The Queen - 'Larga Vida a Mirren'

... estoy seguro que para algunos esta película de Stephen Frears podrá parecer un simple folletín, sin embargo no siendo una película que deslumbre, al menos la sola presencia de la actriz del momento, Helen Mirren, suple cualquier carencia que la película pueda exhibir...

The Queen

(La Reina)

LARGA VIDA A MIRREN

En estos momentos hablar de la actriz inglesa Helen Mirren es hablar derechamente de la actriz más respetada a nivel internacional, porque no deja de ser anecdótico que la misma profesional que interpretó a las dos reinas Isabel más mediáticas en la historia de Inglaterra, haya sido catalogada casi unánimemente como la mejor actriz del año. En este 2006 Mirren le dio vida a la pelirroja reina del siglo XVI en la memorable producción televisiva “Elizabeth”, transmitida en el cable por Hallmark, y al poco tiempo tuvimos noticias de su rol como la madre de Carlos, y por ende, la suegra de la fallecida Lady Diana, viéndose enfrentada al que tal vez ha sido su peor trance desde que es soberana.

Este último punto es el motivo central que mueve los hilos en The Queen, dirigida por el británico de origen judío Stephen Frears, y que se perfila como uno de los mayores estrenos en la cartelera local en los próximos meses, más aún si Helen Mirren termina siendo la ganadora del Oscar a mejor actriz protagónica, una nominación y un triunfo que se entenderían perfectamente, porque la también conocida detective Jane Tennison en la serie televisiva “Prime Suspect” hace una magistral interpretación de la reina Isabel II, tanto así que cuesta disociar al personaje real con esta profesional que le ha dado vida en el cine.



Cuando finalizaba agosto de 1997, nadie se imaginó que un triste accidente automovilístico ocurrido en la medio de la noche parisina pondría a prueba a la monarquía más importante de Europa. Ni siquiera la muerte de un ícono del siglo XX como lo fue Diana Spencer podría haber supuesto que haría dudar a la mismísima Reina Isabel, su ex suegra, de continuar o no a la cabeza del trono, ya que como nunca antes esta poderosa mujer se vio enfrentada en el duro dilema de proseguir con su flemática altivez, una característica tan propia de los ingleses, o por el contrario, darle en el gusto a una parte importante de sus súbditos, la inmensa mayoría, quienes le exigían un poco más humanidad con la difunta y con ellos mismos, es decir, con su evidente dolor.

El director de “Alta Felicidad” y “Negocios Ocultos” tiene la virtud de recrear todas las aristas que rodearon la semana en que la reina no prestó mayor consideración con el deceso de la princesa de Gales, y futura Reina Madre. Por una parte, se muestra el zigzageante comportamiento de un caricaturesco Tony Blair (Michael Sheen), quien pasa del tono despectivo, aunque en privado, frente a la propia y las formalidades con la corona, mientras que por otro lado pareciera que él mismo se termina por creer su papel de estadista y protector al salir en su defensa. Al parecer el descrédito en que ha caído por su total apoyo a George W. Bush lo ha hecho merecedor de interpretaciones tan notables como la de Sheen.



Pero así como el actual primer ministro británico es presentado como un conspicuo político oportunista, uno más entre tantos, es en definitiva el personaje secundario más significativo en la trama, ya que es su propia comprensión del beneficio que puede obtener con la muerte de la “Princesa de Corazones” el motivo que lo hace enfrentarse diplomáticamente con Isabel II, para hacerle ver que debía responder al clamor popular de sus súbditos y de la comunidad internacional. La complicada reina en cambio, aún dudaba si mostrarse un poco más dolida, o seguir prestándole oídos a la Reina Madre (Sylvia Syms) o a su engreído marido, el príncipe Felipe (James Cromwell), ambos detractores de Diana y eternos amantes del rígido protocolo real. Carlos por otra parte, interpretado por Alex Jennings, queda en tal mal pie que Stephen Frears no dudó en presentarlo como un timorato que prefiere dejar a su madre como responsable de la dureza del Palacio, librándose él del juicio público.

Así entonces, “The Queen” se convierte en un film de personajes, donde cada uno de ellos justifica su proceder según los calculados pasos que los acontecimientos les van presentando. Es Blair quien se anota un espectacular triunfo político al doblegarle la mano a la reina a quien le juró lealtad, pero en el terreno de las actuaciones es Helen Mirren quien brilla por sobre el resto, no solo por su rol protagónico, sino porque su cuerpo y su mente parecen mimetizarse con los de Isabel II, al punto de sorprender a quienes la observamos dándole vida a la monarca en escenas donde difícilmente veríamos a la original siendo víctima de sus indecisiones y debilidades, al punto de pensar en terminar con un reinado que no pocos consideran como impuesto.

“The Queen” no ofrece casi ningún otro atributo destacable que no sea el de las actuaciones, específicamente las de Mirren y Sheen, ya que una fugaz fotografía de la campiña inglesa no logra siquiera entusiasmar comparada con las maniobras de los personajes. Las recreaciones de Buckingham también son un buen acierto, pero lejos de impresionar. En definitiva entonces, estoy seguro que para algunos esta película de Stephen Frears podrá parecer un simple folletín, sin embargo no siendo una película que deslumbre, al menos la sola presencia de la actriz del momento suple cualquier carencia que la película pueda exhibir. Preguntar hoy en día si te gusta o no Helen Mirren, es casi lo mismo que haberlo hecho años atrás con una Greta Garbo o una Glenda Jackson.


Muy Buena





Ficha Técnica:

Nombre: La Reina (The Queen)
Género: Drama
Dirección: Stephen Frears
Guión: Peter Morgan
Reparto: Helen Mirren, Michael Sheen, Alex Jennings, James Cromwell, Sylvia Syms, Helen McCrory, Roger Allam, Tim McMullan
Producción: Andy Harries, Christine Langan y Tracey Seaward
Fotografía: Affonso Beato
Música: Alexandre Desplat
Montaje: Lucia Zucchetti
País: Reino Unido
Idioma: Inglés
Duración: 97 minutos
Año: 2006
Link: http://www.thequeen-movie.com/

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El Emmy por mejor actriz protagónica en Elizabeth, de HBO Films, fue el preámbulo del gran año 2006 para Helen Mirren, sin ninguna duda, la actriz del año.

Pequeña Miss Sunshine - 'Cambiando Sobre Ruedas'

... Hay pasajes memorables, como el escape del hospital, librarse del policía motorizado con revistas triple X y el show subido de tono de Olive en plena presentación de Miss Sunshine, pero aún así no puede evadirse el hecho que a ningún personaje se le sacó el provecho suficiente dentro de su nicho, es decir, su propia personalidad...

Pequeña Miss Sunshine

CAMBIANDO SOBRE RUEDAS

Para quienes consideren a los estrenos del pasado jueves 21 de Diciembre como las últimas películas del 2006 en la cartelera chilena, ya que las cintas que lo harán recién el 28 de este mes son más bien títulos para Enero del 2007, tendrán que concordar que la comedia estadounidense Pequeña Miss Sunshine, de los directores Jonathan Dayton y Valerie Faris, es entonces el último gran estreno de este año. Sin embargo, y pese a los auspiciosos preámbulos que la han convertido en una de las favoritas para los próximos Oscar, entre ellos los aplausos en el Sundance y en San Sebastián, también habrá que concordar que se trata de una de las producciones más sobrevaloradas que arribaron este año a nuestro país.

Aunque no es en absoluto una mala película, en ningún caso es la comedia del año, una que como fiel exponente del cada vez más cotizado cine independiente de Estados Unidos lograra desplazar de la retina a la extraordinaria “Entre Copas” (Sideways), producción que también pertenece a la categoría denominada road movie. La cinta de Alexander Payne logró dejar huellas en el público, al punto de ser considerada por casi toda la crítica especializada como la mejor producción estadounidense de ese año, incluso por sobre la gran ganadora de La Academia, “Million Dollar Baby” de Clint Eastwood, en cambio, esta particular cinta de Dayton y Faris, a lo más, conseguirá arrancar algunas carcajadas del respetable, sin haber profundizado en ninguno de los personajes con los que pretendieron retratar a una disfuncional familia norteamericana.



Como en pocas ocasiones, esta vez coincido con mucha crítica, incluida la local, porque considero que “Pequeña Miss Sunshine” está pensada de principio a fin como un retrato de la sociedad de los gringos, pero sin mucha frescura, siendo más que nada un prototipo de crítica social hacia la manera de vivir de muchos norteamericanos, representando algunas de las características más representativas del estadounidense promedio en los seis personajes que participan en la trama, empezando por la pequeña Olive Hoover (Abigail Breslin), quien como muchas niñas de una sociedad consumista y con modelos a seguir, alucina con convertirse en reina de belleza.

