Por Puro Amor - 'Las Estaciones del Dolor' (Jornadas de Cultura Coreana en el Cine UC)

... si te lo pierdes, eres el único responsable...

Bae Chang-Ho, Kim Ki-Duk y Park Chan-Wook

A continuación, la película que dio inicio a estas Jornadas de Cultura Coreana en el Cine UC: Por Puro Amor, de Bae Chang-Ho



... Aunque sea difícil encontrar este trabajo en las tiendas de arriendo más conocidas, no es una tarea en vano buscar y encontrar este importante título de la filmografía de Corea del Sur...

Por Puro Amor

LAS ESTACIONES DEL DOLOR

La cinta que inauguró la actual Jornada de Cultura Coreana en el Centro de Extensión de la Universidad Católica de Chile, Por Puro Amor, es la decimoquinta producción del destacado director Bae Chang-Ho, quien a través de su esposa, la excelente actriz Kim Yoo-mi, nos presenta una conmovedora mirada hacia el esfuerzo y superación de la mujer en ese lejano país, a comienzos del siglo XX.

Ahora bien, el guión co-escrito entre Chang-Ho y Yoo-mi, tiene una peculiaridad que no dejará indiferente a ninguno de los seguidores de otro importante director coreano, Kim Ki-Duk, puesto que entre quienes se declaran sus detractores existe una curiosa visión que para muchos de nosotros, que no somos consumidores habituales del cine de Corea del Sur, nos resulta sorprendente por decir lo menos. A Kim Ki-Duk se le acusa de plagiar ideas de algunos de sus colegas directores. Y la verdad sea dicha, llama bastante la atención la sorprendente similitud entre “Primavera, Verano, Otoño, Invierno… y otra vez Primavera” del año 2003, el más popular de los trabajos de Ki-Duk, con este “Por Puro Amor” de Chang-Ho, del año 1999.



No haré juicios al respecto, porque desconozco si la comparación entre ambas producciones ha alimentado los comentarios en contra de Kim Ki-duk, pero me es imposible no abordar este punto a través de estas líneas, puesto que cualquiera que vea esta producción protagonizada por Kim Yoo-mi, o que simplemente quiera averiguar sobre ella, no dejará de rememorar la evolución de los personajes centrales a través de distintas estaciones del año. Pues bien, nosotros ya conocimos los cambios estacionales que experimentó un joven discípulo budista, a través del “Primavera, Verano…”, convirtiendo a esa historia en una de las mejores del año 2005. Ahora en cambio, vemos que dicho recurso se utilizó en “Por Puro Amor” cuatro años antes, en medio de una trama de hondo contenido dramático, bastante alejada del cine de fábula.

La historia nos cuenta la dura existencia de una mujer coreana, Sun Yi (Kim Yoo-mi), quien en la década del 20 es obligada a casarse, a los dieciséis años, con un niño de diez. Su sufrimiento simplemente cambia de hogar, porque claramente pasó del yugo de su familia sanguínea al de la familia de su infantil marido. Es verano, y desde los golpes y humillaciones que debe afrontar a manos de su suegra, pasamos al otoño, cuando ya es una mujer joven, aunque estéril, y decide abandonar el hogar, dejando atrás a una suegra déspota y a un esposo que debe vivir el amor, el verdadero amor, con una mujer rechazada por su madre, aunque comprendida por la propia Sun Yi.



La fortaleza de esta mujer es inmensa, tanto así que pese a vivir sola despierta la admiración de un bonachón artesano, interpretado por el actor Kim Myeong-Gon, quien fabrica hermosas vasijas y termina por pedirle matrimonio, aunque esta vez habiendo amor de por medio. Sin embargo, la tragedia volvería a recordarle que su destino aún no la libera del sufrimiento, es así entonces como el duro invierno vuelve a presentarla años después nuevamente sola, pero esta vez socorriendo a una joven mujer, rol a cargo de la hermosa Yun Yu-Seon, quien además está a cargo de un lactante.

Víctima del hambre y la desesperación la afligida joven termina llegando donde Sun Yi, y es en esta etapa donde la protagonista, tras años de penuarias, se apiada de esta otra víctima de una sociedad donde el desprecio hacia las mujeres era pan de todos los días. Finalmente la primavera, última estación del año, nos presenta a Sun Yi ya mayor, interpretada aún por Kim Yoo-mi, dejándonos claro que ella debió hacerse cargo del pequeño que huía junto a su madre, ahora convertido en un espigado estudiante universitario.



