Los 12 Films del 2007
Actores y Actrices del 2007
"Calle Santa Fe"
Carmen Castillo
lunes, noviembre 26, 2007
El Tiempo - 'Lucha Contra lo Ineludible'
... El sello del director surcoreano Kim Ki-duk, la gran actuación de Sung Hyun-ah, y un guión que no pierde la esencia del cine oriental que ahonda en las actitudes humanas, son las mejores cartas de presentación de "El Tiempo"...
Acostumbrados como estábamos al cine del director Kim Ki-Duk, ese donde rara vez oíamos las voces de los protagonistas, lo cierto es que más que tratarse de su más reciente trabajo, lo que a muchos nos atrajo de El Tiempo fue que esta vez el surcoreano se acercó más al cine tradicional que al de poesía y metáforas que lo precedían, como fue el caso de “Hierro 3”, “Primavera, Verano…” y “El Arco”, esta última estrenada en Chile hace solo un par de meses. Ahora conocíamos las voces de los personajes centrales. Sin embargo, el valor de “El Tiempo” radica mucho más allá de la sonoridad en los diálogos de la pareja protagónica.
Kim Ki-Duk ya no necesita mayor presentación para los chilenos, a excepción de los cinéfilos adictos al cine de Oriente, desde el año 2005 que nadie en nuestro país que guste del buen cine podría desconocer su nombre, sus trabajos cinematográficos, o al menos, su fama y popularidad. Así entonces, resulta obvio que encontrarse con otro tipo de propuestas del surcoreano resulta más que interesante, aunque siempre teniendo en cuenta que se trata de otra indagación en el alma humana, siempre centrada en los conflictos del amor. Cambia la forma, pero no el fondo.
Nuevamente Kim Ki-Duk lleva a la pantalla grande una obra ideada íntegramente por él, donde esta vez la inseguridad de la protagonista, So-Hee (Sung Hyun-ah), echa a correr una bola de nieve que amenaza más con destruirla a ella misma que aliviar sus celos enfermizos. So-Hee, interpretada al comienzo por otra actriz, no resiste el paso del tiempo mientras está en compañía de Ji-Woo (Jung-woo Ha), lo que sumado a sus propias inseguridades desemboca en la idea de operarse el rostro, para probar a través de esta ‘novedad’ la posibilidad de perpetuar su amor con Ji-Woo, una relación que parece estar muriendo luego de dos años.
Así entonces, la protagonista desaparece seis meses de la vida de su pareja, y con un nuevo rostro (Sung Hyun-ah), retorna a la vida de Ji-Woo, no sin antes haber sido advertida por el cirujano que no habrá vuelta atrás en su cara tras la operación. Si bien el reencuentro con Ji-Woo se transforma en un simpático juego mientras ella cubre su rostro y no se identifica, de a poco sus inseguridades la vuelven a traicionar, con severas consecuencias para su pareja, quien tras fallidas relaciones tras la partida de la So-hee que conoció, no logra comprender a esta ‘nueva’ mujer que llega a su vida. Obviamente habrá consecuencias cuando éste descubra la verdad.
El propio Kim Ki Duk se ha referido a “El Tiempo” como una obra en la que intenta dejar en claro que el paso del tiempo es ineludible, y que entre los amantes no es el amor el que decae, sino que la mutua química y por ende, la pasión. Una explicación más que razonable luego de ver el film, donde nuevamente es el espectador quien resuelve sobre las actitudes de cada personaje, en especial sus transformaciones. Ya no hay poesía en este nuevo trabajo, pero una vez más, una profunda reflexión sobre la vulnerabilidad del sentimiento.
Difícilmente una producción de este cotizado director surcoreano podría empinarse en lo más alto de un resumen anual, por más que sus admiradores crezcan cada vez más en número, y de hecho, así ha ocurrido en estos últimos dos años, a pesar de títulos que nadie ha podido olvidar, pero faltando poco más de un mes para cerrar este año 2007, esta es hasta ahora la mejor película extranjera estrenada en Chile. El sello de Kim Ki-duk, la gran actuación de Sung Hyun-ah, y un guión que no pierde la esencia del cine oriental que ahonda en las emociones humanas, son sus mejores cartas de presentación.
Excelente
Ficha Técnica:
Nombre: El Tiempo (Shi Gan / Time)
Género: Drama
Dirección: Kim Ki-Duk
Guión: Kim Ki-Duk
Reparto: Sung Hyun-ah, Jung-woo Ha, Ji-yeon Park, Hyeon-a Seong, Yeong-hwa Seo
Producción: Kim Ki-Duk
Fotografía: Sung Jong-moo
Música: Noh Hyung-woo
Montaje: Kim Ki-Duk
País: Corea del Sur, Japón
Idioma: Coreano
Duración: 97 minutos
Año: 2006
Link: http://www.lifesizeentertainment.com/TIME/POSTER.html
El Tiempo
(Shi Gan - Time)
LUCHA CONTRA
LO INELUDIBLE
LO INELUDIBLE
Acostumbrados como estábamos al cine del director Kim Ki-Duk, ese donde rara vez oíamos las voces de los protagonistas, lo cierto es que más que tratarse de su más reciente trabajo, lo que a muchos nos atrajo de El Tiempo fue que esta vez el surcoreano se acercó más al cine tradicional que al de poesía y metáforas que lo precedían, como fue el caso de “Hierro 3”, “Primavera, Verano…” y “El Arco”, esta última estrenada en Chile hace solo un par de meses. Ahora conocíamos las voces de los personajes centrales. Sin embargo, el valor de “El Tiempo” radica mucho más allá de la sonoridad en los diálogos de la pareja protagónica.
Kim Ki-Duk ya no necesita mayor presentación para los chilenos, a excepción de los cinéfilos adictos al cine de Oriente, desde el año 2005 que nadie en nuestro país que guste del buen cine podría desconocer su nombre, sus trabajos cinematográficos, o al menos, su fama y popularidad. Así entonces, resulta obvio que encontrarse con otro tipo de propuestas del surcoreano resulta más que interesante, aunque siempre teniendo en cuenta que se trata de otra indagación en el alma humana, siempre centrada en los conflictos del amor. Cambia la forma, pero no el fondo.
Nuevamente Kim Ki-Duk lleva a la pantalla grande una obra ideada íntegramente por él, donde esta vez la inseguridad de la protagonista, So-Hee (Sung Hyun-ah), echa a correr una bola de nieve que amenaza más con destruirla a ella misma que aliviar sus celos enfermizos. So-Hee, interpretada al comienzo por otra actriz, no resiste el paso del tiempo mientras está en compañía de Ji-Woo (Jung-woo Ha), lo que sumado a sus propias inseguridades desemboca en la idea de operarse el rostro, para probar a través de esta ‘novedad’ la posibilidad de perpetuar su amor con Ji-Woo, una relación que parece estar muriendo luego de dos años.
Así entonces, la protagonista desaparece seis meses de la vida de su pareja, y con un nuevo rostro (Sung Hyun-ah), retorna a la vida de Ji-Woo, no sin antes haber sido advertida por el cirujano que no habrá vuelta atrás en su cara tras la operación. Si bien el reencuentro con Ji-Woo se transforma en un simpático juego mientras ella cubre su rostro y no se identifica, de a poco sus inseguridades la vuelven a traicionar, con severas consecuencias para su pareja, quien tras fallidas relaciones tras la partida de la So-hee que conoció, no logra comprender a esta ‘nueva’ mujer que llega a su vida. Obviamente habrá consecuencias cuando éste descubra la verdad.
El propio Kim Ki Duk se ha referido a “El Tiempo” como una obra en la que intenta dejar en claro que el paso del tiempo es ineludible, y que entre los amantes no es el amor el que decae, sino que la mutua química y por ende, la pasión. Una explicación más que razonable luego de ver el film, donde nuevamente es el espectador quien resuelve sobre las actitudes de cada personaje, en especial sus transformaciones. Ya no hay poesía en este nuevo trabajo, pero una vez más, una profunda reflexión sobre la vulnerabilidad del sentimiento.
Difícilmente una producción de este cotizado director surcoreano podría empinarse en lo más alto de un resumen anual, por más que sus admiradores crezcan cada vez más en número, y de hecho, así ha ocurrido en estos últimos dos años, a pesar de títulos que nadie ha podido olvidar, pero faltando poco más de un mes para cerrar este año 2007, esta es hasta ahora la mejor película extranjera estrenada en Chile. El sello de Kim Ki-duk, la gran actuación de Sung Hyun-ah, y un guión que no pierde la esencia del cine oriental que ahonda en las emociones humanas, son sus mejores cartas de presentación.
Excelente
Ficha Técnica:
Nombre: El Tiempo (Shi Gan / Time)
Género: Drama
Dirección: Kim Ki-Duk
Guión: Kim Ki-Duk
Reparto: Sung Hyun-ah, Jung-woo Ha, Ji-yeon Park, Hyeon-a Seong, Yeong-hwa Seo
Producción: Kim Ki-Duk
Fotografía: Sung Jong-moo
Música: Noh Hyung-woo
Montaje: Kim Ki-Duk
País: Corea del Sur, Japón
Idioma: Coreano
Duración: 97 minutos
Año: 2006
Link: http://www.lifesizeentertainment.com/TIME/POSTER.html
Trailer
Iván, El Terrible I - 'Causales de un Tirano'
... la cinta es recordada como el gran dolor de cabeza de Eisenstein frente a José Stalin, pero la animosidad del dictador soviético respondió más a la segunda parte de “Iván El Terrible”, por eso es tan importante captar la transformación del personaje protagónico en esta primera entrega...