Entusiasmada por un abuelo cocainómano (Alan Arkin), Olive vive con una familia bastante especial, compuesta además por su hermano Dwayne (Paul Dano), que pretende hacerse el autista mientras no ingrese a la Fuerza Aérea, su padre Richard (Greg Kinnear), un seudo terapeuta que hace alarde todo el tiempo de sus conocimientos para aumentar el ego en los demás, y su madre Sheryl (Toni Collette), la sufrida matriarca de la familia. Ahora además, se agrega al clan su tío Frank (Steve Carell), quien estuvo a punto de suicidarse por un amor homosexual. Así entonces, con toda esta fauna sanguínea, de pronto la niña recibe un llamado donde se le avisa que se abrió un cupo para ella en el próximo “Miss Sunshine”, lo que provocará que todos los Hoover se embarquen en un hilarante viaje en la averiada camioneta familiar, con el propósito de llevar a la niña a la competencia.



El viaje lo que provoca es que los resquemores entre todos ellos vayan disminuyendo, ya que las increíbles situaciones que les depara el largo trayecto en cuatro ruedas los hará repensar sobre sus conductas, pero sin olvidar nunca que el leit motiv de aquel viaje sigue siendo el concurso de Olive. Aún así, el guión está indudablemente pensado para que las personalidades y los conflictos de estos curiosos personajes se presenten en los momentos precisos, muchas veces con diálogos preconcebidos que poco sorprenden. Sin embargo, la dirección de Dayton y Faris, así como el trabajo de guión de Michael Arndt, tienen la virtud de no caer en estrepitosas cursilerías, lo que finalmente hubieran resultado fatales para esta road movie. Al menos hay una calidez en la historia, y la forma en que se presentan los personajes, que indica que esta era una propuesta que no alcanzó a llenar el círculo como se hubiera esperado, pero tampoco se entrampó en un camino sin retorno.

Hay pasajes memorables, como el escape del hospital, librarse del policía motorizado con revistas triple X y el show subido de tono de Olive en plena presentación de Miss Sunshine, pero aún así no puede evadirse el hecho que a ningún personaje se le sacó el provecho suficiente dentro de su nicho, es decir, su propia personalidad, algo que iba muy bien encaminado en los primeros minutos con Frank, el tío depresivo de Olive. No hay actuaciones que sobresalgan en “Pequeña Miss Sunshine”, quedando solo el guión y la dirección como únicos puntos a favor de esta simpática comedia, que si bien no deslumbra en absoluto, al menos sale bien parada como concepto de cine de entretención. En resumen, pudo ser mucho mejor a lo que finalmente fue.


Buena





Ficha Técnica:

Nombre: Pequeña Miss Sunshine (Little Miss Sunchine)
Género: Comedia
Dirección: Jonathan Dayton y Valerie Faris
Guión: Michael Arndt
Reparto: Greg Kinnear, Toni Collette, Steve Carell, Paul Dano, Abigail Breslin, Alan Arkin
Producción: Marc Turtletaub, David T. Friendly, Peter Saraf, Albert Berger y Ron Yerxa
Fotografía: Tim Suhrstedt
Vestuario: Nancy Steiner
Montaje: Pamela Martin
País: Estados Unidos
Idioma: Inglés
Duración: 101 minutos
Año: 2006
Link: http://www.foxsearchlight.com/littlemisssunshine/

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Funny Ha Ha - 'Amor Oligofrénico'

... Con unos monosílabos de antología la protagonista parece ir por la vida sin esforzarse mucho por conseguir sus propósitos, entre ellos, deshacerse de un obstinado Mitchell (el propio Andrew Bujalski)...

Funny Ha Ha

AMOR OLIGOFRÉNICO

A pesar del paso de los meses, la última película que pudimos apreciar en el pasado SANFIC que se efectuó en agosto en Santiago, y que cerró aquel certamen cinematográfico, quisiera comentarla al finalizar este año 2006 porque guardo la esperanza que algún distribuidor independiente se atreva también con este título, tan yankee como a la vez estimulante. Funny Ha Ha, opera prima del mediático realizador independiente Andrew Bujalski.

Creo que con la llegada del verano, y el fin de las clases de los universitarios, como también de nuestros nunca bien ponderados ‘pingüinos’ (estudiantes secundarios), un estreno como este significaría una oleada de público juvenil por las salas, espectadores ávidos por reencontrarse en la pantalla grande con modelos que de seguro los reflejarán a ellos mismos, sin tener quizás el más mínimo interés por avalar un tipo de cine independiente como este, que cada vez cobra más fuerza en el país del norte, donde la falta de presupuesto, unido a las inagotables ideas de sus realizadores, logran poner en escenas propuestas como esta bizarra “Funny Ha Ha”.



El público que consume el cine de un Andrew Bujalski es el mismo que puede alucinar con títulos alternativos que otros podrían despreciar, lo que no significa que solo estemos hablando de producciones de bajo presupuesto, sino simplemente de guiones que muchas veces rozan lo básico y en ocasiones lo ridículo. Pues bien, “Funny Ha Ha” reúne gran parte de estas características, pero sin que nadie pudiese desconocer que tras este trabajo de Bujalski hay bastante esfuerzo de por medio, lo cual no es una característica menor si pensamos que este director y guionista, quien además ejerce el rol masculino principal, lo que evidentemente busca es convertirse en un líder dentro del estilo que lo caracteriza, su mejor carta de presentación para los años venideros, puesto que con sus 31 años es bastante más lo que puede entregar como realizador.

Sin más preámbulo entonces, veamos lo que nos ofrece esta “Funny Ha Ha”, cinta que precede a “Mutual Appreciation” del 2005. En pocos minutos, Bujalski le dice a su público que se prepare para seguir una historia donde lo único que importará es precisamente eso, la historia, complementada con actores que bien poco pueden aportar como talentos del séptimo arte, incluido él mismo, pero que sin embargo harán las delicias de quienes están frente a la pantalla. Cada cinco minutos me vi riéndome de buena gana junto al resto del público con el solo hecho de mirar a la protagonista, y a quienes la acompañaban en las escenas.



Marnie (Kate Dollenmayer) es una espigada y deslavada adolescente, que a mí por lo menos me resultó una mezcla entre Angela Contreras, cuando debutó en televisión, y una ex compañera de universidad que por motivos obvios prefiero no nombrar. En fin, la trama nos señala que la chica acaba de graduarse de la secundaria y ahora está en plan de conseguir un buen empleo, uno más o menos rentable. Al parecer Marnie no tiene muchas aptitudes, ya que solo como asistente de profesor consigue cumplir su propósito, el que de todos modos se ve más claro y alcanzable que el segundo que tiene en mente: conseguir un novio. Es ahí donde se producen los momentos más notables, con Mitchell (Bujalski) haciendo el soberano ridículo al intentar conquistarla, sin poder sacarle de la cabeza su natural interés por Alex (Christian Rudder), un chico de origen judío que esconde su inmadurez en una falsa personalidad autosuficiente.

Con unos monosílabos de antología la protagonista parece ir por la vida sin esforzarse mucho por conseguir sus propósitos, entre ellos, deshacerse de un obstinado Mitchell. Marnie se ve sumergida en un mundo bizarro, con amigos tan liberales que contrastan, o al menos eso pareciera en un primer minuto, con esta chica que más que llevar su propia vida es la vida quien la anda llevando a ella. Hablar acá de actuaciones no tiene mayor sentido, porque la realidad es llevada a tal extremo en “Funny Ha Ha” que arte es lo que más cuesta encontrar en una producción donde el ritmo, guión y actuaciones suplen con esta extraña ‘originalidad’ la falta de musicalización y de otros elementos, los que de seguro serán extrañados por quienes son más clásicos en sus gustos.

Aún así esta notable sátira al amor juvenil, con un soberbio final de polka (¡tan, tan!) entre Marnie y Alex, que dicho sea de paso termina por provocar la última y mejor carcajada, vale la pena verla y disfrutarla en una sala de cine, puesto que contra todo lo que pudiera pensarse o suponerse, como comedia cumple a raudales, siendo lo más cómico y gratificante que me ha tocado ver este año 2006 en materia de cine, aunque solo haya sido como exhibición en un importante festival de cine. Merece estreno, ¡oh sí que sí!


Muy Buena





Ficha Técnica:

Nombre: Funny Ha Ha
Género: Comedia
Dirección: Andrew Bujalski
Guión: Andrew Bujalski
Reparto: Kate Dollenmayer, Andrew Bujalski, Christian Rudder, Mark Herlehy, Jennifer L. Schaper, Myles Paige
Producción: Ethan Vogt
Fotografía: Matthias Grunsky
País: Estados Unidos
Idioma: Inglés
Duración: 89 minutos
Año: 2003
Link: http://www.funnyhahafilm.com/

1º Muestra Chilena de Escuelas de Cine y Audiovisual

otra más del Cine UC, y completamente gratis...