“Por Puro Amor” es una cinta que reivindica nuevamente el rol de la mujer en medios hostiles, específicamente apuntando al espíritu de superación y de esfuerzo, ese que se vuelve instantáneo al momento de haber sentimientos de por medio. Esa es la explicación que permite comprender que Sun Yi no luchara por reconquistar a un marido que a la larga le fue impuesto, que luego diera todo de sí para salir adelante junto al artesano, y finalmente se hiciera cargo de un menor inocente, al punto de convertirlo en su propio hijo y en un hombre de provecho.

Esta es una excelente exponente del cine coreano, con un guión que efectivamente permite comprender una parte de la cultura de un país del que poco sabemos, pese a tener una colonia numerosa en nuestra capital. Los elementos técnicos de “Por Puro Amor” también son distintivos del cine de Oriente, específicamente por medio de una fotografía de primer nivel, unida a una musicalización acorde con cada una de las secuencias que retratan el carácter de Sun Yi, un rol interpretado magistralmente por Kim Yoo-mi.

Aunque sea difícil encontrar este trabajo en las tiendas de arriendo más conocidas, no es una tarea en vano buscar y encontrar este importante título de la filmografía de Corea del Sur. Y si bien “Primavera, Verano, Otoño, Invierno… y otra vez Primavera” también estará presente en esta muestra, más allá de la polémica, lo realmente importante es disfrutar y conocer una de las filmografías más importantes y respetadas de la actualidad, y que el Cine UC felizmente pone a disposición de todo el público de Santiago.


Excelente






Ficha Técnica:

Nombre: Por Puro Amor (Jeong / My Heart)
Género: Drama
Dirección: Bae Chang-Ho
Guión: Bae Chang-Ho, Kim Yoo-mi
Reparto: Kim Yoo-mi, Kim Myeong-Gon, Yun Yu-Seon, Nam Jeong-Hee, Kim Jong-Ku, Cheng In-Ha, Choi Sook-Jin, Kim Seung-Soo, Kang Ki-Hwa
Producción: Bae Chang-ho
Música: Lee Seong-jae
Fotografía: Song Haeng-ki
Montaje: Kim Hyun
País: Corea del Sur
Idioma: Coreano
Duración: 114 minutos
Año: 1999
Link: http://www.subwaycinema.com/frames/archives/kfest2001/myheart.htm


Programación Cine Coreano en el Centro de Extensión de la UC:

21, 22, 23 septiembre
Por Puro Amor de Bae Chang-ho

24, 25, 26 septiembre
Primavera. Verano, Otoño, Invierno... y otra vez Primavera de Kim Ki-Duk

27, 28, 29 y 30 septiembre
Área de Seguridad Compartida de Park Chan –Wook


Más información en el sitio web de Cine UC




"Primavera, Verano, Otoño, Invierno... y otra vez Primavera" de Kim Ki-Duk, séptimo lugar entre lo mejor del 2005

Glenn Ford - 'Muere Otro Gran Icono'

... otro ídolo de infancia que quedará en el recuerdo...

GLENN FORD

(1916 - 2006)

Aunque la trágica muerte del biólogo y presentador de televisión australiano Steve Irwin, "El Cazador de Cocodrilos", acaparó todas las portadas noticiosas desde el día 4 de Septiembre pasado, hubo otro deceso pocos días antes, el miércoles 30 de Agosto, que enlutó a toda la cinematografía internacional. Ese día, a la edad de 90 años falleció uno de lo máximos ídolos masculinos de la Edad de Oro del cine estadounidense, me refiero al rudo y carismático Glenn Ford.

Ford, cuyo verdadero nombre era Gyrylyn Samuel Newton Ford, nació en Quebec, Canadá, y solo a los ocho años emigró a los Estados Unidos debido al traslado de su padre por motivos de trabajo. Desde niño mostró interés por el oficio de actor y ya adolescente formó parte de la compañía itinerante West Coast. Su primer rol en las ligas mayores lo obtuvo en 1939 en el film Heaven with a barbed wire fence, del director Ricardo Cortez, producción a cargo de la poderosa 20Th Century Fox.


A continuación, una escena clásica en otro de los films que inmortalizaron a Glenn Ford:

Glenn Ford y Gloria Grahame en "Human Desire" (1954)

De ahí en adelante la carrera cinematográfica de este nuevo símbolo de la masculinidad estaría llena de roles donde Ford compartiría con hermosas actrices y otros grandes actores y directores norteamericanos, tanto en cintas de acción, drama e incluso westerns.