Aunque han pasado muchas décadas desde la época dorada del gran director ruso Sergei Eisenstein, aún se le sigue recordando principalmente como el cerebro de “El Acorazado de Potemkin”, siendo así, es comprensible entonces que Ivan El Terrible, que se ha considerado como el último gran legado del padre del cine ruso, tampoco haya tenido la trascendencia de la mítica cinta de 1925. Pero lo que nadie podría desconocer es que esta tremenda producción, dividida en dos partes, mostró a través del cine sonoro lo mejor que Eisenstein venía ofreciendo hasta ese momento.
Si bien el cine mudo le permitió en primera instancia al padre de la cinematografía soviética dar a conocer su mensaje, y así ayudar a la propaganda del nuevo orden imperante en Rusia, esta vez, de la mano de uno de sus más estrechos colaboradores, el actor Nikolai Cherkassov, quien encarnó al legendario Iván, Eisenstein nuevamente inmortaliza sus dones en el montaje marcando cada encuadre, cada toma, con ese acento de teatralidad que tan famoso lo hizo dos décadas antes.
“Iván El Terrible” comienza con la fastuosa coronación del primer zar de Rusia, en el año 1530, quien hasta ese momento era solo el Gran Duque de Moscovia. Las ambientaciones, el vestuario de cada uno de los actores, actrices y extras sobresalen inmediatamente, indicando de antemano que durante las casi dos horas del film se estará frente a una tremenda producción cinematográfica, una verdadera obra de arte. Unido a una magistral interpretación de Nikolai Cherkassov, la primera parte de esta visión de Eisenstein sobre Ivan Grosni, ya que la segunda parte se rodaría dos años después, poco a poco va enfocándose en las turbulentas relaciones que hacen de Iván un hombre victimizado.
Al parecer lo anterior dista mucho de la verdadera personalidad del Iván histórico, más aún si tomamos en cuenta que esta cinta es recordada como el gran dolor de cabeza de Eisenstein frente al tristemente recordado José Stalin, pero la animosidad del dictador soviético respondió más a la segunda parte de “Iván El Terrible”, por eso es tan importante captar la transformación del personaje protagónico en esta primera entrega, quien tras anexar las regiones de Ucrania y Crimen, y derrotar sin contemplación a Kazán, también debió lidiar con un fuerte complot interno.
Cherkassov, quien pudiera parecer bajo los cánones actuales un tanto sobreactuado en algunos pasajes, en el fondo utiliza cada gestualidad y teatralidad en su interpretación para acentuar las causales que llevaron a convertir a este líder moderno para su época, en lo que se transformaría después. Su esposa, Anastasia Romanov (Ludmila Tselikovskaya) termina siendo víctima de uno de sus supuestos aliados, mientras que la Iglesia Ortodoxa, a la cual el mismo Iván pertenece, y la poderosa aristocracia representada en los boyardos, atemorizados por el absolutismo que se asentaba en el trono, generan una espuria alianza que comienza a dar sus frutos con el envenenamiento de Anastasia.
Así entonces, este magnánimo líder va de un lado a otro en su mente, preguntándose si el poder que ostenta es generado divinamente, o bien por su voluntad de unificar a su pueblo, ya que dicha respuesta sería crucial para explicarse el porqué de tanta traición y conspiración en su contra, que lo ha llevado incluso a pensar en la abdicación. Toda esta trama propia de Hamlet, unida a los recursos de montaje e iluminación tan característicos del cine de Sergei Eisenstein, y ahora con sonido, convirtieron a “Iván el Terrible I” no solo es un clásico, sino en un material de lujo para cineastas y admiradores del cine ruso de antaño, más aún, si recordamos que fue rodada en las postrimerías de la Segunda Guerra Mundial, otro gran logro de Eisenstein.
Excelente
Ficha Técnica:
Nombre: Iván El Terrible (Ivan Grosny / Ivan The Terrible)
Género: Drama
Formato: DVD
Dirección: Sergei Eisenstein
Guión: Sergei Eisenstein
Reparto: Nikolai Cherkassov, Ludmila Tselikovskaya, Serafima Birman, Mikhail Nazvanov, Pavel Kadochnikov, Mikahil Zharov, Mikhail Kuznetsov
Producción: Boris Mikhin
Fotografía: Edgard Tissé
Montaje: Sergei Eisenstein
País: Rusia (ex U.R.S.S.)
Idioma: Ruso
Duración: 100 minutos
Año: 1944 - 1945
Link: http://cinema16.mty.itesm.mx/historia_del_cine/comentarios/ivan_gronzy.htm
Iván El Terrible I
(Ivan Grosny / Ivan The Terrible)
CAUSALES DE UN TIRANO
Aunque han pasado muchas décadas desde la época dorada del gran director ruso Sergei Eisenstein, aún se le sigue recordando principalmente como el cerebro de “El Acorazado de Potemkin”, siendo así, es comprensible entonces que Ivan El Terrible, que se ha considerado como el último gran legado del padre del cine ruso, tampoco haya tenido la trascendencia de la mítica cinta de 1925. Pero lo que nadie podría desconocer es que esta tremenda producción, dividida en dos partes, mostró a través del cine sonoro lo mejor que Eisenstein venía ofreciendo hasta ese momento.
Si bien el cine mudo le permitió en primera instancia al padre de la cinematografía soviética dar a conocer su mensaje, y así ayudar a la propaganda del nuevo orden imperante en Rusia, esta vez, de la mano de uno de sus más estrechos colaboradores, el actor Nikolai Cherkassov, quien encarnó al legendario Iván, Eisenstein nuevamente inmortaliza sus dones en el montaje marcando cada encuadre, cada toma, con ese acento de teatralidad que tan famoso lo hizo dos décadas antes.
“Iván El Terrible” comienza con la fastuosa coronación del primer zar de Rusia, en el año 1530, quien hasta ese momento era solo el Gran Duque de Moscovia. Las ambientaciones, el vestuario de cada uno de los actores, actrices y extras sobresalen inmediatamente, indicando de antemano que durante las casi dos horas del film se estará frente a una tremenda producción cinematográfica, una verdadera obra de arte. Unido a una magistral interpretación de Nikolai Cherkassov, la primera parte de esta visión de Eisenstein sobre Ivan Grosni, ya que la segunda parte se rodaría dos años después, poco a poco va enfocándose en las turbulentas relaciones que hacen de Iván un hombre victimizado.
Al parecer lo anterior dista mucho de la verdadera personalidad del Iván histórico, más aún si tomamos en cuenta que esta cinta es recordada como el gran dolor de cabeza de Eisenstein frente al tristemente recordado José Stalin, pero la animosidad del dictador soviético respondió más a la segunda parte de “Iván El Terrible”, por eso es tan importante captar la transformación del personaje protagónico en esta primera entrega, quien tras anexar las regiones de Ucrania y Crimen, y derrotar sin contemplación a Kazán, también debió lidiar con un fuerte complot interno.
Cherkassov, quien pudiera parecer bajo los cánones actuales un tanto sobreactuado en algunos pasajes, en el fondo utiliza cada gestualidad y teatralidad en su interpretación para acentuar las causales que llevaron a convertir a este líder moderno para su época, en lo que se transformaría después. Su esposa, Anastasia Romanov (Ludmila Tselikovskaya) termina siendo víctima de uno de sus supuestos aliados, mientras que la Iglesia Ortodoxa, a la cual el mismo Iván pertenece, y la poderosa aristocracia representada en los boyardos, atemorizados por el absolutismo que se asentaba en el trono, generan una espuria alianza que comienza a dar sus frutos con el envenenamiento de Anastasia.
Así entonces, este magnánimo líder va de un lado a otro en su mente, preguntándose si el poder que ostenta es generado divinamente, o bien por su voluntad de unificar a su pueblo, ya que dicha respuesta sería crucial para explicarse el porqué de tanta traición y conspiración en su contra, que lo ha llevado incluso a pensar en la abdicación. Toda esta trama propia de Hamlet, unida a los recursos de montaje e iluminación tan característicos del cine de Sergei Eisenstein, y ahora con sonido, convirtieron a “Iván el Terrible I” no solo es un clásico, sino en un material de lujo para cineastas y admiradores del cine ruso de antaño, más aún, si recordamos que fue rodada en las postrimerías de la Segunda Guerra Mundial, otro gran logro de Eisenstein.
Excelente
Ficha Técnica:
Nombre: Iván El Terrible (Ivan Grosny / Ivan The Terrible)
Género: Drama
Formato: DVD
Dirección: Sergei Eisenstein
Guión: Sergei Eisenstein
Reparto: Nikolai Cherkassov, Ludmila Tselikovskaya, Serafima Birman, Mikhail Nazvanov, Pavel Kadochnikov, Mikahil Zharov, Mikhail Kuznetsov
Producción: Boris Mikhin
Fotografía: Edgard Tissé
Montaje: Sergei Eisenstein
País: Rusia (ex U.R.S.S.)