15 al 21 de diciembre

Cine UC

Si se trata de fomentar y darle espacio a quienes desean hacer cine en nuestro país, esta es una oportunidad única e imperdible.


Objetivos de esta muestra:

1.- Mostrar al público general la mirada las propuestas, las historias de los estudiantes de hoy, por medio de las imágenes en movimiento

2.- Proyectar las distintas películas, tesis, trabajos prácticos, cortometrajes y documentales de estudiantes de diversas universidades, institutos y escuelas que imparten carreras relacionadas con el área audiovisual y cinematográfica.

3.- Difundir en una sola muestra, el trabajo audiovisual que realizan los jóvenes creadores.

4.- Reunir lo que producen las diversas escuelas de cine y audiovisual del país, lo que permitirá evaluar los procesos creativos del medio estudiantil audiovisual

5.- Abrir un espacio de difusión para sus producciones y promover la producción audiovisual de calidad entre las escuelas de cine.

Programación Completa en el Sitio Web de Cine UC

No dejen de asistir, el poder acceder en forma liberada a una muestra tan interesante como esta no solo va en beneficio de nuestros jóvenes talentos, sino además, de nosotros mismos como consumidores de cine.

Nos vemos allá, en Alameda 390, Santiago de Chile, Metro UC.

El Nacimiento - 'Solo Para Catequesis'

... esta es más una película para complementar la catequesis en una parroquia católica que una producción que deje huellas en el cine, más allá de la polémica que se originó por la verdadera personalidad de Keisha Castle Hughes y la imagen que por dos mil años hemos tenido de María, la madre de Dios...

El Nacimiento

SOLO PARA CATEQUESIS

Si me hubieran dicho que esta iba a ser una muy buena alternativa entre las películas basadas en las sagradas escrituras, lo más seguro hubiera sido suponer que por acercarse la Navidad, fecha simbólica para todo el mundo cristiano, tal vez solo se trataría de otra más de las visiones angelicales sobre lo que conocemos como la concepción de Jesús de Nazareth, y su romántico nacimiento. Le pese a quien le pese, el fundador del credo religioso más importante de Occidente sigue siendo también el personaje histórico más venerado de todos los tiempos. Pues bien, la premisa terminó por cumplirse al pie de la letra con la cinta bíblica El Nacimiento, según la gran mayoría, la reivindicación del cine estadounidense luego de toda la polémica que se armó en torno a “La Pasión” del año 2004, específicamente con su director, el cada vez más degradado Mel Gibson.

Sin embargo, lo simplona que resultó ser la propuesta de la joven directora Catherine Hardwicke, cuyo único esfuerzo parece haber sido recrear con la mejor tecnología del momento pasajes archiconocidos del Nuevo Testamento, viene a colocar nuevamente en la discusión un tema bastante espinudo, y que tiene que ver con las producciones cinematográficas basadas en textos sagrados. Tanto para seguidores, detractores o público indiferente a la figura de Jesucristo y su mensaje, cintas como esta no hacen más que reafirmar que Hollywood y La Biblia siguen sin poder encontrar un punto de concordancia que sepa unir conceptos como novedad y calidad, una situación que no ocurre, por ejemplo, con recreaciones que el cine norteamericano ha hecho de otros sucesos históricos de importancia, como por ejemplo, las persecuciones y matanzas en contra del pueblo judío.



Estamos claros que los pasajes bíblicos no dan pie para mayores interpretaciones personales sobre lo que ahí se dice y se afirma, algo que el estadounidense Martin Scorsese experimentó en carne propia en 1989 tras su “Última Tentación de Cristo”, archicuestionada producción basada en la novela de Nikos Kazantzakis. Pero aún así, a estas alturas ya no basta con presentar a través de grandes ambientaciones y una producción de primer nivel pasajes bíblicos que solo a un católico, o protestante, de fervorosa fe podrían impresionar. Con estas características entonces “El Nacimiento” es, muy a mi pesar, solo una propuesta cinematográfica cuyo valor agregado se redujo a cero, porque su gran deficiencia es la completa falta de originalidad, de principio a fin .

Así entonces, mientras la mirada del cine norteamericano puede variar con gran maestría en torno a figuras emblemáticas de la historia universal, como Cristóbal Colón, Isabel I, Ghandi o uno que otro héroe de la Segunda Guerra Mundial, en el caso de Abraham, Moisés y específicamente de Jesús, parece que debemos aceptar que no se toca ninguna línea de las Escrituras, para que así podamos hablar de una producción seria, respetuosa y de primer nivel. Si bien lo anterior no significa necesariamente una desventaja a priori, porque para eso se supone que está la buena mano del director(a), lo cierto es que la concepción de un no nato anunciada por un ángel vestido con traje blanco, tres reyes magos de Oriente guiados por la unión en el cielo de tres estrellas, la bendición de Isabel a su prima María, un perverso rey Herodes carcomido por el miedo y la ira, y otro ángel que a través de un sueño evita que José lapide a una joven María por embarazarse fuera del matrimonio, son situaciones que presentadas en la forma como las expone Hardwicke, resultan pasajes que no sugieren en nada un intento por atreverse a algo más novedoso en la trama que se está contando, y que ya todos conocemos. En definitiva, el trabajo de esta directora fue más cercano al de un lacayo de la Iglesia, que al de una cineasta con una verdadera vocación sobre cómo hacer cine y perfeccionarlo.



Ahora bien, “El Nacimiento” no es un film mediocre solo por el nulo espíritu innovador de su directora, puesto que hay elementos técnicos que salvan del basurero a una producción que, bajo mi punto de vista, es quizás la mejor en términos de recreación de la Palestina del siglo I, especialmente con el aspecto semítico de los judíos de aquellos tiempos en Tierra Santa y sus costumbres, obviando por su puesto los diálogos en inglés. La actriz neozelandesa Geisha Castle Hughes, que de paso está cada día más parecida a la argentina Virginia Inocentti, no deslumbra en lo absoluto con su interpretación de María, tal como años atrás lo hiciera en la elogiada cinta “Jinete de Ballenas”, sin embargo, junto al norteamericano de origen guatemalteco Oscar Isaac, logran formar una pareja que al menos acentúa los valores que más se han asociado por siglos a los padres de Cristo en la tierra, como lo son el esfuerzo, la misericordia y la unión filial. Mención aparte es la inclusión dentro del elenco del joven actor palestino Hisham Abbas, uno de los kamikases de la excelente “Paraíso Ahora”. Sin embargo, lo mejor que puede exhibir “El Nacimiento” son aspectos técnicos como la ambientación, la evocadora fotografía y la envolvente musicalización, los que si bien no logran hacer de “El Nacimiento” una película de culto, al menos no la hacen sucumbir por los suelos.

Digamos las cosas por su nombre, esta es más una película para complementar la catequesis en una parroquia católica que una producción que deje huellas en el cine, más allá de la polémica que se originó por la verdadera personalidad de Castle Hughes y la imagen que por dos mil años hemos tenido de la joven judía llamada Myriam, nombre semita de María, la madre de Dios, pero como hasta yo comienzo a imbuirme del espíritu navideño no diré que es mejor obviar este título dentro de la cartelera, porque insisto, la música de Mychael Danna, la hermosa fotografía de Elliot Davis y la brillante puesta en escena harán las delicias del público un poco más exigente, y nadie saldrá del todo defraudado de un guión carente de toda novedad, más aún, cuando vemos que las historias que se cuentan sobre la venida al mundo del niño Jesús, más allá de si son solo fábulas o acontecimientos que en verdad ocurrieron, siguen cautivando a generaciones de seres humanos.

Podríamos decir que ir a verla es tanto un acto de curiosidad como una cuestión de fe.


Regular





Ficha Técnica:

Nombre: El Nacimiento (The Nativity Story)
Género: Drama Histórico
Dirección: Catherine Hardwicke
Guión: Mike Rich
Reparto: Keisha Castle Hughes, Oscar Isaac, Hisham Abbas, Shaun Toub, Ciarán Hinds
Producción: Marty Bowen, Wyck Godfrey
Fotografía: Elliot Davis
Música: Mychael Danna
Montaje: Robert Lambert
País: Estados Unidos
Idioma: Inglés
Duración: 100 minutos
Año: 2006
Link: http://www.thenativitystory.com/

Salvador Allende - 'Diario de una Utopía'

¿El fin de una Era?...

