” del palestino Hany Abu Assad, lo cierto es que la cinta del israelí Eytan Fox, con muchos más recursos por cierto, es un claro ejemplo que las percepciones de ambos bandos, al menos en términos cinematográficos, apuntan a lo mismo, a desnudar los elementos más íntimos y discutibles en el accionar de ambos pueblos en conflicto.
Si para Abu Assad su mirada tenía que centrarse en todas las aristas que entretejen el reclutamiento de jóvenes milicianos dispuestos a inmolarse en suelo judío, para Fox en “Caminando sobre el Agua” no hay espacio para nacionalismos trasnochados ni para ese irritante pragmatismo que suele justificar muchas veces lo injustificable. La trama que da vida a este sorprendente trabajo se centra en un atormentado agente secreto del Mossad, Eyal (Lior Ashkenazi), quien tras una de sus misiones en Estambul, y el posterior suicidio de su esposa, tiene serios problemas para continuar con su trabajo. Sin embargo, recibe una última orden que lo mantendrá en la disyuntiva, aunque de todos modos termina cumpliéndola.
Por una parte, ya no se siente capaz de continuar con la dura tarea de un agente secreto, especialmente debido a su inestabilidad emocional, pero por otra, esta nueva misión consiste en uno de los máximos anhelos de las generaciones judías post Segunda Guerra Mundial: dar con el paradero de un ex criminal nazi.
Eyal, quien a través de su madre supo de primera fuente todos los horrores del Holocausto, comienza a actuar como un guía profesional para espiar a Pia Himmelman (Caroline Peters), una rubia y atractiva alemana que tras alejarse de su familia en Berlín se recluta como trabajadora en uno de los kibbutz de Israel. El Mossad tiene información que Pia es nieta de Alfred Himmelman, el ex oficial nazi al que esperan capturar y que presumen saldrá de la clandestinidad cuando su hijo, el padre de Pia, celebre su cumpleaños. Sin embargo, también hace irrupción en suelo israelí Axel (Knut Berger), el hermano menor de Pia, quien intenta que ella regrese a casa, al menos para estar presente en la fiesta familiar.
Ahora bien, Axel ignora la causa que motivó el quiebre de Pia con su padre, hasta que es ella misma quien se lo confiesa, ignorando que están siendo escuchados por los hombres del Mossad, luego que Eyal instalara micrófonos ocultos. Pero hay otro hecho que volverá a ocasionar un vaivén en la misión de Eyal, ya que este entabla amistad con el liberal y sociable de Axel, con quien incluso visitan el Mar Muerto, famoso por la leyenda de Cristo caminando sobre las aguas. La personalidad del joven alemán le hace ver al duro Eyal lo bello y amable que hay en el mundo, aunque todo vuelve a foja cero cuando Axel hace evidente su homosexualidad, incluso con un joven de origen palestino, quien en una de las escenas le enrostra abiertamente al intolerante israelí la constante victimización en que viven los judíos.
Solo hasta que el Mossad le ordena a este “liquidador” oficial que se traslade a Alemania para terminar con su misión, la historia se vuelca con mayor fuerza hacia la lucha interna que hay dentro de Eyal, quien pese a sus resquemores va descubriendo que el joven alemán es mucho más que un gay de vida relajada. De hecho, su confrontación con tres neonazis que golpean a sus amigos homosexuales marca un antes y un después en la relación de ambos hombres, debido a lo cual Eyal verá muy difícil terminar con una tarea que antes hubiera realizado con total agrado.
No conozco el cine de Eytan Fox, aunque entre sus referencias está su primera película “Song of the Siren” del año 2001, más otras producciones para televisión, sin embargo, siendo la dirección el principal motor en una película de estas características, donde a pesar de la ficción lo que se busca es dar un repaso al alma humana en medio de situaciones contingentes, queda claro que Fox es un director a tener en cuenta, ya que en este trabajo al menos supo darle una lógica continuidad a un guión que fácilmente pudo perderse en el sin sentido o en el drama más efectista, elementos que están muy lejos de encontrarse en este gran retrato de la desconfianza y el dolor que puede vivir un israelí.
No es frecuente el cine israelí en suelo chileno, aunque el palestino y árabe en general lo es mucho menos, sin embargo vale la pena detenerse en un film como este “Caminando sobre el Agua”, el que perfectamente podría llegar a nuestra cartelera en los próximos meses para transformarse en otro de los títulos del Medio Oriente que refresquen nuestra visión sobre el cine de esa región del mundo. Ojala que este excelente trabajo y los otros títulos presentes en esta selección del Cine UC no se queden solo en eso, en una muestra. Sería lamentable.