Estas son solo algunas de las películas dentro de toda su Filmografía:

Década del '40
1942 : "El barco de la muerte" ("The Adventures of Martin Eden") de Sydney Salkow.
1943 : "Los desesperados" ("The Desperadoes") de Charles Vidor.
1946 : "Gilda" de Charles Vidor.
1948 : "Los amores de Carmen" ("The Loves of Carmen") de Charles Vidor
"El hombre de Colorado" ("The Man From Colorado") de Henry Levin.

Década del '50
1950 : "La montaña trágica" ("The White Tower") de Ted Tetzlaff.
"Drama en presidio" ("Convicted") de Henry Levin.
1953 : "El desertor de El Álamo" ("The Man from Alamo") de Budd Boetticher.
"Los sobornados" ("The Big Heat") de Fritz Lang.
1954 : "Deseos humanos" ("Human Desire") de Fritz Lang.
1955 : "El americano" ("The Americano") de William Castle.
"Hombres violentos" ("The Violent Men") de Rudolph Maté.
"Semilla de maldad" ("The Blackboard Jungle") de Richard Brooks.
"La furia de los justos" ("Trial") de Mark Robson.
1956 : "Rapto" ("Ransom!") de Alex Segal.
"Llega un pistolero" ("The Fastest Gun Alive") de Russell Rouse.
1957 : "Cowboy" de Delmer Daves.
"Furia en el valle" ("The Sheepman") de George Marshall.
1959 : "Empezó con un beso" ("It Started With a Kiss") de George Marshall.

Década del '60
1960 : "Cimarrón" de Anthony Mann.
1961 : "La casa de las tres geishas" ("Cry for Happy") de George Marshall.
"Un gángster para un milagro" ("Pocketful of Miracles") de Frank Capra.
1962 : "Los cuatro jinetes del apocalipsis" ("The Four Horsemen of the Apocalypse") de Vincente Minnelli.
1964 : "La furia de los cobardes" ("Advance to the Rear") de George Marshall.
1966 : "¿Arde París?" ("Paris brûle-t-il?") de René Clément.
1967 : "La cabalgata de los malditos" ("A Time for Killing") de Phil Karlson.

Década del '70
1976 : "La batalla de Midway" ("Midway") de Jack Smight.
1978 : "Superman" de Richard Donner.

Década del '80
1980 : "Exterminio" ("Virus") de Kinji Fukasaku.
1981 : "Cumpleaños mortal" ("Happy Birthday To Me") de J. Lee Thompson.


Otra escena clásica, esta vez en "Gilda", junto a su admirada Rita Hayworth:

Rita Hayworth y Glenn Ford en "Gilda" (1946)

Glenn Ford partió de este mundo el 30 de Agosto del 2006, pero su legado, como el de muchas otras luminarias del Séptimo Arte, quedará inmortalizado para siempre en sus recordados trabajos, además de permanecer para siempre en la memoria de quienes fuimos y seguiremos siendo sus admiradores.

Glenn Ford

El Niño - "Un Dudoso Arrepentimiento"

... Se trata de una gran película, un imperdible para quienes dicen amar el buen cine y esperan constantemente estrenos alejados del agobiante marketing norteamericano, aunque tampoco se trata de un título que podamos encasillar dentro de ese estereotipado concepto de “cine arte”, ese que más que cautivar simplemente aburre...

El Niño

UN DUDOSO ARREPENTIMIENTO

A solo un mes de haber conocido a su excelente predecesora, la belga “El Hijo”, durante el pasado Festival Internacional de Cine de Santiago, llegó ahora a nuestro país una clara aspirante a convertirse en la mejor película del año, exhibiendo entre sus conquistas la apetecida Palma de Oro de Cannes en el 2005. Hace algunas semanas, además, se alzó como mejor largometraje en otro certamen chileno de séptimo arte, el Festival de Cine de Valdivia. Con semejantes pergaminos se trataría de un tremendo error no asistir a ver esta magnífica cinta de los hermanos Jean-Pierre y Luc Dardenne, sin embargo son mucho más que los premios y trofeos lo que distinguen a El Niño, pudiendo afirmar sin pecar de soberbia que esta producción está destinada a convertirse en un clásico del cine europeo e internacional.