Augusto Pinochet Ugarte (1915 - 2006)

Ha muerto el ex dictador. Para algunos un libertador de Chile, que salvó al país del cáncer marxista, pero para otros, la gran mayoría, un gobernante defacto que pese a los logros en la macroeconomía, pasará a la Historia como la cabeza de un gobierno que significó graves violaciones a los derechos humanos, un vergonzoso enriquecimiento ilícito y una profunda división entre los chilenos.

Pero para que en Chile hubiera existido un Augusto Pinochet, primero debió existir un Salvador Allende Gossens. Y este es un destacado documental de Patricio Guzmán, que el año 2005 fue estrenado con gran éxito en Chile, y que ahora, un año y medio después, cobra más significado que nunca, por lo cual a fines de diciembre estará disponible en DVD.

comentario publicado en internet en Septiembre del 2005

Salvador Allende

DIARIO DE UNA UTOPÍA

Nada más acorde que el mes de septiembre para que el cine nos trajera de regreso a uno de los personajes más importantes de la historia republicana de Chile: Salvador Allende Gossens. El líder de la disuelta Unidad Popular (UP) y que gobernó los destinos de nuestro país entre 1970 y 1973, siendo derrocado por el golpe militar que en septiembre de su tercer año de gobierno encabezó el ex dictador Augusto Pinochet Ugarte. Lo que debería ser la descripción de otro trabajo cinematográfico que pasa por nuestra cartelera, irremediablemente se vuelca a la figura del protagonista y al lugar que la historia le ha deparado entre los chilenos. Sin duda, que esa es la explicación por la cual Salvador Allende, del cineasta Patricio Guzmán, logró repercusión en Europa el año 2004, pergamino con el cual llega un año después a nuestro país, provocando la previsible polémica entre quienes fueron y son sus partidarios, sus detractores, y quienes sin haberlo conocido algo tendrán que decir tras presenciar este documental, que cuenta con la co producción de cinco países.

No estoy diciendo que la conocida simpatía que Allende provoca entre los europeos haya sido el motivo por el que fue seleccionado en el Festival de Cannes del año 2004, pero también es claro que una figura tan importante para el socialismo internacional, como lo fue este líder de la izquierda chilena, no podía pasar desapercibido en aquellas tierras, donde un importante contingente de exiliados fue a parar tras haberlo seguido en su proyecto político. No es un documental que brille por la excelencia de sus imágenes ni por un formato que deslumbre al público, sino que lisa y llanamente se trata de un compacto de imágenes, personajes y situaciones que van describiendo el entorno de Salvador Allende, desde su mundo más privado, contando sus años de infancia, hasta los hechos más públicos que se recuerdan de él, muchos de ellos documentos históricos de un gran valor político y social.



Muy lejos de una línea panfletaria y partidista como la que hace un año atrás nos presentó Michael Moore en “Fahrenheit 9/11”, donde el actual mandatario estadounidense quedó a un nivel más bajo que el de los insectos, Patricio Guzmán, el mismo director de “El Caso Pinochet”, hace un gran esfuerzo por no excederse en su legítima admiración por la figura del ex mandatario, e intenta recrear un pensamiento que hoy en día se hace mayoritario en Chile en torno a la figura de Allende. Un líder político que no supo imponerse en su tiempo, donde tuvo como adversarios a los poderes políticos y económicos más fuertes. Y no solo nacionales, sino también del exterior. Solo quienes fueron sus más enconados detractores, y mucha de su descendencia, podrían negar hechos que hasta el historiador más deficiente no podría negar a estas alturas, sin embargo, valoro en Guzmán no bombardear al público con ironías, ataques virulentos o documentación perturbadora que destroce un trabajo sumamente prolijo y sobrio como lo es este documental, que sin lugar a dudas es uno de los estrenos más importantes del año 2005 en la cartelera nacional.

Patricio Guzmán no busca congraciarse con la derecha política y económica de nuestro país, principales motores del boicot interno hacia el líder de la UP, como tampoco con el mayoritario sector de la Democracia Cristiana que, además de boicotearlo, a regañadientes lo ratificó en el Congreso como Presidente tras no haber obtenido la primera mayoría. Pero aún así, no deja de ser plausible que en minutos claves del documental no excluya a quienes aún ahora, más de treinta años de su muerte, aún le reprochen a la figura de Allende no haber resistido de manera más violenta a la multi oposición que enfrentaba. Un breve pero esclarecedor debate entre quienes fueron sus partidarios, sentados frente a una mesa, habla por sí solo de la heterogeneidad que imperaba en la izquierda de aquellos años, y que tan caro le costó a Allende al no poder controlarla. No menos sorprendente fue que Guzmán presentara la extraña dicotomía entre Allende y el líder de la revolución cubana, Fidel Castro. Allende hasta el último momento se mostraba pacifista en su idea de socialismo, siempre dentro de la legalidad, pero curiosamente no ocultaba su simpatía por el dictador de barba y traje de guerrilla. Sin duda un punto esencial, que echa por tierra cualquier atisbo de parcialidad en el documental.



También son rescatables los momentos en que da su testimonio el ex embajador de Estados Unidos en Chile, Ewdard Korry, quien sorprendentemente da detalles de cómo Richard Nixon, de la mano de la CIA, estaba obsesionado con la caída de Allende. No es menor que este ex diplomático se muestre siempre sereno en sus juicios, sin caer en excentricidades del tipo golpes en el pecho, en señal de culpa, o que aparezca alabando la vergonzosa intervención norteamericana en la política chilena, ya desde el año 1964, con la elección de Eduardo Frei Montalva. Pero Korry llega más lejos aún, ya que a pesar de los años todavía mantiene la convicción que Allende pudo haber llevado a cabo su proceso político de manera exitosa, con la única condición de no haber demonizado al país del norte, sin embargo, es obvio que aunque reconozca que Allende no era un violentista, una cosa era ser nada más que el embajador norteamericano en Chile, y otra muy distinta era ocupar los cargos de Nixon y Kissinger en la Casa Blanca de aquellos años. El público será en definitiva quien juzgue si son frases de diplomacia o si corresponden a la sinceridad de este ex diplomático.

En el documental se extrañan en todo caso las referencias a las fuerzas de choque que la extrema izquierda puso en marcha en los ’70, como la tristemente célebre “Ramona Parra”, o la fuerte oposición que el MIR tuvo contra el mismo Allende dentro de la izquierda gobernante. Pero como este es un país donde la tendencia a empatar las cosas es deporte nacional, tampoco se hace una sola referencia a la fascista “Patria y Libertad”, así como lo más sorprendente de todo, dentro de las imágenes Augusto Pinochet aparece solo en una fotografía, junto a Salvador Allende.



Guzmán quiso dejar un legado lo más respetable posible, sin caer en la descalificación, dándole prioridad a los testimonios más que a los hechos, como los que ya fueron mencionados, así como el de anónimos adherentes, una joven pintora exiliada, algunos colaboradores que dan pistas si Allende fue o no un marxista-leninista, y parte de su entorno más cercano, entre ellos su hija Isabel, actual diputada y uno de los más esperados, el de Miria Contreras, más conocida como 'la Payita'. La música es otro elemento que no pasará inadvertido, en especial, el sonido inconfundible de Inti Illimani.

En definitiva, este es un trabajo de primer nivel, que más allá de la calidad técnica o cinematográfica, se trata de un documento histórico de gran valor, que con el correr de los años será un importante material educativo en la mayoría de los colegios de Chile. Por ahora, la recomendación es a asistir junto a las familias a las principales salas donde se exhibe, porque algunos revivirán lo que fue el Chile de las utopías, con todo lo positivo y negativo que esa época nos dejó como legado, y por otra parte, las nuevas generaciones tendrán ahora algo más que comentar sobre Salvador Allende y sus grandes alamedas.


Muy Buena





El documental "Salvador Allende" estará disponible en formato DVD a fines de diciembre del 2006, mismo mes en que dejó existir Augusto Pinochet Ugarte.


Ficha Técnica:

Nombre: Salvador Allende
Género: Documental Histórico
Formato: DVD
Dirección: Patricio Guzmán
Guión: Patricio Guzmán
Montaje: Claudio Martínez
Música: Jorge Arriagada
País: Chile, Bélgica, Alemania, México, España
Idioma: Español
Duración: 100 minutos
Año: 2004
Link: http://www.microfilm.cl/catalogo/allende.htm

"Salvador Allende", uno de los cinco mejores documentales del 2005

Otras cintas que abordaron el tema de Pinochet y la dictadura militar:



Imagen Latente. De Pablo Perelman, 1988. Esta es una película ambientada en el Chile de los '80, donde un fotógrafo busca la verdad sobre la muerte de su hermano, quien fue detenido y torturado por los servicios de la policía secreta de Pinochet. Vagabundea por lugares claves de Santiago, describiendo sus conversaciones, su paranoia y su visión de un país acallado por el miedo.