Excelente
Ficha Técnica:
Nombre: Caminando sobre el Agua (Lalejet Al Hamaim / Walk on Water) Género: Drama Dirección: Eytan Fox Guión: Gal Uchovsky Reparto: Lior Ashkenazi, Knut Berger, Caroline Peters, Gideon Shemer, Carola Regnier, Hanns Zischler, Ernest Lenart, Eyal Rozales, Yusef 'Joe' Sweid Producción: Amir Harel, Gal Uchovsky y Eytan Fox Música: Ivri Lider Fotografía: Tobias Hochstein Montaje: Yosef Grunfeld Vestuario: Rona Doron y Peter Pohl País: Israel Idioma: Inglés, Hebreo, Alemán Duración: 105 minutos Año: 2004 Link:http://www.walkonwatermovie.com/
Programación 4ª Muestra de Cine Israelí en el Cine UC:
6, 7, 8 y 9 julio Caminando sobre el agua, dirigida por Eytan Fox 10, 11, 12 y 13 julio Final del mundo a la izquierda, dirigida por Avi Nesher 14, 15, 16 y 17 julio Bonjour Monsieur Shlomi, dirigida por Shemi Zarhin 18, 19 y 20 julio The Trouppe, dirigida por Avi Nesher
Sala Cine UC, Centro de Extensión, Pontificia Universidad Católica de Chile Alameda 390. Domingos a viernes 16, 19 y 21:30 horas, Sábados 19 y 21:30 horas. Entrada general $ 2000, convenios, adultos mayores, alumnos y ex alumnos $ 1500.- Club lectores Mercurio 2x1
Bonus Track:
Aunque en la cinta "Caminando sobre el Agua" se mencionan a grandes intérpretes israelíes, como Esther Ofarim y la cantante transexual Dana International, mis favoritas siguen siendo Ishtar, la vocalista del grupo Alabina, y la tristemente desaparecida Ofra Haza, quien además fue actriz en Israel, y de cuya discografía quiero volver a recordar su gran éxito Im Nin'Alu, esta vez en video.
Intérprete:Ofra Haza Título:Im Nin'Alu Álbum:Shaday Año:1988 País: Israel
... Este género es realmente impecable cuando sabe presentarse, y vaya que Costa-Gavras supo sacarle provecho a su estilo, el de denuncia, para darle un toque personal a esta “Corporación”, que mezcla reflexión, risas y drama en medio de un debate que cada vez se hace más fuerte en nuestra sociedad ...
La Corporación
NO IMPORTA JUSTIFICARSE
Costa-Gavras, a estas alturas uno de los directores europeos más reconocidos a nivel internacional, y en cuya filmografía figura un trabajo con mucha sintonía con lo que fue nuestro oscuro pasado reciente, “Missing” de 1982, el sobrecogedor drama protagonizado por Jack Lemon y Sissy Spacek que recreó la desaparición del periodista norteamericano Charles Horman, torturado y asesinado en el Estadio Nacional en 1973 por los servicios secretos de la dictadura de Augusto Pinochet. Pues bien, este mismo director griego nos presenta ahora, tres años después de su último trabajo, el impactante “Amen”, una nueva propuesta que dará bastante que hablar en muchas esferas, pues se trata de otra historia donde lo más oscuro del ser humano sale a flote producto del sistema imperante, sin duda, el ente hacia donde más apunta la crítica social de este director.
Esta vez no estamos dentro del contexto político de un país del tercer mundo, ni mucho menos dentro de una trama lineal. En La Corporación, a través de una comedia negra que saca sonrisas y hasta carcajadas en varios de sus pasajes, Costa-Gavras nos hace un descarnado retrato de uno de los aspectos más dolorosos y angustiantes de la nueva economía mundial, y que es ni más ni menos que el drama del desempleo, el que se agudiza todavía más cuando quienes lo sufren han pasado la barrera de los cuarenta años.
Con una genial interpretación del actor galo de origen español José García, quien le da vida a Bruno Davert, un alto ejecutivo en una empresa dedicada al negocio del papel, este drama del desempleo que busca retratar Costa-Gavras queda excelentemente expuesto en esa irrisoria dicotomía que significa, por un lado, ser premiado por los largos años de servicio, mientras que por otra, es el preámbulo de un despido que puede durar un tiempo considerable. En el caso del autosuficiente Bruno, quien a pesar de todo se fue a su casa con una suculenta indemnización, el descanso forzado lleva ya tres años. Es obvio que Davert está forzado a torcer este angustiante destino.