Los hermanos Dardenne ya tienen un sello propio en cuanto a cinematografía, y quienes han podido apreciar sus elogiados trabajos podrán dar fe de aquello. Tanto “La Promesa”, “El Hijo” y “El Niño” tienen un estilo donde la dirección se centra claramente en los actores mediante tomas y secuencias en primeros planos, destinados a no perder ni un solo detalle del comportamiento de quienes llevan el hilo conductor de las historias. Muchas veces el trabajo de cámara es el verdadero motor en las escenas, convirtiendo al espectador prácticamente en la sombra de los personajes.



“El Niño” no se aleja en absoluto de este sello, pero lejos de ser una crítica por falta de originalidad, lo que ambos hermanos belgas ponen en marcha es una continua e inteligente lógica que va adecuándose según la historia y los personajes que quieren exponer. Así como en “El Hijo” el actor Olivier Gourmet fue retratado de pies a cabeza como el atribulado instructor que se hace cargo de quien destruyó su vida, en “El Niño” el joven actor Jérémie Renier, quien le da vida a Bruno, no tiene ninguna chance de engañar al espectador mediante sus artimañas, que por momentos lo convierten en un despreciable villano, en otras en un inmaduro exasperante y finalmente en otra víctima que clama por misericordia.

La dirección de los Dardenne tiene por misión retratar a este "niño" crecido a tal punto, que ni siquiera es necesario esperar el final para formarse un juicio sobre él, ya sea a favor o en contra. La historia de hecho podría parecer un drama perturbador, ya que nos presenta a una pareja de despreocupados jóvenes que viven de los robos menores de Bruno, en conjunto con otros menores de edad, y del subsidio que recibe del Estado Sonia (Déborah François), su pareja.



Sin embargo, pese a la vergonzosa e irresponsable situación en que llevan sus vidas Sonia y Bruno, hay un elemento que pareciera llevarlos hacia un punto de inflexión, al menos en cuanto a sus prioridades. Ambos acaban de ser padres de un hijo varón. Este niño sin embargo, que se supone sería el motivo que uniría más a la pareja, y quizás enmendar sus vidas, lamentablemente termina por enfrentarlos casi irreconciliablemente, puesto que Bruno, aprovechándose de un paseo junto a Sonia, pone en marcha un plan que venía urdiendo mucho antes, consistente en vender al infante por una suculenta suma de dinero.

Una vez hecho el ‘negocio’, Bruno regresa como si nada donde Sonia, empujando tranquilamente el coche donde habían llevado al menor de paseo. La pobre muchacha termina desmayada tras enterarse de la verdad por boca del propio Bruno, en especial, cuando le escucha decir que solo bastaba con que tuvieran otro para sanar aquella pérdida. De ahí en adelante la relación entre ambos jóvenes se triza de manera definitiva, sin importar que Bruno logre recuperar el menor, aunque haya sido más por la denuncia que Sonia hizo a la policía que por un arrepentimiento propio.



También hay espacio para la redención, como en todas las películas con el sello Dardenne, pero en este caso posterior al dolor que precede el arrepentimiento, simbolizado en el duro trance por el cual debe pasar Bruno una vez que se queda sin el apoyo de Sonia y debe hacerle frente a las represalias de quienes lo ayudaron en su macabro plan con el infante. De esta manera, la interpretación de Jérémie Renier se transforma en lo mejor de la cinta, ya que su paso desde el amoral que cree tenerlo todo bajo control, y la posterior víctima de sus propios actos, lo convierten en el eje de “El Niño”.

Se trata de una gran película, un imperdible para quienes dicen amar el buen cine y esperan constantemente estrenos alejados del agobiante marketing norteamericano, aunque tampoco se trata de un título que podamos encasillar dentro de ese estereotipado concepto de “cine arte”, ese que más que cautivar simplemente aburre. Con características técnicas similares a “El Hijo”, incluyendo una breve aparición del actor fetiche de los hermanos Dardenne, Olivier Gourmet, “El Niño” simplemente deslumbra, ya que es un excelente reflejo de la miseria humana entre aquellos que fácilmente pueden reconocerse en una metrópolis, inmersos en la comodidad que les reporta una vida destruida por la inmadurez. ¿Una crítica entonces hacia la juventud? En ningún caso, aunque fácilmente algunos podrían entenderlo así, más aún si no han visto la película.

En definitiva, un regalo para esta segunda mitad del año.