El Caso Pinochet. Otro documental del chileno Patricio Guzmán, estrenado en el 2001. Esta vez Guzmán pasa revista al largo y tortuoso camino que desembocó en la petición de extradición del ex general Augusto Pinochet a España, siendo detenido en Londres en octubre de 1998.





Machuca, de Andrés Wood, año 2004. Aunque la trama de esta cinta, considerada por muchos como la mejor película chilena hasta la fecha, transcurre durante la Unidad Popular, describiendo la amistad entre un niño de clase acomodada y otro de extrema pobreza que comparten la misma sala de clases, la historia va entrelazándose con la descomposición política y social de la sociedad chilena de esa época, que derivó finalmente en el golpe militar de 1973.



Fernando Ha Vuelto. De Silvio Caiozzi, 1998. 25 años después de la detención y desaparición de Fernando Olivares Mori, durante la dictadura militar, se hace la entrega oficial de los restos a la familia y la descripción de los golpes, torturas y disparos que causaron su muerte. Sin embargo, debido a las irregularidades detectadas en el Instituo Médico Legal durante los últimos años, ahora al título de este documental se le añadió el estremecedor Fernando Ha Vuelto a Desaparecer.



Actores Secundarios. Excelente documental del 2005, realizado por Pachi Bustos, Jorge Leiva, Mireya Leyton, Marcela Betancourt y René Varas. Es la historia de la AES (Asociación de Estudiantes Secundarios), cuya participación en las protestas de los años ochenta, hacia los finales de la era Pinochet, remeció a la comunidad escolar, siendo instrumental a los movimientos políticos que se desarrollaban en el país. Hoy en cambio, están muy decepcionados de esta democracia.

Películas y Cortometrajes de Animación (Cine UC)

...la fantasía que nos encanta...

Festival de Largometrajes y Cortometrajes de Animación

CINE UC

Por si aún no se han enterado, desde el 5 al 13 de Diciembre el Cine UC está presentando un impecable Festival de Películas de Largometraje y Cortometrajes de Animación.

Esta muestra que tiene carácter de festival por lo festivo de sus propuestas, reúne los más notables films de animación de los últimos años que se han presentado en las carteleras nacionales.


Programación


Martes 5
Programación Nacional

Miércoles 6
Programación del festival FLIP

Jueves 7
Programación Japonesa y Muestra Checa de animación

Viernes 8
Las Trillizas de Belleville, de Sylvain Chomet (Francia)

Sábado 9
Kirikou y la Hechicera, de Michel Ocelot (Francia)

Domingo 10
El Castillo Andante, de Hayao Miyazaki (Japón)

Lunes 11
La Novia Cadáver, de Tim Burton (Estados Unidos)

Martes 12
El Viaje de Chihiro, de Hayao Miyazaki (Japón)

Miércoles 13
Programación Nacional


No lo olviden. El cine de animación cada vez se impone con más fuerza en el mundo, donde las películas de este género son capaces de opacar a muchas cintas tradicionales, incluso superproducciones, dejando de ser así un género exclusivamente para niños.

Recordemos además que la cinta japonesa El Castillo Andante de Hayao Miyazaki, título presente en este festival, es una seria aspirante a convertirse en la mejor película que vimos este año 2006 en Chile.

"El Castillo Andante", valores intransables

Con mayor razón entonces este es un evento organizado por el Cine UC que resulta imperdible para quienes aman realmente el cine.

Más información en el sitio web de Cine UC

Una vez más, nos vemos en el Cine UC.

Estreno oficial de "El Hijo" (Jueves 7 de Diciembre del 2006)

... Entre la curiosidad, la ira y el perdón...




Aunque tuvo su primer acercamiento con el público chileno en el pasado Santiago Festival Internacional de Cine (SANFIC 2006), y además ya se encuentra disponible en DVD en varias tiendas de la capital, no deja de ser un mérito de Four Films el traernos a la pantalla grande El Hijo, la tercera producción de los hermanos belgas Jean-Pierre y Luc Dardenne, con la extraordinaria actuación de Olivier Gourmet en el rol protagónico.

No dejen de verla a partir de este Jueves 7 de Diciembre en las principales salas de Santiago. Tal vez, la mejor película de este año 2006 en la cartelera chilena.

"El Hijo", el difícil perdón

Entrevista a los hermanos Dardenne en 'Mabuse'

Happy Feet - 'Efectos Que Superan Al Baile'

... así como resulta un tanto molesto que la cultura estadounidense sea reproducida en ambientes como este, nada menos que la Antártica, lo mejor que tiene “Happy Feet” son algunas secuencias que, por momentos, nada tienen que envidiarle a un “James Bond” o “Misión Imposible” ...

Happy Feet

EFECTOS QUE SUPERAN AL BAILE

Siempre es bueno quitarse prejuicios de la cabeza cuando uno quiere asistir al cine a presenciar una película que es éxito de taquilla, por lo menos eso es algo que siempre practico y le digo a los demás, por más que se trate de producciones norteamericanas, siempre acompañadas de un gran marketing mediático. Pues bien, aunque esto pudiese ser de perogrullo, comienzo señalando que es la mejor manera de enfrentar a una cinta animada como lo es Happy Feet, dirigida por el mismo director de “Babe, el chanchito valiente”, George Miller.

Con una historia enfocada indiscutiblemente hacia el público infantil, tal como las que constantemente nos presentan los poderosos estudios Disney y Dreamworks, lo cierto es que la Warner Bros corría el riesgo de realizar solo una copia más de experimentos como lo fueron “El Espanta Tiburones” o “Cars”. Sin embargo, y señalando de antemano que esta última premisa se cumple en cuanto a lo poco original del guión, lo que realmente sobresale de la historia del pingüino emperador que baila son sus fabulosos efectos especiales, prácticamente los mejores que haya visto en una cinta de animación en CGI como esta.



Mumble es un pequeño e inocente pingüino, de la subespecie Emperador, quien tuvo la mala fortuna de sufrir un accidente, aparentemente inocuo, cuando era empollado por su padre, ya que a estas alturas hasta los niños más pequeños deben saber que es el macho quien se encarga del huevo una vez que la madre va en busca de comida en medio del implacable invierno de la Antártica. National Geographic, Animal Planet y el laureado documental “La Marcha de los Pingüinos” serían un fiasco si después de enseñarnos constantemente la vida de estas aves ignorásemos datos como la crianza, sus enemigos naturales y su sociabilidad.

Pues bien, este simpático animalito desde pequeño muestra grandes aptitudes para el baile, específicamente una mezcla de zapateo americano clásico y pasos de Hip Hop. Pero el baile no es lo que sus padres y los demás pingüinos esperan de él, ya que se supone que debe ser un gran cantante, entre otras cosas para interpretar la “canción del corazón”, con la cual todo pingüino debe encontrar el verdadero amor, en el caso de Mumble, la talentosa Gloria, una pingüino de excelente registro vocal. Pero tan mala es la suerte de Mumble, que a su horrorosa voz se suma el hecho que los peces comienzan a escasear, y los ancianos de la colonia, liderados por el intransigente Noah, terminan culpándolo a él por este desastre, porque lo consideran demasiado distinto a los demás, ocasionando así el malestar de los espíritus que los rigen.



La trama entonces comienza a presentar las peripecias de este Mumble, quien al ir en busca de los ‘alienígenas’, a quienes presume como los verdaderos responsables de la escasez de alimentos, seguirá haciendo de las suyas con el baile y la música de megaestrellas estadounidenses como Prince o Boyz II Men, esta vez junto a un grupo de pingüinos de otra especie, más pequeños y con una acento cubano que sorprende, ya que no deja de ser jocoso verlos disfrutar del acento y los ritmos tropicales en medio de los gélidos paisajes antárticos. Pero aquí es donde los clichés en este tipo de producciones animadas made in USA le juegan en contra a “Happy Feet”, porque insertas en grandes escenas, con espectaculares fondos naturales y una musicalización de primer nivel, nuevamente la cultura desechable de los gringos vuelve a aparecer a través de personajes estereotipados como el anciano Noah, los pingüinos caribeños encargados de hacer reír, y el propio Mumble, el héroe de turno que hace del sacrificio su mejor carta de presentación.