Idioma: Ruso
Duración: 100 minutos
Año: 1944 - 1945
Link: http://cinema16.mty.itesm.mx/historia_del_cine/comentarios/ivan_gronzy.htm
Escena
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Be With Me - 'Gracias por la Esperanza'
... Se trata de la descripción de distintas soledades, tristezas y amarguras, sentimientos humanos que solo pueden ser superados por la superación de cada individuo. Ese es el mensaje de Eric Khoo, a través de Theresa Chan y las demás historias...
Desde hace un par de años que el director surcoreano Kim Ki-Duk viene siendo reconocido como uno de los mejores exponentes del cotizado cine asiático, y lo anterior no responde a una premisa esnobista de quienes disfrutan del cine de selección, puesto que en cada una de sus propuestas la descripción del alma humana, de manera metafórica, ha hecho reflexionar a los espectadores sobre los vaivenes del ser humano cuando se ve expuesto a dificultades y cambios profundos. Pues bien, es bastante reconfortante descubrir que el popular director coreano no es el único capaz de regalarnos este tipo de propuestas.
Una de las cintas que pasó sin pena ni gloria durante el último Festival de Cine de Santiago (SANFIC) fue Be With Me, del director Eric Khoo. Esta sorprendente producción de Singapur está basada en el libro autobiográfico de Theresa Chan, una increíble mujer cuya vida le ha puesto innumerables barreras, algunas de ellas extremadamente crueles, pero que aún así, gracias a su fortaleza interior, logró convertirse en el ejemplo que es hoy.
Theresa Chan es una menuda mujer de 61 años. A los doce años perdió la audición, lo cual le impide hasta el día de hoy gesticular del todo bien al momento de hablar, sin embargo su infortunio no terminó ahí, ya que dos años después, a los catorce, perdió la visión. A pesar de estas dos desgracias, que a cualquier ser humano derrumbarían, Chan logró reponerse y salir adelante, llegando a convertirse, contra todos los pronósticos, en profesora de inglés para niños. Esta fuerza interior, potenciada durante años, le permitió además sobreponerse a una última prueba que le deparaba el destino, la muerte de su novio algunos años después.
Eric Khoo conoció a Chan en un banquete de bodas, y se interesó tanto en su historia que decidió entrelazar su lucha personal con otras historias ficticias, las que apuntan a uno deseo común, el ser amados. Si bien es la valerosa Chan el personaje protagónico dentro de este mosaico de historias, las que hablan de dolor, soledad y esperanza, la maestría de Khoo en este, su tercer largometraje, es que sabe entrelazar la presentación de cada una de ellas con una sutileza impresionante. En verdad, cuesta entender porqué el público santiaguino no respondió debidamente a este film en agosto pasado.
“Be With Me” nos introduce con un ritmo pausado, cercano a lo cotidiano, a historias que van desde el temprano amor lésbico de dos adolescentes, quienes gustan de enviarse mensajes de texto cuando están separadas, la monótona existencia de un guardia de seguridad treintón, sin trabajo estable y enamorado de un imposible, que suple sus carencias con la comida, y la más emocional de todas, la de un viudo anciano que se resiste a la partida de su esposa, lo que lleva a su hijo a presentarle a Theresa, única capaz de volverlo a la realidad. Chan solo interactúa en la historia de este triste y lacónico anciano, no así en la del robusto solitario ni en la de ambas muchachas, donde una de ellas no logra resistir el alejamiento de la otra.
Aquí no hay encadenamientos, por momentos las cuatro historias, incluido el testimonio de vida de Theresa Chan, avanzan por carriles distintos, con lo cual su director no pretende aunar ideas afines en un guión que busque dejar moralejas. Se trata de la descripción de distintas soledades, tristezas y amarguras, sentimientos humanos que solo pueden ser superados por la superación de cada individuo. Ese es el mensaje de Khoo, a través de Chan y las demás historias.
Una pieza única y sorprendente, alejada de todo sentimentalismo, por más que el relato de Chan y las historias que presenta su director sean tratados con extrema delicadeza. Con toda la admiración que han despertado los directores del lejano Oriente, con formatos tan parecidos a este de Eric Khoo, estoy seguro que la llegada a la cartelera local de “Be With Me” no debería pasar inadvertida, como lamentablemente sí ocurrió en el último SANFIC. Queda ahora en manos de los distribuidores interesarse por esta producción de Singapur, que a modo muy personal, es una de las mejores que he podido ver hasta ahora durante el año que ya se nos va, sino la mejor.
Excelente
Ficha Técnica:
Nombre: Be With Me (Quédate Conmigo)
Género: Drama
Dirección: Eric Khoo
Guión: Wong Kim Hoh
Reparto: Theresa Chan, Ezan Lee, Samantha Tan, Seet Keng Yew, Chiew Sung Ching
Producción: Brian Hong
Fotografía: Adrian Tan
Música: Kevin Mathews, Christine Sham
Montaje: Low Hwee Ling
País: Singapur
Idioma: Chino mandarín
Duración: 93 minutos
Año: 2005
Link: http://www.zhaowei.com/bewithme.html
Be With Me
(Quédate Conmigo)
GRACIAS POR LA ESPERANZA
Desde hace un par de años que el director surcoreano Kim Ki-Duk viene siendo reconocido como uno de los mejores exponentes del cotizado cine asiático, y lo anterior no responde a una premisa esnobista de quienes disfrutan del cine de selección, puesto que en cada una de sus propuestas la descripción del alma humana, de manera metafórica, ha hecho reflexionar a los espectadores sobre los vaivenes del ser humano cuando se ve expuesto a dificultades y cambios profundos. Pues bien, es bastante reconfortante descubrir que el popular director coreano no es el único capaz de regalarnos este tipo de propuestas.
Una de las cintas que pasó sin pena ni gloria durante el último Festival de Cine de Santiago (SANFIC) fue Be With Me, del director Eric Khoo. Esta sorprendente producción de Singapur está basada en el libro autobiográfico de Theresa Chan, una increíble mujer cuya vida le ha puesto innumerables barreras, algunas de ellas extremadamente crueles, pero que aún así, gracias a su fortaleza interior, logró convertirse en el ejemplo que es hoy.
Theresa Chan es una menuda mujer de 61 años. A los doce años perdió la audición, lo cual le impide hasta el día de hoy gesticular del todo bien al momento de hablar, sin embargo su infortunio no terminó ahí, ya que dos años después, a los catorce, perdió la visión. A pesar de estas dos desgracias, que a cualquier ser humano derrumbarían, Chan logró reponerse y salir adelante, llegando a convertirse, contra todos los pronósticos, en profesora de inglés para niños. Esta fuerza interior, potenciada durante años, le permitió además sobreponerse a una última prueba que le deparaba el destino, la muerte de su novio algunos años después.
Eric Khoo conoció a Chan en un banquete de bodas, y se interesó tanto en su historia que decidió entrelazar su lucha personal con otras historias ficticias, las que apuntan a uno deseo común, el ser amados. Si bien es la valerosa Chan el personaje protagónico dentro de este mosaico de historias, las que hablan de dolor, soledad y esperanza, la maestría de Khoo en este, su tercer largometraje, es que sabe entrelazar la presentación de cada una de ellas con una sutileza impresionante. En verdad, cuesta entender porqué el público santiaguino no respondió debidamente a este film en agosto pasado.
“Be With Me” nos introduce con un ritmo pausado, cercano a lo cotidiano, a historias que van desde el temprano amor lésbico de dos adolescentes, quienes gustan de enviarse mensajes de texto cuando están separadas, la monótona existencia de un guardia de seguridad treintón, sin trabajo estable y enamorado de un imposible, que suple sus carencias con la comida, y la más emocional de todas, la de un viudo anciano que se resiste a la partida de su esposa, lo que lleva a su hijo a presentarle a Theresa, única capaz de volverlo a la realidad. Chan solo interactúa en la historia de este triste y lacónico anciano, no así en la del robusto solitario ni en la de ambas muchachas, donde una de ellas no logra resistir el alejamiento de la otra.
Aquí no hay encadenamientos, por momentos las cuatro historias, incluido el testimonio de vida de Theresa Chan, avanzan por carriles distintos, con lo cual su director no pretende aunar ideas afines en un guión que busque dejar moralejas. Se trata de la descripción de distintas soledades, tristezas y amarguras, sentimientos humanos que solo pueden ser superados por la superación de cada individuo. Ese es el mensaje de Khoo, a través de Chan y las demás historias.
Una pieza única y sorprendente, alejada de todo sentimentalismo, por más que el relato de Chan y las historias que presenta su director sean tratados con extrema delicadeza. Con toda la admiración que han despertado los directores del lejano Oriente, con formatos tan parecidos a este de Eric Khoo, estoy seguro que la llegada a la cartelera local de “Be With Me” no debería pasar inadvertida, como lamentablemente sí ocurrió en el último SANFIC. Queda ahora en manos de los distribuidores interesarse por esta producción de Singapur, que a modo muy personal, es una de las mejores que he podido ver hasta ahora durante el año que ya se nos va, sino la mejor.