La trama de este film comienza de manera muy gráfica, cuando en medio de la noche el atormentado protagonista arrolla con su vehículo a un posible rival que está en busca de empleo. No es la primera vez que Bruno Davert asesina por esta causa, pues ya lo venía haciendo por varias semanas, luego de obtener fraudulentamente los currículums de sus ‘rivales’ mediante un falso anuncio. Es a partir de ese momento que los remordimientos y el deseo de suicidarse por haber caído tan bajo van presentando la dura realidad que ha debido sortear Davert tras su despido, entre ellas, la falta de comunicación con su esposa Marlene (Karin Virad), su desastroso rol de padre, y la imposibilidad de conseguir empleo, pese a asistir a todas las entrevistas.
Pero Davert, más rápido de lo que cualquiera podría imaginarse, deja atrás el sentimiento de culpa y asume que su nueva condición de asesino se justifica plenamente, pues para él su familia está primero y él debe mantenerlos felices y tranquilos a como de lugar. Así queda reforzado cuando junto a su esposa encubre un serio delito cometido por su hijo, dando claras muestras de haber adquirido ya una personalidad criminal con mucha lucidez, y en especial, cuando le reconoce a viva voz a un terapeuta familiar, frente a Marlene, que su vida está desecha producto de la falta de empleo. Así entonces, su obsesión por quedarse con el cargo que le quita el sueño, en la Corporación Arcadia, se transforma en su único leit motiv, por el cual está dispuesto a todo, tal como lo ha venido mostrando con su particular e impresionante sangre fría.
Este género es realmente impecable cuando sabe presentarse, y vaya que Costa-Gavras supo sacarle provecho a su estilo, el de denuncia, para darle un toque personal a esta “Corporación”, que mezcla reflexión, risas y drama en medio de un debate que cada vez se hace más fuerte en nuestra sociedad. Además del sello de su director, esta sorprendente sátira con humor negro se transforma en un gran título para este 2006 gracias a la brillante actuación de José García, más una magnifica edición y un guión inteligente y muy bien estructurado. De lo mejor que he visto de Costa-Gavras.
Excelente
Ficha Técnica:
Nombre: La Corporación (Le Couperet) Género: Comedia Negra Dirección: Costa-Gavras Guión: Costa-Gavras y Jean-Claude Grumberg. Basado en la novela "The Ax" de Donald E. Westlake Reparto: José Garcia, Karin Viard, Geordy Monfils, Christa Theret, Olivier Gourmet, Ulrich Tukur, Yvon Back, Thierry Hancisse, Olga Grumberg Producción: Michèle Ray-Gavras Música: Armand Amar Fotografía: Patrick Blossier Montaje: Yannick Kergoat País: Bélgica, Francia, España Idioma: Francés Duración: 118 minutos Año: 2005 Link:http://www.commeaucinema.com/sitesphp.php3?site=37206
En homenaje al joven director uruguayo Juan Pablo Rebella, tristemente fallecido el pasado jueves 6 de Julio, les dejo este comentario que hice sobre la cinta uruguaya "Whisky" en julio del año pasado. En mi opinión, compartida por muchos, la mejor película del año 2005 que pasó por nuestra cartelera.
Juan Pablo Rebella (1974 - 2006)
... Sin duda, situaciones que retratan la estupidez humana de la manera más sutil y que provocan las naturales carcajadas entre quienes ofician de público. Es el grotesco retrato de muchos de nosotros, queramos o no reconocerlo...
Whisky
EL JOLGORIO DEL LETARGO
Así tal cual. Un contradictorio doble sentido explica de la manera más óptima a una de las mejores comedias de humor del absurdo que han pasado por nuestra cartelera, y que difícilmente no dejará huellas entre quienes asistan a verla. De hecho, los premios que ha conseguido en diferentes festivales alrededor del mundo, destacando el Goya de España el año 2005 y una nominación al Oscar como mejor película extranjera, dan cuenta de un criterio común que hace de esta película una obra tan particular. Realizada sorprendentemente con un mínimo de recursos consigue interpretar a cualquier individuo que esté en la butaca presenciándola, ya que su contenido es universal.
Nadie dejará de deleitarse con una continua secuencia de hechos cotidianos que revelan la ridiculez en que los seres humanos podemos caer cuando llegamos a ser tan obvios, rutinarios y cobardes por no vivir la vida a plenitud. Y lo más sorprendente aún, gracias a un guión que podría ser rotulado de lento, pero en ningún caso de aburrido. Cuando caemos en lugares comunes, en frases hechas y en un mundo interior tan pobre e insípido, definitivamente no necesitamos la nariz roja ni la peluca para hacer reír a los demás. Lo malo es que difícilmente nos damos cuenta de ello y la mayor parte del tiempo somos el hazmerreír sin pretender serlo, muy a nuestro pesar. Esa es la lección que nos deja Whisky, la cinta uruguaya que los directores Juan Pablo Rebella y Pablo Stoll comenzaron a dar vida en un frío invierno del año 2003 en Montevideo.