Excelente





Ficha Técnica:

Nombre: El Niño (L’Enfant / The Child)
Género: Drama
Dirección: Jean-Pierre y Luc Dardenne
Guión: Jean-Pierre y Luc Dardenne
Reparto: Jérémie Renier, Déborah François, Jérémie Segard, Fabrizio Rongione, Olivier Gourmet, Mireille Bailly, Samuel De Ryck, Sophia Leboutte, Frédéric Bodson, Léon Michaux
Producción: Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne y Denis Freyd
Fotografía: Alain Marcoen
Montaje: Marie-Hélène Dozo
Vestuario: Monic Parelle
País: Bélgica, Francia
Idioma: Francés
Duración: 100 minutos
Año: 2005
Link: http://www.sonyclassics.com/thechild/



Otras opiniones sobre "El Niño", de los hermanos Dardenne:

Revista "Voraz"

Blog "Influencias", de Novotny

Este fue mi comentario sobre El Hijo, su antecesora.

Oro Nazi en Argentina - "Sorprendente Vergüenza"

... los resultados de este trabajo son elocuentes, a la vez que escalofriantes, ya que señalan con sorprendente claridad los contactos que tuvo el emergente peronismo, movimiento político y social que marcó a Argentina desde la década del treinta, con prominentes jerarcas del Tercer Reich...

Oro Nazi en Argentina

SORPRENDENTE VERGÜENZA

Aunque ya fue estrenada hace un par de semanas en el canal de cable Cinemax, el documental trasandino Oro Nazi en Argentina, del director Polo Pereyra, tuvo su primer acercamiento con el público chileno durante el pasado SANFIC 2006, aunque eso sí, no estuvo ni cerca de llamar la atención del respetable en comparación a otros títulos que engalanaron dicho certamen santiaguino. De hecho, la noche en que asistí a ver esta sorprendente producción argentina, el público en la sala no era ni la cuarta parte en relación al que estaba viendo en ese horario “Manderlay”, de Lars von Trier.

Resulta curioso entonces que el interés por esta cinta haya sido tan mínimo, tomando en cuenta que se trata de una trama donde se presentan y afirman teorías, además de hechos concretos, que no solo comprometen a todo el establishment argentino, sino que deberían estar generando toda suerte de caza de brujas con aquellos que guardaron silencio y colaboraron en uno de los acontecimientos más vergonzosos que se hayan documentado en la Argentina del siglo XX. Los innumerables seguidores que aún quedan de Juan Domingo Perón, y por su puesto su mítica esposa, Evita, deberían estar retorciéndose por la bronca.



Este documental, que presenta varias recreaciones de primer nivel en cuanto a producción y ambientación histórica, centra su investigación en la arista sudamericana de la mundialmente famosa operación “Odessa”, la misma que permitió a altos jerarcas del nazismo alemán burlarse de la justicia y la venganza de los sobrevivientes del Holocausto judío, pero con un detalle no menor. Los criminales nazis tuvieron la suficiente agudeza para preparar su escape llevándose con ellos todo el oro que les reportó la deportación de millones de seres humanos a los campos de concentración, sus legítimos dueños. El destino predilecto de esta masiva fuga sería una de las naciones sudamericanas más grandes y con mayor apoyo hacia las ideas nacionalsocialistas en aquellos años, por su puesto, el país del otro lado de la cordillera.

Este trabajo está basado en el libro “Odessa al Sur”, del periodista argentino Jorge Camarasa, y a su vez, está sustentado por el trabajo de tres connotados investigadores, Jean Ziegler, Beatriz Gurevich y Uki Goñi. Sus resultados son elocuentes, a la vez que escalofriantes, ya que señalan con sorprendente claridad los contactos que tuvo el emergente peronismo, movimiento político y social que marcó a Argentina desde la década del treinta, con prominentes jerarcas del Tercer Reich y muchos de sus hombres de nivel medio, los mismos que establecieron los nexos con simpatizantes argentinos para que hombres como Adolf Eichmann y Joseph Mengele, entre otros, pudieran refugiarse con nuevas identidades, provistos del apetecido oro robado a los judíos y lejos del alcance de la justicia internacional.