Sin embargo, así como resulta un tanto molesto que la cultura estadounidense sea reproducida en ambientes como este, nada menos que la Antártica, lo mejor que tiene “Happy Feet” son algunas secuencias que, por momentos, nada tienen que envidiarle a un “James Bond” o “Misión Imposible”, puesto que difícilmente pasarán desapercibidas escenas como las persecuciones de la temible foca leopardo y posteriormente el ataque de dos orcas letales, además de animaciones tan bien logradas como la caminata a través de una ventisca polar que eclipsa la luz solar, las memorables aurora australis y las escenas de saltos desde los acantilados. Son esos los méritos que exhibe la película de Miller, por las cuales no tengo ningún resquemor en señalar que esta es una muy buena producción del cine animado actual, que aunque no sobresaliente, tampoco es del todo desechable. Vale la pena la entrada.


Entretenida





Ficha Técnica:

Nombre: Happy Feet
Género: Animación, Comedia Musical
Dirección: George Miller
Guión: George Miller, John Collee, Judy Morris, Warren Coleman
Personajes: Mumble, Ramon/Lovelace, Gloria, Memphis, Norma Jean, Noah el Viejo, Alpha Skua, Sra. Astrakhan, Srta. Viola, Nestor, Lombardo, Rinaldo, Raul
Producción: Doug Mitchell, Bill Miller, George Millern
Música: John Powell
País: Estados Unidos, Australia
Idioma: Inglés (Doblada al Español)
Duración: 108 minutos
Año: 2006
Link: http://wwws.warnerbros.es/happyfeet/

Los Infiltrados - 'Ratas Aquí y Allá'

... Con un ritmo ágil y cautivante, “Los Infiltrados”, más allá de ser un remake del cine chino y de todo el marketing que Hollywood sabe desplegar, es otro de los títulos que difícilmente pueden dejarse pasar dentro de la cartelera...

Los Infiltrados

RATAS AQUÍ Y ALLÁ

Cuando tuve las primeras noticias de esta nueva película del estadounidense Martin Scorsese, Los Infiltrados, tuve la inmediata certeza que sería imposible dejar de relacionar este débil año 2006, en cuanto a cine norteamericano, con la nueva ‘moda’ que comienza a adueñarse de los grandes estudios de ahora en adelante. Si para lograr sobresalir nuevamente en una industria donde el cine de policías, vendettas, fuego cruzado y sangre por doquier ya no tenía mayores visos de innovación, lo más lógico era mirar para el lado, en este caso, más allá del gran océano que nos separa de nuestros vecinos de piel amarilla. Sí señores, porque a pesar que algunos ya consideran superior a esta cinta de Scorsese que a su mentora, la hongkonesa “Juego Sucio”, el solo hecho de haberse basado en su guión nos da la primera señal de alerta. Hollywood parece haber comprendido de una buena vez que la obviedad de un “Arma Mortal” o un “Duro de Matar” apenas podía seguir sosteniéndose en el tiempo.

Retrocediendo a lo que fueron sus “Pandillas de Nueva York” (2002), Scorsese nuevamente pone a dos mundos en disputa por demostrar cuál es superior al otro, sin mediar escrúpulos o reglas que debieran respetarse de antemano. Y aunque es obvio que otra vez este cotizado director pondrá su nombre entre los favoritos del aclamado Oscar, quizás para darle el palo al gato después de varias decepciones, lo cierto es que su idea de basarse en una historia violenta, siniestra en varios pasajes, pero en ningún caso predecible y plana, ya le está reportando buenos dividendos. En crítica al menos.



“Los Infiltrados” mantiene esa línea argumental que fácilmente la delata, como inspiración al menos, a lo que es el cine de Oriente, específicamente dentro del género de acción e historias retorcidas. Sin embargo, el guionista William Monahan, más allá de acomodar la trama a lo que son las luchas entre policías y mafiosos en los bajos mundos de Massachussets, tuvo el mérito junto a Scorsese de hacer una excelente adaptación que a los pocos minutos logra atrapar los sentidos y sumir al público en una suerte de historias que van entrelazándose poco a poco, hasta concluir en un epílogo al más puro estilo de una “Old Boy”, del coreano Park Chan-Wook

Billy Costigan (Leonardo DiCaprio) es un joven aspirante a policía, sin embargo, carga con un historial familiar que tarde o temprano le jugará en contra, ya que sus lazos sanguíneos lo unen con peligrosos delincuentes de Boston. Sin embargo, el capitán Queenan (Martin Sheen) y el sargento Digman (Mark Wahlberg), tras basurearlo e indicarle que jamás sería policía gracias a su árbol genealógico, terminan por reclutarlo para que se infiltre en el grupo de Frank Costello (Jack Nicholson), el más importante mafioso de la ciudad, a quien por años no han podido atrapar, ya que sospechan que también tiene infiltrados en el departamento de policía. La misión de Costignan será descubrir a ese contacto y hacer caer a Costello en el lucrativo tráfico de armas.



Sin embargo, la contraparte de Costignan, el promisorio policía de Investigaciones Especiales Collin Sullivan (Matt Damon), resulta un hueso difícil de roer, puesto que al ser él quién está informando a Costello de los planes de sus superiores, su vínculo con el personaje de Nicholson es bastante más fuerte que el de un simple informante, ya que Sullivan lo conoce desde pequeño, edad en la que el violento mafioso sembró los correspondientes antivalores en su personalidad. Por otra parte, Costignan y Sullivan no se descubrirán el uno al otro hasta bien avanzada la trama, siendo este un punto muy bien logrado, ya que además de oficiar como ‘ratas’ infiltrándose en la mafia y la policía respectivamente, ambos comparten los favores de una misma mujer.

Aunque algunos ya han vuelto a hablar de la magistral interpretación del estadounidense Jack Nicholson, la verdad es que siendo el único capaz de hacerle sombra a la gran actuación de Leonardo DiCaprio, por momentos se le ve demasiado sobreactuado en el papel de Costello, mezclando dureza y sadismo con un irritante humor negro. Si por actuaciones de trata, por lejos el héroe de “Titanic” es el que se lleva todos los elogios, dejando al otro protagonista, Matt Damon, y a los experimentados Martin Sheen y Alec Baldwin en un segundo plano. Sin embargo, lo más rescatable de “Los Infiltrados” es el guión, que unido a una edición que irremediablemente hace recordar al cine de acción de Oriente, no aburre en ningún momento dentro de las dos horas y media de duración. Todo lo contrario a lo que sucedió con la eterna y sobrevalorada “El Aviador”, también de Scorsese.

Y aunque sigo prefiriendo dentro de este género a la francesa “El Muelle”, de Olivier Marchal, Martin Scorsese fue inteligente y se anota con un gran título para este año 2006 en materia de cintas policiales y de acción, independiente si no logra terminar con su mala racha en los Oscar en marzo próximo. Con un ritmo ágil y cautivante, “Los Infiltrados”, más allá de ser un remake del cine chino y de todo el marketing que Hollywood sabe desplegar, es otro de los títulos que difícilmente pueden dejarse pasar dentro de la cartelera, siendo prácticamente su único punto en contra la innecesaria imagen final, con la rata deambulando por la ventana, un simbolismo que resultó estar de más para explicar el término con que la mafia se refiere a los policías que se introducen en su seno. La película ya lo había dejado sumamente claro.


Excelente





Ficha Técnica:

Nombre: Los Infiltrados (The Departed)
Género: Thriller Policial
Dirección: Martin Scorsese
Guión: William Monahan. Guión inspirado en la película "Juego Sucio” ("Infernal Affairs"), de Andrew Lau y Alan Mak.
Reparto: Leonardo DiCaprio, Matt Damon, Jack Nicholson, Mark Wahlberg, Martin Sheen, Alec Baldwin, Ray Winstone, Vera Farmiga, Anthony Anderson, Kevin Corrigan, James Badge Dale
Producción: Brad Pitt, Brad Grey y Graham King
Fotografía: Michael Ballhaus
Montaje: Thelma Schoonmaker
País: Estados Unidos
Idioma: Inglés
Duración: 152 minutos
Año: 2006
Link: http://thedeparted.warnerbros.com/

Trailer

Luces Rojas - 'Consecuencias Autodestructivas'

... Cédric Khan supo convertir este guión, basado en el texto de uno de los maestros del suspenso, Georges Simenon, en una angustiante pero bien lograda historia de suspenso, donde los hechos tormentosos no dejan de sorprender hasta acercarse el final...

Luces Rojas

CONSECUENCIAS AUTODESTRUCTIVAS

Hace un par de semanas está disponible en la cartelera de Santiago uno de los estrenos que más esperé en lo que va de este año, Luces Rojas, la escalofriante cinta francesa del director Cédric Khan, el cerebro detrás de “Roberto Succo” del año 2001. Podría señalar que este fue un especial choque de expectativas entre lo que anunciaban las promociones y el resultado propiamente tal, por lo mismo entonces, antes de emitir cualquier comentario sobre la producción, parto señalando que como pocas veces los resultados cumplieron con todas las expectativas hechas previamente. Se trata de una gran cinta de suspenso sicológico, hasta el momento, la mejor en su género en lo que va de este año 2006.