Excelente
Ficha Técnica:
Nombre: Be With Me (Quédate Conmigo)
Género: Drama
Dirección: Eric Khoo
Guión: Wong Kim Hoh
Reparto: Theresa Chan, Ezan Lee, Samantha Tan, Seet Keng Yew, Chiew Sung Ching
Producción: Brian Hong
Fotografía: Adrian Tan
Música: Kevin Mathews, Christine Sham
Montaje: Low Hwee Ling
País: Singapur
Idioma: Chino mandarín
Duración: 93 minutos
Año: 2005
Link: http://www.zhaowei.com/bewithme.html
Trailer
La Vida de los Otros - 'Caretas a Proteger'
... Se trata de un guión sutilmente conmovedor, donde cada acción de Wiesler, Sieland y Dreyman hacen emerger el factor sorpresa, recreando una época oscura a punto de terminar...
Aunque con bastante más retraso del esperado, finalmente meses atrás pudimos conocer a la publicitada ganadora de los Oscar 2007 en la categoría de mejor film de habla no inglesa. La Vida de los Otros, del debutante director Florian Henckel von Donnersmarc, se convirtió en una de las producciones que más dio que hablar en Chile por su trama, ya que fue imposible obviar los nexos entre políticos y exiliados chilenos con el régimen de facto de Eric Honecker.
La Stasi, ex policía de secreta de la Alemania Oriental, originó un sinnúmero de dramas, como toda entidad de este tipo en cualquier país, pero Henckel von Donnersmarc no quiso hacer de su primera película una denuncia más sobre los métodos represivos y de espionaje que se vivieron en los años que antecedieron a la caída del Muro de Berlín. Tal como en otras producciones, el cine germano quiso nuevamente ahondar en el sentimiento y la grandeza del ser humano, en medio de un entorno hostil y a ratos sofocante.
Esta es una historia que, si bien es extensa en su duración, tiene un ritmo que sorprendentemente no la hace decaer a lo largo de los minutos, sin estridencias y sin diálogos grandilocuentes. El Capitán de la Stasi Hauptmann Gerd Wiesler (Ulrich Mühe), hombre lealmente comprometido con la causa comunista, recibe como orden espiar a un sospechoso dramaturgo, Georg Dreyman (Sebastian Koch), quien según el aparato estatal podría efectuar actividades de contra propaganda al régimen, lo mismo que su pareja, la actriz Christina-Maria Sieland (Martina Gedeck).
Wiesler toma su misión como una más, y bajo las órdenes del desconcertante teniente coronel Anton Grubitz (Ulrich Tukur) comienza el seguimiento de Dreyman. A poco andar, este frío Capitán descubre que es muy difícil sorprender a Dreyman en un ilícito, salvo que éste supiera de antemano de su condición de seguimiento, hasta que ocurre un hecho que podría cambiar las cosas. Es entonces que Wiesler se da cuenta que en sus manos no solo está la vida de Dreyman y su círculo, sino también el de sus superiores.
Henckel von Donnersmarc a través del personaje de Wiesler no solo intenta reivindicar a los alemanes orientales que abrieron los ojos bajo la dictadura comunista, sino que da un paso más allá, buscando indagar en los sentimientos de alguien que en sus manos tiene la posibilidad de desenmascarar a individuos que viven de caretas, para poder sobrevivir. Se trata de un guión sutilmente conmovedor, donde cada acción de Wiesler, Sieland y Dreyman hacen emerger el factor sorpresa, recreando una época oscura a punto de terminar.
Una soberbia actuación de Ulrich Mühe se convierte en un elemento extra que hace imposible perderse “La Vida de los Otros”, la mejor cinta europea del 2007. Los múltiples galardones no erraron, y aunque ya está disponible en DVD, las escasas salas donde aún permanece en cartelera merecen darle una buena despedida a otra introspección más que los alemanes han hecho de su propia historia, esta vez bajo un prisma que atrapa a todos por igual, unido además a una excelente musicalización. Simplemente de lujo.
Excelente
Ficha Técnica:
Nombre: La Vida de los Otros (Das leben der anderen / The Live of Others)
Género: Drama, Thriller
Dirección: Florian Henckel von Donnersmarc
Guión: Florian Henckel von Donnersmarc
Reparto: Martina Gedeck, Ulrich Mühe, Sebastian Koch, Ulrich Tukur, Thomas Thieme, Hans-Uwe Bauer, Volkmar Kleinert, Matthias Brenner, Herbert Knaup
Producción: Quirin Berg y Max Wiedemann
Fotografía: Hagen Bogdanski
Música: Gabriel Yared y Stéphane Moucha
Vestuario: Gabriele Binder
Montaje: Patricia Rommel
País: Alemania
Idioma: Alemán
Duración: 144 minutos
Año: 2006
Link: http://www.sonyclassics.com/thelivesofothers/
La Vida de los Otros
(Das leben der anderen /
The Live of Others)
(Das leben der anderen /
The Live of Others)
CARETAS A PROTEGER
Aunque con bastante más retraso del esperado, finalmente meses atrás pudimos conocer a la publicitada ganadora de los Oscar 2007 en la categoría de mejor film de habla no inglesa. La Vida de los Otros, del debutante director Florian Henckel von Donnersmarc, se convirtió en una de las producciones que más dio que hablar en Chile por su trama, ya que fue imposible obviar los nexos entre políticos y exiliados chilenos con el régimen de facto de Eric Honecker.
La Stasi, ex policía de secreta de la Alemania Oriental, originó un sinnúmero de dramas, como toda entidad de este tipo en cualquier país, pero Henckel von Donnersmarc no quiso hacer de su primera película una denuncia más sobre los métodos represivos y de espionaje que se vivieron en los años que antecedieron a la caída del Muro de Berlín. Tal como en otras producciones, el cine germano quiso nuevamente ahondar en el sentimiento y la grandeza del ser humano, en medio de un entorno hostil y a ratos sofocante.
Esta es una historia que, si bien es extensa en su duración, tiene un ritmo que sorprendentemente no la hace decaer a lo largo de los minutos, sin estridencias y sin diálogos grandilocuentes. El Capitán de la Stasi Hauptmann Gerd Wiesler (Ulrich Mühe), hombre lealmente comprometido con la causa comunista, recibe como orden espiar a un sospechoso dramaturgo, Georg Dreyman (Sebastian Koch), quien según el aparato estatal podría efectuar actividades de contra propaganda al régimen, lo mismo que su pareja, la actriz Christina-Maria Sieland (Martina Gedeck).
Wiesler toma su misión como una más, y bajo las órdenes del desconcertante teniente coronel Anton Grubitz (Ulrich Tukur) comienza el seguimiento de Dreyman. A poco andar, este frío Capitán descubre que es muy difícil sorprender a Dreyman en un ilícito, salvo que éste supiera de antemano de su condición de seguimiento, hasta que ocurre un hecho que podría cambiar las cosas. Es entonces que Wiesler se da cuenta que en sus manos no solo está la vida de Dreyman y su círculo, sino también el de sus superiores.
Henckel von Donnersmarc a través del personaje de Wiesler no solo intenta reivindicar a los alemanes orientales que abrieron los ojos bajo la dictadura comunista, sino que da un paso más allá, buscando indagar en los sentimientos de alguien que en sus manos tiene la posibilidad de desenmascarar a individuos que viven de caretas, para poder sobrevivir. Se trata de un guión sutilmente conmovedor, donde cada acción de Wiesler, Sieland y Dreyman hacen emerger el factor sorpresa, recreando una época oscura a punto de terminar.
Una soberbia actuación de Ulrich Mühe se convierte en un elemento extra que hace imposible perderse “La Vida de los Otros”, la mejor cinta europea del 2007. Los múltiples galardones no erraron, y aunque ya está disponible en DVD, las escasas salas donde aún permanece en cartelera merecen darle una buena despedida a otra introspección más que los alemanes han hecho de su propia historia, esta vez bajo un prisma que atrapa a todos por igual, unido además a una excelente musicalización. Simplemente de lujo.
Excelente
Ficha Técnica:
Nombre: La Vida de los Otros (Das leben der anderen / The Live of Others)
Género: Drama, Thriller
Dirección: Florian Henckel von Donnersmarc
Guión: Florian Henckel von Donnersmarc
Reparto: Martina Gedeck, Ulrich Mühe, Sebastian Koch, Ulrich Tukur, Thomas Thieme, Hans-Uwe Bauer, Volkmar Kleinert, Matthias Brenner, Herbert Knaup
Producción: Quirin Berg y Max Wiedemann
Fotografía: Hagen Bogdanski
Música: Gabriel Yared y Stéphane Moucha
Vestuario: Gabriele Binder
Montaje: Patricia Rommel
País: Alemania
Idioma: Alemán
Duración: 144 minutos
Año: 2006
Link: http://www.sonyclassics.com/thelivesofothers/
Trailer
lunes, julio 09, 2007
ÍNDICE 5
... dedicado simplemente a ustedes...