El documental señala claramente los nexos que permitieron que la patagonia argentina sirviera de escape para estos alemanes, pero por sobre todo, se trata de una denuncia que no trepida en apuntar con nombre y apellido a quienes fueron responsables de enlodar la política y la sociedad argentina de esos años con toda esta tenebrosa misión. Sin embargo, bastante tienen que decir no solo los seguidores del nazismo en Argentina, camuflados inteligentemente dentro del peronismo, sino también El Vaticano y los cuestionados bancos suizos, estos últimos, sin duda los que más se aseguraron que todo el oro robado fuera bien resguardado por sus nuevos dueños.

Este es un trabajo de primer nivel en lo audiovisual, y vaya que es interesante su trama, más aún cuando algunos de los aludidos, activos colaboradores europeos y argentinos con el gobierno de Juan Domingo y Evita Perón, aún estaban con vida al momento de realizarse esta producción cinematográfica. Su descendencia por ende, es la que debe hacerse cargo, para bien o para mal, del legado que sus padres y abuelos dejaron en suelo sudamericano.

Una investigación de años, que ha cosechado innumerables elogios y varias nominaciones para mejor documental en distintos festivales de cine, y que con un poco de más de promoción estoy seguro que lograría cautivar el natural de interés de una gran parte del público internacional, especialmente del argentino y chileno.


Muy Buena






Ficha Técnica:

Nombre: Oro Nazi en Argentina (Nazi Gold in Argentina)
Género: Documental
Dirección: Rolo Pereyra
Guión: Rolo Pereyra y Jorge Camarasa. Basado en el libro "Odessa al sur" de Jorge Camarasa
Producción: Pedro Félix Leda
Fotografía: Pacho Guerty y Mariano De Lucca
Montaje: Pablo Mangiarotti y Rolo Pereyra
País: Argentina
Idioma: Español
Duración: 93 minutos
Año: 2004
Link: http://www.oronazienargentina.com.ar/

El Rey de los Huevones - "Poco Más Que Una Huevada"

... Queda como tarea responder cuál fue el real objetivo detrás de esta producción chilena, la que sin ser del todo mala, sigo confiando en que no haya sido nada más que una vía para ganar dinero a raudales...

El Rey de los Huevones

POCO MÁS QUE UNA HUEVADA

Sin duda que la palabra favorita del chileno, un auténtico y bien pronunciado “huevón”, necesitaba de un espaldarazo de proporciones mediante un éxito mediático para quedarse en el léxico nacional, de manera definitiva, sin necesidad de apelar a los recientes diccionarios de la Real Academia para intentar justificar su uso en el lenguaje, camuflándolo de manera irrisoria como sinónimo de la palabra ‘amigo’. Bien podría decirse que este es el gran mérito de El Rey de los Huevones, la última apuesta del actor y director chileno Boris Quercia, mismo cerebro detrás de la taquillera “Sexo con Amor”.

Podría sonar casi lapidario este comentario, decir que lo único positivo que deja esta comedia nacional, con algunos chispazos de drama, es que su único legado será simplemente desinhibir a los chilenos frente a una palabra que, hasta hace unos diez años atrás, podía usarse solo entre amigos y habiendo mucha confianza desde antes. Pues bien, es verdad, poco se puede rescatar de esta producción que muchos avizoraban como débil desde un comienzo, antes de estrenarse. Sin embargo, antes de lanzarla al baúl de los recuerdos, o peor aún, al tacho de la basura, bien pueden rescatarse algunos elementos que permitirían no hundir a esta nueva película chilena, la que de todos modos poco hace por mejorar un débil año 2006 dentro del cine chileno.



Para la mayoría del público local la comedia “Sexo con Amor” es probablemente la mejor película chilena que hayan visto nunca. No se trata de hacer escarnio ni de hacer una crítica intelectualoide hacia los gustos cinéfilos del chileno medio, pero no se puede obviar este detalle al momento de preguntarse qué buscaba Boris Quercia con este “Rey de los Huevones”, que bastante poco hereda de la jocosa lección de sexo para los chilenos del siglo XXI, aunque no por eso su nueva ‘gallinita de los huevos de oro’ se transforma en una comedia más madura, cercana a un cine de calidad que le permitiera sobresalir al menos como propuesta. Sorpresivamente la cinta se queda en un término medio, sin ser ni buena ni mala, lo que tal vez a su director poco le importaba de antemano, salvo volver a reventar la taquilla para esperar obtener algo más que la recuperación del dinero invertido.