Luego de algunas cintas que también se enmarcaron dentro del género del thriller sicológico, como “La Dama de Honor” de Claude Chabrol y “Caché” de Michael Haneke, la llegada de este nuevo trabajo del galo Cédric Khan tenía una misión bastante difícil de conseguir, ya que aparte de los elogiosos pergaminos que sus predecesoras exhibían, lo cierto es que este nuevo trabajo venía a saciar la curiosidad por saber si el género podría reencantar nuevamente al público, luego de tan exitosas y variadas muestras del lado más oscuro del ser humano.



“Luces Rojas” centra sus dardos en la ira y la posterior autodestrucción del individuo, simbolizado en Antoine (Jean-Pierre Darroussin), un marido apocado por el éxito profesional de su esposa, la abogada de empresas Hélène (Carole Bouquet). Es tanta la frustración de Antoine, que su rabia contra sí mismo intenta calmarla sumiéndose en el alcohol y las constantes discusiones con Hélène. Todo indica que la relación entre ambos está irremediablemente rota, porque así como él se sumerge en una autodestrucción que incluso se refleja en su aspecto, ella también da luces de no poder soportar más seguir a su lado.

A este moderno drama humano de la inferioridad del hombre frente a su mujer, y la consecuente pérdida del rol masculino como ancestralmente se lo percibe, se sumará un hecho que pondrá a prueba no solo el matrimonio entre Antoine y Hélène, sino que todo el sistema de vida que a ambos los ha llevado a ser lo que actualmente son. Cuando deben partir una noche en busca de sus hijos, con quienes pretenden pasar un fin de semana en familia, los errores de ambos los llevará a vivir una horrenda pesadilla.



Antoine, a pesar de ir al volante, aprovecha el viaje para volver a descargar su frustración con Hélène. Los intentos de ella por calmarlo fracasan cuando Antoine, solo por contradecirla, se desvía hacia una estación de servicio para beber. Tras haberlo amenazado con abandonarlo y seguir el viaje en tren, Hélène cumple su palabra, ya que solo una nota dejada en el coche le indicará a Antoine que no volverá a ver a su esposa hasta que llegue a Bordeaux, donde los esperan sus hijos. A menos claro que vaya en su búsqueda, intentando dar con ella adelantando al tren estación por estación. Sin embargo, hay un hecho público que Antoine pretende ignorar. Esa misma noche escapó un peligroso criminal de la cárcel, por lo que su carrera nocturna por interceptar a Hélène se ve interrumpida por constantes controles en la carretera, los que logra dejar atrás a pesar de llevar a bordo a un misterioso extraño, a quien conoció cuando previamente se puso a beber.

La cinta de Khan tiene la gran virtud de no presentar el peligroso encuentro entre Antoine y este sujeto parco e intimidante, centrando la trama exclusivamente en la atemorizante situación que se produce, ya que es interesante observar cómo la personalidad del protagonista, a pesar de estar sumido en el alcohol, no logra dimensionar el peligro hasta cuando se hace demasiado evidente, puesto que su principal preocupación seguía siendo Hélène, incluso continuando con sus descargos en contra de ella y su insoportable monólogo de autocompasión. El director supo convertir este guión, basado en el texto de uno de los maestros del suspenso, Georges Simenon, en una angustiante pero bien lograda historia de suspenso, donde los hechos tormentosos no dejan de sorprender hasta acercarse el final.

Un solidísimo trabajo que vuelve a colocar al cine de habla francesa como uno de los mejores de este año. Una gran edición y dirección, pero en especial, una performance soberbia del actor Jean-Pierre Darroussin como Antoine, personaje que pasa por diversos estados de forma maestra, como la ira, autodestrucción, heroísmo, culpabilidad y sorpresa. En buenas cuentas, una película que es imposible dejar de ver, puesto que también es candidata a pelear el cetro como la mejor del año.


Excelente






Ficha Técnica:

Nombre: Luces Rojas (Feux Rouges)
Género: Thriller
Dirección: Cédric Kahn
Guión: Cédric Kahn, Laurence Ferreira-Barbosa. Basado en la novela de Georges Simenon
Reparto: Jean-Pierre Darroussin, Carole Bouquet, Vincent Deniard, Charline Paul, Jean-Pierre Gos
Producción: Patrick Godeau
Música: Claude Debussy
Fotografía: Patrick Blossier
Montaje: Yann Dedet
País: Francia
Idioma: Francés
Duración: 106 minutos
Año: 2004
Link: http://www.bacfilms.com/site/feux/

Volver - 'Ser Mujer y No Morir en el Intento'

... Pedro Almodóvar consiguió su propósito, y una vez más pone todo su acento en la fortaleza femenina, nuevamente en una comedia dramática con un guión más que sólido, por su puesto, ahora con una maduración mucho más notoria como director...

Volver

SER MUJER Y NO MORIR EN EL INTENTO

Pedro Almodóvar tiene un especial vínculo con el público, más allá de ser el más popular y reconocido de los directores hispanos, y es que para bien o para mal ninguna de sus películas pasa desapercibida cuando es estrenada en la cartelera local, ya sea en su España natal o en otras latitudes. Chile obviamente no es la excepción, y basta recordar todo lo que dieron que hablar clásicos como “Mujeres al Borde de un Ataque Nervios”, “Tacones Lejanos”, “Baile con Ella” o la controvertida “La Mala Educación” del 2004, para saber de antemano lo importante que sería este nuevo trabajo durante este alicaído año 2006 en materia de películas de habla hispana.

Y aunque desde ya separo aguas con quienes se declaran adictos al cine almodovariano, puesto que nunca me he sentido atraído del todo con estas historias truculentas que apuntan a los aspectos recónditos de la personalidad humana, no puedo menos que reconocer que Volver, su más reciente caballo de batalla, tiene el gran mérito de volver a reencantar al espectador con el tipo de personajes que más apasionan a este director: las mujeres.



Sin entrar al majadero tema de la sexualidad de Almodóvar, aunque es cierto que por ahí va el hilo conductor de tanta pasión por retratar el alma femenina, lo cierto es que al conocerse que quienes tendrían la misión de interpretar a las heroínas de turno, las cotizadas Penélope Cruz, Carmen Maura y Lola Dueñas, no pocos supusimos que esta obra solo tendría como objetivo principal presentar a estas divas españolas, en papeles donde cada una destacaría más que nada por su talento, y en el caso de la ex pareja de Tom Cruise, su magnética belleza. Pues no, el guión y la historia que une a estas tres mujeres, más otros personaje femeninos, cumple en su misión de retratar la sobrevivencia, desde aspectos puramente cotidianos hasta dolorosos traumas de familia, dejando por el suelo cualquier duda sobre la oportunidad de este casting tan llamativo.

La historia de “Volver” se desenvuelve a través de varios recovecos, característica distintiva a estas alturas en el cine de Almodóvar. Comienza con la visita al cementerio de dos hermanas, Raimunda (Penélope Cruz) y Sole (Lola Dueñas), quienes junto a la hija de la primera, Paula (Yohana Cobo), acuden a visitar la tumba de su madre. Sole es la mayor y realiza labores de peluquería en su propia casa, pero es Raimunda quien ha debido trabajar y luchar más por salir adelante junto a su hija adolescente y su marido, un patán con oscuras intenciones sexuales, quien pese a morir en su ley complica de sobremanera la existencia de Raimunda y Paula.



A este cuadro se suma una antigua vecina de ambas hermanas, Agustina (Blanca Portillo), quien les avisa de la muerte de una anciana tía, Paula (Chus Lampreave). Agustina en todo caso, ha vivido con una enorme duda desde que desapareció su propia madre, pidiéndole ayuda a ambas hermanas para dar con el paradero de esta, no sin antes advertirles que al parecer el fantasma de Irene (Carmen Maura), madre de Raimunda y Sole, ha sido visto por algunas personas en el pueblo. Sin embargo, lo que Agustina, Sole, Raimunda y Paula ignoran, es que ese fantasma más temprano que tarde hará su aparición, develando una verdad en extremo dolorosa para todas ellas, en especial para la sufrida Agustina, aunque Raimunda también aprovechará la oportunidad de sanar las heridas que la separó de su madre. Por cierto, los hombres no salimos muy bien parados en esta oportunidad, pese a estar ausentes como personajes centrales, pero aún así esta no es en absoluto un cinta feminista con una clara alocución revanchista contra el género masculino.