Con esta película Rebella y Stoll han conseguido un reconocimiento que solo se explica al contemplar la cinta en medio de un público que no para de reír con tres personajes inolvidables, Jacobo Köller (Andrés Pazos), Marta (Mirella Pascual) y Herman Köller (Jorge Bolani). El primero de ellos, un aburrido y aletargado pequeño industrial de origen judío, que ante la inminente llegada de su hermano desde Brasil recurre a su abnegada empleada (Marta), la cual oficia de supervisora en su fábrica de medias. Jacobo se ha convertido prácticamente en un ermitaño, el que pareciera vivir feliz en medio de la rutina y el gris de su anquilosada fábrica, mientras que Marta se ha transformado en su símil femenino ante el continuo ritmo de trabajo y el letargo en que ha caído su relación con Jacobo.
Basta solo con mirar los rostros, gestos y actitudes de ambos para empezar a esbozar las primeras sonrisas a causa de estos dos entes tan apagados, así como hilarantes. Al cumplirse entonces un año de la muerte de la madre de Jacobo, los ritos hebreos provocan la irrupción de Herman en Montevideo, quien producto del sentimiento de culpa decide visitar a su hermano solterón, para al menos intentar enmendar en algo el abandono en que por 20 años lo alejó tanto de él como de su progenitora. 20 años es también el tiempo en que Marta se ha transformado en el brazo derecho de Jacobo en la casi arruinada fábrica.
Pero lo que Herman ignora es que Jacobo no estará dispuesto a seguir siendo el hermano fracasado delante de él, y recurrirá a una artimaña junto a Marta que solo la lealtad a toda prueba de esta última podría justificar. Jacobo le hará creer a Herman que Marta es su esposa, y para ello la hace ir a convivir junto a él por un par de días, mientras el jovial y canchero Herman esté como huésped en su casa.
Sin embargo, tras la ceremonia de la lápida de su madre (el matzeiva), Herman consigue que el “matrimonio” lo acompañe a la playa de Piriápolis, donde su carácter, diametralmente opuesto al del frío y rutinario Jacobo, poco a poco comienza a deslumbrar a Marta, provocando que su hermano nuevamente vuelva a sentirse un fracasado frente a él. Así entonces, antes que la farsa termine todo comienza a volver a la normalidad para Jacobo, pero no así para Marta.
Definitivamente son notables los momentos en que los directores acentúan más el carácter de cada uno de los personajes, como cuando Marta recurre a sus manidas frases como “Hasta mañana si Dios quiere”, cuando Herman pretende hacerse el gracioso frente a ella contando un chiste de judíos, o la mejor de todas, cuando los tres departen callados, sentados el uno junto al otro en un restaurante, mientras una insoportable niña se las da de cantante para deleitar a sus padres. Sin duda, situaciones que retratan la estupidez humana de la manera más sutil y que provocan las naturales carcajadas entre quienes ofician de público. Es el grotesco retrato de muchos de nosotros, queramos o no reconocerlo.
Brillante, un gran título con un guión excepcional, que vale la pena volver a ver una y otra vez. Soberbias actuaciones de los actores principales, los tres por igual en cada una de sus caracterizaciones. Uruguay no se destaca por ser un país donde se pueda hacer cine, pero acá encontramos a una excelente excepción, que aunque con ayuda de capitales argentinos, españoles y alemanes, al menos no necesitará que sus realizadores tengan que forzar un jocoso ¡Whisky! ante una cámara fotográfica, para inmortalizarse como uno de los grandes no solo del año 2005, sino de toda esta década.
Excelente
Ficha Técnica:
Nombre: Whisky Género: Comedia Dramática Formato: DVD Dirección: Juan Pablo Rebella y Pablo Stoll Guión: Juan P. Rebella, Pablo Stoll y Gonzalo Delgado Reparto: Andrés Pazos, Mirella Pascual, Jorge Bolani, Ana Katz, Daniel Hendler Producción: Fernando Epstein Diseño Gráfico: Luis Bellagamba Fotografía: Bárbara Álvarez Montaje: Fernando Epstein Vestuario: Adelaida Rodríguez Música: Pequeña Orquesta Reincidentes País: Uruguay Idioma: Español Duración: 95 minutos Año: 2004 Link:http://www.whisky.com.uy