"La Huelga"
Epopeya del Proletariado
Lo Mejor 1º Semestre 2007
Resumen
"Ratatouille"
Un Increíble Gourmet
La Huelga
SIGUE SERGEI EISENSTEIN
Lo Mejor del 1º Semestre 2007
BALANCE DE NUESTRA CARTELERA
Ratatouille
LA MEJOR CINTA ANIMADA
"La Huelga"
Epopeya del Proletariado
Lo Mejor 1º Semestre 2007
Resumen
"Ratatouille"
Un Increíble Gourmet
La Huelga - 'Epopeya del Proletariado'
... “La Huelga” tiene la particularidad y el mérito de retratar todos los procesos que se desarrollan en un movimiento colectivo como este, incluyendo la negligencia interna, la debilidad frente al poder y la pérdida de tiempo de muchos de quienes participan de él...
Nuevamente subdividida en distintos actos, seis para ser más precisos, la primera película dirigida por el mítico Sergei Eisenstein, otra vez tiene la particularidad de volver a retratar la concepción misma de la revolución político-social que dio origen a la ex Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas (U.R.S.S.). De hecho, La Huelga, del año 1924, a ochenta y tres años de su realización sigue cosechando elogios por su juego de montaje, aunque la aclamada “Acorazado de Potemkin”, y posteriormente “Octubre”, la relegaron a un segundo plano en la filmografía de Eisenstein.
Tal como su título lo indica, “La Huelga” es una viva descripción, bajo los argumentos de la era de Lenin, de lo que significaron las luchas intestinas dentro de las fábricas rusas, donde la explotación y la desidia del empresariado emergente, simbolizadas en el dueño, fecundaron las intentonas rebeldes de sus trabajadores, lo que finalmente derivaría en sangrientos enfrentamientos, y posteriormente en el nacimiento de la lucha obrera. Si la propaganda antimercantil, proclive además a la restitución del ser humano como eje social, era la idea fuerza del discurso de Lenin, Eisenstein era quien lo llevaba explícitamente a la pantalla grande.
La trama nos presenta en primer término el miedo y el temor que representa para la Rusia zarista el inicio y fortalecimiento de las huelgas. En este caso, se trata de una sola fábrica, pero en ella se simboliza toda una estructura social que estaría a punto de cambiar radicalmente en cuestión de tiempo. El descontento de los trabajadores se justifica por el bajo salario y las malas condiciones de trabajo, lo que irremediablemente repercute en sus familias, y un suceso trágico agudiza aún más la tensión, ya que uno de los empleados es acusado injustamente de robo, ante lo cual se quita la vida. Concientes que el estallido ya está en marcha, el director de la empresa, ayudado por altos funcionarios públicos, inicia el proceso de espionaje para desbaratar el movimiento y castigar a los cabecillas.
“La Huelga” tiene la particularidad y el mérito de retratar todos los procesos que se desarrollan en un movimiento colectivo como este, incluyendo la negligencia interna, la debilidad frente al poder y la pérdida de tiempo de muchos de quienes participan de él. Y pese a que nuevamente su director recurre a la caricatura y la teatralidad frente a quienes ve como sus enemigos políticos, entiéndase empresarios y funcionarios del Zar, y por cierto, persiste en la descripción de la violencia sin cuartel en las escenas finales, con asesinatos a mansalva de mujeres e infantes, lo cierto es que este film de antaño posee un mensaje difícil de olvidar, ayudado por cierto, con un montaje de excepción, a la mima altura de la cinta que le sucedería al año siguiente, “El Acorazado de Potemkin”.
La década del veinte en el siglo pasado no solo serviría para que Eisenstein colaborara con la propaganda leninista, sino que además, le permitió formar escuela con otros maestros de la época, de la talla de un Griogori Alexandrov o un Edgard Tissé. Esto no solo habla de una forma de hacer cine y exponerla libremente entre quienes quieran observarla, sino que derechamente nos expone un concepto que, más allá de la crítica, dejaría profundas huellas en el mundo del cine, sin importar el paso de los años y la distancia geográfica que nos separe del gigante euroasiático.
En definitiva, rastrear en el legado de Eisenstein es encontrar una y otra vez algo más que un mero director en busca de impactar al público, su público. Se trata de entender la filosofía de la Rusia pre stalinista, y que en trabajos como “La Huelga” nos enseña a comprender la mentalidad y el deseo de superación de una ideología que pese a haber muerto ya en forma masiva, aún consigue aplausos a través de uno de sus mejores propagandistas. “La Huelga”, pese a recibir críticas por su exagerada teatralidad, las que comparto, y ser excelentemente musicalizada varias décadas después, es otro legado que nos ayuda a comprender el agitado siglo XX que ya es historia.
Muy Buena
Ficha Técnica:
Nombre: La Huelga (The Strike / A Greve)
Género: Drama (Cine Mudo)
Formato: DVD
Dirección: Sergei Eisenstein
Guión: Grigori Aleksandrov, Sergei M. Eisenstein, Ilya Kravchunovsky y Valeryan Pletnyov
Reparto: Grigori Aleksandrov, Aleksandr Antonov, Yudif Glizer, Mikhail Gomorov, I. Ivanov, Ivan Klyukvin, Maksim Shtraukh
Producción: Boris Mikhin
Fotografía: Edgard Tissé
Montaje: Sergei Eisenstein
País: Rusia (ex U.R.S.S.)
Idioma: Ruso (subtítulos originales)
Duración: 82 minutos
Año: 1924
Link: http://cine.linkara.com/pelicula/
La Huelga
(The Strike)
(The Strike)
EPOPEYA DEL PROLETARIADO
continúa el ciclo de Sergei Eisenstein...
Nuevamente subdividida en distintos actos, seis para ser más precisos, la primera película dirigida por el mítico Sergei Eisenstein, otra vez tiene la particularidad de volver a retratar la concepción misma de la revolución político-social que dio origen a la ex Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas (U.R.S.S.). De hecho, La Huelga, del año 1924, a ochenta y tres años de su realización sigue cosechando elogios por su juego de montaje, aunque la aclamada “Acorazado de Potemkin”, y posteriormente “Octubre”, la relegaron a un segundo plano en la filmografía de Eisenstein.
Tal como su título lo indica, “La Huelga” es una viva descripción, bajo los argumentos de la era de Lenin, de lo que significaron las luchas intestinas dentro de las fábricas rusas, donde la explotación y la desidia del empresariado emergente, simbolizadas en el dueño, fecundaron las intentonas rebeldes de sus trabajadores, lo que finalmente derivaría en sangrientos enfrentamientos, y posteriormente en el nacimiento de la lucha obrera. Si la propaganda antimercantil, proclive además a la restitución del ser humano como eje social, era la idea fuerza del discurso de Lenin, Eisenstein era quien lo llevaba explícitamente a la pantalla grande.
La trama nos presenta en primer término el miedo y el temor que representa para la Rusia zarista el inicio y fortalecimiento de las huelgas. En este caso, se trata de una sola fábrica, pero en ella se simboliza toda una estructura social que estaría a punto de cambiar radicalmente en cuestión de tiempo. El descontento de los trabajadores se justifica por el bajo salario y las malas condiciones de trabajo, lo que irremediablemente repercute en sus familias, y un suceso trágico agudiza aún más la tensión, ya que uno de los empleados es acusado injustamente de robo, ante lo cual se quita la vida. Concientes que el estallido ya está en marcha, el director de la empresa, ayudado por altos funcionarios públicos, inicia el proceso de espionaje para desbaratar el movimiento y castigar a los cabecillas.
“La Huelga” tiene la particularidad y el mérito de retratar todos los procesos que se desarrollan en un movimiento colectivo como este, incluyendo la negligencia interna, la debilidad frente al poder y la pérdida de tiempo de muchos de quienes participan de él. Y pese a que nuevamente su director recurre a la caricatura y la teatralidad frente a quienes ve como sus enemigos políticos, entiéndase empresarios y funcionarios del Zar, y por cierto, persiste en la descripción de la violencia sin cuartel en las escenas finales, con asesinatos a mansalva de mujeres e infantes, lo cierto es que este film de antaño posee un mensaje difícil de olvidar, ayudado por cierto, con un montaje de excepción, a la mima altura de la cinta que le sucedería al año siguiente, “El Acorazado de Potemkin”.
La década del veinte en el siglo pasado no solo serviría para que Eisenstein colaborara con la propaganda leninista, sino que además, le permitió formar escuela con otros maestros de la época, de la talla de un Griogori Alexandrov o un Edgard Tissé. Esto no solo habla de una forma de hacer cine y exponerla libremente entre quienes quieran observarla, sino que derechamente nos expone un concepto que, más allá de la crítica, dejaría profundas huellas en el mundo del cine, sin importar el paso de los años y la distancia geográfica que nos separe del gigante euroasiático.