Las críticas no mentían, con justa razón puedo afirmar que Penélope Cruz se manda la que, hasta ahora por lo menos, es la mejor actuación que se le haya visto. Sumado al hecho que está más bella y sensual que nunca, opaca por completo al resto de sus compañeras, aunque tanto Maura como Dueñas están en el mismo nivel que ya les conocíamos, una como antigua musa del director, y la otra como actriz revelación tras su paso por “Mar Adentro”. Notable además la interpretación de Blanca Portillo como Agustina, un personaje oscuro, lleno de dolor y de tristeza. Actuaciones así simplemente se agradecen.

Pedro Almodóvar consiguió su propósito, y una vez más pone todo su acento en la fortaleza femenina, nuevamente en una comedia dramática con un guión más que sólido, por su puesto, ahora con una maduración mucho más notoria como director.La película española del año, cuyos galardones obtenidos hasta el momento en ningún caso hablan de sobrevaloración.


Excelente





Ficha Técnica:

Nombre: Volver
Género: Comedia Dramática
Dirección: Pedro Almodóvar
Guión: Pedro Almodóvar
Reparto: Penélope Cruz, Carmen Maura, Lola Dueñas, Blanca Portillo, Yohana Cobo, Chus Lampreave, María Isabel Díaz, Neus Sanz, Pepa Aniorte, Yolanda Ramos, Antonio de la Torre, Carlos Blanco
Producción: Esther García
Música: Alberto Iglesias
Fotografía: José Luis Alcaine
Montaje: José Salcedo
País: España
Idioma: Español
Duración: 110 minutos
Año: 2006
Link: http://www.clubcultura.com/clubcine/clubcineastas/

Por Puro Amor - 'Las Estaciones del Dolor' (Jornadas de Cultura Coreana en el Cine UC)

... si te lo pierdes, eres el único responsable...

Bae Chang-Ho, Kim Ki-Duk y Park Chan-Wook

A continuación, la película que dio inicio a estas Jornadas de Cultura Coreana en el Cine UC: Por Puro Amor, de Bae Chang-Ho



... Aunque sea difícil encontrar este trabajo en las tiendas de arriendo más conocidas, no es una tarea en vano buscar y encontrar este importante título de la filmografía de Corea del Sur...

Por Puro Amor

LAS ESTACIONES DEL DOLOR

La cinta que inauguró la actual Jornada de Cultura Coreana en el Centro de Extensión de la Universidad Católica de Chile, Por Puro Amor, es la decimoquinta producción del destacado director Bae Chang-Ho, quien a través de su esposa, la excelente actriz Kim Yoo-mi, nos presenta una conmovedora mirada hacia el esfuerzo y superación de la mujer en ese lejano país, a comienzos del siglo XX.

Ahora bien, el guión co-escrito entre Chang-Ho y Yoo-mi, tiene una peculiaridad que no dejará indiferente a ninguno de los seguidores de otro importante director coreano, Kim Ki-Duk, puesto que entre quienes se declaran sus detractores existe una curiosa visión que para muchos de nosotros, que no somos consumidores habituales del cine de Corea del Sur, nos resulta sorprendente por decir lo menos. A Kim Ki-Duk se le acusa de plagiar ideas de algunos de sus colegas directores. Y la verdad sea dicha, llama bastante la atención la sorprendente similitud entre “Primavera, Verano, Otoño, Invierno… y otra vez Primavera” del año 2003, el más popular de los trabajos de Ki-Duk, con este “Por Puro Amor” de Chang-Ho, del año 1999.



No haré juicios al respecto, porque desconozco si la comparación entre ambas producciones ha alimentado los comentarios en contra de Kim Ki-duk, pero me es imposible no abordar este punto a través de estas líneas, puesto que cualquiera que vea esta producción protagonizada por Kim Yoo-mi, o que simplemente quiera averiguar sobre ella, no dejará de rememorar la evolución de los personajes centrales a través de distintas estaciones del año. Pues bien, nosotros ya conocimos los cambios estacionales que experimentó un joven discípulo budista, a través del “Primavera, Verano…”, convirtiendo a esa historia en una de las mejores del año 2005. Ahora en cambio, vemos que dicho recurso se utilizó en “Por Puro Amor” cuatro años antes, en medio de una trama de hondo contenido dramático, bastante alejada del cine de fábula.

La historia nos cuenta la dura existencia de una mujer coreana, Sun Yi (Kim Yoo-mi), quien en la década del 20 es obligada a casarse, a los dieciséis años, con un niño de diez. Su sufrimiento simplemente cambia de hogar, porque claramente pasó del yugo de su familia sanguínea al de la familia de su infantil marido. Es verano, y desde los golpes y humillaciones que debe afrontar a manos de su suegra, pasamos al otoño, cuando ya es una mujer joven, aunque estéril, y decide abandonar el hogar, dejando atrás a una suegra déspota y a un esposo que debe vivir el amor, el verdadero amor, con una mujer rechazada por su madre, aunque comprendida por la propia Sun Yi.



La fortaleza de esta mujer es inmensa, tanto así que pese a vivir sola despierta la admiración de un bonachón artesano, interpretado por el actor Kim Myeong-Gon, quien fabrica hermosas vasijas y termina por pedirle matrimonio, aunque esta vez habiendo amor de por medio. Sin embargo, la tragedia volvería a recordarle que su destino aún no la libera del sufrimiento, es así entonces como el duro invierno vuelve a presentarla años después nuevamente sola, pero esta vez socorriendo a una joven mujer, rol a cargo de la hermosa Yun Yu-Seon, quien además está a cargo de un lactante.

Víctima del hambre y la desesperación la afligida joven termina llegando donde Sun Yi, y es en esta etapa donde la protagonista, tras años de penuarias, se apiada de esta otra víctima de una sociedad donde el desprecio hacia las mujeres era pan de todos los días. Finalmente la primavera, última estación del año, nos presenta a Sun Yi ya mayor, interpretada aún por Kim Yoo-mi, dejándonos claro que ella debió hacerse cargo del pequeño que huía junto a su madre, ahora convertido en un espigado estudiante universitario.



“Por Puro Amor” es una cinta que reivindica nuevamente el rol de la mujer en medios hostiles, específicamente apuntando al espíritu de superación y de esfuerzo, ese que se vuelve instantáneo al momento de haber sentimientos de por medio. Esa es la explicación que permite comprender que Sun Yi no luchara por reconquistar a un marido que a la larga le fue impuesto, que luego diera todo de sí para salir adelante junto al artesano, y finalmente se hiciera cargo de un menor inocente, al punto de convertirlo en su propio hijo y en un hombre de provecho.

Esta es una excelente exponente del cine coreano, con un guión que efectivamente permite comprender una parte de la cultura de un país del que poco sabemos, pese a tener una colonia numerosa en nuestra capital. Los elementos técnicos de “Por Puro Amor” también son distintivos del cine de Oriente, específicamente por medio de una fotografía de primer nivel, unida a una musicalización acorde con cada una de las secuencias que retratan el carácter de Sun Yi, un rol interpretado magistralmente por Kim Yoo-mi.

Aunque sea difícil encontrar este trabajo en las tiendas de arriendo más conocidas, no es una tarea en vano buscar y encontrar este importante título de la filmografía de Corea del Sur. Y si bien “Primavera, Verano, Otoño, Invierno… y otra vez Primavera” también estará presente en esta muestra, más allá de la polémica, lo realmente importante es disfrutar y conocer una de las filmografías más importantes y respetadas de la actualidad, y que el Cine UC felizmente pone a disposición de todo el público de Santiago.


Excelente






Ficha Técnica:

Nombre: Por Puro Amor (Jeong / My Heart)
Género: Drama
Dirección: Bae Chang-Ho
Guión: Bae Chang-Ho, Kim Yoo-mi
Reparto: Kim Yoo-mi, Kim Myeong-Gon, Yun Yu-Seon, Nam Jeong-Hee, Kim Jong-Ku, Cheng In-Ha, Choi Sook-Jin, Kim Seung-Soo, Kang Ki-Hwa
Producción: Bae Chang-ho
Música: Lee Seong-jae
Fotografía: Song Haeng-ki
Montaje: Kim Hyun
País: Corea del Sur
Idioma: Coreano
Duración: 114 minutos
Año: 1999
Link: http://www.subwaycinema.com/frames/archives/kfest2001/myheart.htm


Programación Cine Coreano en el Centro de Extensión de la UC:

21, 22, 23 septiembre
Por Puro Amor de Bae Chang-ho

24, 25, 26 septiembre
Primavera. Verano, Otoño, Invierno... y otra vez Primavera de Kim Ki-Duk

27, 28, 29 y 30 septiembre
Área de Seguridad Compartida de Park Chan –Wook


Más información en el sitio web de Cine UC




"Primavera, Verano, Otoño, Invierno... y otra vez Primavera" de Kim Ki-Duk, séptimo lugar entre lo mejor del 2005