Se trata de una historia plana y sin ningún efecto sorpresa, lo que atenta bastante contra el legítimo interés por encontrarse con algo novedoso en medio de una trama que, salvo el recuerdo del divertido perro que hablaba (mientras su dueño le martirizaba la garganta), solo apela a las notables caras de huevón que pone Quercia cada cierto tiempo, las que a más de alguno hará preguntarse si dichas impostaciones son producto nada más que del trabajo actoral, o simplemente le son naturales. El tema es que el guión nos cuenta de un taxista, Anselmo (Boris Quercia), quien se ha ganado desde antes de iniciarse la trama el apelativo de “Rey de los Huevones”, por haber devuelto a la policía un maletín con 24 millones de pesos.



Ahora Anselmo recoge en su vehículo a una escultural mujer de la mafia sudamericana, Eva (la actriz peruana Angie Jibaja), quien con total libertad le deja a cargo por un día a su pequeño hijo Adrián (Diego Hurtado), mientras arregla algunos de sus asuntos. Pues bien, el menor resulta ser un perfecto aprendiz de ladrón, y sus peripecias junto a Anselmo le significarán a este último un nuevo acercamiento con Sandra (Tamara Acosta), la mujer a quien siempre ha amado, pero que ahora está a punto de casarse con su mejor amigo, Mario (el venezolano Rhandy Piñago). O sea, además de huevón, “quemado” (con mucha mala suerte). Los humoristas Daniel Vilches y Ernesto Belloni tienen una breve aparición como peligrosos sicarios, que a estas alturas bien pudieron ser cameos de ellos mismos, sin ofender claro.

Ahondar más significaría contar la trama completa, incluido su predecible final. Así entonces, por el lado del guión es muy poco lo que puede rescatarse, lo mismo en cuanto a la dirección. Sin embargo, el trabajo de Boris Quercia, quien además oficia ahora como productor, no merece ser reprobado del todo, ya que al menos en las actuaciones principales hay puntos altos, en especial las del mismo Quercia, en un papel que insisto, no me queda claro si le es ciento por ciento natural o la mejor de sus interpretaciones. Pero la performance que realmente sobresale es la del pequeño Diego Hurtado, todo un hallazgo en materia de actores infantiles.

Como quiera que sea, este “Rey”, “Sultán”, “Faraón” o lo que sea, tendrá asegurado su taquillero paso por la cartelera nacional, pese a sus deficiencias en lo argumentativo, la debilidad de la historia y algunas actuaciones de regulares para abajo, como las de Tamara Acosta, a estas alturas una musa de inercia dentro del cine chileno, y las de Piñago y Jibaja. Queda como tarea entonces responder cuál fue el real objetivo detrás de esta producción, la que sin ser del todo mala, sigo confiando en que no haya sido nada más que una vía para ganar dinero a raudales. ¿Un retrato de la candidez nacional? Bastante poco como resultado si fue esa la premisa. Los huevones se merecen algo de excelencia.


Regular






Ficha Técnica:

Nombre: El Rey de los Huevones
Género: Comedia
Dirección: Boris Quercia
Guión: Boris Quercia
Reparto: Boris Quercia, Angie Jibaja, Tamara Acosta, Rhandy Piñango, Diego Hurtado
Producción: Boris Quercia
País: Chile
Idioma: Español
Duración: 96 minutos
Año: 2006
Link: http://www.elreydeloshuevones.cl/

Aupa Etxebeste! - "Marbella en Casa"

... “Aupa Etxebeste!”, con toda la crítica social al arribismo, es una producción que también debería llegar a nuestra cartelera, porque méritos tiene de sobra, lo mismo que una esperable respuesta positiva de parte del público...

Aupa Etxebeste!

MARBELLA EN CASA

Una de las cintas ibéricas que fue presentada al público chileno en la cuarta versión de Cine Vasco del Centro de Extensión de la Universidad Católica de Chile, fue la excelente comedia Aupa Etxebeste!, de los directores vascos Asier Altuna y Telmo Esnal. Sorpresivamente se trata de una comedia notable, porque tiene ese ingenioso acento hilarante enmarcado en una historia que difícilmente podría catalogarse solo como comedia, ya que apunta a conductas humanas tan graciosas como representativas, siendo el deseo de aparentar más allá de lo que realmente se es, el leit motiv de esta bien lograda producción vasca.