En definitiva, rastrear en el legado de Eisenstein es encontrar una y otra vez algo más que un mero director en busca de impactar al público, su público. Se trata de entender la filosofía de la Rusia pre stalinista, y que en trabajos como “La Huelga” nos enseña a comprender la mentalidad y el deseo de superación de una ideología que pese a haber muerto ya en forma masiva, aún consigue aplausos a través de uno de sus mejores propagandistas. “La Huelga”, pese a recibir críticas por su exagerada teatralidad, las que comparto, y ser excelentemente musicalizada varias décadas después, es otro legado que nos ayuda a comprender el agitado siglo XX que ya es historia.
Muy Buena
Ficha Técnica:
Nombre: La Huelga (The Strike / A Greve)
Género: Drama (Cine Mudo)
Formato: DVD
Dirección: Sergei Eisenstein
Guión: Grigori Aleksandrov, Sergei M. Eisenstein, Ilya Kravchunovsky y Valeryan Pletnyov
Reparto: Grigori Aleksandrov, Aleksandr Antonov, Yudif Glizer, Mikhail Gomorov, I. Ivanov, Ivan Klyukvin, Maksim Shtraukh
Producción: Boris Mikhin
Fotografía: Edgard Tissé
Montaje: Sergei Eisenstein
País: Rusia (ex U.R.S.S.)
Idioma: Ruso (subtítulos originales)
Duración: 82 minutos
Año: 1924
Link: http://cine.linkara.com/pelicula/
Escena
Próximo comentario:
- "Iván el Terrible I" (1943-1945)
La biografía de Sergei M. Eisenstein vendrá dentro de una sorpresa muy especial
Resumen, Lo Mejor 1º Semestre 2007
... ¿God Save "America"?...
1. Cartas desde Iwo Jima (Letters from Iwo Jima)
Director: Clint Eastwood
Género: Drama Bélico
País: Estados Unidos
Mes: Febrero
Alabada y criticada por igual. Para algunos, me incluyo, una de las mejores producciones bélicas, para otros en cambio, una mirada forzada y pretenciosa, por lo inaudito de ponerse en la piel de los japoneses, el bando perdedor, siendo una producción estadounidense. Lo último, un argumento extremadamente pobre, ante lo cual la descripción del honor nipón, y el duro trance para aceptar la derrota, la convirtieron en mi favorita para los Oscar 2007, pese a irse con las manos vacías. Clint Eastwood de lujo, y una vez más el japonés Ken Watanabe mostrando su gran nivel interpretativo. Lo mejor de estos seis primeros meses.
2. Alerta Solar (Sunshine)
Director: Danny Boyle
Género: Ciencia Ficción, Thriller Futurista
País: Reino Unido
Mes: Abril
Si con Eastwood hubo críticas contrapuestas, con el británico Danny Boyle la situación fue aún peor, ya que tratándose de una cinta futurista, claramente los más ortodoxos encontrarían fallas ligadas a la fantasía y lo poco creíble del argumento, especialmente hacia el final, pero lo cierto es que "Sunshine" fue mucho más que otra producción sobre naves espaciales, buenos efectos y salvadores del mundo, y retrató de manera magistral los vaivenes del alma humana en situaciones extremas. La actuación del irlandés Cillian Murphy entre los puntos más altos. A las injustas críticas negativas, se sumó el escaso interés por parte del público. Lamentable.
3. El Laberinto del Fauno (Pan's Labyrinth)
Director: Guillermo Del Toro
Género: Drama, Fantasía
País: España, México
Mes: Febrero
El mexicano Guillermo Del Toro completa la terna de estos tres primeros puestos, pero también supo de mordeduras de polvo con esta mezcla de fantasía, representada en la inocencia de una introvertida menor, con la rudeza del fascismo más extremo, simbolizada en un oficial franquista. Pese a perder la estatuilla de Hollywood en la quina a mejor film extranjero, Del Toro logró su objetivo, y ese consistió en darnos una mirada distinta de una época traumática en España a través del cine fantástico que lo ha hecho famoso. Impresionó, emocionó y dio que hablar. Lo mejor del cine de habla hispana.
4. La Conquista del Honor (Flags of Our Fathers)
Director: Clint Eastwood
Género: Drama
País: Estados Unidos
Mes: Enero
Nuevamente 'Harry El Sucio' disparando. Aunque algunos críticos consideraron a esta como la mejor película del binomio que Eastwood realizó sobre la batalla de Iwo Jima, en las postrimerías de la Segunda Guerra Mundial, efectivamente este es un título de jerarquía, pero muy en el estilo que ya le conocemos a su director, el de la amarga melancolía de sus personajes. Aún así fue imposible abstraerse de la fuerte crítica social que exhibió el film hacia la sociedad y la cultura estadounidense, siempre proclive a levantar y hundir personajes, incluyendo supuestos héroes. El mejor preámbulo para "Letters..."
5. Babel
Director: Alejandro González Iñárritu
Género: Drama
País: Estados Unidos
Mes: Enero
Curiosamente, el otro director latino que fue protagonista en los Oscar 2007 también sacó aplausos en Chile, y logra ubicarse entre los mejores. "Babel" es en mi opinión la mejor cinta coral a la fecha, pero probablemente las críticas que ha despertado este género con algunas precursoras, como la cuestionada "Crash", le pasaron la cuenta al también mexicano Alejandro González Iñárritu. Centrada en la fuerte incomunicación que ha caracterizado a la llamada 'aldea global', incluyendo aspectos racistas, la cinta no es en absoluto una joya, pero también resultó mucho mejor a lo esperado.
6. La Reina (The Queen)
Director: Stephen Frears
Género: Drama
País: Reino Unido
Mes: Abril
Aunque el trabajo del británico Stephen Frears ha sido siempre bueno, y tiene por lo tanto un buen número de seguidores, a través de esta producción logró una masividad que le había sido un tanto esquiva. Sin embargo, este trabajo tuvo otro sello indiscutible, por más que algunos quieran minimizarlo y adjudicar los buenos resultados solo a la mano del director. Ese sello fue la gran Helen Mirren. Probablemente en manos de otra actriz, el zigzagueo de la monarca tras la muerte de Diana, y el 'gallito' con Tony Blair, también hubieran rendido sus frutos, pero con Mirren la cinta consiguió un nivel que varios nos explicamos solo por su presencia. Valió la pena esperar meses por su estreno oficial.
7. El Custodio
Director: Rodrigo Moreno
Género: Drama
País: Argentina
Mes: Marzo
El argentino Rodrigo Moreno aún no tiene una gran filmografía, en términos de cantidad al menos, pero con esta penosa historia de Rubén, el guardaespaldas (o custodio) de un ministro que no se preocupa mayormente por él, salvo para utilizarlo como caricaturista en ciertos momentos, Moreno sacó la cara con creces por el cine sudamericano durante la primera parte del año. Esta es la historia de un hombre reprimido, martirizado interiormente, cuya personalidad es potenciada aún más con el ritmo pausado que le imprimió su director. Gran actuación del trasandino Julio Chávez. Pese a los meses, su estreno revalidó al SANFIC 2006 como la gran vitrina de pre estrenos en Santiago.
8. Borat, El Segundo Mejor Reportero del Glorioso País Kazajistán Viaja a América (Cultural learnings of America for make benefit glorious nation of Kazakhstan)
Director: Larry Charles
Género: Comedia Negra
País: Estados Unidos
Mes: Marzo
¿Ridícula?, en muchos pasajes sí, ¿Vulgar?, prácticamente toda la película, ¿Mala película? Para nada, en absoluto. Cómo explicar entonces que una producción que a simple vista es solo 'chacota' sea considerada como buena, pues bien, la respuesta a esta interrogante es una sola: la total y completa innovación del escritor, productor y director Larry Charles en materia de comedias. En conjunto con el irreverente actor Sacha Baron Cohen dieron vida a este periodista kazajo, judeófobo y machista, quien tras ir en busca de Pamela Anderson luego de pisar suelo estadounidense, termina conociendo el verdadero amor, siempre acompañado de su fiel amigo. Pese al evidente humor negro, esta fue la única comedia capaz de arrancarle carcajadas al espectador más serio y amargado. Genial.
9. Camino a Guantánamo (Road to Guantanamo)
Director: Michael Winterbottom. Co-dirección de Mat Whitecross
Género: Docudrama
País: Reino Unido
Mes: Abril
Este fue un gran exponente del género conocido como 'docudrama', que no es más que recrear en formato documental, con testimonios de los protagonistas casi en primer plano a lo largo del film, los duros momentos que marcaron sus vidas. El año pasado el mejor exponente fue "Touching the Void", y esta vez, siguiendo una línea idéntica, el británico Michael Winterbottom detalló la captura de cuatro pakistaníes en Afganistán tras el 11S, por tropas norteamericanas, quienes vivieron una amarga odisea, primero con la detención, luego la incomunicación y posteriormente el traslado a la temible base de Guantánamo. Lo mejor del cine de denuncia en lo que va del año, sus múltiples galardones, entre ellos Berlín 2006, no mentían.