La historia se presenta como un duro revés para una prominente familia de vascos, cuyo jefe además es candidato a alcalde en su comunidad, Patricio Etxebeste (Ramón Agirre). Etxebeste decide llevarse a los suyos a Marbella a pasar las vacaciones, antes de enfrentar las elecciones, sin embargo, el mismo día del viaje se entera a través del banco que ya no tiene dinero, pues todas su cuentas han sido embargadas. Su fábrica de boinas vascas está en la quiebra. Pero nadie deberá saberlo, a excepción de su familia, así que de todos modos organiza el viaje. Para sus vecinos y amigos los Etxebeste estarán pasándolo de maravillas en Marbella, pero en realidad pasaran ese mes entero encerrados dentro de su casa, tomando sol con un gran espejo, bañándose en una pequeña piscina artificial y alimentándose de descuidadas aves, además de un desafortunado gato. Todo lo anterior, tratando de no provocar el más mínimo ruido.



La historia es jocosa, pero en ningún caso se trata de un folletín que avanza solo con escenas disparatadas, una detrás de otra. Los directores se toman su tiempo para ir describiendo las personalidades de cada uno de los Etxebeste al momento de verse enfrentados a esta bizarra situación. Desde el momento mismo en que el resignado Ramón conduce el automóvil, camino a Marbella, y le cuenta de su situación económica y su nuevo plan a su esposa María Luisa (Elena Irureta), su hijo Iñaki (Iban Garate) y su padre, Luziano (Paco Zagarzazu), la historia comienza a tomar forma porque claramente son los personajes y sus conductas los que determinarán el giro de la historia.

Elena es la que más se ve afectada por esta mentira urdida por su marido, ya que son precisamente sus aires de grandeza los que le impedirán aterrizar de manera más rápida con la dura realidad que se le viene. Luziano por su parte, es el más enconado detractor de su nuera, aunque también esconde un secreto que, por más bien intencionado que sea, de todos modos le restará bonos frente a la familia de su hijo Patricio. En el caso de Iñaki, más que su juventud, serán sus reales intereses que tiene en la vida los que no lo harán revelarse contra su padre, ya que tampoco comparte el arribismo de Elena y es más cercano a su abuelo. Patricio en cambio es un resignado, probablemente para contrapesar a su mujer y no perder la calma, sin embargo será su propia actitud la que permitirá que todos terminen sincerándose al finalizar sus vacaciones, encerrados en la casa, comenzando por él mismo al momento de quitarse el peluquín.



Esta es una comedia notable, con un ritmo muy adecuado para ese cine negro que nos hace ver retratados en reiteradas ocasiones, en especial cuando es el elemento humor el que predomina. Pero la reflexión se hace presente en cada uno de los pasajes, no solo en el epílogo, con lo cual podríamos decir que se trata de una película redonda, en todo sentido, con grandes actuaciones, especialmente las de Ramón Agirre y Elena Irureta. La dirección de los hispanos Altuna y Esnal es realmente atrayente, no descuidando ningún detalle de la puesta en escena, especialmente el ritmo de la trama y las actuaciones, incluyendo las breves apariciones de Guillermo Toledo (Crimen Ferpecto) y Luis Tosar (Inconscientes, Te Doy mis Ojos) como dos divertidos ladrones que interrumpen las vacaciones de ensueño de los propietarios.

Con un guión excelente, el cine vasco se anota con una de las mejores comedias españolas de los últimos años, tanto así que pese a estar hablada completamente en euskera logró ser nominada para mejor película en el Festival de San Sebastián el 2005.

“Aupa Etxebeste!”, con toda la crítica social al arribismo, es una producción que también debería llegar a nuestra cartelera, porque méritos tiene de sobra, lo mismo que una esperable respuesta positiva de parte del público. A ponerse en campaña entonces los distribuidores, el Cine UC ya dio el primer paso, pero claramente con eso no basta.


Excelente






Ficha Técnica:

Nombre: Aupa Etxebeste!
Género: Comedia
Dirección: Asier Altuna y Telmo Esnal
Guión: Telmo Esnal, Asier Altuna y Pablo Bueno
Reparto: Ramón Agirre, Elena Irureta, Paco Sagarzazu, Ibán Garate, Iñake Irastorza, Patxi González, José Mari Agirretxe, Felipe Barandiaran, Ane Sánchez, Guillermo Toledo, Luis Tosar.
Producción: José María Lara
Fotografía: Javier Aguirre
Música: Javi Pez
Montaje: Pite Piñas
País: España (País Vasco)
Idioma: Euskera
Duración: 97 minutos
Año: 2005
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