10. Tú, Yo y Todos los Demás (Me and You and Everyone We Know)
Directora: Miranda July
Género: Comedia Dramática
País: Estados Unidos
Mes: Marzo
Faltaba la presencia femenina en materia de dirección, pero mucho más que eso, la mano de la joven directora norteamericana Miranda July también aportó con frescura a la cinematografía de su país, esta vez con una comedia mucho más en el estilo del cine independiente del gran país del norte. Miranda July fue capaz de presentar la difícil relación social de varios individuos a través de esta envolvente comedia dramática, personajes que a pesar de ser personas sin ningún atractivo aparente, finalmente logran ser potenciadas a través de este sorprendente guión, que a más de alguien puede hacerle sentir retratado. Otra cinta que demostró claramente que sus pergaminos no fueron un simple regalo.
11. Ratatouille
Director: Brad Bird
Género: Animación, Comedia
País: Estados Unidos
Mes: Junio
La cinta animada en CGI más importante del momento, y claramente la mejor en lo que va corrido de estos seis primeros meses del 2007. Ayudado en gran parte por el bajo nivel de las demás producciones de este género, el norteamericano Brad Bird, el mismo director a cargo de la exitosa y galardonada "Los Increíbles", también de Pixar y Walt Disney, nos ofreció una mirada bastante especial sobre la vieja idea de hacer realidad los sueños, por más difíciles que parezcan, personificando este adagio en la colaboración entre una rata y un torpe aprendiz de chef. Aunque con algunos pasajes algo rebuscados, la cinta finalmente, además de entretener, logra cautivar y encantar. Excelentes efectos de animación, especialmente con las texturas.
12. Diamante de Sangre (Blood Diamond)
Director: Edward Zwick
Género: Drama
País: Estados Unidos
Mes: Febrero
Pese a la llegada del cine sudafricano a nuestra cartelera, lo cierto es que a la hora de retratar las miserias del continente negro, el cine estadounidense sigue siendo imbatible. Eso lo tenía muy claro el norteamericano Edward Zwick, quien reclatutando a dos rostros potentes del cine de Hollywwod, Leonardo Di Caprio y Jennifer Connolly, junto al no menos conocido actor de color Djimon Hounsou, indagó en el caos de la guerra civil en Sierra Leona en los '90, específicamente en el rapto de menores para convertirlos en guerrilleros, mientras otros seres humanos son esclavizados en las minas de diamantes. Quizás sin tanta acción al estilo del cine comercial norteamericano, la denuncia que buscaba presentar Zwick no hubiera sucumbido ante la espectacularidad de muchos pasajes. Grandes actuaciones de Di Caprio y Hounsou.
Algunos comentarios...
Obviamente a causa de nuestras distribuidoras locales, los Estados Unidos recuperan el terreno perdido el 2006, específicamente frente al cine de Oriente y el francés, los que pese a algunas excepciones, brillaron por su ausencia estos primeros seis meses del 2007. Clint Eastwood como director con dos títulos, y ambos entre los mejores, tal como los hermanos belgas Dardenne en la última parte del año pasado.
La gran, gran ausente... La cinta alemana La Vida de los Otros, de Florian Henckel-Donnersmarck, ganadora este año del Oscar a mejor film extranjero, y pre estrenada hace un par de meses en el Cine UC, dentro de un ciclo de cine europeo. Habrá que seguir esperando, pero pudo ser claramente LA película de este primer recuento.
El cine chileno sigue sin levantar cabeza, y aunque Argentina se anotó con un título de primer nivel, el cine latinoamericano mantiene el discreto nivel del año pasado. Gracias a "El Laberinto del Fauno", co-producción hispano-mexicana, nuestro idioma se ubica entre lo más alto, pese a algunos detractores. Las grandes revelaciones fueron dos producciones africanas: "Yesterday" y "Tsotsi", ambas de Sudáfrica. Por otro lado, los títulos del Oscar y los Globos de Oro esta vez sí fueron un gran aporte, muy distinto a lo sucedido hace justo un año atrás.
Mayo del 2007, claramente el mes más débil en materia de grandes estrenos. El año pasado fue el mes de "El Castillo Andante", de Hayao Miyazaki.
En estos doce títulos, a diferencia de años anteriores, logran quedar representados tres géneros que algunos siguen considerando menores: Ciencia Ficción ("Sunshine"), Documental ("Road to Guantanamo") y Animación ("Ratatouille"). Nuevamente me costó decidir, ¿"Iwo Jima" de Eastwood o "Sunshine" de Boyle?... Dos géneros completamente distintos. Pero bueh, había que elegir.
Finalmente, como conclusión general, pese a varios títulos de gran nivel, este no ha sido un semestre excepcional, ya que estos 12 títulos del 1º semestre 2007, comparados con los mejores del año 2006, no se imponen mayormente. "Letters from Iwo Jima" y "Sunshine", a lo más, desbancan a "The Departed" de Martin Scorsese, pero nada más.
En fin, ojalá haya coincidencia con el criterio de ustedes.
Casi, casi entre los doce mejores...
Bien, cumplieron...
Esperábamos más...
Cerca del precipicio...
No hay caso, nada que hacer...
La Nota freak
Chris Evans, el nuevo sex-symbol de Hollywood, estuvo en las dos caras de la medalla. Como el agresivo Mace en "Sunshine", la segunda mejor película del semestre, y como Johnny Storm en "Los Cuatro Fantásticos 2", nuevamente uno de los bodrios del año.
Si olvidé algún estreno importante de este semestre, por favor con respeto, háganmelo saber.
Saludos a todos.
1. Cartas desde Iwo Jima (Letters from Iwo Jima)
Director: Clint EastwoodGénero: Drama Bélico
País: Estados Unidos
Mes: Febrero
Alabada y criticada por igual. Para algunos, me incluyo, una de las mejores producciones bélicas, para otros en cambio, una mirada forzada y pretenciosa, por lo inaudito de ponerse en la piel de los japoneses, el bando perdedor, siendo una producción estadounidense. Lo último, un argumento extremadamente pobre, ante lo cual la descripción del honor nipón, y el duro trance para aceptar la derrota, la convirtieron en mi favorita para los Oscar 2007, pese a irse con las manos vacías. Clint Eastwood de lujo, y una vez más el japonés Ken Watanabe mostrando su gran nivel interpretativo. Lo mejor de estos seis primeros meses.Heroísmo sin diferencia
2. Alerta Solar (Sunshine)
Director: Danny BoyleGénero: Ciencia Ficción, Thriller Futurista
País: Reino Unido
Mes: Abril
Si con Eastwood hubo críticas contrapuestas, con el británico Danny Boyle la situación fue aún peor, ya que tratándose de una cinta futurista, claramente los más ortodoxos encontrarían fallas ligadas a la fantasía y lo poco creíble del argumento, especialmente hacia el final, pero lo cierto es que "Sunshine" fue mucho más que otra producción sobre naves espaciales, buenos efectos y salvadores del mundo, y retrató de manera magistral los vaivenes del alma humana en situaciones extremas. La actuación del irlandés Cillian Murphy entre los puntos más altos. A las injustas críticas negativas, se sumó el escaso interés por parte del público. Lamentable.Ícaro contra su tragedia griega
3. El Laberinto del Fauno (Pan's Labyrinth)
Director: Guillermo Del ToroGénero: Drama, Fantasía
País: España, México
Mes: Febrero
El mexicano Guillermo Del Toro completa la terna de estos tres primeros puestos, pero también supo de mordeduras de polvo con esta mezcla de fantasía, representada en la inocencia de una introvertida menor, con la rudeza del fascismo más extremo, simbolizada en un oficial franquista. Pese a perder la estatuilla de Hollywood en la quina a mejor film extranjero, Del Toro logró su objetivo, y ese consistió en darnos una mirada distinta de una época traumática en España a través del cine fantástico que lo ha hecho famoso. Impresionó, emocionó y dio que hablar. Lo mejor del cine de habla hispana.El manto de los sueños
4. La Conquista del Honor (Flags of Our Fathers)
Director: Clint EastwoodGénero: Drama
País: Estados Unidos
Mes: Enero
Nuevamente 'Harry El Sucio' disparando. Aunque algunos críticos consideraron a esta como la mejor película del binomio que Eastwood realizó sobre la batalla de Iwo Jima, en las postrimerías de la Segunda Guerra Mundial, efectivamente este es un título de jerarquía, pero muy en el estilo que ya le conocemos a su director, el de la amarga melancolía de sus personajes. Aún así fue imposible abstraerse de la fuerte crítica social que exhibió el film hacia la sociedad y la cultura estadounidense, siempre proclive a levantar y hundir personajes, incluyendo supuestos héroes. El mejor preámbulo para "Letters..."5. Babel
Director: Alejandro González IñárrituGénero: Drama
País: Estados Unidos
Mes: Enero
Curiosamente, el otro director latino que fue protagonista en los Oscar 2007 también sacó aplausos en Chile, y logra ubicarse entre los mejores. "Babel" es en mi opinión la mejor cinta coral a la fecha, pero probablemente las críticas que ha despertado este género con algunas precursoras, como la cuestionada "Crash", le pasaron la cuenta al también mexicano Alejandro González Iñárritu. Centrada en la fuerte incomunicación que ha caracterizado a la llamada 'aldea global', incluyendo aspectos racistas, la cinta no es en absoluto una joya, pero también resultó mucho mejor a lo esperado.El drama del mundo
6. La Reina (The Queen)
Director: Stephen FrearsGénero: Drama
País: Reino Unido
Mes: Abril
Aunque el trabajo del británico Stephen Frears ha sido siempre bueno, y tiene por lo tanto un buen número de seguidores, a través de esta producción logró una masividad que le había sido un tanto esquiva. Sin embargo, este trabajo tuvo otro sello indiscutible, por más que algunos quieran minimizarlo y adjudicar los buenos resultados solo a la mano del director. Ese sello fue la gran Helen Mirren. Probablemente en manos de otra actriz, el zigzagueo de la monarca tras la muerte de Diana, y el 'gallito' con Tony Blair, también hubieran rendido sus frutos, pero con Mirren la cinta consiguió un nivel que varios nos explicamos solo por su presencia. Valió la pena esperar meses por su estreno oficial.Larga vida a Mirren
7. El Custodio
Director: Rodrigo MorenoGénero: Drama
País: Argentina
Mes: Marzo
El argentino Rodrigo Moreno aún no tiene una gran filmografía, en términos de cantidad al menos, pero con esta penosa historia de Rubén, el guardaespaldas (o custodio) de un ministro que no se preocupa mayormente por él, salvo para utilizarlo como caricaturista en ciertos momentos, Moreno sacó la cara con creces por el cine sudamericano durante la primera parte del año. Esta es la historia de un hombre reprimido, martirizado interiormente, cuya personalidad es potenciada aún más con el ritmo pausado que le imprimió su director. Gran actuación del trasandino Julio Chávez. Pese a los meses, su estreno revalidó al SANFIC 2006 como la gran vitrina de pre estrenos en Santiago.8. Borat, El Segundo Mejor Reportero del Glorioso País Kazajistán Viaja a América (Cultural learnings of America for make benefit glorious nation of Kazakhstan)
Director: Larry CharlesGénero: Comedia Negra
País: Estados Unidos
Mes: Marzo
¿Ridícula?, en muchos pasajes sí, ¿Vulgar?, prácticamente toda la película, ¿Mala película? Para nada, en absoluto. Cómo explicar entonces que una producción que a simple vista es solo 'chacota' sea considerada como buena, pues bien, la respuesta a esta interrogante es una sola: la total y completa innovación del escritor, productor y director Larry Charles en materia de comedias. En conjunto con el irreverente actor Sacha Baron Cohen dieron vida a este periodista kazajo, judeófobo y machista, quien tras ir en busca de Pamela Anderson luego de pisar suelo estadounidense, termina conociendo el verdadero amor, siempre acompañado de su fiel amigo. Pese al evidente humor negro, esta fue la única comedia capaz de arrancarle carcajadas al espectador más serio y amargado. Genial.9. Camino a Guantánamo (Road to Guantanamo)
Director: Michael Winterbottom. Co-dirección de Mat WhitecrossGénero: Docudrama
País: Reino Unido
Mes: Abril
Este fue un gran exponente del género conocido como 'docudrama', que no es más que recrear en formato documental, con testimonios de los protagonistas casi en primer plano a lo largo del film, los duros momentos que marcaron sus vidas. El año pasado el mejor exponente fue "Touching the Void", y esta vez, siguiendo una línea idéntica, el británico Michael Winterbottom detalló la captura de cuatro pakistaníes en Afganistán tras el 11S, por tropas norteamericanas, quienes vivieron una amarga odisea, primero con la detención, luego la incomunicación y posteriormente el traslado a la temible base de Guantánamo. Lo mejor del cine de denuncia en lo que va del año, sus múltiples galardones, entre ellos Berlín 2006, no mentían.10. Tú, Yo y Todos los Demás (Me and You and Everyone We Know)
Directora: Miranda JulyGénero: Comedia Dramática
País: Estados Unidos
Mes: Marzo
Faltaba la presencia femenina en materia de dirección, pero mucho más que eso, la mano de la joven directora norteamericana Miranda July también aportó con frescura a la cinematografía de su país, esta vez con una comedia mucho más en el estilo del cine independiente del gran país del norte. Miranda July fue capaz de presentar la difícil relación social de varios individuos a través de esta envolvente comedia dramática, personajes que a pesar de ser personas sin ningún atractivo aparente, finalmente logran ser potenciadas a través de este sorprendente guión, que a más de alguien puede hacerle sentir retratado. Otra cinta que demostró claramente que sus pergaminos no fueron un simple regalo.11. Ratatouille
Director: Brad BirdGénero: Animación, Comedia
País: Estados Unidos
Mes: Junio
La cinta animada en CGI más importante del momento, y claramente la mejor en lo que va corrido de estos seis primeros meses del 2007. Ayudado en gran parte por el bajo nivel de las demás producciones de este género, el norteamericano Brad Bird, el mismo director a cargo de la exitosa y galardonada "Los Increíbles", también de Pixar y Walt Disney, nos ofreció una mirada bastante especial sobre la vieja idea de hacer realidad los sueños, por más difíciles que parezcan, personificando este adagio en la colaboración entre una rata y un torpe aprendiz de chef. Aunque con algunos pasajes algo rebuscados, la cinta finalmente, además de entretener, logra cautivar y encantar. Excelentes efectos de animación, especialmente con las texturas.Un increíble gourmet
12. Diamante de Sangre (Blood Diamond)
Director: Edward ZwickGénero: Drama
País: Estados Unidos
Mes: Febrero
Pese a la llegada del cine sudafricano a nuestra cartelera, lo cierto es que a la hora de retratar las miserias del continente negro, el cine estadounidense sigue siendo imbatible. Eso lo tenía muy claro el norteamericano Edward Zwick, quien reclatutando a dos rostros potentes del cine de Hollywwod, Leonardo Di Caprio y Jennifer Connolly, junto al no menos conocido actor de color Djimon Hounsou, indagó en el caos de la guerra civil en Sierra Leona en los '90, específicamente en el rapto de menores para convertirlos en guerrilleros, mientras otros seres humanos son esclavizados en las minas de diamantes. Quizás sin tanta acción al estilo del cine comercial norteamericano, la denuncia que buscaba presentar Zwick no hubiera sucumbido ante la espectacularidad de muchos pasajes. Grandes actuaciones de Di Caprio y Hounsou.Algunos comentarios...
Obviamente a causa de nuestras distribuidoras locales, los Estados Unidos recuperan el terreno perdido el 2006, específicamente frente al cine de Oriente y el francés, los que pese a algunas excepciones, brillaron por su ausencia estos primeros seis meses del 2007. Clint Eastwood como director con dos títulos, y ambos entre los mejores, tal como los hermanos belgas Dardenne en la última parte del año pasado.
La gran, gran ausente... La cinta alemana La Vida de los Otros, de Florian Henckel-Donnersmarck, ganadora este año del Oscar a mejor film extranjero, y pre estrenada hace un par de meses en el Cine UC, dentro de un ciclo de cine europeo. Habrá que seguir esperando, pero pudo ser claramente LA película de este primer recuento.
El cine chileno sigue sin levantar cabeza, y aunque Argentina se anotó con un título de primer nivel, el cine latinoamericano mantiene el discreto nivel del año pasado. Gracias a "El Laberinto del Fauno", co-producción hispano-mexicana, nuestro idioma se ubica entre lo más alto, pese a algunos detractores. Las grandes revelaciones fueron dos producciones africanas: "Yesterday" y "Tsotsi", ambas de Sudáfrica. Por otro lado, los títulos del Oscar y los Globos de Oro esta vez sí fueron un gran aporte, muy distinto a lo sucedido hace justo un año atrás.
Mayo del 2007, claramente el mes más débil en materia de grandes estrenos. El año pasado fue el mes de "El Castillo Andante", de Hayao Miyazaki.
En estos doce títulos, a diferencia de años anteriores, logran quedar representados tres géneros que algunos siguen considerando menores: Ciencia Ficción ("Sunshine"), Documental ("Road to Guantanamo") y Animación ("Ratatouille"). Nuevamente me costó decidir, ¿"Iwo Jima" de Eastwood o "Sunshine" de Boyle?... Dos géneros completamente distintos. Pero bueh, había que elegir.
Finalmente, como conclusión general, pese a varios títulos de gran nivel, este no ha sido un semestre excepcional, ya que estos 12 títulos del 1º semestre 2007, comparados con los mejores del año 2006, no se imponen mayormente. "Letters from Iwo Jima" y "Sunshine", a lo más, desbancan a "The Departed" de Martin Scorsese, pero nada más.
En fin, ojalá haya coincidencia con el criterio de ustedes.
Solo en imágenes
Casi, casi entre los doce mejores...
Bien, cumplieron...
Esperábamos más...
Cerca del precipicio...
No hay caso, nada que hacer...
La Nota freak
Chris Evans, el nuevo sex-symbol de Hollywood, estuvo en las dos caras de la medalla. Como el agresivo Mace en "Sunshine", la segunda mejor película del semestre, y como Johnny Storm en "Los Cuatro Fantásticos 2", nuevamente uno de los bodrios del año.
Si olvidé algún estreno importante de este semestre, por favor con respeto, háganmelo saber.
Saludos a todos.
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